Anton Webern (1883 – 1945) – Complete Works – Disco 1

Anton Webern é o nome que sempre aparece quando o assunto é música moderna. Sua importância é indiscutível. Ele junto com Schoenberg e Alban Berg foram os criadores da música dodecafônica ou serial. Mas apesar do laço forte entre os três, é possível perceber características peculiares e caminhos distintos entre eles. Cada um deixou uma marca pessoal em suas obras. Nem por isso Webern é tão apreciado ou admirado como seus dois colegas. Poucos ouvem Webern, e muitos desses ouvem por obrigação.

Com o tempo e a boa vontade Webern começa a ser ouvido e executado nas salas de concertos. Mas realmente o ouvinte deve ser prevenido que não é tarefa fácil apreciar a música desse compositor. Ela é compacta e cortante como uma navalha. Onde, muitas vezes, perder um detalhe é perder o movimento inteiro de uma obra. Por isso apresento as obras completas de Anton Webern para que vocês mesmos avaliem esse compositor. Como virei torcedor de sua música, trago aqui seu mais competente advogado: Pierre Boulez.

Esta é a segunda integral realizada por Boulez. Alguns preferem a primeira versão (3 cds da Sony), acham mais empolgante (eu tenho essa versão, e não viveria sem ela). Mas essa segunda versão é tão boa quanto a primeira, e tem a vantagem de possuir uma qualidade de gravação melhor, além disso, essa integral tem as obras de juventude (aquelas sem opus). Desta maneira, a integral passa a ter 6 cds que pretendo postar aqui de maneira vagarosa para que os ouvintes julguem com cuidado.

O primeiro disco começa com a obra mais empolgante de Webern, a Passacaglia para orquestra op.1 (1908). Talvez a obra mais executada e gravada do mestre junto com Piano Variations op.27. Por incrível que pareça uma das melhores versões dessa obra é a de Karajan com a Filarmônica de Berlim. Mas esta versão de Boulez, também com a Filarmônica de Berlim, é genial pela transparência. Todos sabemos que Boulez é mestre em apresentar todos os detalhes de uma obra, mesmo que muitas vezes isso sacrifique a espontaneidade. Mas no caso de Webern, essa maneira de Boulez é perfeita. Como veremos, Webern escreveu muitas obras antes de sua Passacaglia. Obras de juventude, pouco originais. Como é o caso da última obra deste cd – Im Sommerwind (1904). Obra orquestral fortemente influenciada por Richard Strauss. O interessante é que essa simpática peça, desprezada pelo próprio Webern, tem sido regularmente executada.

A outra importante peça deste disco e que, podemos dizer, a primeira grande obra que caracteriza a forma econômica e concisa de Webern são as 5 movimentos para quarteto de cordas op.5 de 1909. A versão deste primeiro cd é o arranjo feito pelo próprio compositor em 1929 para orquestra de cordas. Mesmo assim não perdemos a nitidez dos timbres e texturas experimentadas por Webern na versão para quarteto de cordas.

Ainda em 1909 Webern escreveu outra obra de grande importância – as 6 peças para orquestra op.6. Claro que aqui a grande influência vem das 5 peças orquestrais de Schoenberg, pelas quais Webern tinha grande admiração. Mas não se enganem, Webern já tinha voz própria mesmo com seus 26 anos de idade. Às vezes penso que Schoenberg foi muito mais um parceiro que mestre dos dois outros compositores da Segunda Escola de Viena, acho que esse papel cabe mais a Mahler. Tanto a op.5 como a op.6 merecem silêncio absoluto e total concentração do ouvinte.

Esse primeiro disco é mesmo muito cativante. É impossível passar por ele e desprezar o que virá pela frente. Além das obras chaves e de juventude, temos um grande exemplo do poder de imaginação de Webern – a transcrição da fuga a 6 vozes da Oferenda Musical de Bach. Aqui Bach não é mais um compositor barroco. Sua música abstrata e complexa é levada pelas mãos de Webern para o modernismo. É, sem dúvida, a transcrição mais celebrada junto com os quadros de exposição de Ravel.

Para fechar o disco algumas transcrições da Danças Alemãs de Schubert feitas por Webern em 1931. Mas aqui o compositor não coloca cores diversas da leveza e simplicidade das peças originais.

1. Passacaglia for Orchestra op.1
2 – 6. 5 Movements for String Quartet, Op.5
7 – 12. Six pieces for orchestra, Op.6 – Original version (1909)
13. Musical Offering, BWV 1079 – Transcription: Anton Webern – Fuga (Ricercata) a 6 voci Berliner Philharmoniker
14 – 15. Six German Dances, D820 – orch. Anton Webern – No. 1 – 3
16. Im Sommerwind

Performed by Berlin Philharmonic Orchestra
Conducted by Pierre Boulez

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.:interlúdio:. Keith Jarrett – The Köln Concert

Conhecidíssimo e famosíssimo, o pianista, cravista e organista Keith Jarrett (1945) tem com o Köln Concert talvez o maior motivo de sua fama. Ele começou sua carreira no jazz com Art Blakey e Miles Davis. Depois foi contratado como grande estrela da ECM, criou dois quartetos, um americano e outro escandinavo, gravou montes de concertos solo, criou um trio com Gary Peacock e Jack DeJohnette, virou pianista e cravista erudito, gravou O Cravo Bem Temperado, os 24 Prelúdios e Fugas de Shostakovich e também Mozart, Handel, Pärt, etc. Não há dúvida de que é um cara talentoso, mas é cheio de umas idiossincrasias que deixaremos de lado aqui. A curiosidade é que creio ter intuído a futura carreira erudita do moço quando ouvi um solo dilacerante de Nude Ants (1979) e vaticinei aos berros que ele queria mesmo era tocar Bach. Bom, sei lá se ele já estava nos clássicos em 79.

Bom, mas o que interessa é que The Köln Concert é um excelente CD, principalmente o solo inicial de 26 minutos que contém uma súmula do que é capaz Mr. Jarrett.

Keith Jarret – The Köln Concert

1. Köln, January 24, 1975, Part I 26:01
2. Köln, January 24, 1975, Part IIA 14:54
3. Köln, January 24, 1975, Part IIB 18:14
4. Köln, January 24, 1975, Part IIC 6:56

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Johann David Heinichen (1683 – 1729) – Concerti Grandi

Não pensem que este é apenas mais um daqueles barrocos desencavados por Goebel e sua tchurma. Nada disso, este é um CD extraordinário que você já deveria estar baixando, se já não o fez. Heinichen é exuberante, tem enorme imaginação e sua música deve ser conhecida. Após um longo inverno, suas obras têm sido regravadas para pasmo dos aficionados do barroco que devem perguntar-se o porquê do silêncio.

É importante sublinhar que, em 1717, Heinichen trabalhou na corte do Príncipe Leopoldo de Anhalt-Cöthen, onde foi colega de meu pai. Depois, foi o Mestre de Capela em Dresden. O catálogo de obras é devido a um certo Seibel e por isso é que há aquele “S” antes da numeração. Sua obra não é pequena, ainda mais considerando-se o fato de que Heinichen era também um respeitado advogado…

Heinichen – Concerti Grandi

1-4 Concerto in F, S234
5-10 Concerto in G, S213
11-15 Concerto in F, S235
16-18 Concerto in F, S233
19-21 Sonata in A, S208
22 Concerto Movement in C minor, S240
23-25 Concerto in F, S231

Musica Antiqua Köln
Reinhard Goebel

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P.P. (Post Post, seu ignorante!) – Atenção! Nesta quinta-feira escura, fria e chuvosa — ao menos em Porto Alegre –, Milton Ribeiro garante a diversão do pessoal que gosta de música erudita com a crônica Mahler e o Gordão da H8.

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Krzysztof Penderecki (1933) – Credo

Vejam bem, meus amigos, nada tenho contra CDF Bach, muito pelo contrário! Só que costumo postar o que ouço e estou em pleno período — alguns diram crise — moderno. Espero não provocar a ira cedeefiana.

Um comentarista escreveu algo muito interessante sobre o Credo de Penderecki: aqui, ele não utiliza estilos de empréstimo de outros compositores; aqui, é a própria voz de Penderecki numa composição que une coral e solistas de forma absolutamente natural. O compositor teve a fortuna de contar com Helmuth Rilling e um notável grupo de solista na estréia que apresentamos, mas o que interessa realmente é a espetacular música de indiscutível religiosidade que nos faz pensar em alguns grandes autores do passado, como nosso papai.

Deixo-vos com o entusiasmado comentário de um músico:

A masterpiece for this century in a superb recording

In June 1999 I had the privelege of performing a recently written work by Polish composer Krzysztof Penderecki, under his direction. By that time I had no idea who was Penderecki, but as soon as I heard that piece I was enchanted by his music: the piece was Credo. Since then, I have been studying his art and atracted even more to his music. Credo is definitely a masterpiece for this century, from the beginning till the end. As soon as it begins, with the choir, in the powerful main theme it captures all your attention. Particularly expressive is the place where the theme comes back, with the soloists. The second movement is very beautifull and rich in textures and solo melodies that express the happening of the Lord’s birth. But the focus point should be the third movement, with it’s Latin, Polish and German interpolations. The quasi aria Pangue Lingua (Mz) is rich in power and virtuosity, but it is enriched by the glorious appearance of the hymn Ludu moj ludu, for me, the most beautiful moment in the whole piece. The 4th movement is incredibly dramatic and rhythmic. The 5th, brings again the main theme with virtuoso parts for the soloists. I must take notice of the powerful harmonies in the brasses in “visibilium omnium” and the beautiful melody in the choir in “unum Dominum…” After a big dramatic section, it begins to push toward the ending, only interrupted by an Alleluia in the children’s choir that resembles the Gregorian chant. The finale is amazing: three big Amens, but…, wait…, a soft chord in the offstage brass remind us that Credo is supposed to be part of a BIG Mass to be completed soon. So this is not really THE END. This recording is great: the choirs, the orchestra, the soloists, the CONDUCTOR, but the one who should REALLY be praised is the composer. Bravi!

F.J. Rivera

Penderecki – Credo

1. Credo: I. Credo In Unum Deum
2. Credo: II. Qui Propter Nos Homines – III. Et Incarnatus Est
3. Credo: IV. Crucifixus
4. Credo: V. Et Resurrexit Tertia Die
5. Credo: VI. Et In Spiritum Sanctum – VII. Et Vitam Venturi Saeculi

Thomas Quasthoff
Marietta Simpson
Milagro Vargas
Juliane Banse
Thomas Randle
Helmuth Rilling, conductor
Oregon Bach Festival Orchestra

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Dmitri Shostakovich (1906-1975) – Integral das Sinfonias – A Décima-primeira (CD 9 de 11)

A Sinfonia Nº 11, Op. 103 – O Ano de 1905 (1957) talvez seja a maior obra programática já composta. Há grandes exemplos de músicas descritivas tais como As Quatro Estações de Vivaldi, a Sinfonia Pastoral de Beethoven , a Abertura 1812 de Tchaikovski, Quadros de uma Exposição de Mussorgski e tantas outras, mas nenhuma delas liga-se tão completa e perfeitamente ao fato descrito do que a décima-primeira sinfonia de Shostakovich.

Alguns compositores que assumiram o papel de criadores de “coisas belas”, vêem sua tarefa como a produção de obras tão agradáveis quanto o possível. Camille Saint-Saëns dizia que o artista “que não se sente feliz com a elegância, com um perfeito equilíbrio de cores ou com uma bela sucessão de harmonias não entende a arte”. Outra atitude é tomada por Shostakovich, que encara vida e arte como se fosse uma coisa só, que vê a criação artística como um ato muito mais amplo e que inclui a possibilidade do artista expressar – ou procurar expressar – a verdade tal como ele a vê. Esta abordagem foi adotada por muitos escritores, pintores e músicos russos do século XIX e, para Shostakovich, a postura realista de seu ídolo Mussorgsky foi decisiva. A décima primeira sinfonia de Shostakovich tem feições inteiramente mussorgkianas e foi estreada em 1957, ano do quadragésimo aniversário da Revolução de Outubro. Contudo, ela se refere a eventos ocorridos antes, no dia 9 de janeiro de 1905, um domingo — o Domingo Sangrento –, quando tropas czaristas massacraram um grupo de trabalhadores que viera fazer um protesto pacífico e desarmado em frente ao Palácio de Inverno do Czar, em São Petersburgo. O protesto, feito após a missa e com a presença de muitas crianças, tinha a intenção de entregar uma petição — sim um papel — ao czar, exatamente esta aqui, solicitando coisas como redução do horário de trabalho para oito horas diárias, assistência médica, melhor tratamento, liberdade de religião, etc. A resposta foi dada pela artilharia, que matou mais de cem trabalhadores e feriu outros trezentos.

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O primeiro movimento descreve a caminhada dos trabalhadores até o Palácio de Inverno e a atmosfera soturna da praça em frente, coberta de neve. O tema dos trabalhadores aparecerá nos movimentos seguintes, porém, aqui, a música sugere uma calma opressiva.

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O segundo movimento mostra a multidão abordar o Palácio para entregar a petição ao czar, mas este encontra-se ausente e as tropas começam a atirar. Shostakovich tira o que pode da orquestra num dos mais barulhentos movimentos sinfônicos que conheço, apesar de que Haitink supera em muito Kondrashin neste movimento.

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O terceiro movimento, de caráter fúnebre, é baseado na belíssima marcha de origem polonesa Vocês caíram como mártires (Vy zhertvoyu pali) que foi cantada por Lênin e seus companheiros no exílio, quando souberam do acontecido em 9 de janeiro.

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O final – utilizando um bordão da época – é a promessa da vitória final do socialismo e um aviso de que aquilo não ficaria sem punição.

CD 9

SYMPHONY No.11 in G Minor, Op.103
1. The Palace Square (Adagio)
2. January 9th (Allegro)
3. In Memoriam (Adagio)
4. Tocsin (Allegro non troppo)

Recorded: September 7, 1973
Moscow Philharmonic Orchestra
Kirill Kondrashin, Conductor
Total time 56:54

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.: interlúdio anexo, sobre Kind of Blue :.

Eu, também responsável, não poderia deixar postagem de tal monta (veja abaixo) passar sem oferecer alguma informação. Pois trabalho em conjunto com FDP e trago um pouco de literatura e um punhado de dados para enriquecer a experiência de novatos e veteranos.

Kind Of Blue

 

Kind of Blue em tópicos rápidos
• Gravado em 22 de março (lado A, as três primeiras faixas) e 09 de abril de 1959 (lado B)
• Lançado em 17 de agosto daquele mesmo ano
• O álbum mais vendido da história do jazz
• E um dos mais importantes e influenciais de toda a música
• Nasceu do esgotamento do bebop diante da criatividade de Miles
• E do seu encontro com um livro chamado Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization
• Kind of Blue, em termos de composição, foi precedido pela faixa Milestones, do disco homônimo de 58
• Marca o surgimento do jazz modal – baseado em escalas, ao invés de acordes
• E disso, um retorno à melodia, ao invés do duo técnica + velocidade do bebop
• É um disco que flui fácil nos ouvidos à primeira audição; na segunda, se percebe a enorme complexidade dos temas
• Gênio? disse Bill Evans: “Miles conceived these settings (as escalas) only hours before the recording dates.

“So What” consists of a mode based on two scales: sixteen measures of the first, followed by eight measures of the second, and then eight again of the first. “Freddie Freeloader” is a standard twelve bar blues form. “Blue in Green” consists of a ten-measure cycle following a short four-measure introduction. “All Blues” is a twelve bar blues form in 6/8 time. “Flamenco Sketches” consists of five scales, each to be played “as long as the soloist wishes until he has completed the series”.

• Evidentemente, a banda também não sabia quase nada sobre o que gravaria ao chegar no estúdio
• Wynton Kelly, que havia substituído Bill Evans há pouco no grupo de Davis, toca apenas “Freddie Freeloader”
• E Cannonball Adderley não participa de “Blue in Green”
• Sobre a obra, definiu Chick Corea: “It’s one thing to just play a tune, or play a program of music, but it’s another thing to practically create a new language of music, which is what Kind of Blue did.”

Este cão, que não sabe contar – e muito menos entende de teoria musical – apenas esmigalha informação disponível, e lembranças, para os leitores. Assim como não esquece da melhor crônica que já leu sobre Kind of Blue, escrita no blog de Rafael Galvão – e compartilha. Inadvertidamente, a copio abaixo. É também resenha do livro de Ashley Kahn sobre Kind of Blue. Leiam logo, antes que ele descubra.

 

Kind of Blue
Oct 5th, 2007 por Rafael Galvão

Há algo de desgraçado no jazz. Algo que faz com que ninguém o ouça impunemente, que condena aquele que o conhece a nunca mais conseguir voltar atrás, a nunca mais se contentar de verdade com menos que aquilo; algo que eleva, para sempre, os padrões pelos quais se julga a música, qualquer tipo de música, não apenas a popular.

É difícil, para aquele que ouve o trumpete de Louis Armstrong, ouvir qualquer outra música com trumpete e não exigir que tenha a mesma qualidade, a mesma qualidade dramática, a mesma síncope, o mesmo swing — em última instância, as mesmas notas altas e desesperadas. E isso vale também para o piano, para o trombone, para o saxofone. É no jazz que a banda de música tradicional atinge o ápice, que eleva a arte de tocar esses instrumentos à perfeição.

O jazz é a forma superior de música popular. É o que de melhor fez um século que viu a música erudita se diluir em redundâncias medíocres como as trilhas para cinema ou grandes vazios como a música experimental, e que teve como principal trilha sonora o rock e o pop, galhos menos floridos do mesmo tronco que gerou o jazz.

E Kind of Blue, disco de Miles Davis, é a forma superior de jazz. Nunca mais o jazz atingiria um ponto semelhante, de perfeição quase absoluta. Foi ali, em um disco com a participação de mestres como John Coltrane e Bill Evans, gravado em duas sessões, com o primeiro take sendo o que valia, que o jazz atingiu a perfeição. Kind of Blue é um desses discos fundamentais por uma razão: é perfeito. Das notas iniciais de So What à última nota de All Blues, o que se tem não é a apenas a obra-prima do que chamavam jazz modal; é uma síntese de tudo o que o jazz tinha feito até aquele momento, do dixieland ao bebop: é a música popular elevada ao nível máximo que ela pode alcançar, quase ao nível da música erudita tradicional.

Embora tenham sido Louis Armstrong e Duke Ellington a dar ao jazz o status de arte, foi aquela geração — Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Miles Davis e John Coltrane, pela ordem — que elevou o jazz ao ponto máximo da música ocidental. Uma geração ambiciosa, consistente, que explodia os limites da música e apontava uma infinidade de caminhos ao mesmo tempo em que solidificava, com um talento nunca mais igualado, uma tradição de 50 anos de jazz. Infelizmente, quase na mesma época surgiria Ornette Coleman com uma nova mudança, e a porteira seria aberta para bobagens como free jazz e fusion; mas isso não importa. Ouve Ornette Coleman quem quer e quem gosta. O importante, mesmo, é que há um disco que explica, sem sequer uma palavra, o que é o jazz, que concentra em cinco faixas cinqüenta anos do mais assombroso gênero musical que o século XX criou. E esse disco é Kind of Blue.

A Barracuda, do Freddy Bilyk, lançou no começo deste ano um livro que conta a saga desse disco: “Kind of Blue — A história da obra prima de Miles Davis“, de Ashley Kahn, conta a história desse disco de maneira inteligente e simples. Contextualiza o disco em sua época e nas trajetórias de seus músicos, sem perder tempo com fofocas e explorações sensacionalistas ou simplesmente mundanas de detalhes pouco importantes, como os problemas com drogas que praticamente todos eles enfrentaram.

Kahn mostra o processo de criação das músicas, explicando a razão de cada termo utilizado com clareza e simplicidade notáveis. Detalha cada sessão, e explica cada música de um jeito simples mas completo. Explica por que o disco foi tão importante. E explora o legado de um álbum que foi recebido sem tanta euforia, mas que aos poucos se consolidou como o disco mais importante da história do jazz.

A importância de Miles Davis pode ser medida pelo que ele disse em um jantar na Casa Branca. Naquela ocasião, ele não mentiu. E Kind of Blue foi uma dessas revoluções. Talvez não tão importante, do ponto de vista “revolucionário”, quanto Birth of Cool; mas um disco estupidamente superior.

Por explorar com simplicidade um assunto tão fascinante mas ao mesmo tempo tão complexo, “Kind of Blue” é um daqueles livros indispensáveis para quem gosta de jazz, mas também para músicos que querem saber como pode funcionar uma sessão de gravação. É importante, também, para compositores que buscam densidade em seu processo criativo.

Há alguns anos, a Gabi me convidou para escrever uma coluna sobre jazz no site da Antena 1. A resposta foi a costumeira, uma recusa, mas dessa vez não foi apenas pela falta de tempo crônica: eu sabia que jamais poderia escrever sobre jazz porque isso requer uma erudição que eu, definitivamente, não tenho. Palavras e expressões como diatônica, escala cromática, modalismo não fazem parte do meu vocabulário habitual. E ler “Kind of Blue” me deixou com a certeza de que eu estava certíssimo ao dizer não. Mas, ainda mais que isso, me deu o conforto de saber que um sujeito como Ashley Kahn pode tornar essas palavras difíceis compreensíveis até para mim.

 

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Interlúdio – Miles Davis – Kind of Blue

FDP Bach pede desculpas, mas. devido a compromissos profissionais, está impossibilitado de continuar postando no mesmo ritmo dos últimos meses, então, o espaço entre minhas postagens pode ficar maior.

E eis que por uma falha tremenda por parte deste que vos escreve, e por parte também de blue dog, esquecemos que ontem, dia 25 de maio, Miles Davis estaria complentando 82 anos. Como pudemos esquecer tal data? Esquecimento imperdoável.

Já foram vários os pedidos para que este álbum fosse postado, mas sempre fomos protelando, e empurrando com a barriga. Hoje, conversando com um amigo (que me lembrou do dia 25), resolvi encarar.

O que podemos falar sobre “Kind of Blue”, considerado pela crítica especializada o melhor álbum de jazz já gravado, aquele que encabeça a maior parte das listas de Top 10 desde seu lançamento em 1959, o maior sucesso de vendas da carreira de Miles, aquele que segundo reza a lenda a Columbia, e posteriormente a Sony, jamais deixaram de prensar, seja em LP, seja em CD, um disco por muitos considerados perfeito, difícil de se encontrar um momento que possa ser considerado mais fraco ? Sem palavras… Coltrane, Cannonball Aderley, Bill Evans, Paul Chambers, Winton Kelly e Jimmy Cobb.. poucas formações foram tão fantásticas quanto esta..

Informações mais detalhadas sobre o álbum podem ser encontradas aqui.
Não vou mais perder tempo escrevendo, pois quero ouvir pela enésima vez o CD.

Miles Davis – Kind of Blue

01 – So What

02 – Freddie Freeloader

03 – Blue In Green

04 – All Blues

05 – Flamenco Sketches

06 – Flamenco Sketches (Alternate Take)

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Antonio Vivaldi (1678 — 1741) – Concertos para Flauta

Bons discos de concertos de Vivaldi há aos montes. Este é mais um. Com a grife da Harmonia Mundi – o que nunca é desprezível -, este CD traz sete concertos para uma e duas flautas. Creio que são os melhores que o Padre Rosso compôs para o instrumento, pois mais parece uma antologia de obras conhecidas e admiradas. Um CD consistente e bom, que não pode faltar na “discoteca básica”.

Vivaldi – Concertos para Flauta

1-3. Concerto In D Major, RV 427: Concerto In D Major, RV 427 (Re Majeur – D-Dur)
4-6. Concerto In G major, RV 438: Concerto In G major, RV 438 (Sol Majeur – G-Dur)
7-9. Concerto In A Minor, RV 440: Concerto In A Minor, RV 440 (La Mineur – A-Moll)
10-12. Concerto In C Major, RV 533: Concerto In C Major, RV 533 (Do Majeur/C-Dur) – para duas flautas
13-15. Concerto In D Major, RV 428: Concerto In D Major, RV 428, ‘il gardellino’ – para duas flautas
16-18. Concerto In G Major, RV 436: Concerto In G Major, RV 436 (Sol Majeur – G-Dur)
19-21. Concerto In D Major, RV 429: Concerto In D Major, RV 429 (Re Majeur – D-Dur)

Janet See (Flute)
Stephen Schultz (Flute)
Philharmonia Baroque Orchestra (Orchestra)
Nicholas McGegan (Conductor)

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.: interlúdio :.

Hesitei quase a semana inteira para postar este álbum. Já havia subido o arquivo há alguns dias, e eu pensando, será que não vou arranjar briga com os leitores mais conservadores do blog? Será que PQP, FDP e CDF não irão me botar pra dormir na rua, enquanto Clara joga no lixo todos os meus brinquedos – entre eles o meu fone de ouvido de mascar que eu tanto gosto?

Ora, também não haverá de ser para tanto. É sexta-feira, e este é um disco de sextas-feiras. Leve e bem-humorado, simples aos ouvidos, harmônico e, como eu, bem-intencionado.

Quase todo mundo conhece Björk – se não pela voz, pelas esquisitices que comete em nome de sua música e imagem avant-garde. O que quase todo mundo ignora, porém, é que antes mesmo de lançar-se em carreira solo, a pequena islandesa de voz gigante gravou um disco de standards de jazz. Islandeses, no caso.

O ano era 1990, e o Tríó Guðmundar Ingólfssonar foi incumbido de gravar um disco-memória do jazz local. Sendo uma formação econômica, precisariam de uma voz para a empreitada. O octogenário baterista Steingrímsson lembrou então da garota de 16 anos que vivia zanzando pelos corredores da rádio (onde mantinham há muito um programa ao vivo), apaixonada por jazz, e que estava sempre em bandas malucas de rock. Björk – a essas alturas, com 24 de idade – topou na hora, e foi a responsável por criar o setlist. Além das canções locais, alguns temas internacionais – como “I Can’t Help Loving that Man”, “Ruby Baby” e “You Can’t Get A Man With A Gun” (aqui traduzida para “Það Sést ekki Sætari Mey”). Daí já se pode notar a tônica: jazz-pop dos anos 50. É disco de platina e, mais que amor de verão, durou excursões até 1992 – quando Steingrímsson morreu.

Às vezes easy-listening, noutras dançante; singelo e honesto álbum, onde, é claro, a voz de Björk reina com descontração. Vai bem com vinho branco e sorrisos.

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Björk Guðmundsdóttir & Tríó Guðmundar Ingólfssonar: Gling-Gló (224)
Björk Guðmundsdóttir: voice
Guðmundur Ingólfsson: piano, tambourine
Guðmundur Steingrímsson: drums, maracas, christmas bells
Þórður Högnason: bass

Produzido por Tómas Tómasson para a Smekkleysa

download – 90MB
01 Gling gló 2’44
02 Luktar-Gvendur 4’05
03 Kata Rokkar 2’56
04 Pabbi Minn 2’44
05 Brestir og Brak 3’23
06 Ástartröfrar 2’43
07 Bella símamær 4’00
08 Litli tónlistarmaðurinn 3’23
09 Það Sést ekki Sætari Mey 4’00
10 Bílavísur 2’38
11 Tondeleyo 3’29
12 Ég Veit ei Hvað Skal Segja 3’03
13 Í dansi með þér 2’26
14 Börnin við Tjörnina 2’46
15 Ruby Baby 4’00
16 I Can’t Help Loving That Man 3’40

Boa audição!

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Morton Feldman (1926 – 1987): Piano and Orchestra; Flute and Orchestra; Oboe and Orchestra; Cello and Orchestra

É difícil definir a música de Morton Feldman. Mas se temos intimidade com pintura abstrata ou o teatro de Beckett, esta tarefa fica mais simples. A música de Feldman é o espaço pintado com sons, só que sem ritmo, melodia ou mesmo qualquer forma. A estrutura de Feldman é a não-estrutura. O risco é a monotonia e, mesmo para ouvintes calejados, é apenas essa sensação que parece existir. A música de Feldman não oferece pontos para nos apoiarmos, o ouvinte segue os sons com os mesmos olhos de quem segue um quadro de Pollock.

Esse disco oferece quatro obras importantes, todas elas escritas na década de 1970, época que Feldman já começava a encontrar seu próprio estilo. Apesar dos títulos das obras, todas elas são anti-concertos, pois nenhum dos solistas é mais importante que a orquestra, e nem há diálogo entre eles. A construção é aquela que já disse no início, a orquestra e o solista se completam na criação de um espaço sonoro, sem início, fim ou desenvolvimento. No entanto, extremamente cativante, pois dá ao ouvinte uma sensação de vagar em terreno misterioso e belíssimo. Não se enganem com a primeira impressão (como já aconteceu comigo), Morton Feldman foi um compositor dos grandes.

Disco: 1
1. Flute And Orchestra
2. Cello And Orchestra

Disco: 2
1. Oboe And Orchestra
2. Piano And Orchestra

Performed by Runkfunk-Sinfonieorchester Saarbrucken
Conducted by Hans Zender

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Olivier Messiaen (1908 – 1992): Turangalîla Symphony / L’ascension

Este CD, comprado após uma Editor`s Choice da Gramophone, é um acerto de cabo a rabo. Engraçado que Olivier Messiaen dizia a todos que a execução da Turangalîla deveria durar 75 minutos, não mais e não menos. Este blogueiro já nos mostrou que Hans Rosbaud (1895-1962) a despachou em menos de 70 minutos e 80 minutos não foram suficientes para Simon Rattle (1955-)… A Turangalîla é uma estranha sinfonia escrita para piano, ondas martenot e orquestra; às vezes parece um concerto para piano para logo depois virar música mui discretamente eletrônica. Outras vezes é de inspiração religiosa, mas também é uma obra bastante americanizada. Aliás, não é para menos: ela foi escrita entre 1946 e 1948, por encomenda de Serge Koussevitzky para a Boston Symphony Orchestra, e estreada sob direção de Leonard Bernstein. Vocês queriam o quê?

O título da peça deriva de duas palavras de sânscrito, turanga e lîla, que em conjunto significam algo como “canção de amor e hino de alegria, movimento, ritmo, tempo, vida e morte” (curioso duas palavrinhas significarem tanta coisa, né?)

Esta complexa e esplêndida sinfonia em 10 movimentos está entre minhas absolutas preferências e a notável gravação que a Naxos nos traz é mais que satisfatória. Há muito a ouvir e sugiro o volume máximo. As ondas martinot são uma curiosidade à parte, mas as súbitas homenagens do ultra-erudito Messiaen à música americana, entremeadas de passagens dramáticas e religiosas fazem a alegria de qualquer um. Messiaen foi muito mais do que o professor de Stockhausen, Boulez e outros, foi um tremendo compositor!

Indico fortemente.

MESSIAEN: Turangalila Symphony / L’ascension

Disc 1
Turangalila-symphonie
1. I. Introduction 00:06:40
2. II. Chant d’ amour 1 00:08:30
3. III Turangalila 1 00:05:21
4. IV. Chant d’ amour 2 00:11:32
5. V. Joie du sang des etoiles 00:06:19
6. VI. Jardin du sommeil 00:12:29
7. VII. Turangalila 2 00:04:01

BAIXE AQUI CD1 – DOWNLOAD HERE CD1

Disc 2
1. VIII. Developpement de l’Amour 00:12:02
2. IX. Turangalila 3 00:05:22
3. X. Final 00:08:32

Thomas Bloch, ondas martenot
Francois Weigel, piano
Polish National Radio Symphony Orchestra
Antoni Wit, Conductor

L’ascension
4. I. Majeste du Christ demandant sa gloire a son Pere 00:05:38
5. II. Alleluias sereins d’une ame qui desire le ciel 00:06:09
6. III. Alleluia sur la trompette, Alleluia sur la cymbale 00:05:48
7. IV. Priere du Christ montant vers son Pere 00:08:59

Polish National Radio Symphony Orchestra
Antoni Wit, Conductor

BAIXE AQUI CD2 – DOWNLOAD HERE CD2

Total Playing Time: 01:47:22

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Johann Rosenmuller (1619 – 1684) – Sonatas de Câmara e Sinfonias

Não sei se eu ouvi este CD de forma desatenta… Será? O fato é que a única coisa que eu posso dizer dele é que Savall é ótimo, mas Rosenmuller é rotineiro, comum. O alemão Rosenmüller viveu quase toda sua vida em Veneza. Ele foi trombonista na Basílica de São Marcos. Ao final da vida, voltou à Alemanha, onde suas obras instrumentais “italianas” passaram a ser referência para outros compositores, talvez maiores… Vou ouvir novamente hoje à noite.

Rosenmuller – Sonatas de Câmara e Sinfonias

1 Sinfonia Seconda in D major (Venezia 1667)
2 Sonata No. 7 in D minor (Nürnberg 1682)
3 Sinfonia No. 4 in G minor (Venezia 1667)
4 Suite No. 1 in C major (Leipzig 1654)
5 Sonata No. 11 in A major (Nürnberg 1682)
6 Sinfonia No. 1 in F major (Venezia 1667)
7 Sonata No. 9 in D major (Nürnberg 1682)

Jordi Savall
Hesperion XX

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Dmitri Shostakovich (1906-1975) – Integral das Sinfonias – A Décima (CD 5 de 11)

Este monumento da arte contemporânea mistura música absoluta, intensidade trágica, humor, ódio mortal, tranqüilidade bucólica e paródia. Tem, ademais, história bastante particular.

Em março de 1953, quando da morte de Stalin, Shostakovich estava proibido de estrear novas obras e a execução das já publicadas estava sob censura, necessitando autorizações especiais para serem apresentadas. Tais autorizações eram, normalmente, negadas. Foi o perí­odo em que Shostakovich dedicou-se à música de cãmara e a maior prova disto é a distância de oito anos que separa a nona sinfonia desta décima. Esta sinfonia, provavelmente escrita durante o perí­odo de censura, além de seus méritos musicais indiscutíveis, é considerada uma vingança particular contra Stalin. Primeiramente, ela parece inteiramente desligada de quaisquer dogmas estabelecidos pelo realismo socialista. Para afastar-se ainda mais, seu segundo movimento contém exatamente as ousadias sinfônicas que deixaram Shostakovich mal com o regime stalinista. Não são poucos os comentaristas consideram ser este movimento uma descrição musical de Stálin: breve, é absolutamente violento e brutal, enfurecido mesmo, e sua oposição ao restante da obra faz-nos pensar em segundas intenções do compositor. Para completar o estranhamento, o movimento seguinte é pastoral e tranqüilo, contendo o maior enigma musical do mestre: a orquestra pára, dando espaço para a trompa executar o famoso tema baseado nas notas DSCH (ré, mi bemol, dó e si, em notação alemã) que é assinatura musical de Dmitri SCHostakovich, em grafia alemã. Para identificá-la, ouça o tema solo executado pela trompa. Ele será repetido quatro vezes. Ouvindo a sinfonia, chega-nos impressão de que, tendo sobrevivido à Stálin, Shosta canta diz insistentemente: Stalin está morto, DSCH, não. O mais notável da décima é o tratamento magistral em torno de temas que se transfiguram constantemente.

Um ano depois, em 1954, a Décima já tinha status de obra-prima no Ocidente. Stokowiski, Ormandy e Mitropoulos a gravaram, o último em registro fenomenal para a CBS. É um documento de uma época. Combina uma visão épica dos acontecimentos do inverno stalinista com os mais aterradores insights, tão característicos do último Shostakovich.

É música de primeira linha. Lembro de ter solicitado sua execução para a Rádio da UFRGS em 1974. Fui atendido e a Décima tornou-se parte do repertório habitual da emissora…

CD 5

SYMPHONY No.10 in E Minor, Op.93

1. Moderato
2. Allegro
3. Allegretto
4. Andante. Allegro

Recorded: September 24, 1973
Moscow Philharmonic Orchestra
Kirill Kondrashin, Conductor

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Matthäeus-passion BWV 244 – Herreweghe

Talvez por hoje ser domingo, talvez por ser véspera de mais um feriadão santo, talvez pelo fato de que o mano PQP esteja desesperado atrás desta gravação, além de outros comentaristas, enfim, não sei, talvez mesmo pelo fato de eu estar me sentido bem hoje, e a partir de amanhã começa uma nova fase em minha vida (pela primeira vez na vida encararei a sala de aula enquanto professor), ou seja, acabaram-se os finais de semana sem nada para se fazer a não ser descansar, sei lá, só sei que preciso terminar este enorme parágrafo dizendo que aí está a Paixão Segundo Matheus, na versão de Phillipe Herreweghe, Andreas Schöll, do Ian Bostridge entre outros.

Seguindo meio que os moldes que o mano PQP utilizou para postar a Missa, estarei postando algumas versões dessa obra absolutamente impactante, é impossível ficar indiferente à ela. Desde o coral inicial, “Kommt, ihr Töchter, helft mir klagen”, passando pela mais bela ária já composta para contralto, “Erbarme dich”, neste caso interpretada pelo contra-tenor Andreas Schöll, em minha opinião, esta é a obra mais importante de meu pai.

Herreweghe tem uma interpretação mais intimista, com coral e orquestra reduzidos, ao contrário das versões arrasa-quarteirão de Jochum (minha favorita), Klemperer, ou Karajan, que se utilizam de uma grande massa orquestral e vocal.

Neste site vocês irão encontrar comentários, críticas, a letra da obra, sua tradução para vários idiomas, inclusive para o português.

Enfim, não consigo imaginar uma forma melhor de se passar um domingo.

Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Matthäeus-passion BWV 244 – Herreweghe

CD 1
01 – Kommt, ihr Töchter, helft mir klagen
02 – Da Jesus diese Rede vollendet hatte
03 – Herzliebster Jesu, was hast du verbrochen
04 – Da versammleten sich die Hohenpriester
05 – Du lieber Heiland du
06 – Buss und Reu
07 – Da ging hin der Zwölfen einer
08 – Blute nur, du liebes Herz
09 – Aber am ersten Tage der süssen Brot
10 – Ich bin’s, ich sollte büssen
11 – Er antwortete und sprach;
12 – Wiewohl mein Herz in Tränen schwimmt
13 – Ich will dir mein Herze schenken
14 – Und da sie den Lobgesang gesprochen hatten
15 – Erkenne mich, mein Hüter
16 – Petrus aber antwortete
17 – Ich will hier bei dir stehen
18 – Da kam Jesus mit ihnen zu einem Hofe
19 – O Schmerz! hier zittert das gequälte Herz
20 – Ich will bei meinem Jesu wachen
21 – Und ging hin ein wenig
22 – Der Heiland fällt vor seinem Vater nieder
23 – Gerne will ich mich bequemen
24 – Und er kam zu seinen Jüngern
25 – Was mein Gott will, das g’scheh’ allzeit
26 – Und er kam und fand sie aber schlafend
27 – So ist mein Jesus nun gefangen
28 – Und siehe, einer aus denen
29 – O Mensch, bewein’ dein Sünde groß

CD 2

01 – Ach! nun ist mein Jesus hin
02 – Die aber Jesum gegriffen hatten
03 – Mir hat die Welt trüglich gericht’t
04 – Und wiewold viel falsche Zeugen herzutraten
05 – Mein Jesus schweigt zu falschen Lügen stille
06 – Geduld, Geduld!
07 – Und der Hohepriester antwortete
08 – Wer hat dich so geschlagen
09 – Petrus aber saß draußen im Palast
10 – Erbarme dich
11 – Bin ich gleich von dir gewichen
12 – Des Morgens aber hielten alle Hohenpriester
13 – Gebt mir meinen Jesum wieder
14 – Sie hielten aber einen Rat
15 – Befiehl du deine Wege
16 – Auf das Fest aber hatte der Landpfleger
17 – Wie wunderbarlich ist doch diese Strafe
18 – Der Landpfleger sagte
19 – Er hat uns allen wohlgetan
20 – Aus Liebe will mein Heiland sterben
21 – Sie schrieen aber noch mehr
22 – Erbarm es Gott
23 – Können Tränen meiner Wangen

CD 3

01 – Da nahmen Kriegsknechte
02 – O Haupt voll Blut und Wunden
03 – Und da sie ihn verspottet hatten
04 – Ja! freilich will in uns das Fleisch und Blut
05 – Komm, süßes Kreuz
06 – Und da sie an die Stätte kamen
07 – Ach, Golgatha, unsel’ges Golgatha
08 – Sehet Jesus hat die Hand
09 – Und von der sechsten Stunde
10 – Wenn ich einmal soll scheiden
11 – Und siehe da, der Vorhang im Tempel zerriß
12 – Am Abend da es kühle war
13 – Mache dich, mein Herze, rein
14 – Und Joseph nahm den Leib
15 – Nun ist der Herr zu Ruh gebracht
16 – Wir setzen uns mit Tränen nieder

Tenor[Evangelist]: Ian Bostridge
Bass [Jesus]: Franz-Josef Selig
Soprano [arias, Pilatus’ wife]: Sibylla Rubens
Alto: Andreas Scholl
Tenor: Werner Güra
Bass: Dietrich Henschel
Bass [Pilatus]: Dietrich Henschel
Baritone [Judas & Priest 1]: Frits Vanhulle
Bass [Petrus & Priest 2]: Dominik Wörner
Alto [Witness]: Andreas Scholl
Tenor [Witness]: Werner Güra
Sopranos [Maids]: Elisabeth Hermans & Susan Hamilton

Chœr et Orchestre de Collegium Vocale Gent / Schola Cantorum Cantate Domino
Phillipe Herreweghe – Director
CD 1 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

CD 2 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

CD 3 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

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Béla Bartók (1881-1945) – Os 6 Quartetos de Cordas

Pois é, senhores, volto com os quartetos de Bartók. Sei que todos aqui conhecem bem esses quartetos e falar deles é como falar dos seis últimos quartetos de Beethoven, ou seja, não preciso falar nada. São obras clássicas que devem estar na discoteca de todos. Por isso o principal motivo de trazê-los aqui é apenas pela gravação histórica e raríssima do Julliard String Quartet. Existem três gravações da integral feita pelo grupo, a clássica gravação de 1950 (se não me engano, a primeira integral dos quartetos) e que continua sendo a preferida pra muita gente, a desastrosa gravação dos anos 80 (os caras precisavam de vitamina) e essa de 1963 que trago pra vocês.

Não sou daqueles ouvintes que perde muito tempo discutindo qual a melhor gravação. E no caso dos quartetos de Bartók, você está muito bem servido se tiver a integral com os Emerson (colocada logo no início do blog pelo PQPBach), ou com o excelente Tokyo String Quartet, como também a quase insuperável gravação com Takács (aliás, vi, ao vivo, esses caras tocando o quarteto n.2 e não tem nada melhor que aquilo). No entanto, ainda imaginando que o caso Bartók já tava fechado, dei de cara com uma gravação que muitos diziam estar perdida. É a primeira impressão feita em cd pela Sony da quase mitológica gravação dos Julliard nos anos 60. Comprei na hora (a capa aqui está diferente do meu disco, mas é esse aí).

Não foi surpresa perceber que tinha adquirido o melhor registro dos quartetos de Bartók. Rude, sombrio e preciso. Ouçam o quarteto n.4 (o último movimento avassalador) pra entenderem o que falo. E o n.3 é um exemplo de precisão. O pouco valorizado quarteto n.6 aqui ganha sua melhor defesa, é sombrio e magistral até não poder mais.

Enfim, senhores, este post foi uma homenagem a esta rara (espero que não mais) e fascinante gravação dessas obras clássicas.

Disco 1

1. String Quartet No.1, Sz. 40 (Op.7) – Lento
2. Allegretto
3. Introduzione. Allegro – Allegro vivace
4. String Quartet No.2, Sz. 67 (Op.17) – Moderato
5. Allegro molto capriccioso
6. Lento
7. String Quartet No.3, Sz. 85 – Moderato
8. Allegro
9. Ricapitulazione della prima parte. Moderato
10. Coda.Allegro molto

Disco 2

1. String Quartet No.4, Sz. 91 – Allegro
2. Prestissimo, con sordino
3. Non troppo lento
4. Allegretto pizzicato
5. Allegro molto
6. String Quartet No.5, Sz. 102 – Allegro
7. Adagio molto
8. Scherzo. Alla bulgarese
9. Andante
10. Finale
11. String Quartet No.6, Sz. 114 – 1. Mesto – Vivace
12. Mesto – Marcia
13. Mesto – Burletta (Moderato)
14. Mesto

BAIXE AQUI DISCO 1 (Parte 1) – DOWNLOAD HERE

BAIXE AQUI DISCO 1 (Parte 2) – DOWNLOAD HERE

BAIXE AQUI DISCO 2 (Parte 1) – DOWNLOAD HERE

BAIXE AQUI DISCO 2 (Parte 2) – DOWNLOAD HERE

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Dmitri Shostakovich (1906-1975) – Integral das Sinfonias – A Nona (CD 8 de 11)

Obs.: No original, a Nona vem acompanhada pela Décima-Quinta, a última. Eu é que resolvi separá-las, pois se algum de vocês está acompanhando minhas curtas introduções, ao final saberão que não faz o menor sentido ouvi-las juntas.Depois da Sétima e da Oitava, terminada a Segunda Guerra Mundial, era esperada uma nova, heróica e grandiosa sinfonia. Stálin era uma pessoa curiosa, pois amava a música e incomodava os compositores soviéticos com mensagens e pedidos que, mesmo quando gentis, eram atemorizantes. Todos sabiam o que a Nona deveria ser. Ela deveria saudar a vitória na guerra na pessoa de Stálin. Porém, se o mandatário alguém curioso e cheio de pedidos, Shostakovich era sarcástico e compôs uma Nona que nada tinha a ver com glorificações. A Nona de Shosta corresponde ao que é a Oitava de Beethoven, uma “pequena e despretensiosa sinfonia”. Só que se lá Beethoven foi gentil e haydniano, aqui nosso amigo fez todo o tipo de brincadeiras, principalmente marciais. É um deboche ao que se esperava que fosse. Na época, Shostakovich era uma personalidade mundial e podia escrever o que bem entendesse. Já para estrear suas obras era outra história.

Antes de morrer, Shosta disse que escrevera muitas sinfonias e arrependia-se de algumas. Espero sinceramente que uma delas não seja esta Nona alegre, jocosa, bonitinha e cheia de intenções irônicas. Acho que ele se referia à Segunda, Terceira e Décima-Segunda Sinfonias, verdadeiros fracassos musicais… (opinião minha, claro).

A Nona tem dois movimentos lentos que poderiam ser considerados “sérios” e onde os sopros têm ganham enorme destaque. OK, mas mesmo assim eles afastam-se de tal forma da grandiosidade de suas sinfonias anteriores e principalmente daquilo que lhe era requerido que… E, como se não bastasse, os movimentos que abrem e fecham a sinfonia são efetivamente sarcásticos, verdadeiras distorções sobre a “música heróica” tão ao gosto do regime. Mas é música de primeira linha, sem dúvida. Bem, não é para menos que ele apenas tenha estreado a agressiva e espetacular Décima após a morte de Stálin. Talvez o homem não tivesse suportado outra reversão de expectivas.

CD 8

SYMPHONY No.9 in E Flat Major, Op.70
1. Allegro
2. Moderato. Adagio
3. Presto
4. Largo
5. Allegretto. Allegro

Recorded: March 20, 1965
Moscow Philharmonic Orchestra
Kirill Kondrashin, Conductor

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Jean Sibelius (1865-1957) – Integral das Sinfonias (CD 5 de 5)

E este é o final de mais uma integral que publicamos no blog. A caixinha da EMI termina com uma gravação mais antiga (de 1981, quando Rattle tinha 26 anos) da Sinfonia Nro. 5. É um CD bônus cuja existência me parece justificada, pois há boa diferença entre este e o outro registro, realizado apenas seis anos depois.

Disc: 5

Sinfonia Nro. 5, Op. 82
1. I. Tempo Molto Moderato – Allegro Moderato – Presto
2. II. Andante Mosso, Quasi Allegretto
3. III. Allegro Molto – Un Pochettino Largemente

City of Birmingham Symphony Orchestra
Simon Rattle

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Jean Sibelius (1865-1957) – Integral das Sinfonias (CD 4 de 5)

Depois do comentário escrito por Adolf Hitler na postagem anterior de Sibelius, apresso-me a postar o quarto volume. Antes, li felicíssimo a repercussão da atuação de Rattle em Berlim. Ele prometeu que ia mudar o repertório da orquestra e o está fazendo. Nos 44 concertos deste ano, há poucos Beethoven e Mozart, mas muitas obras modernas e músicas – antigas e novas – pouco ouvidas. Um show de equilíbrio. Ele retirou da Orquestra de Berlim a obrigação de palmilhar sempre a mesma via crucis de compositores.

Mas há críticos pedindo sua cabeça e alguns músicos da orquestra também. De forma equivocada e ignorante, falam que sua interpretação é um lixo… Provavelmente, Sir Simon não durará muito; mas talvez fique mais do que de Boulez antes de ser defenestrado de Nova Iorque pelos conservadores. Qualquer dia desses a Filarmônica de Berlim voltará a focar os alemães clássico-românticos. Porém, antes, teremos alguma diversão.

Bem, mas este é o melhor CD da coleção de Sibelius e um dos grandes discos que possuo. Sim, claro, a música ajuda. São as duas melhores sinfonias do muuuuito misterioso – como escreveu-me um amigo – Sibelius. Há algo na Sinfonia Nro. 5 que deixa meu duro coração sem lágrimas à flor da pele, quase se desmanchando de emoção. São três movimentos com temas bastante rarefeitos, mas belos, belos, belos e orquestrados estupendamente. A CBSO e Rattle não interpretam, mas parecem autenticamente criar a Sinfonia. O final da Quinta sempre me deixou obcecado e já sonhei várias vezes que – músico de uma orquestra qualquer – o errava lamentavelmente.

A execução da Sétima fica a alguns centímetros de Mravinski, que parece ter resolvido melhor o fato de ser uma música de cinco movimentos sem interrupções e, se Rattle ganha em colorido sonoro e no controle da orquestra, perde na qualidade do trombonista e nas passagens de um movimento a outro.

Um disco obrigatóriio, mesmo para quem não admira Sibelius.

Disc: 4

Sinfonia Nro. 5, Op. 82
1. I. Tempo Molto Moderato – Allegro Moderato – Presto
2. II. Adante Mosso. Quasi Allegretto
3. III. Allegro Molto – Un Pochettino Largemente

4. Kualema – Scene With Cranes, Op. 44

Sinfonia Nro.7, Op. 105
5. I. Adagio –
6. II. Un Pochettino Meno Adagio – Vivacissimo – Adagio –
7. III. Allegro Molto Moderato –
8. IV. Vivace – Presto – Adagio

9. Night Ride and Sunrise, Op. 55

City of Birmingham Symphony Orchestra
Simon Rattle

BAIXE AQUI (Part 1) – DOWNLOAD HERE (Part 1)

BAIXE AQUI (Part 2) – DOWNLOAD HERE (Part 2)

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George Philipp Telemann (1681-1767) – Suítes para Orquestra

Durante uma época de nosso blog, fomos pressionados – sem dar nenhuma importância à pressão, como sempre – a postar Telemann. Eu gosto de Telemann, mas seus discos são todos meio parecidos, não? Um concertinho para flauta aqui, uma suitezinha ali e, para terminar, aquelas famigeradas peças para flauta solo.

Nada a ver com este extraordinário CD da Berlin Akademie für Alte Musik que chega com obras realmente raras e divertidas. A tal Suite Alster, por exemplo, é maravilhosa, cheia de humor e algo sarcástica. Este CD merece estar ao lado dos melhores de Telemann, como aqueles gravados pela Musica Antiqua Köln. Ouvi várias vezes e garanto-lhes que é biscoito fino. O grupo berlinense é uma coisa de louco.

Telemann – Suítes para Orquestra

1. Ouverture – D Major – Jubeloratorium fur die Hamburger Admiralitat
2. Suite ‘Alster’: 1. Overture. Adagio maestoso – Allegro – Adagio
3. Suite ‘Alster’: 2. Die Kanonierende Pallas. Allegro
4. Suite ‘Alster’: 3. Das Alster-Echo. Allegretto
5. Suite ‘Alster’: 4. Die Hamburgischen Glockenspiele
6. Suite ‘Alster’: 5. Der Schwanen Gesang
7. Suite ‘Alster’: 6. Der Alster-Schafer Dorfmusik
8. Suite ‘Alster’: 7. Konzertierende Frosche und Krahen
9. Suite ‘Alster’: 8. Der ruhende Pan
10. Suite ‘Alster’: 9. Der jauchzende Pan
11. Suite ‘Alster’: 10. Der frohlokende Peleus
12. Suite ‘Alster’: 11. Der Schafer und Nymphen eilfertiger Abzug
13. Suite ‘La Musette’: 1. Overture. Maestoso – Allegro – Maestoso
14. Suite ‘La Musette’: 2. Napolitaine – (Trio)
15. Suite ‘La Musette’: 3. Polonaise
16. Suite ‘La Musette’: 4. Murky
17. Suite ‘La Musette’: 5. Menuet – (Trio)
18. Suite ‘La Musette’: 6. Musette
19. Suite ‘La Musette’: 7. Harlequinade
20. Suite ‘La Chasse’: 1. Ouverture. Lento – Allegro – Lento
21. Suite ‘La Chasse’: 2. Passepied I
22. Suite ‘La Chasse’: Passepied II
23. Suite ‘La Chasse’: 3. Sarabande
24. Suite ‘La Chasse’: Rigaudon
25. Suite ‘La Chasse’: 5. Le Plaisir
26. Ouverture jointe d’une suite tragi-comique: 1. Ouverture. Lentement – Vile – Lentement
27. Ouverture jointe d’une suite tragi-comique: 2. Le Podagre. Loure
28. Ouverture jointe d’une suite tragi-comique: 3. Remede experimente: la poste et la danse. Menuet en rondeau
29. Ouverture jointe d’une suite tragi-comique: 4. L’hypocondre. Sarabande – Gigue – Sarabande – Bourree – Sarabande
30. Ouverture jointe d’une suite tragi-comique: Remede: souffrance heroique. Marche
31. Ouverture jointe d’une suite tragi-comique: Le petit-maitre. Rondeau
32. Ouverture jointe d’une suite tragi-comique: Remede: petite-maison. Furies

Berlin Akademie für Alte Musik

BAIXE AQUI (Part 1) – DOWNLOAD HERE (Part 1)

BAIXE AQUI (Part 2) – DOWNLOAD HERE (Part 2)

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Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) – Symphony nº 4 in A Minor, op. 90, Symphony nº 5 in D minor, op. 107, ¨Reforma”, Overture for Wind Instruments, op. 24

Desde seus primeiros acordes a Sinfonia Italiana me traz uma sensação de bem-estar. Ela é alegre, até mesmo divertida em certos momentos. Seu primeiro movimento é de uma leveza que sempre me traz para a cabeça o campo, pessoas dançando, comemorando as colheitas, enfim, vejo nela um aspecto bucólico, que me faz bem. Deve ter sido a primeira obra de Mendelssohn que ouvi, antes até mesmo que o Concerto para violino. E desde o começo, ela foi uma de minhas obras favoritas. Como o próprio nome sugere, Mendelssohn a compôs inspirado em uma viagem à Itália, e a estreou em 1833.

A Sinfonia nº 5, já postada aqui, em outra ocasião, pelo mano PQPBach tem um aspecto mais sério, já que se trata de uma homenagem aos 300 anos da Igreja Luterana. O cd ainda traz uma abertura escrita para instrumentos de sopro.

A regência, como sempre, está a cargo de Claudio Abbado frente à Sinfônica de Londres.

Encerro assim a integral das sinfonias e aberturas de Mendelssohn.

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) – Symphony nº 4 in A Minor, op. 90, Symphony nº 5 in D minor, op. 107, ¨Reforma”, Overture for Wind Instruments, op. 24

01 Symphony No4-Allegro vivace
02 Symphony No4-Andante con moto
03 Symphony No4-Con moto moderato
04 Symphony No4-Saltarello
05 Symphony No5-Andante-Allegro con fuoco
06 Symphony No5-Allegro vivace
07 Symphony No5-Andante
08 Symphony No5-Chorale
09 Ouvertüre Harmoniemusik

London Symphony Orchestra
Claudio Abbado

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