Carl Nielsen (1865-1931) – The Symphonies (complete)

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Depois de uma temporada no Tibet, onde estive apascentando os pensamentos após a última investida dos algozes do capitalistas, estamos de volta com esta postagem im-per-dí-vel!!! Curiosamente, eu não conhecia, ainda, com certa intimidade, as sinfonias de Carl Nielsen. Fiquei impressionado com a qualidade do trabalho do dinamarquês. Tive a oportunidade de escutá-las hoje à tarde enquanto trabalhava. Notei um certo “crescendo”, uma gradação, uma evolução no material sinfônico de Nielsen. As três primeiras estão bem próximas. Mas, em compensação, as sinfonias de número 4 e 5 são verdadeiras obras primas. A número 4, por exemplo, é de uma sofisticação orquestral inacreditável. O nível de dramaticidade nos posiciona diante de um dilema. Há cintilações da obra de Sibelius, notavelmente. Trata-se de uma obra escrita durante a Primeira Grande Guerra. Portanto, representa a crença de Nielsen na vida. É um dos trabalahos mais populares do compositor. Já a Quinta Sinfonia é, no dizer de Augustos dos Anjos, “um monstro de escuridão e rutilância”; um duelo entre as forças da ordem e do caos; o apolíneo e o dionísiaco, em menção nietzscheniana. A percussão que impele uma espécie de marcha, cria uma atmosfera de guerra, como se as forças do caos avançassem titanicamente. A insistência do instrumento de sopro é visceral, mas do outro lado há a percussão com o seu agravo. Tudo cresce e torna-se numa grande tensão. Num mundo sacudido pela Guerra (a Quinta foi composta nos anos de 1921 e 1922), pelas Revoluções, a sinfonia no. 5 parece ser uma metáfora filósofica do mundo. Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Carl Nielsen (1865-1931) – The Symphonies (complete)

DISCO 01

Symphony No. 1 in G minor
01. I. Allegro Orgoglioso
02. II. Andante
03. III. Allegro Comodo
04. IV. Finale

Symphony No. 6
05. I. Tempo Giusto
06. II. Humoreske – Allegretto
07. III. Proposta Seria – Adagio
08. IV. Tema Con Variazioni – Allegro

DISCO 02

Symphony No. 2 ‘The Four Temperaments’
01. I. Allegro collerico
02. II. Allegro comodo e flemmatico
03. III. Andante malincolico
04. IV. Allegro sanguineo

Symphony No. 3 ‘Espansiva’
05. I. Allegro espansivo
06. II. Andante pastorale
07. III. Allegretto Un Poco
08. IV. Finale – Allegro

DISCO 03

Symphony No. 4 ‘The Inextinguishable’
01. I. Allegro
02. II. Poco Allegretto
03. III. Poco Adagio Quasi Andante
04. IV. Con Anima, Allegro

Symphony No. 5, Op. 50
05. I. Tempo Giusto
06. II. Adagio Non Troppo
07. III. Allegro
08. IV. Presto
09. V. Andante Un Poco Tranquillo
10. VI. Allegro

* Não consegui localizar esse CD na Amazon. Achei um similar na Amazon Inglesa.

San Francisco Symphony
Herbert Blomstedt, regente

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Carlinus

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Antonio Carlos Gomes (1836-1896): Óperas – (3) Il Guarany (1994-Neshling/Domingo, LINK REVALIDADO)

175 anos do nascimento de Antonio Carlos Gomes

Il Guarany é a ópera mais conhecida de Antonio Carlos Gomes e também a mais executada e mais gravada, embora não seja a melhor delas. Isso não significa de forma alguma que ela seja ruim, muito pelo contrário: o sucesso estrondoso que teve na Itália e no Brasil refletem que ali havia um compositor que conseguia trazer algo de novo à fórmula já batida da ópera italiana e que veio dar ares renovados e mais fôlego ao formato.
Interessante é perceber que Carlos Gomes chega à Itália sem os preconceitos musicais que tinham os compositores daquela terra: a insinuação de uma forma de leitmotiv, utilizando-se da abertura para indicar trechos de árias que aparecerão posteriormente para criar uma unidade, é uma característica comum às óperas alemãs, coisa à qual os milaneses tinham uma certa aversão (e que deu certo nesse caso: foi muito bem recebida). O mesmo ocorria com alguns instrumentos de sopro que Gomes inseria na orquestração, também de matriz alemã. Mas o que esperar de um compositor criado dentro da banda marcial do pai em Campinas, cidade já influenciada pela cultura alemã (à época um dos maiores centros atratores de imigrantes teutos para o Brasil, que iam trabalhar nas fazendas de café)?
Em sua ópera seguinte, Fosca, Gomes abusou de inovações, aproximando-se mais da escola alemã. Acabou desagradando público e crítica, mas isso vocês verão na postagem de daqui a sete dias…
Mantenho aqui o belo texto do CVL que postou originalmente essa peça com observações muito sensatas, embora bastante pessoais:

Tenho pouquíssima afinidade por óperas (parece todos os meus manos de consideração também, pois atinei que poucas são disponibilizadas aqui – geralmente, barrocas ou wagnerianas), mas já estava na hora de postar uma nacional. E nada melhor do que começar com o carro-chefe de todas elas. Só que não sei o que dizer: não me vem a menor inspiração para fazer um texto legal, para instigar vocês a baixar O guarani. Também não quero escrever o que vocês vão achar escrito em qualquer outro lugar.
Posso dizer somente que, tirando a Protofonia (muito lenta para o que estamos acostumados), a gravação é “prestável”. O álbum foi muito vendido e é tido como referência (por Sylvio Lago em Arte da regência, p. ex.), embora eu não o ache para tanto. Bom será para os mais iniciantes identificar como os temas da referida Protofonia/Sinfonia, escrita meses depois da estréia, aparecem ao longo do drama – em especial o tema principal, que funciona como um leitmotiv [a tal característica alemã].

Confesso que gosto mais da primeira versão, a antigona, regida por Armando Belardi. Aqui algumas peças estão mais lentas e a soprano que interpreta Ceci, Veronica Villaroel, é muito competente, mas fiquei mal acostumado com a leveza inumana da voz de Niza de Castro Tank e, talvez por isso, não me deslumbre tanto com a solista chilena… Mas há a precisão da batuta de John Neshling, com o som límpido que lhe é característico, e a voz marcante de um dos grandes tenores do século, Plácido Domingo, que valem demais a audição.

Por fim: muito bom! Não deixe de ouvir!
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Antonio Carlos Gomes (Campinas, 1836-Belém, 1896)
Il Guarany (1870)
Libreto: Antônio Scalvini
Baseado no romance homônimo de José de Alencar

Ato I – 01 Sinfonia
Ato I – 02 Scorre il Cacciator
Ato I – 03 L’idalgo vien + Gentile di cuore’
Ato I – 04 Cecilia, esulta, Reso ai nostro lari + Salve, possente Vergine
Ato I – 05 Che brami + Sento una forza indômita
Ato II – 06 Son giunto in tempo + Vanto io pur superba cuna
Ato II – 07 Ecco la grotta del convegno + Serpe vil
Ato II – 08 Udiste + L’oro è un ente sì Giocondo
Ato II – 09 Ebben, miei fidi + Senza tetto, senza cuna
Ato II – 10 Oh, come è bello in ciel!+ C’era una volta un príncipe
Ato II – 11 Tutto è silenzio + Donna, tu forse l’única
Ato II – 12 Miei fedeli + Vedi quel volto lívido
Ato III – 13 Aspra, crudel, terribil
Ato III – 14 Canto di guerra + Giovinetta, nello sguardo
Ato III – 15 Qual rumore + Or bene, insano
Ato III – 16 Tu, gentil regina + Il passo estremo omai s’appresta
Ato III – 17 Ebben, che fu + Perché di meste lagrime
Ato III – 18 Morte! + O Dio degli Aimorè
Ato III – 19 Che fia + Sorpresi siamo
Ato IV – 20 Né torna ancora + In quest’ora suprema
Ato IV – 21 No, traditori + Gran Dio, che tutto vedi
Ato IV – 22 Padre! + Con te giurai di vivere

Pery – Placido Domingo, tenor
Cecilia – Veronica Villaroel, soprano
Gonzalez – Carlos Alvarez, barítono
Don Antonio de Mariz – Hao Jiang Tian, baixo
Don Alvaro – Marcus Haddock, tenor
Cacique – Boris Martinovic, baixo
Ruy Bento – Graham Sanders, barítono
Alonso – John-Paul Bogart, tenor
Pedro – Pieris Zarmas, baixo

Chor und Extrachor der Oper der Stadt Bonn,
Orchester der Beethovenhalle Bonn
John Neschling, regente
Bonn, 1994

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – PQPShare (168Mb – 2CD, cartaz, info e resumo da ópera)

Ouça! Deleite-se!

CVL
revalidado/recauchutado por Bisnaga

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Leoš Janáček (1854-1928): Quartetos Nº 1 e 2 / Sonata a Kreutzer e Cartas Íntimas / Melos Quartett e Panocha Quartet

Gosto muito destes dois quartetos do grande Leoš Janáček. Sua música não é sutil, calma nem delicada, mas serve, paradoxalmente, à expressões íntimas. Quem leu Sonata a Kreutzer, sabe que a extraordinária novelinha de Tolstói trata das relações de casal e é pra lá de pessimista. Aliás, há uma Sonata Kreutzer escrita por Beethoven muito antes do surgimento da novela de Tolstói. Nem imagino o motivo pelo qual o escritor russo fez de sua obra uma referência a Ludwig van. Mera homenagem ou desejava ele dizer algo? O outro quarteto destes CDs é chamado pelo compositor de Cartas Íntimas. Ambos são obras de primeira linha.

Os CDs que postamos têm o mesmo repertório na mesma ordem. Os dois registros são excelentes e eu não ousaria dizer qual é o melhor. A gravação do Melos impressiona primeiramente pela qualidade do som (Harmonia Mundi) e depois pela interpretação. Os checos do Panocha (Supraphon) são mais agressivos e talvez estejam mais próximos de Janáček.

Valem a audição. Muito.

Leoš Janáček (1854-1928): Quartetos Nº 1 e 2 /
Sonata a Kreutzer e Cartas Íntimas

1. String Quartet No. 1 “Kreutzer Sonata”: I. Adagio. Con moto 4:04
2. String Quartet No. 1 “Kreutzer Sonata”: II. Con moto 4:32
3. String Quartet No. 1 “Kreutzer Sonata”: III. Con moto. Vivo. Andante 3:58
4. String Quartet No. 1 “Kreutzer Sonata”: IV. Con moto (Adagio). Più mosso 5:43

5. String Quartet No. 2 “Intimate Letters”: I. Andante. Con moto. Allegro 6:22
6. String Quartet No. 2 “Intimate Letters”: II. Adagio. Vivace 6:08
7. String Quartet No. 2 “Intimate Letters”: III. Moderato. Andante. Adagio 5:36
8. String Quartet No. 2 “Intimate Letters”: IV. Allegro. Andante. Adagio

Melos Quartett


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Leoš Janáček (1854-1928): Quartetos Nº 1 e 2 /
Sonata a Kreutzer e Cartas Íntimas

1 String Quartet No.1 (1923) – I. Adagio. Con moto
2 String Quartet No.1 (1923) – II. Con moto
3 String Quartet No.1 (1923) – III. Con moto. Vivo. Andante
4 String Quartet No.1 (1923) – IV. Con moto. (Adagio). Piu mosso

5 String Quartet No.2 (1928) – I. Andante
6 String Quartet No.2 (1928) – II. Adagio
7 String Quartet No.2 (1928) – III. Moderato
8 String Quartet No.2 (1928) – IV. Allegro

Panocha Quartet


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PQP

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Franz Schubert (1797-1828): obra para Piano a 4 mãos em 7 CDs (Link revalidado)

Eu ainda era menino quando me impressionei com o corpo da sonoridade que brota de um piano quando 20 dedos, e não apenas 10, manipulam as suas 88 teclas. Ou seja: piano a 4 mãos.

Acho que muitos até hoje pensam que se trata de uma forma meramente pedagógica de música, para ser tocada por professor e aluno (e atesto que é ótima nesse sentido!) ou para estimular que aluninhos estudem por podê-lo fazer brincando com amiguinhos, ou qualquer coisa assim.

Muitos também sabem que antes da invenção da gravação de som – quando a aparelhagem de som das casas pequeno ou médio burguesas consistia das filhas da família treinadas para extrair sons dos pianos – cada vez que um compositor consagrado lançava uma ópera ou sinfonia, essa era imediatamente publicada em redução para piano a quatro mãos: era o CD da época.

Mas não sejamos muito maldosos: também os próprios músicos estudavam as óperas e sinfonias uns dos outros através dessas reduções – pois afinal não era bem assim encontrar uma montagem da Nona de Beethoven ali na esquina quando se quisesse, não?

Mas à parte isso tudo, houve compositores que exploraram a formação como veículo de música séria original para ela – e entre eles parece que Schubert tem posição de destaque. Digo “parece” porque não sou nenhum especialista no assunto, mas ouvi essa afirmação quando tinha 12 ou 13 anos, em uma apresentação no interior do Paraná do pianista e compositor Henrique Morozowicz com sua mulher Ulrike Graff, pianista e violista. (Lembro que já postei aqui o piano do Henrique, no caso em duo com seu irmão Norton à flauta, numa ripagem de dois belos e raros LPs).

Por outro lado, acho certa graça de me ver postando Schubert, pois é um compositor com quem tenho duas dificuldades: uma, acho que às vezes ele perde a noção de quando parar de explorar o desenvolvimento de um material temático: se alonga demais como quem quer mostrar todas as possibilidades, e acaba cansando.

Outra, mais grave, é que seus temas tão encantadores muitas vezes parecem reconduzir natural e inevitavelmente ao seu próprio começo, e acabam deflagrando no meu cérebro algum processo no rumo do obsessivo-compulsivo: podem ficar se repetindo mentalmente dia e noite a ponto de me sentir não inspirado e sim obsedado, “encostado” pelo Franz.

É por essas razões que não o ouço muito, apesar de respeitá-lo como compositor e de achar sua música bonita.

Mas tem UMA obra… uma obra dele que está entre minhas mais queridas sei lá por quê. Dentro da literatura pianística acho que só o Prelúdio, Coral e Fuga de César Franck também mora tão dentro do meu coração (se me permitem expressão tão banal…): é a FANTASIA EM FÁ MENOR para piano a 4 mãos, que fecha o primeiro CD desta coleção de sete. Nunca me dediquei a conhecer nenhuma outra de Schubert como me dediquei a essa, inclusive estudando um tanto a parte de baixo ao piano, e por isso deixo algumas palavras sobre ela como depoimento pessoal. (Quanto ao resto do material, irei a partir de agora explorá-lo como tão ou mais novato que vocês).

Olhada como um todo, minha querida Fantasia faz pensar em uma sinfonia com suas quatro partes tradicionais – isso apesar de o 1º movimento (Allegro molto moderato) não ser em “forma de sonata” e sim uma melodia livre, como é o 1º movimento da Ao Luar de Beethoven, e de um lirismo de que creio só encontrar paralelo, no romantismo germânico, no 1º movimento do Concerto para Violino deste mesmo.

Segue-se um Largo de caráter dramático entremeado com uma seção cantante quase leviana (no que talvez se possa ver alguma analogia com a Marcha Fúnebre de Chopin) – o qual conduz a um Allegro vivace que é efetivamente um dinâmico e substancioso scherzo com “trio” no meio (ou seja: um típico 3º movimento de sinfonia).

E como 4º movimento temos a retomada do tema inicial, que leva mais uma vez a uma seção dramática como a abertura do Largo, só que desta vez mais dinâmica, até tempestuosa, e em forma de Fuga – e se alguém ousar chamar Schubert de “compositor menor” taco-lhe na cabeça esta Fuga!

Acontece porém que tão vigorosa Fuga não termina em orgasmo como as fugas do pai do PQP sóem terminar, mas (estamos em tempos românticos) se deixa interromper mais uma vez pela lírica melancolia do tema inicial. Só que faz isso isso com tanta beleza que – coitado do Franz – nós, egoístas, não podemos deixar de aplaudir…

Enfim: sobre o duo de executantes, a net me conta que Yaara Tal (apesar de o primeiro nome parecer brasílico ou tupi) é israelense, e que Andreas Groethuysen (apesar desse sobrenome tão obviamente flamengo ou holandês) é alemão. E a gravação teria sido feita num piano Fazioli aproveitando a acústica do castelo Grafenegg, na Áustria – chiquíssimo, não? (Ah, esses europeus…)

BOM PROVEITO!

Franz Schubert: obra integral para piano a quatro mãos em 7 volumes
Duo Tal-Groethuysen (Yaara Tal, Andreas Groethuysen)
Gravado em 1997

CD1
01 – Overture in F major, D675
02 – 8 Variations on a theme from the opera (Marie) in C major, D908
03 – Rondo in D major, D608
04-06 – Trois Marches Heroiques, D602
07 – Fantasie in F minor, D940

CD2
01 – Variations on an Original Theme in B-flat major, D603
02-04 – Divertissement a lhongroise in G minor, D818
05-10 – Six Polonaises, D824

CD3
01 – Allegro in A minor, D947 (Storms of Life)
02-05 – Four Polonaises, D599
06 – Eight variations on a French song in E minor, D624
07-09 – Divertissement sur des motifs originaux francais, D823

CD4
01-06 – Six Grandes Marches D819
07 – Rondo in A major D951

CD5
01-04 – Sonata in C major, D812 (Grand Duo)
05 – Grand Marche funebre in C minor, D859
06 – Grand Marche heroique in A minor, D885

CD6
01 – Eight Variations on an Original Theme in A-flat major, D813
0204 – Sonata in B-flat major, D617
05-07 – Trois Marches militaires, D733
08 – Deux Marches caracteristiques, D968 B – No.1 in C major
09 – Deux Marches caracteristiques, D968 B – No.2 in C major

CD7
01 – Fantasie in G major, D1
02 – Fantasie in G minor, D9
03 – Fantasie in C minor, D48
04 – Overture in G minor, D668
05 – Deutscher with Two Trios in G major, D618
06 – Deutscher with Two Landler in E major, D618
07 – Four Landler, D814
08 – March in G major (March for Children), D928
09 – Allegro moderato in C major, D968
10 – Andante in A minor, D968
11 – Fugue in E minor, D952

BAIXE AQUI – Download Here – CDs 1+2

BAIXE AQUI – Download Here – CDs 3+4+5+6+7

Ranulfus (Revalidado por PQP, que se meteu a colocar o vídeo também.)

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.: interlúdio :. Duke Ellington — 2nd Sacred Concert [Live]

OK, é Duke Ellington, mas também é aquela babação àquele amigo imaginário que alguns tolinhos têm. Mas é Ellington. E há uma big band. E há um coral. E há uma boa cantora. É sueca… Mas há uma narração de Duke que é bem chatinha. Mas é Ellington. Supreeeeeeeme Beeeeeeing. Ouvir as orquestrações, o som inimitável de Ellington… A gente suporta até o terror da louvação de uma deus em 1968, há pouco mais de 40 anos. Anteontem, portanto.

O 2º Concerto Sacro foi registrado em 22 de janeiro e 19 fevereiro de 1968 em Nova York e foi originalmente lançado como um LP duplo da Prestige Records e relançado em CD simples. É a primeira vez que a sueca Alice Babs grava com a Orquestra de Ellington. Ela cantou “Heaven” e o vocal sem palavras “T.G.T.T. (Too Good To Title)”. Cootie Williams rosna seu trompete em “The Shepherd (Who Watches Over The Night Flock). Lindo! Esta peça é dedicada ao Rev. John Garcia Gensel, um pastor luterano que enrolava a comunidade do jazz. O final “Praise God And Dance ” vem do Salmo 150 e é muito legal. É meio jazz, meio mainstream popular dos anos 60.

Trata-se de um CD patético (há uma música onde deus é comparado à liberdade… — ?????), mas bom!

Duke Ellington — 2nd Sacred Concert [Live]

1. Praise God 3:09
2. Supreme Being 11:46
3. Heaven 4:54
4. Something About Believing 8:12
5. Almighty God 6:32
6. The Shepherd (Who Watches Over The Night Flock) 7:10
7. It’s Freedom 13:00
8. Meditation 3:08
9. The Biggest And Busiest Intersection 3:58
10. T.G.T.T. 2:25
11. Praise God And Dance 10:57

Músicos:
Duke Ellington – piano, narration
Cat Anderson, Mercer Ellington, Money Johnson, Herb Jones, Cootie Williams – trumpet
Lawrence Brown, Buster Cooper, Bennie Green – trombone
Chuck Connors – bass trombone
Russell Procope – alto saxophone, clarinet
Johnny Hodges – alto saxophone
Jimmy Hamilton – clarinet, tenor saxophone
Paul Gonsalves – tenor saxophone
Harry Carney – baritone saxophone
Jeff Castleman – bass
Sam Woodyard, Steve Little – drums
Alice Babs, Devonne Gardner, Trish Turner, Roscoe Gill – vocals
The AME Mother Zion Church Choir, Choirs Of St Hilda’s and St. Hugh’s School, Central Connecticut State College Singers, The Frank Parker Singers – choirs

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Apoie os bons artistas, compre suas músicas.
Apesar de raramente respondidos, os comentários dos leitores e ouvintes são apreciadíssimos. São nosso combustível.
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PQP

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G. F. Handel (1685-1759): Suites for Keyboard / Keith Jarrett

Mais uma excelente gravação de Keith Jarrett no terreno da música erudita. Diferentemente do que fez com Bach, aqui Keith utiliza o piano em vez do cravo. Sem problemas. A gravação de Jarrett destas sete suites de Handel é deliciosa. Sempre a serviço do compositor, ele é consistentemente lírico, nunca é apressado ou agitado, sempre tem algo quente e rico a dizer. Cada suíte tem personalidade própria e Jarrett trata de impregná-las com profundidade e humanidade diversas. Estão notáveis o prelúdio da Suite 1, No. 1 (HWV 426), a pureza da allemande que a segue assim como a melancolia da courante. E o que dizer do adágio de abertura da Suite 1, No. 2 (HWV 427) e da peculiar beleza que Jarrett dá ao prelúdio-fuga da Suite 1, No. 8 (HWV 433)?

Baixa logo, meu.

G. F. Handel (1685-1759): Suites for Keyboard

1. Suite in G minor, HWV 452 – 1. Allemande 2:47
2. Suite in G minor, HWV 452 – 2. Courante 3:00
3. Suite in G minor, HWV 452 – 3. Sarabande 2:15
4. Suite in G minor, HWV 452 – 4. Gigue 1:21

5. Suite No.15 in D minor for Harpsichord, HWV 447 – 1. Allemande 2:06
6. Suite No.15 in D minor for Harpsichord, HWV 447 – 2. Courante 2:31
7. Suite No.15 in D minor for Harpsichord, HWV 447 – 3. Sarabande 1:51
8. Suite No.15 in D minor for Harpsichord, HWV 447 – 4. Gigue 1:05

9. Harpsichord Suite Set II No.7 in B flat major, HWV 440 – 1. Allemande 2:00
10. Harpsichord Suite Set II No.7 in B flat major, HWV 440 – 2. Courante 2:05
11. Harpsichord Suite Set II No.7 in B flat major, HWV 440 – 3. Sarabande 2:38
12. Harpsichord Suite Set II No.7 in B flat major, HWV 440 – 4. Gigue 1:22

13. Harpsichord Suite Set I No.8 in F minor, HWV 433 – 1. Prélude – Fuga 5:03
14. Harpsichord Suite Set I No.8 in F minor, HWV 433 – 2. Allemande 2:54
15. Harpsichord Suite Set I No.8 in F minor, HWV 433 – 3. Courante 2:39
16. Harpsichord Suite Set I No.8 in F minor, HWV 433 – 4. Gigue 2:09

17. Harpsichord Suite Set I No.2 in F major, HWV 427 – 1. Adagio 2:45
18. Harpsichord Suite Set I No.2 in F major, HWV 427 – 2. Allegro 2:48
19. Harpsichord Suite Set I No.2 in F major, HWV 427 – 3. Adagio 1:46
20. Harpsichord Suite Set I No.2 in F major, HWV 427 – 4. Allegro 2:00

21. Harpsichord Suite Set I No.4 in E minor, HWV 429 – 1. Fuga 3:37
22. Harpsichord Suite Set I No.4 in E minor, HWV 429 – 2. Allemande 2:07
23. Harpsichord Suite Set I No.4 in E minor, HWV 429 – 3. Courante 2:53
24. Harpsichord Suite Set I No.4 in E minor, HWV 429 – 4. Sarabande 3:23
25. Harpsichord Suite Set I No.4 in E minor, HWV 429 – 5. Gigue 1:52

26. Harpsichord Suite Set I No.1 in A major, HWV 426 – 1. Prelude 2:31
27. Harpsichord Suite Set I No.1 in A major, HWV 426 – 2. Allemande 3:29
28. Harpsichord Suite Set I No.1 in A major, HWV 426 – 3. Courante 3:13
29. Harpsichord Suite Set I No.1 in A major, HWV 426 – 4. Gigue 3:15

Keith Jarrett, piano

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PQP

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.: interlúdio :. Egberto Gismonti Group – Infância (1991)

Neste dia muito musical aqui em casa, lá vai outro CD. Gosto muito de Gismonti, muito mesmo. Este belo CD não chega a ser uma anormalidade em sua carreira ultra produtiva. Com dificuldades para gravar no Brasil, Gismonti encontrou encoradouro na grande ECM de Manfred Eicher, onde gravou dezenas de CDs para nosso prazer. Destaque para a extraordinária Infância e 7 Anéis, mas tudo é bom nesta grande gravação de Gismonti com amigos.

Egberto Gismonti Group – Infância (1991)

01. Ensaio De Escola De Samba (Danca Dos Escravos) 8:47
02. 7 Anéis 9:07
03. Meninas 7:14
04. Infância 10:45
05. A Fala Da Paixao 6:09
06. Recife & O Amor Que Move O Sol E Outras Estrelas 10:58
07. Danca №1 5:18
08. Danca №2 4:07

Egberto Gismonti – piano, guitars
Nando Carneiro – synthesizers, guitar
Zeca Assumpcao – bass
Jacques Morelenbaum – cello

Produced by Manfred Eicher

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PQP

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Schubert (1797-1828): Quartetos 'Rosamunde' e 'A Morte e a Donzela' (Link Revalidado)

(Homem de bom coração, PQP estava ouvindo esta maravilha e resolveu fazer algo fora de seus princípios: revalidou o link. Abaixo, o texto original do Ranulfus).

Olha aqui eu postando Schubert de novo, participando deste verdadeiro festival não planejado!

A bem da verdade, a obra para piano a quatro mãos que postei há dois dias não havia sido minha primeira postagem de Schubert: a dos dois LPs do Duo Morozowicz (julho de 2010) culmina com a belíssima série de Variações sobre Ihr Blümlein Alle, op.160, para flauta e piano.

E agora, nos comentários à postagem “4 mãos”, o leitor Ivan Ricardo recomendou apaixonadamente a gravação feita em 2006 pelo Quarteto Takács (se isso for húngaro, a pronúncia será presumivelmente “tákaatch”) do mais famoso quarteto de Schubert: o nº 14, apelidado de “A Morte e a Donzela” – num CD que contém de quebra o quarteto nº 13, apelidado de “Rosamunde”.

Além da enfática recomendação do Ivan, fui verificar e descobri, surpreso, que ainda não tínhamos aqui no blog esse mais famoso dos quartetos schubertianos. Ora, vocês não acham que isso é bom motivo para uma operação de emergência?

Quanto ao porquê desses apelidos… não me perguntem! Desta vez deixo para vocês pesquisarem – e depois compartilharem conosco aqui, hehehe… junto com as suas opiniões!

OBRIGADO AO IVAN RICARDO PELA DICA – E BOA AUDIÇÃO PARA TODOS!

Franz Schubert (1797-1828)
String Quartet No.14 in D minor, D810 “Death and the Maiden”
String Quartet No.13 in A minor, D804 “Rosamunde”
Takács Quartet – Recorded at St. George’s, Brandon Hill, Bristol, 2006-05-22/25.
Total Playing Time: 69min 09sec
Year: 2006

String Quartet No.14 in D minor D810: ‘Death and the Maiden’
01. I. Allegro [0:10:51.73]
02. II. Andante con moto [0:12:22.38]
03. III. Scherzo: Allegro molto [0:03:40.07]
04. IV. Presto [0:09:03.38]

String Quartet No.13 in A minor D804: ‘Rosamunde’
05. I. Allegro ma non troppo [0:12:43.35]
06. II. Andante [0:06:41.58]
07. III. Menuetto: Allegretto [0:06:56.02]
08. IV. Allegro moderato [0:06:48.02]

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Ranulfus (revalidado por PQP)

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.: interlúdio :. Standards, Vol. 1 e 2 — Keith Jarrett, Gary Peacock e Jack DeJohnette

Então vocês pensavam que iam ficar livres de fazer downloads? Nada disso! Recebemos o golpe do MegaUpload, perdemos muitos links de uma só vez e seguimos. Já sei que receberemos muitos pedidos de revalidações de links, essas coisas. Bem, digo com todo o respeito, fodam-se. Se você não comprou aquele HD externo e guardou tudo, só lamento. Por sorte, as minhas postagens permanecem pelo fato de eu usar sempre o detestado, bom e velho Rapidshare. Pura sorte, pois não creio que a Suíça seja menos subserviente aos EUA do que a Nova Zelândia. Ah, já leram isso?

Keith Jarrett, Gary Peacock e Jack DeJohnette. Não preciso apresentar ninguém. O CD começa com uma faixa chamada Meaning of the Blues… Olha, numa boa, I Felt in Love Too Easily.

Standards, Vol. 1 e 2

1. Meaning of the Blues
2. All the Things You Are
3. It Never Entered My Mind
4. The Masquerade Is Over
5. God Bless the Child

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1. So Tender
2. Moon and Sand
3. In Love in Vain
4. Never Let Me Go
5. If I Should Lose You
6. I Fall in Love Too Easily

Keith Jarrett, piano
Gary Peacock, baixo
Jack DeJohnette, bateria

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PQP

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Antonio Carlos Gomes (1836-1896): Óperas – (3) Il Guarany (1959-Belardi)

175 anos do nascimento de Antonio Carlos Gomes

Duplamente IM-PER-DÍ-VEL
Nesse dia histórico (marquem aí na agenda: 19 de janeiro de 2012), nós, do P.Q.P.Bach conseguimos disponibilizar para vocês a fantástica, megalômana, inoxidável, esfuziante e histórica primeira gravação mundial de Il Guarany, de nosso grande operista Antônio Carlos Gomes, realizada em 1959, sob a batuta de Armando Belardi. Foi esse o primeiro registro integral de uma ópera de Gomes. Todas, exceto Joanna de Flandres, viriam depois. O Guarani, a mais popular das obras gomianas, seria também a mais registrada. Há coisa de sete gravações (três mais conhecidas: 1959-Armando Belardi, 1996-Julio Medaglia e 1994-John Neshling, com Plácido Domingo, que revalidaremos na semana que virá).
Nhô Tonico, já vivendo em Milão, conseguiu ingressar no concorridíssimo e prestigioso Conservatório da cidade. Por ser aluno de grande talento, não demorou para que passasse a ter aulas particulares com o diretor, o também compositor Lauro Rossi. Naquela cidade, o centro da ópera no mundo, a qual poucas cidades faziam frente, compôs duas operetas, uma em 1866 e outra em 1868, ambas com razoável sucesso.
Tornou-se amigo do libretista Antonio Scalvini, a quem chamou para adaptar a obra de José de Alencar. Era um sonho já antigo de Carlos Gomes, que aspirava transformar em ópera o romance entre o índio Peri e a bela moça europeia Ceci, desde que O Guarani foi publicado em forma de folhetim na imprensa carioca de fevereiro a abril de 1857. Ele já comentara com seu mestre no Rio, Francisco Manoel da Silva (nada mais, nada menos que o autor de nosso Hino Nacional, o maior compositor vivo no Brasil de então, após a morte do padre Nunes Garcia e a ida de Neukomm para Paris) que essa história produziria a grande ópera nacional. Com bolsa do governo na Itália, Il Guarany foi uma forma também de demonstrar retorno ao investimento que fizeram nele, expondo o Brasil lá fora.
Il Guarany começou com tudo: estreou no Alla Scalla, principal teatro de Milão, com um sucesso estrondoso. Não era para menos, pois a ópera unia vários fatores interessantes: um compositor de uma terra exótica, o Brasil, um enredo também exótico sobre indígenas, árias muito bem construídas e bons intérpretes. A curiosidade dos italianos pelo exotismo da peça aliada à facilidade de Gomes de compor belas melodias levou Carlos Gomes ao estrelato. Tonico atingia uma fama tal que nenhum artista das Américas tinha conhecido ainda. Essa onda de exotismo já vinha atingindo a Europa, em uma febre que tinha origem na França e chegava na Itália, com as produções operísticas como as indianas Lakmé (Delibes) e Os Pescadores de Pérolas (Bizet) ou A Africana (Meyerbeer), ou até mesmo a egípcia Aida (Verdi), que estava sendo composta quando Il Guarany estreou.

“Nas mãos de Scalvini e D’Ormeville (libretista francês que auxiliou Scalvini), Il Guarany sofreu diversas modificações em relação a Alencar. Desapareceram algumas personagens: Diogo de Mariz, o irmão de Cecília, e Isabel, a filha bastarda de Dom Antônio. Loredano – na verdade o religioso renegado frei Angelo di Luca – foi transformado no aventureiro espanhol González, decerto para não ferir a susceptibilidade dos italianos, que não gostariam de ver um compatriota como vilão. Surgiu o cacique dos aimorés, que se apaixona por Ceci; e chegou-se a pensar numa filha desse cacique, que se enamoraria de Peri – mas a idéia não foi adiante. Para a estréia, em 19 de março de 1870, no Teatro alla Scala, Carlos Gomes ainda não tinha escrito a abertura. Havia um Prelúdio de construção bem mais simples.
O cenógrafo era Carlo Ferrario e o figurinista, Luigi Zamperoni. As ilustrações da época demonstram que ambos executaram um belíssimo trabalho. Francesco Villani e Maria Sass interpretavam o índio Pery e a portuguesinha Ceci; Enrico Storti fazia o aventureiro González. O Cacique marcou a estréia italiana do futuro criador de Iago e Falstaff: o barítono francês Victor Maurel, na época com apenas 22 anos. Eugenio Terziani era o regente da estréia. (…) Pela ópera, o compositor seria também condecorado, na Itália, em 20 de março, como Cavaleiro da Coroa; e no Brasil, em 30 de novembro, com a Ordem da Coroa.
O novo e o pessoal estão presentes em Il Guarany, e de forma que não é apenas aparente. Se não há motivo, como quer Leo Laner, para que se supervalorize a obra mais conhecida de nosso compositor, é também injusta a afirmação de Wilson Martins, no terceiro volume da História da Inteligência Brasileira, de que ela “é o triunfo enganador de fórmulas musicais esgotadas”. Contestando essa opinião, Marcus Góes pergunta:
“Seriam uma fórmula esgotada na ópera italiana a utilização de melodias modinheiras, os ritmos em síncope, os acordes e escalas de sétima diminuída à moda da música popular brasileira da época, a fuga a modelos de números fechados, as combinações tímbricas das marchas do terceiro ato, os acompanhamentos plangentes em quiálteras alternadas e tudo o que vimos na análise musical acima feita?”
A análise musical a que Góes se refere é o levantamento que ele faz, nas pp. 110-127 de seu estudo, ao qual remeto o leitor, dos “inúmeros exemplos de música de notória origem e inspiração brasileiras, espalhados por toda a partitura, ora de modo facilmente perceptível, ora embutidos nos comentários da orquestra em fugazes citações”. Góes elenca, por exemplo, o “acentuado sabor modinheiro” do trecho “Poi s’averrà un lieto dì risciogliere il voto sugli altar”, cantado por Don Antônio, Alvaro e Ceci; ou do famoso “Sento una forza indomita”, de Peri. Ressalta a origem brasileira de um maneirismo típico de Gomes, as quiálteras no acompanhamento, que dão ao ritmo um aspecto quebradiço, citando o “La natura e Dio t’ispirino un lamento che, gemendo, risponda al mio tormento!” E observa que, “na introdução da balada de Ceci, no ato II, o allegro brillante em 6/8 é de fazer inveja a um violeiro de seresta, preparando o seu ‘pinho’.” Chamando também a atenção para o fato de que os achados de Gomes inspirariam compositores italianos da época, Góes traça paralelos entre trechos do Gauarany e passagens na obra de Ponchielli. E dá especial importância ao fato de que:
“Em O Guarani, CG ‘abre’ o discurso musical em benefício da ação dramática, ou seja, não a bloqueia em números fechados tipo recitativo-ária-cabaletta. O compositor, ávido de demonstrar sua capacidade – uma real capacidade, diga-se – é absolutamente genial na fragmentação do discurso musical, através de melodias curtas e incisivas, de rápidas citações orquestrais, no uso constante de modulações inesperadas, na busca de ritmos em síncope – no que era mestre, inclusive por serem típicos esses ritmos da música popular que se fazia no Brasil –, na exploração constante da variedade tonal. Não era isso que Boito e os intelectuais da época queriam?” (Lauro Machado Coelho)

Depois de tudo isso, que mais posso dizer?
Apenas, que aprecie esta gravação que tem, claro, todas as limitações de um registro de mais de 60 anos atrás, mas feita com capricho. Que conhece outras gravações, perceberá que, talvez para caber no disco, algumas partes de recitativos foram cortadas, mas nada que nos deixe perder o contexto e o clima.
Os solistas são muito bons, mas sou forçado a achar que a soprano Niza de Castro Tank rouba a cena, pois a partitura pede uma soprano lírico-coloratura como ela. Sua voz é tão leve, parece uma flauta… Não vi ainda outra intérprete de Ceci com agudos tão fáceis como os dela…
Ah, faltou dizer: Carlos Gomes já era compositor maduro, mas melhoraria muito mais nas obras seguintes. Com Il Guarany atingiu o auge: era jovem, bem-sucedido, amado, tudo estava dando certo. Depois teria vários problemas, atingiria grandes sucessos, mas nunca mais o mesmo.

Ah, chega de falar! Ouça! Ouça! Ouça! Ouça!

Antonio Carlos Gomes (Campinas, 1836-Belém, 1896)
Il Guarany (1870) (1870)
Libreto: Antônio Scalvini
Baseado no romance homônimo de José de Alencar

Ato I – 01 Sinfonia
Ato I – 02 Scorre il Cacciator
Ato I – 03 Diálogo e entrada de Perí
Ato I – 04 Gentile di Cuore
Ato I – 05 Sento una Forza Indómita
Ato I – 06 Ave Maria
Ato II – 07 Vanto Io Pur – Ária de Perí
Ato II – 08 L’oro è une ente si Giocondo
Ato II – 09 Senza tetto senza cuna
Ato II – 10 C’era una volta un príncipe
Ato II – 11 Tutto é silenzio – Concertato
Ato III – 12 Aspra, Crudel
Ato III – 13 Bailado
Ato III – 14 Canto di Guerra
Ato III – 15 Canto di Guerra
Ato III – 16 Or Bene, Insano
Ato III – 17 Il Passo Estremo
Ato III – 18 Perché di Mestre Lagrime
Ato III – 19 Dio degli Aymoré
Ato IV – 20 In quest’ora suprema – Con te Giurai di vivere – Ferma, Olá!
Ato IV – 21 No, Traditori – Cena do Batismo

Pery – Manrico Patassini, tenor
Cecilia – Niza de Castro Tank, soprano
Gonzalez – Lourival Braga, barítono
Don Antonio de Mariz – José Perrota, baixo
Don Alvaro – Paschoal Raymundo, tenor
Cacique – Juan Carlos Ortiz, baixo
Ruy Bento – Roque Lotti, tenor
Alonso – Waldomiro Furlan, baixo

Orquestra e Coro do Teatro Municipal de São Paulo
Armando Belardi, regente
São Paulo, 1959 – primeira gravação mundial

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – (153Mb – 2CD, cartaz, info e resumo da ópera)

Ouça! Deleite-se!

Bisnaga

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Joaquin Rodrigo – Conciertos – Pepe Romero

O Concierto de Aranjuez deve ter sido uma das primeiras músicas que ouvi e compreendi em minha vida, ainda nos meus tenros e singelos 5 ou 6 anos de idade. Digamos que o velho LP com o John Williams e o Eugene Ormandy, LP que ainda tenho, me iniciou musicalmente. A paixão pelo instrumento e pela música não foram suficientes para me tornar um virtuose no violão, ao contrário, posso dizer que fui um violonista medíocre. Digo fui porque já há mais de quinze anos não pego um para tocar.

Mas Joaquin Rodrigo foi o meu mentor espiritual e musical. Amo suas composições, e desde o começo me sensibilizei com sua cegueira, e claro, com sua sensibilidade em explorar um instrumento tão rico harmonicamente falando quanto o violão. Alguns consideram o segundo movimento do Concierto de Aranjuez um tanto piegas, porém não concordo. Trata-se da mais bela declaração de amor já escrita através de notas musicais, no mesmo nível de qualquer obra de Chopin ou Beethoven.

Este CD triplo está fora de catálogo, não consegui encontrá-lo nem na amazon francesa e nem no site da própria Decca Classics. Traz a Familia Romero interpretando as obras de Joaquin Rodrigo, com destaque para o mais famoso deles, Pepe Romero,  que interpreta o Concierto de Aranjuez e a “Fantasia para un Gentilhombre”. A diferença desta caixa que posto para esta cujo link da amazon anexei é que não tenho nesta caixa o Concerto Serenata para Harpa e Orquestra. Mas que se trata de coisa finíssima, ah, os senhores podem estar certos. Tenho certeza de que irão apreciar e muito.

CD 1

01 – Concierto de Aranjuez – I. Allegro con spirito
02 – Concierto de Aranjuez – II. Adagio
03 – Concierto de Aranjuez – III. Allegro gentile
04 – Fantasia para un gentilhombre – I. Villano y Ricercare (Adagietto – Andante moderato)
05 – Fantasia para un gentilhombre – II. Españoleta y Fanfare de la Caballeria de Nápoles (Adagio – Allegretto molto ritmico)
06 – Fantasia para un gentilhombre – III. Danza de las hachas (Allegro con brio)
07 – Fantasia para un gentilhombre – IV. Canario (Allegro ma non troppo)

Pepe Romero – Violão
Academy of St Martin on the Fields
Neville Marrimer – Condutor

CD 2

01 – Concierto Madrigal – Fanfarre (Allegro Marziale)
02 – Concierto Madrigal – Madrigal (Andante nostalgico)
03 – Concierto Madrigal – Entrada (Allegro vivace)
04 – Concierto Madrigal – Pastorcito, tu que viennes, pastorcito, tu que vas (Allegro vivace)
05 – Concierto Madrigal – Girardilla (Presto)
06 – Concierto Madrigal – Pastoral (Allegro)
07 – Concierto Madrigal – Fandango
08 – Concierto Madrigal – Arieta (Andante nostalgico)
09 – Concierto Madrigal – Zapateado (Allegro vivace)
10 – Concierto Madrigal – Caccia a la española (Allegro vivace – Andante nostalgico)
11 – Concierto Andaluz – I. Tiempo de Bolero
12 – Concierto Andaluz – II. Adagio
13 – Concierto Andaluz – III. Allegretto

Los Romeros – Violões
Academy of St Martin on the Fields
Neville Marrimer – Condutor

CD 3

01 – Concierto para una fiesta – I. Allegro deciso
02 – Concierto para una fiesta – II. Andante calmo
03 – Concierto para una fiesta – III. Allegro moderato
04 – En los Trigales
05 – Sonata a la Española – I. Allegro assai
06 – Sonata a la Española – II
07 – Sonata a la Española – III
08 – Tiento antiguo
09 – Junto al Generalife
10 – Fandango
11 – 3 Petites Pièces – 1
12 – 3 Petites Pièces – 2
13 – 3 Petites Pièces – 3
14 – Bajando de la Meseta
15 – Romance de Durandarte

Pepe Y Angel Romero – Violões
Academy of St Martin in the Fields
Neville Merrimer – Condutor

CD 1 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

CD 2 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

CD 3 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

FDPBach

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Boris Tishchenko (1939 – 2010): Piano Concerto e Harpa Concerto

Como a aceitação tem sido positiva com relação a sinfonia n.7 de Boris Tischenko, trago aqui mais um grande disco desse excelente compositor. A primeira obra é um concerto para piano escrito em 1962, quando o jovem Boris acabava sua graduação. A estrutura do concerto tem a tradicional forma em três movimentos, mas ela é bem peculiar no desenvolvimento dos temas. O segundo movimento começa com uma fuga que é um brincadeira entra a orquestra e o piano. Obra interessante, o registro não tem um som muito bom (gravação de 1966), mas vale pela interpretação ao piano do próprio compositor. Já no concerto para harpa, a segunda peça desse disco, escrita em 1977, o compositor tinha atingido o ápice de sua criatividade e linguagem. A estrutura em cinco movimentos, bem típica do compositor, começa, assim como a sinfonia n.7, de maneira contemplativa e sinistra. A harpa às vezes soa como um cravo, e o diálogo com a orquestra é de uma precisão incrível. Mas a impressão é de que o primeiro movimento é um prelúdio para o segundo movimento, que começa com os instrumento de sopro dando a direção do diálogo, depois os instrumentos de cordas e logo em seguida a percussão. A harpa vai percorrendo e ligando cada seção da orquestra até reinar absoluta. A impressão da harpa ser um instrumento delicado e com serventia apenas ao lirismo é totalmente corrigida neste movimento. No quarto movimento, uma soprano surge de maneira bem suave, enriquecendo o clima nostálgico e íntimo. O quinto e último movimento é um andante que retoma alguns dos temas inicias dos outros movimentos, num tom triste e pessimista.

Faixas:

1. Piano Concerto: Allegro moderato
2. Piano Concerto: Allegretto tranquillo. Allegro vivo

Leningrad Philharmonic Orchestra
Conductor: Igor Blazhkov
Piano: Boris Tischenko

3. Harp Concerto: Moderato
4. Harp Concerto: Allegro con molto
5. Harp Concerto: Moderato
6. Harp Concerto: Intermezzo
7. Harp Concerto: Andante

Leningrad Philharmonic Orchestra
Conductor: Edward Serov
Harp: Irinia Donskaya-Tischenko

Baixe Aqui

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Antonio Carlos Gomes (1836-1896): Óperas – (2) Joanna de Flandres (trechos)

175 anos do nascimento de Antonio Carlos Gomes


Joanna de Flandres foi a segunda ópera de Antônio Carlos Gomes. Trabalho de fôlego para o rapaz ainda moço, que contava com 27 anos na sua esteia. Depois do grande sucesso da primeira, Carlos Gomes resolveu manter a fórmula (em time que está ganhando não se mexe…): uma nova história que se passa em castelos e no tempo das Cruzadas. Se deu certo na primeira vez, haveria de dar certo novamente. E deu. Um novo e grande sucesso do aluno do Conservatório da Escola de Bellas Artes, que via sua fama aumentar cada vez mais.
Havia aqui e ali alguns deslizes, diziam ser o primeiro ato muito longo (ocupa metade de toda a ópera) e depois a história parecia correr muito rapidamente, havia algumas inconstâncias. Porém, Gomes já estava mais afiado com esse formato que ainda lhe era recente (sua primeira ópera estreara havia dois anos, somente), aprendia sempre e refinava sua composição.

Lauro Machado Coelho, conta-nos um pouco sobre a ópera:

Devido a adiamentos na produção, Joana de Flandres, prevista para estrear em 10 de setembro de 1863, só subiu à cena no dia 15. O libreto original, do jornalista Salvador de Mendonça, também se passa no tempo das Cruzadas e conta a história de Joana, apaixonada pelo libertino trovador Raul de Mauleon. Ela acusa de impostor o próprio pai, o conde Balduíno, que volta da Terra Santa após muitos anos de ausência, pois não quer lhe devolver o trono, no qual pretende instalar o amante. Theresina Bayetti, Giuseppe Mazzi e Acchile Rossi, regidos por Carlo Bossoni, criaram essa segunda ópera.
A marca verdiana ainda é forte: Conati chama a atenção para a analogia entre a cavatina “Foram-me os anos da infância” e a ária de Elvira no ato I do Ernani. Mas Luiz Heitor já vê nesta partitura acentos mais pessoais, identificando traços quase schubertianos nas modulações do “prodigioso melodismo” do jovem compositor. Uma certa flutuação básica, porém, que haveria de marcar toda a obra do compositor, foi percebida, na Joana de Flandres, pelo crítico do Jornal do Commercio que, em 17 de setembro, escrevia:
“Tem ele muita facilidade e espontaneidade na composição; essa mesma facilidade, contudo, o faz às vezes descer da altura em que poderia manter-se e cai, aqui e ali, no trivial”.

Carlos Gomes, ainda assim, atingiu enorme sucesso com sua segunda ópera e, se a primeira peça do gênero não foi suficiente para que ele conseguisse a almejada bolsa de estudos no exterior, foi Joanna de Flandres que provou ser ele um compositor de gabarito, acima do nível dos demais de sua terra e de seu tempo, e que lhe garantiu as bênçãos do Imperador para a concessão da bolsa. Gomes mudava-se para Milão no ano seguinte.

A carreira italiana de Carlos Gomes inicia-se em 1864, quando ele chega a Milão com uma bolsa de 1:800$000 que lhe fora concedida pelo governo brasileiro. Essa escolha era do agrado de D. Pedro II, que admirava seu talento. O imperador deu o seu placet ao nome do campineiro, indicado a Tomás Gomes dos Santos – diretor da Academia de Belas Artes, de que dependia o Conservatório – como o mais talentoso aluno daquela escola, merecedor de “fazer seus estudos em qualquer conservatório da Itália”. Para que se tenha uma idéia do que representava, na época, esse valor, basta lembrar que 800$000 era a renda anual que um cidadão precisava comprovar, se quisesse candidatar-se a senador do Império; e 400$000, caso almejasse a uma cadeira de deputado. Para que lhe fosse concedida bolsa tão liberal, contribuiu o sucesso de suas duas primeiras óperas.

O caminho de sucesso de Carlos Gomes estava se alinhando. Depois das operetas “Nella Luna” e “Se as minga”, já compostas em Milão, estrearia a ópera que o levaria ao estrelato: Il Guarany, mas essa fica para a semana que vem…

Infelizmente, Joanna de Flandres nunca foi gravada na íntegra ou, se há tal gravação, se perdeu em um número pequeno de cópias que não nos alcançou. Algumas partes dela, porém, foram executadas aqui e al, por orquestras e intérpretes variados. Logo, estes arquivos que disponibilizamos não são um CD, mas uma reunião do que já foi gravado dessa ópera, que, após sua esteia, só foi novamente executada em 2005, no Teatro Alpha, porém, sem a gravação do CD que se havia planejado na ocasião.
Do pouco desta peça que aqui temos para mostrar-vos, já se percebe uma grande qualidade na composição de Carlos Gomes, especialmente na abertura da ópera e nas melodiosas árias de Joanna e de Raul.
Sem mais delongas, ouçamos a segunda e última ópera em português de Nhô Tonico!

Antonio Carlos Gomes (Campinas, 1836-Belém, 1896)
Joanna de Flandres (1863) – trechos reunidos
Libreto: Salvador de Mendonça

AtoI – 01 Abertura (A)
AtoI – 02 Cena e Racconto na Conjuração (B)
AtoI – 03 Cena e Cavatina de Joanna (B)
AtoI – 04 Cena e Canto Final Primeiro (B)
AtoI – 05 Quinteto Final (B)
AtoII – 06 Ária de Raul-Foi meu Amor um sonho (B)
AtoIII – 07 Intermezzo (C)
Bônus-AtoI – Cavattina de Joanna (A)
Bonus-AtoII – Ária de Raul-Foi meu Amor um sonho (D)

A
Niza de Castro Tank, soprano
Orquestra Sinfônica de Campinas
Cláudio Cruz, regente
Campinas, 2004

B
Joanna de Flandres – Julianne Daud, soprano
Raul de Mauleón – Fernando Portari, tenor
Humberto de Courtray – Paulo Szot, barítono
Balduíno – Savio Sperandio, baixo
Margarida de Flandres – Marcia Guimarães, soprano
Burg – Sérgio Weintraub, tenor
(Orquestra organizada para esta apresentação)
Regência Fabio Oliveira
Teatro Alfa, São Paulo, 2005

C
Orquestra do Festival do Centenário de Carlos Gomes
Andi Pereira, regente
Theatro da Paz, Belém, 1996

D
Juan Thibault , tenor
Orquestra Nacional da Rádio do MEC
Alceo Bocchino, regente
Campinas, 14 de Setembro de 1978

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – (43Mb – faixas, cartaz, info e resumo da ópera)

Ouça! Deleite-se!


caricatura de Carlos Gomes by Stegun

Bisnaga

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.: interlúdio :. Eric Dolphy with Booker Little Live at the Five Spot 1 e 2

Live at the Five Spot são dois álbuns de jazz que documentam a noite de 16 de julho de 1961, a qual marca o final da série de shows que Eric Dolphy e Booker Little fizeram no Five Spot em Nova York. Este dia não consta dos livros de história (aliás, talvez conste neste aqui), mas deveria, pois naquela noite havia uma eletricidade inédita nos ares novaiorquinos.

No tempo do vinil, havia um terceiro disco chamado Memorial Album onde estavam Number Eight (Potsa Lotsa) e Booker`s Waltz. Essas duas faixas agora estão nestes dois CDs que documentam a noite. A expressão “documentam a noite” é uma espetacular besteira de inspiração cartorial, pois não caracteriza nem a loucura criativa cubista e dissonante, nem a vivacidade dos solos de Dolphy. Quando Dolphy sola, é algo tão incomum que a gente pensa que possam surgir jacarés nos esgotos ou legumes em nossas cabeças.

Aliás, os enfermeiros berlinenses devem ter pensado em algo semelhante na tarde de 18 de junho de 1964, quando Dolphy caiu na rua e foi levado ao hospital. Eles não sabiam que ele era diabético e supuseram que ele estava apenas vivenciando uma overdose (é músico de jazz, não?). Então, deixaram-no deitadinho num leito até que passasse o efeito das drogas. Era um coma diabético. A insulina foi-lhe administrada tarde demais.

Eric Dolphy Live at the Five Spot 1

1. Fire Waltz 13:44
2. Bee Vamp (Live) 12:27
3. The Prophet 21:25
4. Bee Vamp (Alternate Take) 9:45

Recorded live at The Five Spot in New York, N Y on July 16, 1961.

Eric Dolphy – alto saxophone, flute, bass clarinet
Booker Little – trumpet
Mal Waldron – piano
Richard Davis – bass
Ed Blackwell – drums

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Eric Dolphy Live at the Five Spot 2

1. Aggression 17:16
2. Like Someone In Love 19:50
3. Number Eight (Potsa Lotsa) 15:31
4. Booker’s Waltz 14:34

Recorded live at The Five Spot in New York, N Y on July 16, 1961.

Eric Dolphy – alto saxophone, flute, bass clarinet
Booker Little – trumpet
Mal Waldron – piano
Richard Davis – bass
Ed Blackwell – drums

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PQP

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Boris Tishchenko (1939 – 2010): Sinfonia 7

Boris Tishchenko morreu recentemente (2010). Conhecido e respeitado na Rússia, mas basicamente desconhecido no resto do mundo. Ele foi muito requisitado no ocidente para falar sobre seu mestre Dmitri Shostakovich, com que teve uma relação pai-filho. Além disso, a música de Boris Tishchenko não soa muito distante do mundo shostakovichiano: som tonal, militarizado e muitas vezes prolixo. Numa audição superficial, a música de Boris Tishchenko não atrai. Talvez por isso, no primeiro momento, não concentrei toda minha atenção em sua música, ouvia as suas imensas sinfonias enquanto lia algum livro. Hábito que não costumo ter. Mas, de repente, um milagre aconteceu.
Eu era um leitor voraz de romances, prática que ultimamente não me agrada tanto. Talvez pelo fato de ficar muito mais impressionado com a realidade das biografias e dos livros de história. Mas claro que quando eu me pergunto “por que este homem fez isso?”, a chave quase sempre é dada por um bom romancista. Por isso a leitura de Berlin Alexanderplatz de Doblin era crucial para entender o homem alemão dos anos 1920. Claro que o livro é muito mais que isso, mas não vou seguir adiante em questões literárias…Minha principal surpresa, além de vivenciar os descaminhos da personagem principal, foi ter conhecido a sinfonia n.7 de Boris Tishchenko enquanto lia esse livro. Essa sinfonia é a trilha sonora perfeita, pois todo o ambiente, personagens e fatos narrados no livro ganharam muito mais viço. Minha recomendação é que todos pudessem vivenciar esta experiência emocionante, mas é óbvio que a música sobrevive sem o livro.

Faixas:
1. Symphony No. 7, Op. 119: Movement I
2. Symphony No. 7, Op. 119: Movement II
3. Symphony No. 7, Op. 119: Movement III
4. Symphony No. 7, Op. 119: Movement IV
5. Symphony No. 7, Op. 119: Movement V

Moscow Philharmonic Orchestra
Conduzido por Dmitry Yablonsky
Baixe Aqui

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Antonio Carlos Gomes (1836-1896): Óperas – (1) A Noite do Castelo

175 anos do nascimento de Antônio Carlos Gomes


Antes de mais nada, essa é IM-PER-Dí-VEL !!!

Bom, desejo a todos os nossos honrados usuários/frequentadores um maravilhoso 2012 e, para começar bem este Ano Novo, nada melhor que disponibilizarmos para vocês as óperas de Antônio Carlos Gomes.
E como é interessante manter uma ordem cronológica, pois se torna possível ver a evolução do compositor, vamos começar com a primeira ópera do mestre: A Noite do Castelo.
Aguardem: cada quinta-feira postaremos uma ópera de Nhô Tonico.

Carlos Gomes não compôs muitas óperas, não foi desses que faziam mais de uma peça dessa envergadura por ano. Em trinta anos, compôs apenas doze peças do gênero: oito óperas, três operetas (Se sa minga, Nella Luna e Telégrafo Elétrico) e um oratório (Colombo, que aqui incluiremos na categoria das óperas), ou seja, uma peça a cada 3 anos (tristemente, suas operetas e sua segunda ópera, Joanna de Flandres, nunca foram gravadas – me corrijam se eu estiver errado). Disso se depreende que Gomes levava tempo na composição, burilava as árias, as melodias, escolhia bons libretos.

A Noite do Castelo foi composta quando Carlos Gomes ainda era aluno do Conservatório da Academia de Belas Artes, no Rio de Janeiro. Como já mostrava talento, a pequena Campinas não conseguiu segurá-lo e o rapaz já alçava voos mais altos, já estava na capital do país. Pelo que historiadores afirmam, Tonico era um aluno brilhante e se destacava dos demais.
Ele vinha buscando há algum tempo um texto que o possibilitasse escrever uma boa ópera. Quando tomou contato com o poema de Antônio Feliciano de Castilho, logo procurou um libreto para a composição, encontrando o de Antônio José Fernandes dos Reis. E, quando começou a escrever a peça, enviou uma carta para seu pai, confiante: “Meu bom pai. Escrevo esta só para não demorar uma boa notícia. Afinal tenho um libreto. Foi extraído do poema de Castillo – A Noite do Castelo. Hoje mesmo começo a trabalhar na composição da ópera, prepare-se portanto, para vir ao Rio de Janeiro em 1861. Saudades muitas às manas e aos manos, principalmente ao Juca, abençoe-me como a seu filho muito grato. Carlos.” Realmente, a ópera nacional, com texto em português, estrearia no ano previsto e teria um enorme êxito. Carlos Gomes estava tão convicto da qualidade de sua música e do sucesso que dedicou a peça ao Imperador Pedro II (S.M.I = Sua Majestade Imperial). Com essa ópera e a seguinte, Joanna de Flandres, encenda dois anos depois, foi laureado com a bolsa de estudos que o levou a Milão, o centro do mundo operístico de então.

Sobre a música, não tive a petulância de escrever, pois há um excelente texto do crítico Lauro Machado Coelho, sobre a ópera, que transcrevo abaixo:
A Noite do Castelo (…) estreou em 4 de setembro de 1861, no Teatro Lírico Fluminense. A história de Leonor – dividida entre a paixão por Fernando e a promessa de fidelidade a seu noivo, Henrique, que partiu para as Cruzadas e ela crê morto há tempos – foi cantada por Luiza Amat, Andrea Marchetti e Luigi Marina, sob a regência de Júlio José Nunes. A música é muito influenciada por Donizetti, Bellini e, principalmente, Verdi. É Marcello Conati quem observa:
“Era inevitável que, diante da sua primeira experiência teatral, antes mesmo de proceder à busca de uma linguagem pessoal, Carlos Gomes se baseasse em estruturas já consolidadas e no âmbito de um gosto amplamente compartilhado pela público brasileiro daquela época. Dessas estruturas e desse gosto, a ópera verdiana representava a fase estilística mais avançada; era, portanto, perfeitamente natural que Gomes se voltasse principalmente para Verdi e, a partir de seu estilo, tencionasse medir as possibilidades expressivas da língua brasileira.”
Luiz Guimarães Jr. menciona, no Perfil Biográfico que redigiu de Carlos Gomes em 1870, o entusiasmo com que, aos quinze anos, o rapaz descobriu a partitura do Trovatore. Ora, é justamente dessa ópera a influência mais forte que Conati identifica na Noite do Castello, mostrando como a imprecação de Leonor, no último ato, “oferece evidentes analogias com o início do trio do ato I do Trovatore”. Mas adverte:
“O que importa realmente destacar, para além de eventuais analogias temáticas, é a particular predisposição de Gomes, que permanecerá constante no decurso de sua atividade como operista, a dinamizar o discurso musical, conforme as exigências da ação cênica; o sentido de seu tributo a Verdi deve ser, pois, considerado nesses termos, de funcionalidade dramática, que quer prevalecer sobre toda e qualquer pesquisa de caráter estilístico ou, mais simplesmente, lingüístico.”
Já existe, portanto, em embrião, um talento teatral seguro, embora, de uma maneira geral, sejam pouco originais os resultados artísticos obtidos, mesmo porque os estudos de escrita vocal, feitos no Conservatório do Rio de Janeiro, a partir de 1860, com seu professor de Composição, o italiano Gioacchino Giannini, fazem com que Carlos Gomes seja desajeitado ao musicar um texto em português.

Carlos Gomes estava aprendendo: era sua primeira ópera e muito mais viria nos anos que se seguiram. Veja! Conheça-o!

Antonio Carlos Gomes (Campinas, 1836-Belém, 1896)
A Noite do Castelo (1861)
Libreto: Antônio José Fernandes dos Reis
Baseado no poema narrativo de Antônio Feliciano de Castilho

CD1
Ato I – 01 Abertura CD1
Ato I – 02 Viva Fernando
Ato I – 03 Era Alta Noite
Ato I – 04 Nestes Sítios que viram minha Infância
Ato I – 05 Em Sono Plácido
Ato I – 06 Exulta Orlando
Ato I – 07 Desde Crianças se Amaram Ternos
Ato I – 08 Ímpios os Laços
Ato II – 09 Prelúdio
Ato II – 10 Oh, Sim! Sofri Cruéis Saudades
CD2
Ato II – 11 Onde Iria o Fantasma Ocultar-se
Ato II – 12 Quem eu sou
Ato II – 13 Onde Iria o Fantasma Ocultar-se
Ato II – 14 Pois se Tu eras Finado
Ato III – 15 Prelúdio
Ato III – 16 Já do Fundo do Abismo
Ato III – 17 Sobre os Restos de Fernando
Ato III – 18 Tu Fernando que adorei por filho
Ato III – 19 Henrique, Henrique
Ato III – 20 Basta, Mulher
Ato III – 21 Tu que a mim desde criança

Leonor – Niza de Castro Tank, soprano
Conde Orlando, pai de Leonor – José Dainese, barítono
Henrique, marido de Leonor – Luis Tenaglia, tenor
Fernando – Alcides Acosta, tenor
Ignez – Lucia Pessagno, mezzo soprano
Raymundo, servo – José A. Marson, barítono
Pajem – Fernando J. C. Duarte, baixo
Roberto – Personagem mudo

Orquestra Sinfônica de Campinas
Coral da UNICAMP
Coral da USP
Benito Juarez, regente
Campinas, 14 de Setembro de 1978

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE – ADrive (116Mb – 2CD, cartaz, info e resumo da ópera)

Ouça! Deleite-se!

Bisnaga

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.: interlúdio :. Bela Fleck / Zakir Hussain / Edgar Meyer – Melody Of Rhythm (2009)

Esses irrepetíveis CDs “fora de gênero” trazem verdadeiros absurdos e verdadeiros achados. Melody Of Rhythm não está em nenhum dos dois extremos, mas localiza-se bem mais próximo dos achados. É jazz em razão de Bela Fleck? É world music por causa do grande Zakir Hussain? É classica devido a Edgar Meyer? Bem, o mais importante é dizer que é tudo isso e que é tudo acessível, agradável e bem feito. Não é uma miscelânea de estilos, é algo com unidade e química próprias. Há as músicas em trio e há a participação de uma orquestra sinfônica.

Classifiquei o CD em jazz, mas não sei. Há improvisação mas não é jazz, certamente. Não é absolutamente vanguarda, nem free, nem world. Erudito seria adequado, mas não contaria toda a história. OK, fica no jazz.

Para vocês saberem se vão gostar, só ouvindo.

Bela Fleck / Zakir Hussain / Edgar Meyer – Melody Of Rhythm (2009)

1. Babar 6:10

2. Out Of The Blue 4:58

3. Bubbles 7:12

4. The Melody Of Rhythm, Movement 1 11:51
5. The Melody Of Rhythm, Movement 2 6:26
6. The Melody Of Rhythm, Movement 3 9:39

7. Cadence 3:56

8. In Conclusion 6:34

9. Then Again 6:40

Bela Fleck – five string banjo
Zakir Hussain – tabla
Edgar Meyer – double bass

Detroit Symphony Orchestra
Leonard Slatkin

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (RapidShare)

PQP

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