Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Concerto para 2 pianos e Orquestra, em Dó Maior, BWV1061, Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) – Concerto para 2 pianos em Mi Bemol Maior, KV 365, Ludwig van Beethoven (1770-1827) – Concerto para Piano, nº1, in Dó Maior, op. 15 – Anda, Haskill, Philharmonia – Galliera

Os senhores gostam de gravações antigas, realizadas há mais de cinquenta anos? Eu adoro, pois assim podemos conhecer os grandes intérpretes do passado e identificar a evolução das interpretações, comparando-as com as mais recentes.
Neste CD temos duas lendas dos teclados, duas gerações em confronto, digamos assim. A já idosa romena Clara Haskil e o então jovem húngaro Geza Anda, ainda com seus trinta e poucos anos na época destas gravações, e que morreu precocemente de câncer no esôfago, ainda nos anos 70 (1976 para ser mais exato). Clara Haskil nasceu em 1895 e é considerada uma das maiores pianistas do século XX, especializada no repertório clássico e romântico, e que veio a morrer poucos anos depois destas gravações serem realizadas.
Mas enfim, temos três concertos bem específicos em suas particularidades, e porque não dizer, verdadeiros monumentos da literatura pianística. Bach, Mozart e Beethoven: é preciso falar alguma coisa? A destacar, a evolução do próprio conceito de concerto, e claro, o talento dos intérpretes. Até nos esquecemos que são gravações remasterizadas, e que ao menos o Concerto de Bach foi ainda gravado em modo mono. Mas não se atenham a estes detalhes, e sim à clareza das interpretações. Outro destaque a ser feito aqui é o excepcional trabalho da engenharia de som da poderosa EMI em seu famoso estúdio da Abbey Road. Um primor.
Outra coisa que chama a atenção é a cumplicidade entre os intérpretes. temos a impressão de que tocam juntos há décadas, o que é mais uma mostra do enorme talento de jovem Anda, que não temeu tocar com uma verdadeira lenda do piano.
Para seu deleite, como diria nosso colega Carlinus.

01. Haskil & Anda – Bach- BWV 1061 I
02. Haskil & Anda – Bach- BWV 1061 II
03. Haskil & Anda – Bach- BWV 1061 III
04. Haskil & Anda – Mozart- KV 365 I
05. Haskil & Anda – Mozart- KV 365 II
06. Haskil & Anda – Mozart- KV 365 III
07. Anda – Beethoven- op 15 I
08. Anda – Beethoven- op 15 II
09. Anda – Beethoven- op 15 III

Clara Haskil & Géza Anda – Pianos
Philharmonia Orchestra
Alceo Galliera – Conductor

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FDPBach

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Steve Reich (1936): Drumming / Six Pianos / Music for Mallet Instruments, Voices and Organ

Junto a Adams e Riley, Reich forma o trio de ouro do minimalismo estadunidense. Aqui, neste sensacional álbum duplo da Deutsche Grammophon, temos a parte da obra dedicada ao tema ritmo. Drumming veio antes da extraordinária Music for 18 Musicians, de 1974, onde o que é feito em Drumming assume forma verdadeiramente grandiosa.

Reich não é apenas um compositor genial, mas é dado a dar definições absolutamente exatas sobre a posição da música e dos compositores em nosso tempo. Sempre penso em uma de suas mais importantes lições, a mais bachiana das delas:

Todos os músicos do passado, começando na Idade Média, estavam interessados na música popular. A música de Béla Bartók se fez inteiramente com fontes de música tradicional húngara. E Igor Stravinsky, ainda que gostasse de nos enganar, utilizou toda a sorte de fontes russas para seus primeros balés. A grande obra-prima Ópera dos Três Vinténs, de Kurt Weill, utiliza o estilo de cabaret da República de Weimar. Arnold Schoenberg e seus seguidores criaram um muro artificial, que nunca existiu antes. Minha geração atirou o muro abaixo e agora estamos novamente numa situação normal. Por exemplo, se Brian Eno ou David Bowie recorrem a mim e se músicos populares reutilizam minha música, como The Orb ou DJ Spooky, é uma coisa boa. Este é um procedimento histórico habitual, normal, natural.

 

Steve Reich

E agora ele fala deste CD:

Durante um ano, entre o outono de 1970 e o outono de 1971, eu trabalhei naquela que acabou a mais longa peça que compus. Drumming dura cerca de uma hora e meia e é dividida em quatro partes que são executadas sem pausa. Eu escolhi instrumentos que estão todos normalmente disponíveis nos países ocidentais (embora os bongôs tenham origem na América Latina, as marimbas na África, e em última análise, o glockenspiel derive de instrumentos da Indonésia), sintonizados com nossa escala diatônica temperada própria. Uso-os musicalmente dentro do contexto das minhas obras anteriores.
Seis Pianos (1973) surgiu da idéia que eu tinha há vários anos para fazer uma peça para todos os pianos em uma loja especializada. A peça que resultou é mais modesta, mas soa incontrolável. São seis pianos brincando uma música ritmicamente complexa. Os pianistas têm de estar fisicamente bem juntos de forma a ouvir um ao outro claramente ou não conseguirão interpretar a obra.
Enquanto trabalhava em Seis Pianos eu comecei uma outra composição que parecia cresceu espontaneamente a partir de um padrão de marimba simples. A Música para instrumentos de percussão, vozes e órgão foi concluída em maio de 1973, e trata de dois  processos rítmicos interrelacionados. Espero que alguém possa gostar das peças.

 

Steve Reich, 1974

Steve, eu adorei, mas meus vizinhos vieram saber o que estava acontecendo. Expliquei-lhes e segui a audição sem baixar o volume.

Steve Reich (1936): Drumming / Six Pianos / Music for Mallet Instruments, Voices and Organ

CD 1:
Drumming (for 4 pairs of tuned bongo drums, 3 marimbas, 3 glockenspiels, 2 female voices, whistling and piccolo )
1) Part I (24:35)
Drums [Small Tuned] – Bob Becker, James Preiss, Russ Hartenberger

2) Part II (25:19)
Marimba – Ben Harms, Bob Becker, Cornelius Cardew, Glen Velez, Russ Hartenberger, Steve Chambers, Steve Reich, Tim Ferchen*
Voice – Jay Clayton, Joan La Barbara

3) Part III (15:40)
Glockenspiel – Bob Becker, Glen Velez, James Preiss, Russ Hartenberger
Piccolo Flute – Leslie Scott
Whistling – Steve Reich

CD 2:
1) Part IV (18:57)
Drums [Small Tuned] – Steve Chambers, Steve Reich, Tim Ferchen*
Glockenspiel – Ben Harms, Cornelius Cardew, James Preiss
Marimba – Bob Becker, Glen Velez, Russ Hartenberger
Piccolo Flute – Leslie Scott
Voice – Jay Clayton, Joan La Barbara

2) Six Pianos (24:14)
Bob Becker, Glen Velez, James Preiss, Russ Hartenberger, Steve Chambers, Steve Reich – Pianos

3) Music for Mallet Instruments, Voices and Organ (18:32)
Glockenspiel – Ben Harms, Glen Velez
Marimba – Bob Becker, Russ Hartenberger, Steve Reich, Tim Ferchen*
Organ [Electric] – Steve Chambers
Percussion [Metallophone] – James Preiss
Voice – Janice Jarrett, Joan LaBarbara*
Voice [Melodic Patterns With Marimbas] – Jay Clayton

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PQP

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Antonio Carlos Gomes (1836-1896): Óperas – (9) Colombo (1964-Belardi) [link atualizado 2017]

175 anos do nascimento de Antonio Carlos Gomes

Um baita CD!
Apresentamos nesta semana o patriótico poema coral-sinfônico Colombo (aqui agrupado entre as óperas; embora não seja, se aproxima do formato), a última obra de vulto de Antonio Carlos Gomes, apresentada três anos antes de sua morte.
As coisas não iam nada bem pra Carlos Gomes: depois das recepções ruins da injustiçada Odaléa (confira aqui) na Itália e no Brasil, ele voltou a Milão um tanto desanimado. Encontrou lá seu filho Carlos André doente, com tuberculose (este faleceria apenas dois anos depois do pai. Sua única descendente que sobreviveria e que organizaria seu legado seria sua filha Ítala), o que lhe abateu ainda mais.
Como se aprontavam festejos em vários locais pelo 4º dentenário do Descobrimento das Américas, Carlos Gomes começava então a trabalhar em uma peça que tratasse da saga de Colombo, com vistas em alguns concursos, como modo de saldar suas dívidas:

Ainda no Brasil, pedira a seu amigo, o deputado Annibal Falcão, que lhe escrevesse um poema sobre Cristóvão Colombo. Era duplo o objetivo de Carlos Gomes: o concurso que a Prefeitura de Gênova abrira para uma obra musical em homenagem ao IV Centenário do Descobrimento da América; e concurso semelhante que escolheria a cantata a ser apresentada em Chicago, durante a exposição que celebraria essa efeméride. Desta vez, viu-se frustrado. Não foi premiado nem em Chicago nem nas Festas Colombianas de Gênova, onde o comitê organizador preferiu o Cristoforo Colombo de Alberto Franchetti (Lauro Machado Coelho).

Os problemas pessoais não interferiram na qualidade ca composição gomiana. Carlos Gomes continua, em Colombo, a seguir alguns padrões que apresentara em Odaléa: há uma partitura mais leve e mais coesa, bastante melodiosa (esta, admitamos, não tanto quanto aquela ópera) e uma organização mais ágil e sucinta. Além de tudo, esse formato, de poema sinfônico, não admite peças tão extensas. Aqui também, como em Lo Schiavo, ele foge dos padrões comuns e coloca um barítono para o papel do conquistador italiano.
A execução da peça está a cargo de Armando Belardi, um dos grandes entusiastas da obra do mestre campineiro, provavelmenteo regente que mais gravou Carlos Gomes: aqui no P.Q.P., Belardi está em Il Guarany, Fosca, Odaléa e este Colombo. Cercado, também, de ótimos solistas, numa gravação (e captação, graças a Deus) de alta qualidade. Um senão: há alguns cortes.
Semana que vem, a última postagem da série: a versão de Colombo regida por Ernani Aguiar (integral), que considero melhor ainda que esta de Belardi.
Ouça, que vale muito a pena!

Antônio Carlos Gomes (1836 – 1896)
Colombo – poema vocal sinfônico em quatro partes.
Libreto de Albino Falanca (pseudônimo de Albino Falcão).

01 Introdução
02 Ove sono
03 Tal_ cui non ha la terra
04 Era un tramonto d’oro
05 Gloria! trionfo
06 Pur a toccar l’eccelsa ambita meta
07 Non fosti mai si bel
08 Augusta regina
09 È sempre puro il ciel_ calmo il mar
10 Vitoria! Vitoria!
11 Salve immortal conquistator

Colombo – Constanzo Mascitti, barítono
Isabella – Lucia Quinto Morsello, soprano
Fernando – Sérgio Albertini, tenor
Il Frate – Paulo Adonis, baixo
Don Diego – Paulo Scavone, baixo
Dona Mercedes – Mariângela Rea, mezzo-soprano
Don Ramiro – João Calil, tenor

Orquestra e Coro do Theatro Municipal de São Paulo.
Armando Belardi, Regente
São Paulo, 1964.

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE 90Mb (CD, cartaz, info e resumo da ópera)
Mas deixe um comentário. Menos de 3% dos usuários nos escrevem. Ô, solidão…
Ouça! Deleite-se!

Bisnaga

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Piotr Ilitch Tchaikovsky (1840-1893) – Violin Concerto in D Major,op. 35 – Erich Wolfgang Korngold (1897-1957) – Concerto for Violin & Orchestra in D Major, op. 35 – Mutter, Previn, LSO


Existem dezenas, talvez centenas de gravações do Concerto para Violino, op. 35, de Tchaikovsky. Aqui mesmo no PQP já devem ter sido postadas pelo menos uma meia dúzia delas (ou estarei enganado? Alguém se proporia a contar?).Meus intérpretes para estes concertos são David Oistrakh, Jascha Heifetz, Viktoria Mullova. Mullova? Digamos que esta gravação da russa com o Ozawa esteja nesta lista por motivos particulares.

A vida de Anne-Sophie Mutter é conhecida: menina prodígio, aos 14 anos de idade já estreava no mundo das gravações ao lado de ninguém menos que Karajan, que a apresentou ao mundo num LP com Concertos de Mozart gravados pela poderosa gravadora Deutsche Grammophon. Realizou diversas gravações com o velho Kaiser, inclusive do próprio concerto de Tchaikovsky, isso tudo antes de completar 20 anos de idade.

Não entrarei no mérito da qualidade destas interpretações de juventude, algumas delas sensacionais, com certeza, como seu Brahms, tocado com uma maturidade e competência invejáveis. Não lembro de ter ouvido seu Tchaikovsky de juventude, talvez influenciado pela Mullova, sua grande “rival”, pelo menos no meu ranking. Até fiz uma brincadeira há alguns anos atrás colocando gravações das sonatas de Brahms com as duas, para deixar nas mãos dos senhores a escolha do “quem é a melhor”.
Mas o tempo passa, o tempo voa. A maturidade chega, e talvez por cláusulas contratuais, sei lá, ela resolve gravar novamente o op. 35 de Tchaikovsky. Desta vez, acompanhada do maridão, o excelente regente Andre Previn. O contraste é claro: a bela Mutter, que, apesar de já estar chegando nos 50 anos continua muito bonita e charmosa, e o velho Previn, já adentrado nos seus setenta e poucos anos, mas sempre grande galanteador, lembrando que ele foi o primeiro marido da atriz Mia Farrow, isso nos idos do início dos anos 70. Talvez por este motivo resolveram gravar este CD juntos, sabe como é, o amor é lindo, né? Dois concertos românticos, que curiosamente tem o mesmo opus, 35, e escritos na mesma tonalidade de Ré maior.

Ok. Mas por que acho que a química entre os dois não funciona? Sei lá,entende? Não dá liga, Mutter às vezes toca de forma tão mecânica que deixa de lado toda a força dramática da obra, e para piorar Previn torna a grande Sinfônica de Londres uma orquestra burocrática, também sem emoção, sem apelo. Vi um documentário certa vez com uma aula magna do Maxim Vengerov em que ele explicava para um “aluno” que para tocar Tchaikovsky o músico tem de suar sangue, tem de chegar no final da interpretação tão extenuado que mal consegue se manter em pé, tamanha a entrega que ele tem de fazer na execução da obra. Mutter, quem diria, minha musa inspiradora, a violinista que me inspira já há mais de 30 anos não conseguiu me comover desta vez. Será que a idade está chegando e FDPBach está se tornando um chato que exige cada vez mais de si mesmo para encontrar um nível que talvez nunca mais seja atingido? Afinal suas gravações favoritas destas obras (Oistrakh e Heifetz) foram realizadas há mais de cinquenta anos atrás… o que falta? É pouco provável que surjam novamente músicos do nível destes dois gigantes citados acima, reconheço, mas como diria a velha frase dos guevaristas, “hay que endurecer, pero sin perder la ternura jamás”. Mutter, nesta gravação, realizada ao vivo, por sinal, endureceu sim porém perdeu a ternura. Talvez a explicação seja esse comentário seu que consta na contracapa do CD: “Performing contemporary music has added immeasurably to the way I play Tchaikovsky´s concerto”.
Curiosamente, no Concerto de Korngold reencontro a Mutter que conheço há tanto tempo. É comovente ouvi-la tocar o magnífico primeiro movimento deste concerto único. Vá entender. E sempre acompanhada do maridão e da LSO. Heifetz era um gênio, sem dúvidas, mas segundo testemunhos, sempre acabava virando um showman, exagerando no virtuosismo. Mutter aqui, ao contrário, exibe o virtuosismo de sempre e faz seu Stradivarius chorar, assim como também faz fraquejar e apertar o coração deste chato de galocha que vos entedia com tantas considerações inúteis e lhes impede de apreciar a mais bela e talentosa violinista de sua geração.

Me perdoa por te traíres, Viktoria Mullova.

Piotr Illyich Tchaikovsky – Violin Concerto in D Major,op. 35, Erich Wolfgang Korngold – Concerto for Violin & Orchestra in D Major, op. 35

01. Tchaikovsky Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – I. Allegro moderato
02. Tchaikovsky Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – II. Canzoneta. Andante- attacca
03. Tchaikovsky Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – III. Finale. Allegro vivacissimo
04. Korngold Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – I. Moderato nobile
05. Korngold Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – II. Romance. Andante
06. Korngold Concerto for Violin and Orchestra in D major, op.35 – III. Finale. Allegro assai vivace

Anne-Sophie Mutter – Violin
London Symphony Orchestra
Andre Previn – Conductor

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Rimsky-Korsakov (1844-1908): Sinfonia Nº 3 / Concerto para piano, Op. 30 / Abertura 'A Grande Páscoa Russa'

Pois é. Gostei mais das interpretações deste Kitajenko, nascido em Leningrado, para obras de Rimsky-Korsakov, do que das de Karajan recém postadas. Bergen, Berlin; Berlim, Bergen. Bergen é humilde perto de Berlim — a qual pulsa cultura por todos os seus poros (pulsa pelos poros, francamente…). Segunda maior cidade da Noruega, Bergen abriga 250 mil almas congeladas. É uma belíssima cidade litorânea e deve ter inspirado a luminosa gravação da Grande Páscoa Russa, obra da absoluta preferência deste que vos escreve. O Concerto para Piano em um movimento também é bastante bom. Um disco bem legal com peças raramente gravadas.

Rimsky-Korsakov (1844-1908): Sinfonia Nº 3 / Concerto para piano, Op. 30 / Abertura ‘A Grande Páscoa Russa’

1. Russian Easter Overture: Lento Mistico – Andante Lugubre, Sempre Alla Breve

2. Sadko, Op.5: Moderato Assai – Allegro Molto – Allegretto – Poco Piu Vivo – Moderato Assai

3. Piano Concerto in C Sharp Minor, Op.30: Moderato – Allegretto Quasi Polacca – Andante Mosso – Allegro

Sinfonia Nº 3
4. I. Moderato Assai – Allegro
5. II. Scherzo. Vivo – Trio. Moderato
6. III. Andante
7. IV. Allegro Con Spirito

Geoffrey Tozer, piano
Bergen Philharmonic Orchestra
Dmitri Kitajenko

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PQP

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Rimsky-Korsakov (1844-1908): Sherazade / Tchaikovsky (1840-1893): Capricho Italiano e Abertura 1812

Eu gosto muito de Sherazade, a princesa que precisava divertir para não morrer, mas não apenas pelas 1001 noites, também pela música de Rimsky-Korsakov. O russo era um grande compositor e arranjador. E von Karajan faz-lhe justiça. Talvez alguns achem os andamentos um pouco arrastados — eu mesmo acho — , mas é indiscutível a qualidade e a grandiosidade da regência. E os solos de violino são belíssimos! Ele e sua modesta Filarmônica também vão bem no Capricho Italiano, cujo final parece ter uma mola que nos obriga a aplaudi-lo mesmo sozinho em casa.

Já na Abertura 1812, von Karajan parece ter enlouquecido. Tudo parece cortado a machado. É muito ruim. Gostei de ouvir a introdução coral aqui utilizada, mas o resto está fora do espírito da música. Os sons de canhão fizeram minha família rir no carro. Não sei que merda ele usou no lugar de canhões de verdade. Ouça por Sherazade e pelos italianos. E ria com 1812.

Rimsky-Korsakov (1844-1908): Sherazade /
Tchaikovsky (1840-1893): Capricho Italiano e Abertura 1812

1. Scheherazade, Op.35 – 1. Largo e maestoso 10:02
2. Scheherazade, Op.35 – 2. Lento 12:50
3. Scheherazade, Op.35 – 3. Andantino quasi allegretto 10:40
4. Scheherazade, Op.35 – 4. Allegro molto 12:55

5. Capriccio italien, Op.45 – Andante un poco rubato 16:59

6. Ouverture solennelle “1812,” Op.49 – Largo – Allegro giusto 15:35

Berlin Philharmonic Orchestra
Herbert von Karajan

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PQP

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Camerata Antiqua de Curitiba – Paixão Segundo S. João BWV 245

Avicenna

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Dmitri Shostakovich (1906-1975) – Concertos (complete) – (LINKS ATUALIZADOS)

Postado inicialmente em 24 de julho de 2011.

Shostakovich foi um trabalhador incansável, destemido; um teimoso que não se deixou abater por amor à música e ao seu país. Sob a vigilância constante de um Estado onipresente, a vida de Shostakovich é um exemplo ou uma metáfora do artista num regime totalitário. O fato é que Shostakovich conseguiu fazer muito bem aquilo que suas intuições o inclinavam a fazer, convivendo com as demandas do Estado comunista. Sua música é romântica na abordagem das emoções, repleta de um sarcasmo, de uma ironia fina(poderia chamar de ironia shostakochiana?) em tom parodístico. Shostakovich é múltiplo. Sua vida possuía imensas curvaturas. Não é possível compreendê-lo apenas com uma visão linear. Sua obra é reflexo de vários gritos aprisionados. Por ter vivido, necessariamente, dentro de um país comunista, a sua estética reflete esse fato. Era um grande admirador da obra de Bach, Beethoven e Mahler. Desse último, por exemplo, conseguiu ser impressionado pela força do universo sinfônico. A força marcial das sinfonias de Mahler, verdadeiros tratados filósoficos, estão dentro da obra de Shostakovich. Em Shostakovich, não é possível dissociar a vida da obra, pois uma se complementa na outra. Quando escuto o primeiro movimento (nocturno) do concerto no. 1 para violino não posso deixar de fazer uma reflexão sobre o seu ambiente histórico. O que leva um sujeito a começar um concerto para violino com uma reflexão tão dura, tão amarga, tão melancólica, quase niilista daquela? Tomemos a título de comparação um concerto para violino de Mozart. É como se o dia nascesse. A manhã se fizesse bela e clara. No concerto para violino de Shostakovich, parece que a vida está grávida de um eclipse e que enxergamos apenas cintilações tristes. Não deixe de ouvir esse material que traz Mravinsky, Oistrakh, Rozhdestvesnky, entre outros. Um bom deleite!

Dmitri Shostakovich (1906-1975) – Concertos (complete)

DISCO 01

Piano Concerto No. 1 Op. 35
01. I. Allegro moderato-allegro vivace-moderato
02. II. Lento
03. III. Moderato
04. IV. Allegro con brio

Piano Concerto No. 2 Op. 102
05. I. Allegro
06. II. Andante
07. III. Allegro

3 Fantasic Dances Op. 5
08. I. Allegretto
09. II. Andantino
10. III. Allegretto

Bournemouth Symphony Orchestra
Paavo Berglund, regente
Cristina Ortiz, piano

DISCO 02

Violin Concerto N°1 in A minor Op.99
01. I. Nocturne
02. II. Scherzo
03. III. Passacaglia-Burlesque

Leningrad Philharmonic Orchestra
Evgeny Mravisnky, regente
David Oistrakh, violino

Violin Concerto N°2 in C sharp minor Op.129
04. I. Moderato
05. II. Adagio, adagio-allegro

Moscow Philharmonic Orchestra
Gennady Rozhdestvesnky, regente
David Oistrakh, violino

DISCO 03

Shostakovich Cello Concerto No. 1 Op. 107
01. I. Allegretto
02. II. Moderato
03. III. Cadenza
04. IV. Allegro con moto

Cello Concerto No. 2 Op. 126
05. I. Largo
06. II. Allegretto
07. III. Allegretto

Moscow Symphony Orchestra
Valery Poliansky, regente
Alexander Ivashkin, cello

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BAIXAR AQUI CD2
BAIXAR AQUI CD3

Carlinus

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Dmitri Shostakovich (1906-1975 ) – Sinfonia No. 11 em G manor, Op. 103 – "O Ano de 1905" (LINK ATUALIZADO)

Postado inicialmente em 11 de dezembro de 2011.

A Sinfonia no. 11 de Shostakovich é uma das minhas composições favoritas entre todas aquelas que foram escritas poe Dmitri Shostakovich. Ela é uma obra que revela o quanto o conflito e a epicidade podem ser retratados numa obra de arte. É um desenho programático de um evento histórico. É uma descrição palpável de um episódio acontecido no ano de 1905 na Rússia. Contam os historiadores que dezenas de trabalhadores foram aniquilados pelas forças do ksar. Os vitimados eram homens comuns que buscavam ter os seus direitos atendidos no mês de janeiro daquele ano. Mas foram alvejados impiedosamente pela força pretoriana do soberano da Rússia. Tal fato se constituiu num evento marcante. O povo jamais esqueceria aquilo, principalmente Shostakovich que amava tanto o seu país. A Sinfonia no. 11 é repleta de insuações; de coloridos orquestrais; de tensão; de motivos de combate; marchas marciais; do som de corpos que tombam ao chão, num episódio terrível. É um trabalho denso, como denso era o mundo de Shostakovich. Esta gravação com Ashkenazy possui motivos para reverência. Não deixe de ouvir.

Dmitri Shostakovich (1906-1975 ) – Sinfonia No. 11 em G manor, Op. 103 – “O Ano de 1905”

01 The Palace Square
02 The Ninth of January
03 In Memoriam
04 The Tocsin

Link da Amazon

St Petersburg Philharmonic Orchestra
Vladimir Ashkenazy, regente

BAIXAR AQUI

Carlinus

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Messe H-Moll – Thomas Hengelbrock – Balthasar -Neumann Choir – Freiburger Barockochester

Um grande amigo, infelizmente já falecido, considerava esta obra de Bach como a maior realização do ser humano. Curiosamente esse amigo era ateu, não era ligado a nenhuma religião.  Era uma pessoa extremamente bondosa, e desconheço alguém que tenha feito alguma reclamação a seu respeito. Era admirado por todos. Tratava-se de pessoa cordata, sábia e que tinha uma grande bondade no coração, desconhecia a maldade. E um grande intelectual, extremamente culto e um dos maiores conhecedores da obra de Machado de Assis que tive a oportunidade de conhecer. Mas um belo dia um AVC o levou. Como morava sozinho, nunca casou, só foi encontrado dois dias depois dentro de seu apartamento.
Por que me lembrei dele? Porque mais ou menos nessa época, não sei precisar o dia, há seis anos, ele nos deixou. Uma legião de amigos ainda não se conforma. Para mim, ele viajou para o seu amado Rio Grande do Sul, para ficar novamente entre sua tão querida família e pode aparecer a qualquer momento. E ele amava essa Missa de Bach. No meio da bagunça dos  milhares de LPs, fitas cassetes e livros em que ele vivia, estava sempre em destaque o LP da gravação do Gardiner. Dizia que tinha de ouvi-lo ao menos uma vez por mês, pois aquela música como que o purificava, sentia-se mais leve, como se estivesse indo ao confessionário.  Se a ouvia num final de semana, sua semana começava melhor ainda. Curioso, né? O efeito que uma música pode ter sobre uma pessoa…  enfim, a vida da gente é um nada no mundo, como dizia o poeta. Mas temos de aproveitá-la da melhor forma possível, para não nos arrependermos depois de nossas escolhas.
Ouvindo essa gravação do Thomas Hengelbrock sinto-me como o meu amigo se sentia. Livre, leve e solto. Poderia voltar á rotina estafante do serviço com um sorriso no rosto. Mas hoje é sábado, e não trabalho, nem amanhã. Portanto, vamos aproveitar o dia.
Voltando a falar dessa gravação, diria que está no mesmo nível da de Gardiner, para muitos a melhor já realizada. Mas a música de Bach está além de conceitos e gostos. Ela transcende e atinge a todos com tal força que ficamos como que paralisados. E creio que o mesmo ocorra com os intérpretes dessa gravação: foram como que possuídos pela força que ela emana e realizaram um trabalho notável. Não saberia dizer se é a melhor gravação da atualidade, afinal existem dezenas de gravações dela, mas com certeza está na minha lista das melhores.  O jovem Thomas Hengelbrock já realizou excelentes gravações em sua curta carreira e tem um futuro promissor pela frente. Confiram sua biografia: http://www.thomas-hengelbrock.com/22-1-short-version.html .
Meu falecido amigo haveria de concordar comigo. Não preciso dizer que esta postagem é uma homenagem à ele, né?
Que Deus o tenha ao seu lado, Pedro Henrique.

CD 1

1 Ester Teil. KYRIE. Chorus_ Kyrie eleison
2 Duetto (Soprano I & II)_ Christe eleison
3 Chorus_ Kyrie eleison
4 GLORIA. Chorus_ Gloria in excelsis Deo
5 Chorus_ Et in terra pax
6 Aria (Soprano)_ Laudamus te
7 Chorus_ Gratias agimus tibi
8 Duetto (Soprano & Tenor)_ Domine Deus
9 Chorus_ Qui tollis peccata mundi
10 Aria (Altus)_ Qui sedes ad dexteram patris
11 Aria (Basso)_ Quoniam tu solus Sanctus
12 Chorus_ Cum Sancto Spiritu

CD 2

1 Zweiter Teil. CREDO. Chorus_ Credo in unum Deum
2 Chorus_ Patrem omnipotentem
3 Duetto (Soprano & Altus)_ Et in unum Deum
4 Chorus_ Et incarnatus est
5 Chorus_ Crucifixus
6 Chorus_ Et resurrexit
7 Aria (Basso)_ Et in Spiritum Sanctum
8 Chorus_ Confiteor
9 Chorus_ Et expecto
10 SANCTUS. Chorus_ Sanctus
11 Aria (Tenor)_ Benedictus
12 Doppel-Chorus_ Osanna
13 AGNUS DEI. Aria (Altus)_ Agnus Dei
14 Chorus_ Dona nobis pacem

Solistas do Balthasar-Neuman-Choir
Balthasar-Neumann-Choir
Freiburger Barockorchester
Thomas Hengelbrock – Conductor

 

CD 1 – Baixe aqui – Download here
CD 2 – Baixe aqui – Download here

FDPBach

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Benjamin Britten (1913-1976): Cello Suites

Denise Djokic… o nome pode ser sérvio, mas a moça é uma talentosa violoncelista de Halifax, Nova Escócia, Canadá. Ela tem sido tem sido elogiada em todo o mundo por suas interpretações powerful e seu maiúsculo comando do instrumento. Pelo que se lê, é uma mulher dominadora. E é uma bela dominadora! Hum… Interessante. Quando se ouve o disco, duas coisas saltam a nossos ouvidos. O som estupendo de um violoncelo bem tocado e a bela música de Britten, o maior compositor inglês desde… desde… desde Purcell, claro. Este CD é uma esplêndida mistura de força, exatidão e sensibilidade. Coisa rara.

Agora, vejam só: Denise foi nomeada pela revista canadense MacLean como um dos “25 canadenses que estão mudando nosso mundo” e a Elle escolheu-a como uma das “Mulheres Mais Poderosas do Canadá”. Nossa, adoro!

Para quem não sabe, as Suítes para Violoncelo de Benjamin Britten são uma série de três composições para violoncelo solo, dedicadas a Mstislav Rostropovich. Britten era amigo de Rostrô, assim como de Shosta. Antes de escrever esta sensacionais suítes, Britten já havia composto para Rostrô uma cadência para o Concerto Nº 1 para Violoncelo e Orquestra de Haydn, em 1964. (Vi Rostrô em Buenos Aires tocando este Concerto de Haydn, ho, ho, ho). Rostropovich estreou o trio de obras que lhe dedicou Britten e gravou comercialmente as Suites N° 1 e 2. Na minha opinião, é um CD…

IM-PER-DÍ-VEL !!!! 

Benjamin Britten (1913-1976): Cello Suites

1. Denise Djokic – 1. Cello Suite No. 1, Op. 72: Canto primo: Sostenuto e largamente (2:37)
2. Denise Djokic – 2. Cello Suite No. 1, Op. 72: I. Fuga: Andante moderato (4:20)
3. Denise Djokic – 3. Cello Suite No. 1, Op. 72: II. Lamento: Lento rubato (3:21)
4. Denise Djokic – 4. Cello Suite No. 1, Op. 72: Canto secondo: Sostenuto (1:33)
5. Denise Djokic – 5. Cello Suite No. 1, Op. 72: III. Serenata: Allegretto: pizzicato (2:24)
6. Denise Djokic – 6. Cello Suite No. 1, Op. 72: IV. Marcia: Alla marcia moderato (3:40)
7. Denise Djokic – 7. Cello Suite No. 1, Op. 72: Canto terzo: Sostenuto – 2:50 (2:50)
8. Denise Djokic – 8. Cello Suite No. 1, Op. 72: V. Bordone: Moderato quasi recitativo (3:45)
9. Denise Djokic – 9. Cello Suite No. 1, Op. 72: VI. Moto perpetuo e Canto quarto: Presto (3:41)

10. Denise Djokic – 10. Cello Suite No. 2, Op. 80: I. Declamato: Largo (4:21)
11. Denise Djokic – 11. Cello Suite No. 2, Op. 80: II. Fuga: Andante (4:28)
12. Denise Djokic – 12. Cello Suite No. 2, Op. 80: III. Scherzo: Allegro molto (2:11)
13. Denise Djokic – 13. Cello Suite No. 2, Op. 80: IV. Andante lento (6:05)
14. Denise Djokic – 14. Cello Suite No. 2, Op. 80: V. Ciaccona: Allegro (8:28)

15. Denise Djokic – 15. Cello Suite No. 3, Op. 87: I. Introduzione: Lento (2:47)
16. Denise Djokic – 16. Cello Suite No. 3, Op. 87: II. Marcia: Allegro (1:53)
17. Denise Djokic – 17. Cello Suite No. 3, Op. 87: III. Canto: Con moto (1:29)
18. Denise Djokic – 18. Cello Suite No. 3, Op. 87: IV. Barcarola: Lento (1:48)
19. Denise Djokic – 19. Cello Suite No. 3, Op. 87: V. Dialogo: Allegretto (2:06)
20. Denise Djokic – 20. Cello Suite No. 3, Op. 87: VI. Fuga: Andante espressivo (3:11)
21. Denise Djokic – 21. Cello Suite No. 3, Op. 87: VII. Recitativo: Fantastico (1:26)
22. Denise Djokic – 22. Cello Suite No. 3, Op. 87: VIII. Moto Perpetuo: Presto (0:57)
23. Denise Djokic – 23. Cello Suite No. 3, Op. 87: IX. Passacaglia: Lento solenne (10:22)

Denise Djokic, cello

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Antonio Carlos Gomes (1836-1896): Óperas – (8) Condor/Odaléa (1986-Belardi) [link atualizado 2017]

175 anos do nascimento de Antonio Carlos Gomes

Odaléa: IM-PER-DÍ-VEL !!!

Se fôssemos colocar um subtítulo para Odaléa (ou Condor), seria provavelmente “a ópera injustiçada”. Aqui Antonio Carlos Gomes está no auge de seu refinamento orquestral e melódico, mas a peça não emplacou: foi a obra certa no momento mais errado…
Gomes aceitou a encomenda de Cesare e Enrico Corti de uma ópera para a temporada de 1891 no Scala de Milão. Foi escolhido num cenário em que as grandes editoras de música  que dominavam a cena milanesa (Riccordi e Sonzogno) estavam em ferrenha disputa, por ser respeitado e por não ter contrato com nenhuma delas. Junto com a encomenda, já lhe foi entregue o libreto de Mario Canti para musicar. A história de Canti se passa em Samarcanda (cidade antiquíssima, de cultura persa, no atual Uzbequistão), onde a rainha, Odaléa, se apaixona por Condor, chefe das hordas que invadem seu país. Traindo seus patrícios, Condor é ameaçado, assim como Odaléa, e a única maneira de salvar sua amada é sacrificando sua própria vida para abater a fúria dos invasores.
Carlos Gomes alterou o nome original da ópera de Condor para Odaléa, tendo em vista possíveis apresentações na França, onde o nome do protagonista criaria um terrível cacófato com “con d’or” (ou cone de ouro, o apelido que se dava à região pubiana feminina, eufemizando aqui o termo)…
A ópera estreou em 1891 no Scalla com um elenco de primeira categoria, mas foi recebida com frieza pelo público. Um ano antes, subia ao palco a Cavalleria Rusticana, de Pietro Mascagni, uma revolução nos cânones operísticos italianos de então, que faria cair no gosto do público o formato dos veristas, da Giovane Scuola. Carlos Gomes introduziu em Odaléa mais inovações, mas a sua peça não era tão avançada como a de Mascagni: a crítica, sem uma análise aprofundada da partitura, estampou Gomes como um compositor tradicional demais. Ainda assim, a ópera teve dez récitas e foi a segunda mais assistidas no Scalla em 1891. Gomes a apresentou no mesmo ano no Rio de Janeiro, mas sua imagem, tão ligada ao imperador D. Pedro II, deposto pouco tempo antes, também fez com que o público e a crítica cariocas o vissem como um profissional antiquado, analisando-o pela sua postura política, e não pela sua música.
Dessa forma, Odaléa/Condor, foi apresentada apenas por uma temporada no Brasil e duas na Itália em todo o século XIX, e executada poucas vezes no século XX. Com o distanciamento que só o tempo proporciona, críticos e musicólogos têm afirmado que Condor é uma ópera das mais bem elaboradas de Carlos Gomes. É perceptível que ele buscava um caminho novo e o estava encontrando, aproximando-se da escola francesa.

Como na Fosca, percebe-se no Condor um esforço consciente de renovação formal. Há soluções harmônicas e empregos vocais que mostram o quanto Gomes acompanhava as modificações introduzidas pelos veristas no idioma do melodrama italiano – e que, na verdade, ele antecipara nas páginas mais inovadoras da Fosca ou da Maria Tudor. Haja vista a tessitura ousada do “Vampe folgori, rivolte!”, na entrada de Odalea no início do ato III, seguida da declamação entrecortada de “Febre fatal, sogno crudel d’ebra follìa!”, marcada andante cantabile con grande passione. (…). Há também, lado a lado do reconhecível estilo melódico do compositor – aqui tão inspirado quanto no Schiavo – um refinamento de expressão que mostra Gomes em dia com a ópera francesa, de que Condor retém o modelo: a elegância da música faz pensar em Gounod, Saint-Saëns, Massenet.
Um dos sinais da atenção à escola francesa, é o grande cuidado de Gomes – traço também presente na nova escola – em caracterizar musicalmente os ambientes (isso, de resto, já fora anunciado pela “Alvorada” do Escravo). O ambientismo do Condor está presente nos temas de sabor oriental que ele utiliza. Mas a escrita orquestral é muito bem trabalhada, não só no Prelúdio, no Noturno que introduz o ato III, ou no balé. mas também no acompanhamento instrumental, muito elaborado, e de alto grau de autonomia em relação à linha vocal.
O melodismo de Gomes está lá, sim, mas com movimentos mais flexíveis. O corte dos temas é menos tradicional do que no Guarany; menos popularesco do que no Salvator Rosa. Levam um passo à frente a madura expressão da Maria Tudor e do Schiavo. Há em Condor, em suma, a busca visível de um novo roteiro estético; ou, como diz Andrade Muricy, “não um ‘canto de cisne’, mas uma indistinta, tateante aurora”.
Condor/Odalea tem divisão em números muito tênue. Tende para a estrutura em blocos contínuos que Verdi consolidara no Otello; e, nesse sentido, confirma uma tendência já perceptível no autor desde o Guarany. Além da predominância, já observada, do tipo de vocalidade que faz a voz ascender subitamente do registro central para a região aguda – técnica que vai proliferar no Verismo –, é característica no Condor a preocupação com um tipo de declamação que valorize a clara pronúncia das palavras. E esse é outro ponto em que está intimamente associada à nova escola.

Condor/Odaléa é a ópera mais sucinta e mais ágil de Carlos Gomes. Tem também algumas das suas páginas mais bem escritas. Aqueles dez anos de hiato entre Maria Tudor (1879) e Lo Schiavo (1889) possibilitaram um grande refinamento na orquestração gomiana. As peças instrumentais, a abertura (que anuncia o oriente num delicado solo de harpa), o noturno e o balé são de uma beleza ímpar, e os trechos cantados são obras de muito esmero. A gravação, aviso, é ruim. Não pelos solistas, nem pela orquestra (Armando Belardi sempre se cercou de gente competente), mas pela captação quase caseira; é, no entanto, a única gravação que conheço, por isso não tiraria d forma alguma o “imperdível” lá do início.
Mas esqueça essas falhas, deixe-se levar pelas melodias magistrais desta última ópera de Carlos Gomes, coloque os problemas de lado e viaje para terras distantes na música de Nhô Tonico!
Semana que vem e na próxima, a última peça (disponibilizarei duas gravações): o Oratório Colombo, que, embora não seja, incluímos na categoria das óperas.
Bom, chega de lenga-lenga! Ouça! Ouça!

Odalea/Condor (1891)
Antonio Carlos Gomes (1836-1896)
Libreto original: Mário Canti

Ato I – 01 Prelúdio
Ato I – 02 Nele Regno delle Rose
Ato I – 03 Dell’Arme il Segnal
Ato I – 04 Aquila Pellegrina che Fendi L’etra a Vol
Ato I – 05 Dea Celeste Ideal
Ato II – 06 Già L’Albappar Fedeli Alla Preghiera
Ato II – 07 Orda Crudel Feroce
Ato II – 08 Orda Selvaggia
Ato II – 09 Vedo Commossa Ell’é
Ato III – 10 Noturno
Ato III – 11 Quanto Silenzio a me D’Intorno
Ato III – 12 Avea Sulatana Altera
Ato III – 13 Ti Vedo Ognor, intua Follia Sublime
Ato III – 14 Le mie stelle salutano in Te
Ato III – 15 Fissami in volto, Dimmi

Odalea – Renata Lucci, soprano
Condor – Sérgio Albertini, tenor
Adin – Niza de Castro Tank, soprano
Zuleida – Tereza Boschetti, mezzo-soprano
Almazor – Benedito Silva, baixo
O Mufti – Jairo Vaz, baixo

Orquestra e Coro do Teatro Municipal de São Paulo
Armando Belardi, regente
Sala Cidade de São Paulo, 1986

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE  75Mb (CD, cartaz, info e resumo da ópera)
Mas deixe um comentário. Menos de 3% dos usuários nos escrevem. Ô, solidão…

Ouça! Deleite-se!


“Outros cães uivam para a lua. Treinei o meu para tocar Bach” 
Parabéns, Bach, pelos 327 anos (embora este seja um post sobre Carlos Gomes)!

Bisnaga

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Brandemburgo Concertos 1 – 6, Triple Concerto, BWV 1044 e Organ Concerto No. 8 in D minor, BWV 1059

nullEm homenagem ao dia natalício de Johann Sebastian Bach!!! Os Concertos de Brandenburgo são uma das páginas mais famosas e importantes da música barroca, além do que é uma da obras mais populares do vasto material de Johann Sebastian Bach. Estes concertos foram compostos no período que vai de 1718 a 1721 e ficaram esquecidos após o ano de 1734. Somente no século XIX é que voltaram a ser explorados e tocados. São uma das obras mais belas de todos os tempos. Vale a pena ouvir e se entusiasmar. Existe uma outra gravação aqui no blog com o inglês Trevor Pinnock, alguém que é especialista no repertório barroco e, principalmente, em Bach. Dessa vez, apresento o holandês ton Koopman, outro especialista em Bach. Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação

Link encontrado somente na  Amazon Inglesa.

Johann Sebastian Bach (1865-1750) – Brandenburgo Concertos 1 – 6, Triple Concerto, BWV 1044 e Organ Concerto No. 8 in D minor, BWV 1059

DISCO 01

Brandenburg concerto No. 1 in F major, BWV 1046
01. 1 (Without tempo indication)
02. 2 Adagio
03. 3. Allegro
04. 4. Menuetto – Trio I – Polacca – Trio II

Brandenburg concerto No. 3 in G major, BWV 1048
05. 1. (Without tempo indication)
06. 2. Adagio
07. 3. Allegro

Brandenburg concerto No. 2 in F major, BWV 1047
08. 1. (Without tempo indication)
09. 2. Andante
10. 3. Allegro assai

Triple Concerto, BWV 1044
11. I. Allegro
12. II. Adagio ma non tanto e dolce
13. III. Alla breve
DISCO 02

Brandenburg concerto No. 4 in G major, BWV 1049
01. 1. Allegro
02. 2. Andante
03. 3. Presto

Brandenburg concerto No. 5 in D major, BWV 1050
04. 1. Allegro
05. 2. Affetuoso
06. 3. Allegro

Brandenburg concerto No. 6 in B flat major, BWV 1051
07. 1. (Without tempo indication)
08. 2. Adagio ma non tanto
09. 3. Allegro

Organ Concerto No. 8 in D minor, BWV 1059
10. I. Sinfonia
11. II. Aria
12. III. Sinfonia, presto

The Amsterdam Baroque Orchestra
Ton Koopman, condutor

BAIXAR AQUI CD01

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Carlinus

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Henryk Górecki (1933-2010): Symphony No. 3, Op. 36 (“Symphony of Sorrowful Songs”) / 3 Olden Style Pieces

Há coisas que são difíceis de entender ou que, decididamente, não dão para entender. Estranho que o mesmo mundo que privilegia autores como Glass em detrimento de outros muito superiores, pesque justo Górecki, dentre um imenso cardume de bons compositores, muitos deles banhando-se no Mar Báltico. Por que a surpresa? Ora, a surpresa deve-se a que Górecki é bom. Quando do lançamento pela Nonesuch (1992, com Dawn Upshaw e a London Sinfonietta sob a direção de David Zinman), a Sinfonia Nº 3 vendeu inacreditáveis 5 milhões de cópias no mundo. Tenho uma, claro. O CD esteve no topo da venda de discos no Reino Unido. Segunda a gravadora, vendeu quatrocentas vezes a expectativa de vendas de uma sinfonia de um compositor relativamente desconhecido no séc XX.

E é boa música. E, para gáudio dos pequepianos, este registro de Antoni Wit, feito para a Naxos em 1994, é ainda melhor. Ocorre algo semelhante com Penderecki: sua música soa melhor quando poloneses a interpretam. Aqui repete-se o fenômeno. Esta gravação eclipsa o esforço de americanos e ingleses, Há muito mais profundidade e força. Cada movimento cresce lenta e poderosamente. O engenheiro de som também deu mais atenção ao piano – e- o resultado é uma peça muito mais marcante e comovente.

Henryk Górecki (1933-2010): Symphony No. 3, Op. 36 (“Symphony of Sorrowful Songs”)

Movement 1 – Lento sostenuto tranquillo ma cantabile
Movement 2 – Lento e largo – tranquillissimo
Movement 3 – Lento cantabile semplice

3 Olden Style Pieces

4. I
5. II
6. III

Zofia Kilanowicz, soprano
Polish National Radio Symphony Orchestra
Antoni Wit

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Henry Purcell (1659-1695): O Solitude (ou as canções que Purcell fez pra mim)

Não, não, esqueçam a bobagem acima. Sabem? Purcell tem uma belíssima coleção de canções, algo verdadeiramente esplêndido. Uma vez, em Porto Alegre, o Pro Cantione Antiqua ofereceu-nos um recital de canções cômicas de Purcell. Foi incrível aquilo, inesquecível. As pessoas riam a valer. Havia imitações de animais que eram verdadeiramente impagáveis, além de melodias que faziam a plateia sorrir mesmo sem entender perfeitamenbte seus conteúdos poéticos. Sem dúvida, algo de muito original.

Mas há também — e principalmente — as coleções líricas deste autor preferencialmente vocal. Mas parece que a escolha das canções deste disco destacou uma parte tão, mas tão obscura da série das centenas de canções de Purcell que ficou meio, assim, mais ou menos, entende?

Apesar disso, é fundamental dizer que o contratenor Gérard Lesne e Il Seminario Musicale cumprem um trabalho impecável ao interpretar a parte mais desconhecida das canções que Purcell fez para mim… Ops, de novo!

Henry Purcell (1659-1695): O Solitude

O solitude, my sweetest choice, Z406
If music be the food of love
The fatal hour comes on apace, Z421
What a sad fate is mine
While Thirsis, wrapp’d in downly sleep Z437
The Indian Queen: instrumental air
Distressed Innocence: Air lent
I attempt from Love’s sickness fly
Ask me to love no more, Z358
Beneath a dark and melancholy grove, Z461
If pray’rs and tears, Z380
Incassum Lesbia, incassum rogas (‘The Queen’s Epicedium’), Z383
In Cloris all soft charms agree, Z384
A thousand sev’ral ways I tried Z359
Intermède instrumental
Bacchus is a pow’r divine, Z360
Intermède instrumental
Intermède instrumental
Young Thirsis’ fate, Z473
An Evening Hymn ‘Now that the sun hath veiled his light’, Z193

Gérard Lesne, alto
Il Seminario Musicale

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Henry Purcell (1659-1695): Dido and Aeneas

Você não deve confundir Dido e Enéias com Dildo e Enéias. Dildo é outra coisa. Dido é filha de Mattan I, rei de Tiro, e irmã de Pigmalião, que mandou matar seu primeiro marido, Sicheus, de quem cobiçava a riqueza.

Dido consegue fugir com alguns amigos e partidários, levando consigo as riquezas do marido. Chegam ao local onde Dido resolve ficar e formar sua nova pátria, e pedem que os nativos cedam um pedaço de terra cercado por couro de boi. O pedido é aceito e Dido logo manda cortar o couro de um boi em estreitas tiras e cerca uma extensão onde constrói uma cidade com o nome de Birsa (couro). Em torno dessa cidade começa a se formar outra, Cartago, que logo se torna próspera.

Enéias chega a Cartago com seus troianos depois de um naufrágio. Dido recebe-os muito bem, mostra-se muito hospitaleira já que ela mesma passara por um sofrimento parecido. Dido acaba se apaixonando por Enéias, que se mostra feliz ao ter a oportunidade de parar de uma vez por todas com suas aventurosas peregrinações, recebendo um reino e uma esposa. Passam-se meses e os dois vivem apaixonados. Enéias parece esquecido da Itália e do Império que estava destinado a fundar em suas terras. Quando Júpiter vê essa situação, manda o mensageiro Mercúrio lembrá-lo de sua missão e ordenar que parta imediatamente. Dido, numa tentativa frustrada de convencê-lo a ficar, acaba se apunhalando e se jogando numa pira funerária.

A ópera de Purcell é uma pequena joia, uma das maiores — talvez a maior — músicas compostas por um inglês. O Lamento de Dido e as participações das bruxas são momentos absolutamente notáveis.

Baita disco!

Henry Purcell (1659-1695): Dido and Aeneas

1. Dido & Aeneas, Ouverture        2:08
2. Dido & Aeneas, Act I: Shake The Cloud        1:08
3. Dido & Aeneas, Act I: Ah! Belinda        4:48
4. Dido & Aeneas, Act I: Grief Increases        0:38
5. Dido & Aeneas, Act I (Chorus): When Monarch Unites        0:13
6. Dido & Aeneas, Act I: Whence Could So Much Virtue        2:08
7. Dido & Aeneas, Act I (Chorus): Fear No Danger        2:20
8. Dido & Aeneas, Act I: See, See        0:54
9. Dido & Aeneas, Act I (Chorus): Cupid Only Throws        0:35
10. Dido & Aeneas, Act I: If Not For Mine        0:24
11. Dido & Aeneas, Act I: Pursue Thy Conquest        0:45
12. Dido & Aeneas, Act I (Chorus): To The Hills        2:32
13. Dido & Aeneas, Act II: Prelude For The Witches        2:31
14. Dido & Aeneas, Act II (Chorus): Harm’s Our Delight        0:15
15. Dido & Aeneas, Act II: The Queen Of Carthage        0:30
16. Dido & Aeneas, Act II: Ho, Ho, Ho        0:10
17. Dido & Aeneas, Act II: Ruin’d Ere The Set Of Sun        0:56
18. Dido & Aeneas, Act II: Ho, Ho, Ho        0:10
19. Dido & Aeneas, Act II: But Ere We This Perform        1:06
20. Dido & Aeneas, Act II (Chorus): In Our Deep Vaulted Cell        2:03
21. Dido & Aeneas, Act II: Echo Dance Of Furies        0:57
22. Dido & Aeneas, Act II: Ritornelle        0:38
23. Dido & Aeneas, Act II: Thanks To These Lonsesome Vales        2:55
24. Dido & Aeneas, Act II: Guitar Chacone        2:32
25. Dido & Aeneas, Act II: Oft She Visits        1:54
26. Dido & Aeneas, Act II: Behold, Upon My Bending Spear        0:37
27. Dido & Aeneas, Act II: Haste, Haste To Town        0:45
28. Dido & Aeneas, Act II: Stay Prince        2:44
29. Dido & Aeneas, Act III: Prelude        1:15
30. Dido & Aeneas, Act III: The Sailor’s Dance        0:51
31. Dido & Aeneas, Act III: See, See The Flags        0:59
32. Dido & Aeneas, Act III: Our Next Motion        0:39
33. Dido & Aeneas, Act III (Chorus): Detruction’s Our Delight        0:29
34. Dido & Aeneas, Act III: The Witches’ Dance        2:09
35. Dido & Aeneas, Act III: Your Counsel        6:07
36. Dido & Aeneas, Act III (Chorus): Great Minds        1:02
37. Dido & Aeneas, Act III: Thy Hand, Belinda        1:03
38. Dido & Aeneas, Act III: Dido’s Lament        4:02
39. Dido & Aeneas, Act III (Chorus): With Drooping Wings        5:32

Simone Kermes
Dimitris Tiliakos
Deborah York
Musica Aeterna
New Siberian Singers
Teodor Currentzis

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Antonio Carlos Gomes (1836-1896): Óperas – (7) Lo Schiavo (1959-Guerra) [link atualizado 2017]

175 anos do nascimento de Antonio Carlos Gomes

Ah, Lo Schiavo, a segunda ópera mais famosa de Antonio Carlos Gomes e a segunda a ser gravada na história! Que deleite para os ouvidos esta obra simplesmente IM-PER-DÍ-VEL!
Carlos Gomes passou dez anos amargos sem conseguir subir uma ópera no palco. Depois de Maria Tudor, ele tinha movimentada e desagradável vida pessoal: discussões, separação, construção de um palacete que ele não conseguia manter (a famosa Villa Brasília, hoje um conservatório em Milão), hipotecas, dívidas para suster seu luxo… Gomes parecia que queria manter uma ilusão, para si e para os demais, de que estava tudo bem, de ostentar, a duras penas, uma imagem melhor do que a realidade. Talvez tenha imaginado que viver num palacete com belíssimos afrescos com araras em suas paredes conseguisse abater seu sofrimento. Sabemos que Tonico tinha um temperamento indócil, com várias crises de ira. Era, pelo que se pode saber pelos seus biógrafos, uma pessoa difícil de se lidar (ora, Beethoven era terrível. Por que Carlos Gomes não poderia ser intratável também?). Sofria também com um forte complexo de  inferioridade: qualquer mínimo sinal negativo na aprovação de suas obras era motivo para se achar o pior dos compositores, mesmo sendo o segundo em número de récitas na Itália da década de 1870. Devia também ter fortes problemas de depressão, pois iniciava muitos trabalhos e os abandonava em seguida.
E Lo Schiavo nasceu nesse turbilhão de problemas pessoais de Carlos Gomes, de projetos de óperas iniciados e nunca concluídos. A história original tratava de um texto de forte veia abolicionista, de 5, 6 páginas, escrito pelo Visconde de Taunay para Gomes. O texto daria uma ótima ópera, pois tinha bom enredo: revoltas de escravos, refúgios em quilombo e amor entre o senhor branco e a escrava negra. Os editores italianos não gostaram da ideia de um protagonista negro e escravo, simples, pobre, diferente de doutros protagonistas negros daquele tempo, como Aída (princesa etíope) e Otelo (que se tornara nobre). Assim, optou-se por transformar os escravos em índios e transportar a história para o século XVI, durante a Confederação dos Tamoios, o que criou algumas incongruências históricas à trama que obrigaram Tonico a se desdobrar pra resolvê-la com uma música coerente e boa.
Ao mesmo tempo, as preferências, em dez anos, mudavam na Itália: os compositores da geração de Carlos Gomes eram preteridos pelos da Giovane Scuola (os veristas). Autores como Gomes, que estavam na transição entre o Romantismo tradicional e o Verismo encontravam dificuldades para encenar suas óperas. Pese nisso o tempo no qual Gomes não produziu nenhuma peça, o que contribuiu para a perda de visibilidade na cena artística de então.
Não conseguindo estrear Lo Schiavo em Milão, o compositor entrou em contato com autoridades do Brasil e, por intervenção particular (apoio, bênção e imposição, mesmo)  do Imperador D. Pedro II, a ópera acabou estreando, finalmente, em 1889, no Rio de Janeiro, pouco mais de um mês antes da queda da Monarquia no país (e um ano após a abolição: melhor não tratar de escravidão negra naquele ambiente tenso, não?). O sucesso foi estrondoso: o público carioca pôde ver o Carlos Gomes que conheceu moço em sua obra mais melodiosa e com uma de suas orquestrações mais refinadas.

Do ponto de vista estrutural, Lo Schiavo é uma ópera de números relativamente convencional. Mas apresenta Carlos Gomes em um de seus melhores momentos de inspiração melódica – capaz de “encontrar harmonias e timbres raros, de aproveitar ritmos inusitados e de utilizar modulações as mais eficazes e inesperadas” (Marcus Góes). Como no Guarany, a música é, de um modo geral, italianada. Mas, como observa João Itiberê da Cunha, num ensaio publicado na Revista Brasileira de Música, há nela “certas estranhezas rítmicas e temas de sabor agreste e mesmo selvagem, que nada têm a ver com a música da Europa, e muito menos com a italiana. Sempre que Carlos Gomes quer apresentar o elemento autóctone do Brasil, sejam guaranis, tamoios ou aimorés, ele encontra no seu estro acentos característicos e inéditos, que surpreendem pela força de expressão e pela novidade, já não diremos pelo exotismo. (Lauro Machado Coelho)”

Lo Schiavo é uma ópera não tanto dramática em sua música, mas muito mais melodiosa e muito mais coesa e refinada, de uma orquestração mais elegante. Aqui Calos Gomes apresenta um domínio dos conjuntos instrumentais muito mais maduro.

Com Lo Schiavo, o ímpeto dramático de Gomes tende a atenuar-se; ele entra em uma fase reflexiva na qual o dinamismo do discurso musical se transforma em pintura de ambiente. O interesse, agora, redide primordialmente nas partes líricas; as dramáticas, embora não estejam privadas de eficiência, não atingem a intensidade de certas páginas da Fosca nem a imediateza que era uma das características do Guarany. A estrutura dramatúrgica apresenta carências que não são irrelevantes, principalmente na definição dos caracteres; mas algumas situações são bem conduzidas, com sentimento poético e resultados convincentes no plano da expressão teatral. A composição apresenta um equilíbrio geral, que lhe é conferido por uma certa organização estilística, o faz com o Escravo seja considerado, pela maioria dos estudiosos, uma das óperas mais bem-sucedidas de Carlos Gomes. (Marcos Conati)

Essa ópera é uma das melhores melodias de Gomes. A Alvorada, no início do quarto ato, é das peças mais belas por ele escritas em toda a sua carreira. Além da delicada abertura e das árias como “quado nascesti tu” e “O ciel di Parahyba“. Nessa montagem, a segunda gravação mundial de uma ópera de Carlos Gomes (alguns meses mais recente que Il Guarany de Belardi), temos nomes de cantores que fizeram história em nossos teatros, como a elegantíssima Ida Miccolis e o portentoso Lourival Braga, em um raro barítono protagonista.
Resumo da ópera: é muito bom! Não deixe de conhecer!
(Semana que vem, a ópera mais curta e tão melodiosa quanto esta: Odalea)

Lo Schiavo (1889)
Antonio Carlos Gomes (1836-1896)
Libreto: Rodolfo Paravicemi
Baseado em história do Visconde de Taunay

Ato I – 01 Preludio
Ato I – 02 Oggi imene qui prepara
Ato I – 03 Seghi e sorveglia i passi miei
Ato I – 04 In aspra guerra per la mia terra
Ato I – 05 Nobre stirpe del brasilio soul
Ato I – 06 Di ribellione Autore ti festi or ora
Ato I – 07 Ah! Per pietà!
Ato I – 08 Partito è! Gran Dio!
Ato II – 09 Piacer! Eccola Cura
Ato II – 10 Conte voi abigliarmi sembrate
Ato II – 11 Quando nascesti tu
Ato II – 12 Perchè! Gioia che di
Ato II – 13 Danza Indigena – Carigio
Ato II – 14 Danza dei canottieri
Ato II – 15 Danza Indigena – Goitacà
Ato II – 16 Baccanale
Ato II – 17 Un astro splendido nel cielo appar
Ato II – 18 Lo sguardo in me fissati
Ato III – 19 Oh Ciel di Parahyba
Ato III – 20 Fra questi fior que adori
Ato III – 21 Fragile cor di Donna
Ato III – 22 Gerrier Prodi e Fedele
Ato IV – 23 Siam Traditi si Amo perduti
Ato IV – 24 Sogni d’amore, spereanze di pace
Ato IV – 25 Alvorada
Ato IV – 26 Come serenamente
Ato IV – 27 Ecco l’ombra mia funesta
Ato IV – 28 Benchè le insigne
Ato IV – 29 Addio, fedele martire

Ilara – Ida Miccolis, soprano
Ibere – Lourival Braga, barítono
Americo -Alfredo Colosimo, tenor
Conde Rodrigo – Luiz Nascimento, baixo
Condessa de Boissy – Antea Claudia, soprano
Gianfera – Marino Terranova, barítono
Goitaca – Alvarany Solano, baixo
Lion – Carlos Dittert, baixo

Orquestra e Coro do Teatro Municipal de Rio de Janeiro
Santiago Guerra
Teatro Municipal do Rio de Janeiro, 1959.

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE (110Mb – 2CD, cartaz, info e resumo da ópera)
Ouça! Deleite-se! Mas antes, deixe um comentário pra gente…

Bisnaga

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Ludwig van Beethoven (1770-1827) – String Quartets – Cd 7 de 7

Acabou… This is The End…Ces´t fini… that´s all folks… aqui está o sétimo CD, com os impressionantes op. 132 e 135… para seu deleite e prazer. Monumentos da literatura musical, obras primas absolutas, nem vou chover no molhado. Nem para comentar a interpretação do Amadeus Quartet. Não serei mais tão óbvio, como alguém comentou dia destes. Ah, nem irei reclamar da internet vagabunda que tenho. Isso tudo os senhores já estão carecas de saber.O que realmente importa aqui é a música de Ludwig. Atemporal, com certeza, sendo o menos redundante e óbvio possível.
Hoje tive um dia complicado. Fila em banco e tensão no serviço, tentando conciliar o inconciliável (minha gerente inclusive elogiou minha atitude ao tentar conciliar esta questão inconciliável). E claro, ônibus lotado e atrasado para a volta para casa.  Cheguei á conclusão que nem irei mais me estressar. O bom e velho Ludwig serve neste momento de válvula de escape,  uma sessão de psicanálise gratuita. Não vou encarar o volume de quase 700 páginas que me observa já há alguns dias, esperando para ser concluído (devem faltar umas 120 páginas) simplesmente porque não tenho mais a mesma visão que tinha nos meus vinte e poucos anos,  a luz fraca me cansa rapidamente e os olhos começam a tremer, e em menos de cinco minutos adormeço. Ele que espere o final de semana.
Mas esse van Beethoven aqui está ansioso para sair do casulo. Quer se juntar aos seus outros seis colegas, que já andei distribuindo por aí.
Então vamos satisfazer o desejo do sétimo CD e colocá-lo no ar. Ainda mais o op. 132. Assim, acabo com a angústia de nosso caro leitor/ouvinte charliescampos, que escreve tão bem em seu blog que fico até com vergonha destas minhas mal traçadas linhas.

01- String Quartet 15, Op.132 – I. Assai sostenuto – Allegro
02- String Quartet 15, Op.132 – II. Allegro ma non tanto
03- String Quartet 15, Op.132 – III. Heiliger Dankgesang
04- String Quartet 15, Op.132 – IV. Alla marcia, assai vivace
05- String Quartet 15, Op.132 – V. Allegro appassionato
06- String Quartet 16, Op.135 – I. Allegretto
07- String Quartet 16, Op.135 – II. Vivace
08- String Quartet 16, Op.135 – III. Lento assai e cantante tranquillo
09- String Quartet 16, Op.135 – IV. Der schwer gefaßte Entschluß (Muß es sein)

Amadeus Quartet

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FDPBach

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Eli-Eri Moura (1963) – Réquiem contestado [link atualizado 2017]

Acho que não se pode alegar conhecer a produção erudita brasileira atual sem conhecer este autor – e esta obra, absolutamente extraordinária. Baixem e ouçam e me digam se não é verdade! (Ranulfus)
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Eu iria esperar passar o fim de semana para enviar meu segundo post, mas pensei depois que esse é o período que muitos têm para dar uma escutada no que baixaram de segunda a sexta. *** Tentem se lembrar de um compositor erudito nordestino… “Alberto Nepomuceno… José Siqueira…” Eu ajudo: Lindembergue Cardoso, Hekel Tavares, Euclides Fonseca (conhecem Euclides Fonseca? Nem eu. Quase não há nada gravado dele, que parece ter sido o maior operista de Pernambuco)… Todos estão mortos. Vamos tentar os vivos. “Marlos Nobre…” Aê, pelo menos um vocês sabem. Outro empurrão: Danilo Guanais, Liduíno Pitombeira, Eli-Eri Moura, Wellington Gomes, Clóvis Pereira. Aos poucos vou postar o que eu tiver/conseguir deles. Começo com um da Paraíba: Eli-Eri Moura (se diz “Eliéri”). Professor da UFPB, 45 anos de idade, Mestre e Doutor em Composição pela McGill, no Canadá (mais informações, veja no Compomus, o Laboratório de Composição Musical da universidade, que ele fundou), Eli-Eri vive pacatamente em João Pessoa (onde estou neste momento, visitando meu Café do Rato Preto, na praia de Tambaú), cidade de maior estímulo à música clássica na década de 80 – tanto que, até hoje, o mainstream da música clássica nacional tem uma boa imagem da Paraíba, ainda que a única celesta daquele Estado esteja atualmente parada devido aos cupins. Não é pobreza. As capitais nordestinas dispõem de muito dinheiro porque concentram grandes indústrias. Falta é um Neschling por lá, como falta no resto do país todo (e um Mário Covas para dar carta branca). O Covas daquela era de esplendor em João Pessoa se chamava Tarcísio de Miranda Burity, ex-governador de 79 a 82 e de 86 a 90, famoso pelo Caso Gulliver, em 1993. Foi o seguinte: Ronaldo Cunha Lima, rival político de Burity e governador naquele período, partiu para defender a “honra” do filho Cássio (atual governador, que luta contra a cassação determinada pelo TRE, e então superintendente da Sudene) das críticas que sofrera do opositor. Defendeu-a no melhor estilo coronelista: entrou no restaurante onde Burity estava, o Gulliver, e deu-lhe três tiros na boca… Burity faleceu de problemas cardíacos, dez anos depois. Ele tinha uma irmã pianista, Isabel, e por influência dela injetou um senhor dinheiro na Sinfônica da Paraíba. A OSPB (por favor é a sigla da orquestra, não a velha disciplina escolar Organização Social e Política Brasileira) passou a chamar somente maestros ignotos, como Aylton Escobar, Neschling, Karabtchevsky e Eleazar de Carvalho e se tornou a primeira do país a gravar um CD, em 1988. Gravaram nos States, motivo pelo qual somente se podia comprá-lo importado. Nesse mesmo ano, abri minha filial do Café, perto de onde se situa o Mercado de Artesanato da Paraíba. Some-se a essa aurora da música clássica naquele Estado a fundação do Departamento de Música da UFPB, em 1984, salvo engano. A obra Enfim, Eli-Eri Moura tinha um sobrinho a quem era muito ligado, Franklin Moura, que morreu aos 29 anos, em 1991, duma infecção causada por uma bactéria desconhecida. Dois anos depois, o compositor voltou ao Brasil de seu mestrado no Canadá e procurou o amigo e poeta W. J. Solha para compor um réquiem. “Pra que um libretista prum réquiem, se basta o compositor recorrer ao texto litúrgico?” Bem, estamos falando de uma obra que se chama Réquiem Contestado. Coube a Waldemar José Solha inserir acréscimos perturbadores em momentos cruciais da missa fúnebre. Assim, após um intróito estático, belíssimo, o coral entoa, indignada e repetidamente, “Quero a lei, só!” em vez de “Kyrie Eleison”. Daí vem a subversão da estrutura do restante do réquiem. O Gloria, o Confiteor e o Credo – que não são rezados no réquiem tradicional, só na missa – aparecem aqui, e em ordem invertida. É bom explicar que as três orações são inapropriadas à missa de encomenda de almas por sua própria natureza: o Gloria é um canto de júbilo; o Confiteor (costumeiramente recitado, não cantado) e o Credo são, respectivamente, a confissão dos pecados e a profissão de fé, coisas que o defunto não pode fazer mais, nem ninguém pode fazer em nome dele. Sendo talvez redundante, talvez detalhista, pressupõe-se que o réquiem só pode ser rezado a quem admitiu os pecados (o Confiteor é obrigatório na Extrema-Unção) e subscreveu o “Creio em Deus Pai” em vida. Solha transformou o Credo, introduzido por arabescos oboísticos, em Non credo, interrompendo o coral com o protesto do narrador: “Não, não, não, não!!! Não creio que Tu, Deus, sendo a Bondade Suprema, tenha quase exterminado o gênero humano com o dilúvio…”. No Confiteor, onde o coral adquire mais magnificência e clama “Mea culpa”, o narrador acusa e contesta: “Amar a Deus? Quem conhece o ser humano sabe que não tem nada de secreto o fato de que ninguém ama por decreto”. No Gloria, voltam a atmosfera tensa e as palavras do Kyrie: a turba se enfurece com o narrador contestador e dá “Glória a Deus” para que, dessa forma, Ele faça justiça contra o herege. O contestador responde “Triste é a lei só!” e se dirige aos céus: “‘Pai, perdoa-lhes, porque não sabem o que fazem!’ Viste? É a pura luz! Que Te cega do alto da cruz”. Então, vem a Sequentia, a seqüência de orações do Proprio. O Proprio é o texto da missa que pode ser modificado de acordo com as circunstâncias em que ela é rezada, diferente do Ordinario (que, como o nome diz, é o texto da missa ordinária). No réquiem, o Proprio consta de trechos da Bíblia extraídos do Apocalipse e dos Salmos. Aqui, estão os três mais comuns: o Dies irae, o Rex tremendae e o Confutatis. As contestações do narrador continuam, sempre em confronto aos fiéis (o coral), e se tornam cada vez mais persuasivas ao soprano e ao tenor solistas, que ora recitam o texto litúrgico, ora o questionam. Em seguida, viria o Ofertorium – não a oferenda do dízimo, mas a seqüência de outros trechos bíblicos, para a encomenda da alma do falecido. Solha e Eli-Eri decidem não se estender e partem direto para o Communio, a retomada da prece por luz eterna aos mortos, cabendo ao narrador a devida encomenda, mais resignado: “Lembra-te, Senhor, de todos os que viveram, lutaram e morreram angustiados, nestas centenas de milhares de anos, sem saber a que vieram” Acontece que o Communio sucede três orações do Ordinario antes de encerrar o réquiem: Sanctus, Benedictus e Agnus Dei. O Communio, psicologicamente, foi o ponto final do pesar dos fiéis, que os permitiu voltar a expressar seu júbilo, porém eles retomam a ordem das orações de onde ela parou, do Sanctus. No meio da alegria da turba, o contestador revela quem realmente é. Os fiéis entendem o sentido de todas as “blasfêmias” proferidas até ali e ouvem o “Ite missa est” (“Ide, vossa missão está concluída”). O nome de Deus já está bendito e não é necessário rememorar o cordeiro que foi morto por Ele. Apêndice Este CD não foi lançado comercialmente e é raríssimo de se encontrar. As cordas do Quinteto da Paraíba, as quatro madeiras do Quinteto de Sopros Latino-Americano, o recitante e o Coral Gazzi de Sá são irrepreensíveis, somente os cantores solistas poderiam ter voz mais madura (embora cantem límpido e nos façam, assim, entender o texto). Com certeza, esta não é uma obra para ficar ignorada, e se você gosta da serenidade dos réquiens, aceite minha efusiva recomendação.

Eli-Eri Moura
Requiem Contestado

1. Introitus
2. Kyrie
3. Non credo
4. Confiteor
5. Gloria
6. Dies irae
7. Rex tremendae
8. Confutatis
9. Communio
10. Sanctus

Vianey Santos, tenor
Wanini Emery, soprano
Tião Braga, recitante
Coral Universitário da Paraíba
Gazzi de Sá
Orquestra de câmara formada por integrantes do Quinteto da Paraíba, do Quinteto de Sopros Latino-Americano e convidados.
Regência e composição: Eli-Eri Moura

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CVL
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Ludwig van Beethoven (1770-1827) – String Quartets – CD 6 de 7 – Amadeus Quartet

Dia destes acompanhei uma discussão nos comentários de uma postagem destes Quartetos de Cordas de Beethoven que trazia um questionamento no mínimo interessante: se ele não tivesse ficado surdo teria composto as obras que compôs, principalmente estes últimos quartetos, obras extremamente difíceis e complexas? Qual seria sua reação se por um milagre ele voltasse a ouvir e fosse na audição de um conjunto de cordas interpretando suas obras? Ele as reconheceria como suas?
Não pretendo entrar no mérito da discussão, minha formação é em História e esta partícula “se” não se aplica à nossa profissão. Trabalhamos com fatos, e não suposições. E se Napoleão não tivesse perdido a guerra? E se o Dia D fosse um fracasso da estratégia militar aliada? E se os romanos tivessem derrotado todos os bárbaros? E se eu tivesse ido estudar Engenharia Civil no lugar de História? E se Beethoven não tivesse ficado surdo?
O gigantismo de Beethoven é um fato, ninguém contesta sua inserção no cânone da cultura ocidental ao lado de Dante, Shakespeare, Goethe, Bach entre alguns outros. Não precisa de defensores. Na verdade somos nós quem precisamos da sua música para nos ajudar no dia a dia, nos aliviar das tensões existentes nas relações humanas e na nossa própia compreensão de nós mesmos.
Já contei para os senhores uma historinha sobre uma apresentação que assisti do maravilhoso Kódaly Quartet tocando o op. 130? Foi interesssante, porém vergonhoso para o recém inaugurado Centro Integrado de Cultura, em Florianópolis, lá pelos idos de 1988. Antes de começarem a tocar, o líder do conjunto comentou que ainda estavam estudando aquela obra, e que era possível que se cometessem erros durante sua execução (alguns anos depois descobri já naquela época eles eram contratados da Naxos para a gravação da Integral de Haydn e do propio Beethoven). Pois bem, no meio da obra, talvez uns 20 e poucos minutos de execução, eis que o sistema de iluminação do teatro simplesmente se apaga, porém logo a luz retorna, menos de 15 segundos, talvez. Nunca esquecerei a cara dos músicos: via-se a frustração em seus rostos, pois ainda seguiam a partitura à risca dado à complexidade da peça, e claro que haviam parado, mas sem falarem nada, retornam exatamente de onde haviam parado, claro que depois de receberem aplausos, meio que constrangidos, de nossa parte. Não preciso dizer que a apresentação foi magnífica: um Haydn beirando a perfeição e um Beethoven inesquecível, apesar do problema técnico.
O op. 130 nas mãos do Amadeus Quartet também beira a perfeição. A sonoridade do conjunto é espantosa, e a cumplicidade entre os músicos deixa-nos atônitos. Coisa de gente grande.
Para seu deleite.

01- String Quartet 13, Op.130 – I. Adagio ma non troppo – Allegro
02- String Quartet 13, Op.130 – II. Presto
03- String Quartet 13, Op.130 – III. Andante con moto, ma non troppo
04- String Quartet 13, Op.130 – IV. Alla danza tedesca. Allegro assai
05- String Quartet 13, Op.130 – V. Cavatina. Adagio molto espressivo
06- String Quartet 13, Op.130 – VI. Finale. Allegro
07- String Quartet 14, Op.131 – I. Adagio, ma non troppo
08- String Quartet 14, Op.131 – II. Allegro molto vivace – attacca-
09- String Quartet 14, Op.131 – III. Allegro moderatto – attacca-
10- String Quartet 14, Op.131 – IV. Andante ma non troppo
11- String Quartet 14, Op.131 – V. Presto – Molto poco adagio
12- String Quartet 14, Op.131 – VI. Adagio quasi un poco andante
13- String Quartet 14, Op.131 – VII. Allegro

Amadeus Quartet

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