Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) / Johann Nikolaus Bach (1669-1753): Magnificat / Missa Brevis

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) / Johann Nikolaus Bach (1669-1753): Magnificat / Missa Brevis

Johann Nikolaus era o filho mais velho de Johann Christoph Bach, primo em segundo grau de Johann Sebastian Bach é tio de sua primeira esposa Maria Barbara Bach.

CPE Bach foi o segundo filho de Bach e teve como padrinho um famoso compositor, Georg Philipp Telemann.

Ou seja, estamos novamente na presença da família Bach. O Magnificat de CPE é ótimo, a Missa Brevis de Nikolaus idem. E Rilling é o de sempre, competentíssimo.

Eu, se fosse você, conferiria o CD que é muito bom.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) / Johann Nikolaus Bach (1669-1753): Magnificat / Missa Brevis

Carl Philipp Emanuel Bach — Magnificat
1 Chor 3:03
2 Aire (Sopran) 6:20
3 Aire (Tenor) 4:08
4 Chor 3:45
5 Aire (Baß) 4:36
6 Duett (Alt, Tenor) 6:20
7 Arie (Alt) 5:03
8 Chor 1:54
9 Chor 6:10

Johann Nikolaus Bach — Missa Brevis
10 Kyrie 4:27
11 Gloria 13:02

Gachinger Kantorei Stuttgart
Bach-Collegium Stuttgart
dir. Helmut Rilling


Johann Sebastian Bach em casa com sua família. | Autor: Toby Edward Rosenthal (1848-1917)


Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Variations on variations – Rinaldo Alessandrini, Concerto Italiano

No dia do aniversário de nosso compositor maior, Johann Sebastian Bach, trago para os senhores um dos últimos CDs de Rinaldo Alessandrini e seu Concerto italiano, e aqui estamos falando de um dos maiores especialistas em barroco da atualidade com seu conjunto de câmara. Me perdoem não ter traduzido o texto abaixo, o tempo urge, e estou fazendo esta postagem a toque de caixa, como sempre, aliás. Enfim, este texto abaixo foi retirado do booklet do CD, que segue em anexo ao arquivo de áudio, por sinal.  De qualquer forma, existem diversos programas tradutores disponíveis na internet.

The programme of this recording is composed of works that adopt the variation as the generating principle of the music. Our ‘variations’ on them modify the image and sonor- ity of the works, originally conceived for harpsichord, pedal harpsichord and organ. The varying styles of the original pieces make it possible to adapt them using different instru- mental scorings: violin and basso continuo in the case of the Aria variata alla maniera italiana BWV 989; a four-voice texture transcribed for four-part string ensemble in the Passacaglia BWV 582, the Canzona BWV 588, and a substantial portion of the Goldberg Variations BWV 988. Chamber formations of various sizes have been chosen for the canons and some of the other variations in the Goldberg cycle. What you will hear makes no pretence at orthodoxy. It is, rather, a divertissement, a subtle intellectual pleasure, which we experienced during the year it took for the project to come to gestation and realisation. In fact, I am not the first to have hit on the idea of arranging the Goldberg Variations for string ensemble: Dmitri Sitkovetsky made a version for string trio years ago, and Bernard Labadie one for string orchestra even before that. To transcribe the different sets of variations here for large forces would seem to be forcing their nature. For the style of the Goldberg Variations is already somewhat inhomogeneous (the other works on the programme are more regular in style) and sometimes highly idiomatic in keyboard terms. The series of canons is (almost) invariably in three parts. Some of the variations are in four parts, others in two. Others again are developed in polyphony with a varying number of voices. Hence, since we cannot adduce a specific reason to justify this project, the sole remaining argument is that of an intellectual and technical challenge.

The rest of the programme presented fewer problems of elaboration. The Passacaglia was transposed up a tone to the key of D minor, in which the strings sound well; similarly, the Aria BWV 989 was transposed down a tone. The Passacaglia, conceived in four parts (almost) throughout, adapts splendidly to an orchestral texture, which emphasises the dance character that, in the end, a passacaglia should always possess. The Canzona was given a literal transcription. The Aria reverts to what is presumed to have been its original Italian model, for violin and basso continuo. But it should not be thought that undertakings of this kind are unjustified modern  ‘outrages’. On the contrary, we have many illustrious examples of the practice: beginning with the fugues Mozart selected from The Well-Tempered Clavier and transcribed for string quartet (K404a and K405), the list stretches right down to the present with the monumental transcriptions of Elgar, Stokowski, Schoenberg and Webern, to name only a few. And the first composer to embark on such an enterprise was Bach himself, who reused many of his and other composers’ works (the Mass in B minor, for instance, contains a great many revisions of earlier compositions; numerous movements from the Brandenburg Concertos are reworked in different ways in church cantatas; and his German version of Psalm 51 is adapted from the score of Pergolesi’s Stabat Mater), modifying their performing forces to produce spectacular transcriptions, of which the most striking is the transformation of the Prelude and Fugue in A minor for harpsichord BWV 894 into the Triple Concerto for flute, violin, harpsichord and strings BWV 1044. My initial idea was to realise a version of these works that would in any case present orthodox structural aspects consistent with a historical notion of instrumental style. Hence, in the Goldberg cycle, I transcribed the canons and some of the variations as chamber music for two instruments and basso continuo (Variations 3, 6, 9, 12, 15, 18, 21, 24) or two instruments without bass (Variations 11, 17 and 27). The challenge was to realise the rest of the variations in a homogeneous and complete texture in three or four parts, conceived for a group of strings and continuo. It therefore proved necessary to complete the irregular texture of many variations, adding lines or bringing out the polyphony present in skeleton form in the harpsichord writing. Variation 1 was completed in four real parts, as were nos. 5, 8, 14, 20, 23, 28 and 29. I added a middle part to Variation 7 in order to justify the function of the bass line as a bassetto. The French Overture of Variation 16 was completed in four real parts, as was its fugue, which in the original is mostly in three parts. Variation 20 was the piece that required the greatest adjustment of the writing to the possibilities of performance by a group of strings. The operation inevitably bordered on the arbitrary in those cases where it was necessary to complete the contrapuntal texture in order to realise four complete and independent parts. Very often, Bach’s compositional technique implies a significant quantity of canonic procedures (most apparent in Variation 8), inherent in the texture but which remained incomplete because of the obvious physical impossibility of executing such complexities with two hands. The figuration, especially the most brilliant, frequently reaches the limits of execution on a single stringed instrument (Variations 14, 20 and 26). For this reason, one might have accepted the principle, in some passages, of changing the figuration into something similar, but more idiomatic for the strings. But I preferred, at least for this recording, to keep as close as possible to the original for harpsichord. The result offers an opportunity to listen in a new way to the polyphony of the Goldberg Variations (and the rest of the programme) with the help of the rich timbres of a group of strings, which isolate the individual lines and at the same time recreate the contrapuntal unity of these pieces, underlining once more their extraordinary wealth of invention.”

Rinaldo Alessandrini é um maestro italiano, muito conhecido e admirado aqui no PQPBach por suas gravações de música barroca. Seu conjunto não por acaso se chama Concerto Italiano, e é com ele que os senhores terão a oportunidade de conhecer uma outra possibilidade de interpretação das míticas “Variações Goldberg”, neste caso em arranjo para conjunto de cordas e cravo. Muitos estão acostumados com as tradicionais versões ou para o próprio cravo ou então para piano, e de vez em quando trazemos outras possibilidades, como por exemplo, saxofone. O que tenho a dizer é que o trabalho que Alessandrini fez aqui é absolutamente sensacional, estonteante. Dá uma nova perspectiva a estas variações. Em minha opinião valem cada minuto de audição.

1 passacaglia in d minor, from the original for pedal harpsichord in c minor, bwv 582
aria variata alla maniera italiana in g minor for violin and basso continuo, from the original for harpsichord in a minor, bwv 989
2 Thema
3 Variatio 1
4 Variatio 2 5 Variatio 3
6 Variatio 4
7 Variatio 5
8 Variatio 6
9 Variatio 7
10 Variatio 8
11 Variatio 9
12 Variatio 10
13 canzona in d minor, from the original for organ, bwv 588
goldberg variations, from the original for harpsichord, bwv 988

14 Aria (à 4)
15 Variatio 1 (à 4)
16 Variatio 2 (à 3)
17 Variatio 3 – Canone all’Unisuono (à 3)
18 Variatio 4 (à 4)
19 Variatio 5 (à 4)
20 Variatio 6 – Canone alla Seconda (à 3)
21 Variatio 7 – Al tempo di Giga (à 3) [nicholas robinson]
22 Variatio 8 (à 4)
23 Variatio 9 – Canone alla Terza (à 3)
24 Variatio 10 – Fughetta (à 4)
25 Variatio 11 (à 2 violini)
26 Variatio 12 – Canone alla Quarta (à 3) [nicholas robinson]
27 Variatio 13 (à 3) [antonio de secondi]
28 Variatio 14 (à 4)
29 Variatio 15 – Canone alla Quinta (à 3)
30 Variatio 16 – Ouverture (à 4)
31 Variatio 17 (à 2, violino e violoncello) [antonio de secondi]
32 Variatio 18 – Canone alla Sesta (à 3)
33 Variatio 19 (à 3)
34 Variatio 20 (à 4)
35 Variatio 21 – Canone alla Settima (à 3) [nicholas robinson]
36 Variatio 22 – Alla breve (à 4)
37 Variatio 23 (à 4)
38 Variatio 24 – Canone all’Ottava (à 3) [antonio de secondi]
39 Variatio 25 – Adagio (à 3) [nicholas robinson]
40 Variatio 26 (à 4)
41 Variatio 27 – Canone alla Nona (à 4)
42 Variatio 28 (à 4)
43 Variatio 29 (à 4)
44 Variatio 30 – Quodlibet (à 4)
45 Aria (à 4)

Transcriptions, arrangements and adaptations by rinaldo alessandrini from the originals by johann sebastian bach

Concerto Italiano
Rinaldo Alessandrini – Harpsichord & Conductor


.: interlúdio :. Coleman Hawkins encontra Ben Webster

.: interlúdio :. Coleman Hawkins encontra Ben Webster

Coleman Hawkins encounters Ben Webster

Eu ouço música (quase) o tempo todo, mas há algumas situações nas quais eu ouço música. Ou seja, a música e eu. Muito bem, lá estava eu num destes momentos, quando a música terminou e o CD-player rodou para o próximo CD e, Deus do Céu, o que foi isso? Uma onda sonora, forte, quente, rascante, invadiu meu espaço. Pois é, este CD da postagem estava esquecida em uma das entradas do CD-player e eu quase não mais me lembrava dele. Eu o havia comprado numa destas liquidações de fecha-loja e estava esperando para aquele dia de expandir os horizontes. Pois então, expandiu mesmo! O CD é monstro! Fui ler algumas coisa e descobri que o álbum é um clássico!

Coleman Hawkins

Produzido por Norman Granz, o disco reúne dois saxofonistas maravilhosos, Coleman Hawkins e Ben Webster, acompanhados por um time que tem Oscar Peterson ao piano. Tá bom ou quer mais? Vejam o que foi dito por Richard Meyer sobre o disco: “Bem possivelmente um dos melhores álbuns de jazz gravado até agora. (…) Este álbum é indispensável para qualquer fã de jazz.” Eu confesso não ter a menor ideia de quem seja Richard Meyer, mas concordo integralmente com ele, pelo menos no que tange a este disco.

O Tony Augarde é um crítico mais conhecido e nos diz: “Coleman Hawkins talvez tenha sido o primeiro músico a fazer o saxofone tenor realmente cantar, e um dos maiores a seguir seus passos foi Bem Webster. Portanto é uma delícia ouví-los juntos neste CD”.

Você pode apostar! Ele diz ainda: “Neste álbum, predomina a delicadeza – pois ambos músicos tornaram-se mais suaves com o passar dos anos. Mesmo assim, seus estilos eram ainda bem distintos para qualquer ouvinte poder distinguir um do outro.”

Ben Webster

Realmente, é um enorme prazer ouvir estes maravilhosos músicos inspirarem um ao outro, assim como todo o resto do time que os acompanhava na ocasião. Foi um dia memorável este 16 de outubro de 1957.




Coleman Hawkins encounters Ben Webster

  1. “Blues for Yolande” (Coleman Hawkins) – 6:44
  2. “It Never Entered My Mind” (Richard Rodgers, Lorenz Hart) – 5:47
  3. “La Rosita” (Paul Dupont, Allan Stuart) – 5:02
  4. “You’d Be So Nice to Come Home To” (Cole Porter) – 4:15
  5. “Prisoner of Love” (Russ Columbo, Clarence Gaskill, Leo Robin) – 4:13
  6. “Tangerine” (Johnny Mercer, Victor Schertzinger) – 5:21
  7. “Shine On, Harvest Moon” (Jack Norworth, Nora Bayes) – 4:49
  • Coleman Hawkins– tenor saxophone
  • Ben Webster– tenor saxophone
  • Oscar Peterson– piano
  • Herb Ellis– guitar
  • Ray Brown– double bass
  • Alvin Stoller– drums


FLAC | 229 MB


MP3 | 320 KBPS | 106 MB

Blow it, men!

Não deixe de ouvir esta pérola de disco. Depois, me contem!

René Denon

Gustav Mahler (1860-1911): Sinfonia No. 4 – Emmy Loose, Philharmonia Orchestra & Paul Kletzki

Gustav Mahler (1860-1911): Sinfonia No. 4 – Emmy Loose, Philharmonia Orchestra & Paul Kletzki

Gustav Mahler (1860 – 1911)

Sinfonia No. 4, em sol maior

Esta sinfonia é bem representativa de Mahler. É uma de suas músicas mais acessíveis, devido tanto à beleza de seus temas quanto às suas dimensões. Por isso, é como um portal para este universo musical criado por ele.

Gustav Mahler viveu um tempo de muitas mudanças, fim do século XIX e início do século XX, a maior parte do tempo em Viena. Sofreu tragédias pessoais, conviveu com pessoas geniais (Freud, Klimt, Bruckner…) e deixou um enorme legado na música – tanto suas composições quanto na forma de reger e dirigir as grandes orquestras.

A gravação desta postagem não é a mais famosa, mas é maravilhosa. Feita em 1957 com a Philharmonia, a excelente orquestra criada por Walter Legge para a EMI, aqui está nas mãos de Paul Kletzki. O local da gravação é o Kingsway Hall e o pessoal técnico, com produção de Victor Olof, é excelente. O que mais gosto dela é a maneira como apresenta a música, com clareza e simplicidade, mas também com a sutileza necessária.

O que então deve lhe chamar a atenção nesta viagem pelo universo deste complexo compositor? Começamos com a orquestração. Mahler sabia tudo sobre isso, na teoria e na prática. Suas obras demandam orquestras enormes, gigantescas, muitos instrumentos, especialmente na percussão. Mas, ao ouvir essa sinfonia, perceberá um tratamento quase camerístico da orquestra. Grupos de instrumentos combinados de forma contrastante, muitos solos, para terror dos músicos.

O primeiro movimento desta sinfonia inicia com flautas acompanhadas do chocalho de sinos de um trenó de neve (Schelle, em alemão, sleighbells, em inglês) – percussão – seguidas de cordas e tropas, muitas trompas em Mahler. A outra coisa que você notará é a quantidade de diferentes ritmos, criando diferentes episódios dentro de um mesmo movimento. Marchas militares, landlers, valsas, irrompem pelo discurso musical, fazendo alusões às suas lembranças. Essa é outra típica característica de Mahler.

O segundo movimento tem um violino afinado um tom mais alto, para que pareça um violino rústico, uma rabeca. Os solos deste instrumento representam uma figura folclórica – folclore, outra característica de Mahler—chamada Freund Hein, que representa a morte. Estes episódios são intercalados por música muito sentimental, num típico movimento sweet and sour.

O terceiro movimento, Ruhevoll (Poco adagio) – Mahler foi um mestre na composição de adágios – é o núcleo da sinfonia e segue por bons vinte minutos. Durante o período que se dedicou à composição desta sinfonia, Mahler estudou a obra de câmera de Schubert, um mestre na arte de prolongar os movimentos de suas peças. A transição do segundo movimento para este terceiro é muito marcante. As palavras do segundo são pizzicato, staccato, staccatissimo. O terceiro movimento abre com as cordas mais graves, violas, violoncelos e contrabaixos, tocados com os arcos. Ao longo deste enorme movimento, Mahler falará das coisas importantes e profundas da vida. Basta prestar atenção. O movimento é uma longa construção para os clímaces finais. Preste atenção na maneira como Mahler usa as harpas. Poucos compositores as usam tão eficientemente. Ao fim deste movimento, chegamos aos portais do céu, que será descrito no quarto movimento.

Inovação, outra coisa de Mahler. Pela primeira vez (na história da música…) um compositor termina uma sinfonia com uma canção, um Lied. A letra vem de uma coleção de poemas anônimos (folclore) chamada Des Knaben Wunderhorn. Mahler já havia musicado vários destes poemas, inclusive este, Das himmlische Leben, uma visão do céu na perspectiva de uma criança. Os Lieder compostos por Mahler sobre esses poemas formam uma coleção à parte e alguns deles foram incorporados a algumas de suas primeiras sinfonias. Estas são então chamadas Sinfonias Wunderhorn e a quarta é uma delas.

Gravura de Moritz von Schwind, com o Knaben e a sua Wunderhorn

A canção que fecha a quarta sinfonia estava destinada à terceira. Mas, para a nossa sorte, esta já estava tão imensa que a cançãozinha ficou de fora e acabou gerando o projeto da quarta.

Para cantar esses versos infantis, Mahler pede uma voz leve de soprano. Nesta gravação isso é atingido com perfeição pela Emmy Loose. A canção narra a vida celestial, verdadeira festa no céu. Comida, bebida, dança e música, liderada por Santa Cecília e as vozes angelicais.

Gustav Mahler, por Emil Orlik, 1909

A sinfonia não foi exatamente bem recebida na época de sua estreia, mas o próprio Mahler disse: Meu tempo virá! Muito bem, ouvindo esta gravação e olhando o catálogo de gravações assim como as inúmeras apresentações desta e das demais obras de Mahler por todo o mundo, não é difícil dizer que ele estava certo.

Aproveite esta oportunidade de conhecer um pouco a música de Mahler. Se você já a conhece, então terá todas as razões para apreciar ainda mais esta gravação.

Gustav Mahler (1860 – 1911)

Sinfonia No. 4 em sol maior

  1. Bedächtig. Nicht eilen
  2. Im gemächlicher Bewegung. Ohne Hast
  3. (Poco adagio)
  4. Sehr behaglich.
Philharmonia Orchestra
Emmy Loose, soprano
Paul Kletzki, conductor


 FLAC | 242 MB


MP3 | 320 KBPS | 127 MB

Meu tempo virá! (Mahler…)

René Denon

Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Violin Concertos – Isabelle Faust, Akademie für Alt Musik Berlin

Já há alguns anos acompanho a carreira da violinista alemã Isabelle Faust. Creio que eu deva ter todas as suas gravações. E graças à internet temos acesso quase que instantâneo ao lançamento de seus CDs.

Pois foi o que aconteceu com este seu novo registro, onde interpreta nossos amados Concertos para Violino de Johann Sebastian, o Bach. E qualquer nova gravação de Faust me é muito especial, pelo apreço que tenho por esta excepcional musicista. Não teme em encarar desde Bártok, Berg, Brahms, Beethoven ou nosso amado e imortal Bach. E também não temo em colocá-la no mesmo patamar de outras duas grandes violinistas da atualidade, Rachel Podger e Amandine Beyer, porém estas duas tem seu principal foco na música barroca, enquanto Faust circula facilmente por estes diversos períodos com extrema competência, versatilidade e diria até facilidade.

Para acompanhá-la, Faust convidou a “Akademie für Alt Musik Berlin”, conjunto altamente especializado neste repertório.

Ah, este CD foi lançado pela Harmonia Mundi agora no dia 15 de março, ou seja, é fresquinho, recém saído dos fornos da gravadora. Assim a amazon nos apresenta a este fortíssimo candidato a Gravação do Mês, quiçá do ano, da conceituada revista Grammophone:

“This recording featuring Isabelle Faust and Akademie für Alte Musik Berlin explores works by Johann Sebastian Bach that were, in one form or another, originally written or conceived as violin showpieces. Along with the famous Violin Concertos BWV 1041-43, a selection of of overtures, trio sonatas, and concertos now associated with other instruments, are performed here on violin as the composer intended. Hearing Faust play the famous Badinerie from the second Orchestral Suite (normally played on flute) is a reminder that the author of The Well-Tempered Clavier was also a virtuoso violinist.”

CD 1
1. Isabelle Faust – Violin Concerto in D Minor, BWV 1052R_ I. Allegro
2. Isabelle Faust – Violin Concerto in D Minor, BWV 1052R_ II. Adagio
3. Isabelle Faust – Violin Concerto in D Minor, BWV 1052R_ III. Allegro
4. Akademie fur Alte Musik Berlin – Ich liebe den Höchsten von ganzem Gemüte, BWV 174_ I. Sinfonia
5. Isabelle Faust – Violin Concerto in E Major, BWV 1042_ I. Allegro
6. Isabelle Faust – Violin Concerto in E Major, BWV 1042_ II. Adagio
7. Isabelle Faust – Violin Concerto in E Major, BWV 1042_ III. Allegro assai
8. Akademie fur Alte Musik Berlin – Ich hatte viel Bekümmernis, BWV 21_ Sinfonia
9. Isabelle Faust – Trio Sonata in C Major, BWV 529_ I. Allegro (Arr. for 2 violins and basso continuo)
10. Isabelle Faust – Trio Sonata in C Major, BWV 529_ II. Largo (Arr. for 2 violins and basso continuo)
11. Isabelle Faust – Trio Sonata in C Major, BWV 529_ III. Allegro (Arr. for 2 violins and basso continuo)
12. Isabelle Faust – Concerto for violin and oboe in C Minor, BWV 1060R_ I. Allegro
13. Isabelle Faust – Concerto for violin and oboe in C Minor, BWV 1060R_ II. Largo ovvero Adagio
14. Isabelle Faust – Concerto for violin and oboe in C Minor, BWV 1060R_ III. Allegro

CD 2

1. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ I. Ouverture
2. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ II. Rondeau
3. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ III. Sarabande
4. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ IV. Bourrées I & II
5. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ V. Polonaise. Moderato e staccato. Double
6. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ VI. Menuet
7. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ VII. Badinerie. Staccato
8. Isabelle Faust – Trio Sonata in D Minor, BWV 527_ I. Andante (Arr. for oboe, violin and basso continuo)
9. Isabelle Faust – Trio Sonata in D Minor, BWV 527_ II. Adagio e dolce (Arr. for oboe, violin and basso continuo)
10. Isabelle Faust – Trio Sonata in D Minor, BWV 527_ III. Vivace (Arr. for oboe, violin and basso continuo)
11. Isabelle Faust – Violin Concerto in G Minor, BWV 1056R_ I. [no tempo marking]
12. Isabelle Faust – Violin Concerto in G Minor, BWV 1056R_ II. Largo
13. Isabelle Faust – Violin Concerto in G Minor, BWV 1056R_ III. Presto
14. Akademie fur Alte Musik Berlin – Himmelskönig, sei willkommen, BWV 182_ I. Sonata. Grave. Adagio
15. Isabelle Faust – Violin Concerto in A Minor, BWV 1041_ I. [no tempo marking]
16. Isabelle Faust – Violin Concerto in A Minor, BWV 1041_ II. Andante
17. Isabelle Faust – Violin Concerto in A Minor, BWV 1041_ III. Allegro assai
18. Akademie fur Alte Musik Berlin – Sinfonia in D Major, BWV 1045
19. Isabelle Faust – Concerto for 2 Violins in D Minor, BWV 1043_ I. Vivace
20. Isabelle Faust – Concerto for 2 Violins in D Minor, BWV 1043_ II. Largo ma non tanto
21. Isabelle Faust – Concerto for 2 Violins in D Minor, BWV 1043_ III. Allegro

Isabelle Faust, violin Jacobus Stainer (1658)
Bernhard Forck, anonymous violin, South Germany (1725)
Xenia Löffler, oboe and recorder
Jan Freiheit, cello
Raphael Alpermann, harpsichord
Akademie für Alte Musik Berlin


Isabelle Faust

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) / Johann Christian Bach (1735-1782): Magnificat

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) / Johann Christian Bach (1735-1782): Magnificat

Carl Philipp Emanuel parece anunciar  Beethoven, Johann Christian é mais Mozart. Nenhum dos dois era o filho preferido, mas JC — filho mais novo — devia ser insuportável. CPE trabalhou anos com Frederico II, da Prússia. JC viveu um bom tempo na Inglaterra, motivo pelo qual ficou conhecido como “Bach Londrino”. Talvez, para nosso tempo, seja difícil entender o homem que foi Johann Sebastian Bach, o pai deles. Ele nasceu em 21 de março de 1685, no que hoje é a Alemanha, numa família de músicos. Era um tempo em que era comum os filhos adotarem a profissão dos pais. Na região da Saxônia, o nome Bach era de tal forma relacionado à música que alguém com tal sobrenome só poderia ser músico e provavelmente trabalhava em alguma igreja. Seguindo a árvore genealógica da família Bach, dos 33 Bach homens, 27 foram músicos. Só que o talento explodiu espetacularmente em Johann Sebastian. Estes 2 Magnificats são muito diferentes dos de JS, soam muito mais modernos, mas não têm aquela transcendência, né? A abertura do Magnificat de CPE é magnífico.

Carl Phillipp Emanuel Bach (1717-1788): Magnificat
1. Magnificat for 4 voices, chorus, 2 flutes, 2 oboes, 3 trumpets, 2 horns, strings & continuo in D minor, H. 772, Wq. 215,: Magnificat
2. Magnificat for 4 voices, chorus, 2 flutes, 2 oboes, 3 trumpets, 2 horns, strings & continuo in D minor, H. 772, Wq. 215,: Quia respex
3. Magnificat for 4 voices, chorus, 2 flutes, 2 oboes, 3 trumpets, 2 horns, strings & continuo in D minor, H. 772, Wq. 215,: Quia fecit
4. Magnificat for 4 voices, chorus, 2 flutes, 2 oboes, 3 trumpets, 2 horns, strings & continuo in D minor, H. 772, Wq. 215,: Et miserico
5. Magnificat for 4 voices, chorus, 2 flutes, 2 oboes, 3 trumpets, 2 horns, strings & continuo in D minor, H. 772, Wq. 215,: Fecit poten
6. Magnificat for 4 voices, chorus, 2 flutes, 2 oboes, 3 trumpets, 2 horns, strings & continuo in D minor, H. 772, Wq. 215,: Deposuit po
7. Magnificat for 4 voices, chorus, 2 flutes, 2 oboes, 3 trumpets, 2 horns, strings & continuo in D minor, H. 772, Wq. 215,: Suscepit Is
8. Magnificat for 4 voices, chorus, 2 flutes, 2 oboes, 3 trumpets, 2 horns, strings & continuo in D minor, H. 772, Wq. 215,: Gloria
9. Magnificat for 4 voices, chorus, 2 flutes, 2 oboes, 3 trumpets, 2 horns, strings & continuo in D minor, H. 772, Wq. 215,: Sicut erat

Johann Christian Bach (1735-1782): Magnificat
10. Tantum ergo, for 4 solo voices, chorus & orchestra in G major, CW E26 (T. 209/7): Tantum ergo
11. Tantum ergo, for 4 solo voices, chorus & orchestra in G major, CW E26 (T. 209/7): Genitori genitoque
12. Magnificat, for 4 solo voices, chorus & orchestra in C major, CW E22 (T. 207/3): Magnificat
13. Magnificat, for 4 solo voices, chorus & orchestra in C major, CW E22 (T. 207/3): Et misericordia
14. Magnificat, for 4 solo voices, chorus & orchestra in C major, CW E22 (T. 207/3): Fecit potentiam
15. Magnificat, for 4 solo voices, chorus & orchestra in C major, CW E22 (T. 207/3): Gloria patri et filio
16. Magnificat, for 4 solo voices, chorus & orchestra in C major, CW E22 (T. 207/3): Et in saecula saeculorum

Elisabeth Scholl
Ruth Sandhoff
Andreas Karasiak
Gotthold Schwarz
Dresdner Kammerchor
La Stagione
Michael Schneider


CPE não era o filho preferido, mas era o mais talentoso.


Maurice Ravel – Piano Concerto in G Major, M. 83, Piano Concerto for the Left Hand in D Major, M. 82, Le Tombeau de Couperin, M. 68, Gaspard de la nuit, M. 55 – Samson François, Andre Cluytens, Paris Conservatory Concert Society Orchestra

Samson François foi um excepcional pianista francês, que realizou gravações extraordinárias que, graças a tecnologia, estão sendo apresentadas novamente para aqueles que ainda não o conheciam. Já trouxe anteriormente dois outros cds dele, sempre dedicados a Ravel e sua obra pianística.

Neste CD que trago hoje teremos o Concerto para Piano em Sol Maior, e o extraordinário Concerto para a Mão Esquerda. Repertório francês, pianista francês e para completar o quadro, maestro e orquestra franceses.

Dentre as dezenas de versões que já ouvi destas obras, não há como não deixar estas interpretações de Samson François em destaque. Ele domina total e completamente o piano. É magnífico seu Adagio assai, do Concerto em Sol Maior, e no Concerto para a Mão Esquerda sua personalidade se impõe e nos deixa impressionados com a sua magnífica técnica e versatilidade.

E claro que não podemos deixar de destacar a maestria da regência de Andre Cluytens, um dos grandes nomes franceses da música do século XX, que figura facilmente ao lado de outros dois gigantes franceses, Pierre Monteux e Charles Munch.

Eis o comentário do editorialista da Amazon:

Precisely why Samson François is not better known in the United States (or known at all for that matter) is a mystery. On this CD he plays Ravel with absolute mastery, refusing to prettify any of the jazz rhythms in the G major concerto, and by so doing, bringing out all of its toughness. There may be impressionism in this music, but there’s plenty more, too. François gives the Concerto for Left Hand a performance filled with passion and excitement; indeed it’s just this side of abandon. His Gaspard is full of the colors Ravel imbued it with as well. André Cluytens is the ideal leader for this type of music, and while his orchestra here is hardly world class, it’s very good. And the remastered sound is excellent. –Robert Levine

Talvez para completar o CD, a ERATO repete “Le Tombeau de Couperin”, que já veio na primeira postagem desta série.

Ah, claro, eis mais uma gravação com o selo de ‘IM-PER-DÍ-VEL’ do PQPBach.

38. Ravel Piano Concerto in G Major, M. 83 I. Allegramente
39. Ravel Piano Concerto in G Major, M. 83 II. Adagio assai
40. Ravel Piano Concerto in G Major, M. 83 III. Presto
41. Ravel Piano Concerto for the Left Hand in D Major, M. 82

Samson François – Piano
Paris Conservatory Concert Society Orchestra
Andre Cluytens – Conductor

42. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 I. Prélude (Vif)
43. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 II. Fugue (Allegro moderato)
44. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 III. Forlane (Allegretto)
45. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 IV. Rigaudon (Assez vif)
46. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 V. Menuet (Allegro moderato)
47. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 VI. Toccata (Vif)
48. Ravel Gaspard de la nuit, M. 55 I. Ondine (Lent)
49. Ravel Gaspard de la nuit, M. 55 II. Le Gibet (Très lent)
50. Ravel Gaspard de la nuit, M. 55 III. Scarbo (Modéré – Vif)

Samson François – Piano


.: interlúdio :. Charles Mingus: The Clown

.: interlúdio :. Charles Mingus: The Clown


The Clown é um álbum de Charles Mingus gravado e lançado em 1957 na Atlantic Records. É uma espécie de continuação do Pithecanthropus Erectus de 1956. Uma edição de luxo em CD foi lançada em 2000 com duas faixas bônus que estão aqui. Todas as faixas foram gravadas em 12 de março de 1957, exceto The Clown, gravado em 13 de fevereiro do mesmo ano. De acordo com as notas de Nat Hentoff, Mingus explicou por que ele escolheu essas quatro faixas para o álbum: “Eu selecionei essas quatro mais duas outras que eram mais complicadas porque alguns desses caras estavam dizendo que eu não tinha swing. Então… Este álbum também tem o primeiro blues que eu fiz”. Haitian Fight Song e Tonight at Noon estão entra as maiores obras de Mingus. A legenda da foto abaixo pode ser compreendida por quem conhece o histórico do grande Mingus.

Charles Mingus: The Clown

1 “Haitian Fight Song” – 11:57
2 “Blue Cee” – 7:48
3 “Reincarnation of a Lovebird” – 8:31
4 “The Clown” – 12:29
5. “Passions of a Woman Loved” – 9:52
6 “Tonight at Noon” – 5:57

Charles Mingus – bass
Shafi Hadi – alto and tenor saxophone
Jimmy Knepper – trombone
Wade Legge – piano
Dannie Richmond – drums
Jean Shepherd – narration (track 4)


Mingus descansando após brigar com todos os seus músicos.


Johannes Brahms (1833-1897): Integral das composições para órgão

Johannes Brahms (1833-1897): Integral das composições para órgão


Se é surpreendente que Brahms tenha composto obras para órgão, o que se dirá quando algum de nós resolver postar seus motetos… Sim, são obras em que Brahms tenta fingir ser meu pai e não é uma má tentativa, muito pelo contrário. Brahms é denso e tinha a mesma queda de meu pai aos intricados jogos das fugas. Trata-se de muito boa música, principalmente os Onze Prelúdios Corais, Op. 122, escritos quando meu pai já o chamava para fazer-lhe companhia no céu — opa, os crentes vão gostar desta frase saída da pena de um ateu! Mas eu ia dizer que esta foi a última obra escrita por Brahms.

O que realmente não dá para entender é que tais peças — ouçam-nas! — sejam raramente ouvidas. Não parece Brahms, não parece Bach, parece um compositor novo, desconhecido, que faz música de primeira linha.

Johannes Brahms (1833-1897): Integral das composições para órgão

1. Prelude and Fugue in G minor 00:07:25

2. Fugue in A flat minor 00:07:53

11 Chorales Preludes, Op. 122
3. Mein Jesu, der du mich 00:06:20
4. Herzliebster Jesu 00:03:47
5. O Welt, ich muss dich lassen 00:03:41
6. Herzlich tut mich erfreuen 00:02:21
7. Schmucke dich, o liebe Seele 00:02:48
8. O wie selig seid ihr doch 00:02:00
9. O Gott, du frommer Gott 00:06:20
10. Es ist ein Ros’ entsprungen 00:02:37
11. Herzlich tut mich verlangen 00:02:35
12. Herzlich tut mich verlangen 00:04:18
13. O Welt, ich muss dich lassen 00:03:29

14. Chorale Prelude and Fugue on ‘O Traurigkeit, o Herzeleid’ 00:08:58

15. Prelude and Fugue in A minor 00:06:03

Robert Parkins, organ



Sergey Rachmaninov (1873-1943) – Complete Symphonies & Piano Concertos – Lorin Maazel, Támas Vasary,

Confesso que fiquei surpreso quando nosso mentor PQPBach mandou dia destes uma solicitação da Segunda Sinfonia de Rachmaninov. Quase perguntei se era correta sua solicitação, de repente ele podia estar atrás da sinfonia de mesmo número de outro compositor, mas pelo tipo de pergunta e pelo motivo da solicitação entendi que era realmente a Segunda Sinfonia de Rachmaninov que ele pedia. Sabemos que ele não é muito fã deste compositor, por isso a dúvida. Informei então que tinha a caixa da DG onde o grande Lorin Maazel gravara a integral das sinfonias, as Danças Sinfônicas e o poema sinfônico ‘Ilha dos Mortos”, frente a Filarmônica de Berlim. Ele aceitou imediatamente. Na verdade, esta postagem nada mais é que uma repostagem de uma original que fiz lá nos primórdios do PQPBach, em 2007.

Então em atenção á solicitação de nosso mestre / guru / mentor estou trazendo esta bela caixa. Ah, de quebra os senhores ainda levam os concertos para piano, nas mãos de Támás Vásáry, é mole, ou querem mais?

CD 1

Symphony No. 2 in E minor op. 27 e-moll · en mi mineur A
1. Largo – Allegro moderato
2. Allegro molto
3. Adagio
4. Allegro vivace

Symphony No. 1 in D minor op. 13 d-moll · en ré mineur
1. Grave – Allegro ma non troppo – Allegro vivace
2. Allegro animato

CD 2

Symphony No. 1 in D minor (cont.)
3. Larghetto
4. Allegro con fuoco

Symphony No. 3 in A minor op. 44 a-moll · en la mineur

1. Lento – Allegro moderato – Allegro
2. Adagio ma non troppo – Allegro vivace
3. Allegro – Allegro vivace

4. The Rock op. 7
Fantasy »Der Fels« ·
« Le Rocher »

5 Intermezzo from the opera Aleko
6 Allegro pastorale
7 Vocalise op. 34 no. 14 Lentamente

CD 3

1 The Isle of the Dead op. 29
Symphonic Poem »Die Toteninsel« · « L’Île des morts » Lento – Tranquillo – Largo – Allegro molto – Largo – Tempo I

Symphonic Dances op. 45
2 1. Non allegro
3. Andante con moto (Tempo di valse)
4. Lento assai – Allegro vivace – Lento assai come prima

Berliner Philharmoniker

Rhapsody on a Theme by Paganini for Piano and Orchestra op. 43
5 Introduction – Variations I–VI
6 Variations VII–X
7 Variations XI–XV
8 Variations XVI–XVII
9 I Variation XVIII A tempo vivace – Variations XIX–XXIV

London Symphony Orchestra

CD 4

Concerto for Piano and Orchestra No. 1 in F sharp minor op. 1 fis-moll · en fa dièse mineur

1. Vivace – Moderato – Vivace
2. Andante
3. Allegro vivace

Concerto for Piano and Orchestra No. 2 in C minor op. 18 c-moll · en ut mineur
4 1. Moderato – Più vivo – Allegro – Maestoso. Alla marcia – Moderato
5.2 Adagio sostenuto
3. Allegro scherzando – Moderato – Presto – Moderato – Allegro scherzando – Alla breve – Presto – Maestoso – Risoluto

CD 5

Concerto for Piano and Orchestra No. 3 in D minor op. 30 d-moll · en ré mineur
1. Allegro ma non tanto
2. Intermezzo. Adagio – attacca:
3. Finale. Alla breve 14:19

Concerto for Piano and Orchestra No. 4 in G minor op. 40 g-moll · en sol mineur
4 1. Allegro vivace
5 2. Largo – attacca subito:
6 3. Allegro vivace

London Symphony Orchestra



.: interlúdio :. Dorival Caymmi & Tom Jobim ‎– Caymmi visita Tom e leva seus filhos Nana, Dori & Danilo

.: interlúdio :. Dorival Caymmi & Tom Jobim ‎– Caymmi visita Tom e leva seus filhos Nana, Dori & Danilo

Gente, este é um LP de 1964 (capa ao lado) que foi relançado em CD em 1991 (nova capa no link para os créditos). Como não parece haver muito interesse sobre ele, como é bom e como é uma curiosidade cheia de temas instrumentais e o escambau, nos interessa.

A admiração mútua entre Tom e Caymmi foi um fato. Tanto que 30 anos depois, quando Tom se despediu de nós com o maravilhoso Antônio Brasileiro, ele ainda trazia Caymmi. Neste disco de 1994, temos Maracangalha e Maricotinha, duas canções do baiano. Já Caymmi visita Tom é uma curiosidade porque ambos se equilibraram entre o samba-canção, a bossa nova e os temas instrumentais tendendo ao jazz. Mas também é incrível pela alta qualidade musical. Eu curti.

Dorival Caymmi & Tom Jobim ‎– Caymmi visita Tom e leva seus filhos Nana, Dori & Danilo

A1 … Das Rosas
A2 Só Tinha Que Ser Com Você
A3 Inútil Paisagem
A4 Vai De Vez
A5 Canção Da Noiva
B1 Saudades Da Bahia
B2 Tristeza De Nós Dois
B3 Berimbau
B4 Sem Você

Créditos aqui.


Procure um(a) namorado(a) que te olhe como Tom olha para Caymmi, e vice-versa.


Maurice Ravel (1875-1937): Concertos para Piano – Jean-Philippe Collard, ONF & Lorin Maazel

Maurice Ravel (1875-1937): Concertos para Piano – Jean-Philippe Collard, ONF & Lorin Maazel

Maurice Ravel 

Concertos para piano

Uns gostam de sinfonias, outros de ópera, outros ainda gostam de quartetos de cordas. Como dizem essas camisetas que compramos para presentear os cunhados, eu gosto de todas! Mas, tenho um particular gosto por concertos para piano. Vá lá, concertos para cravo também, que tudo começou com o Johann Sebastian Bach. Melhor ainda se interpretados ao piano.

Depois de Mozart (mais de vinte), Beethoven (cinco e meio) e Brahms (dois), o número de concertos por compositor foi caindo. É verdade que a exigência em qualidade e, principalmente, originalidade, aumentou muito. A comparação com as obras precedentes já estabelecidas é apenas um dos muitos desafios que um compositor precisa enfrentar se quiser compor um novo concerto.

Outro grande desafio é iniciar a obra ganhando a atenção e a aceitação do público. Como prender a atenção de todos nos primeiros dez, vinte segundos nos quais a peça é lançada ao ar da sala de concerto ou do auditório?

Prokofiev, no seu genial Concerto para Piano No. 3, inicia com uma lindíssima e sedutora melodia no primeiro clarinete. Golpe de mestre! Mas o compositor da postagem é Ravel. Ele lança seu concerto em sol maior com um estalo de chicote! Eu sempre imaginava o maestro olhando para o carroceiro Alfio, emprestado da ópera Cavalleria Rusticana de Mascagni, pronto para estalar seu poderoso chicote. Bem menos interessante que isso, o chicote usado nas orquestras consiste de duas tabuinhas que o percussionista bate uma na outra, fazendo estalar o chicote. E aí segue o solista mandando ver no teclado, glissandos para cima e para baixo.

Isto é só o começo. Como o concerto foi composto em Paris, entre 1929 e 1931, jazz estava nos ares da cidade. Até o Pixinguinha andou por lá, como nos ensinou o Pleyel. A influência do jazz torna o concerto muito moderno, mas também muito bonito.

O movimento lento inicia com o maestro e toda a orquestra só escutando o solista por uns bons minutos, num dos trechos mais bonitos composto para piano. Só bem depois é que a flauta e outros instrumentos de sopro se juntam ao solista. É de arrepiar!

O último movimento é para fechar os trabalhos com brilho e alegria, assim como Mozart fez em seus concertos, mas aqui com uma dose jazzística de modernidade.

Jacques Février tocando o ”Concerto pour la main gauche”, na presença de Maurice Ravel

Na sequência do disco, o Concerto para Mão Esquerda, composto na mesma época que o Concerto em sol maior, mas são assim como Esaú e Jacó esses dois irmãos. Em outra postagem falarei mais desse outro concerto, prometo.

Para apresentar essas maravilhas do século XX, a postagem traz Jean-Philippe Collard, ótimo pianista. Suas gravações de Rachmaninov dessa mesma época são excelentes. A Orquestra Nacional Francesa é regida nesta gravação por Lorin Maazel e o disco ganhou o Prêmio da Gramophone de 1980, na categoria de Concerto.

Para completar o CD algumas peças para piano solo, fechando com um arranjo para dois pianos de La valse, faixa na qual Michel Beroff se junta ao Collard.

Há outras (lendárias) gravações do concerto em sol maior, como a do Arturo Benedetti Michelangeli e a da Martha Argerich, em especial a que faz dobradinha com o Concerto No. 3 de Prokofiev. Mas hoje, o Collard é o cara da postagem.

Maurice Ravel (1875 – 1937)

Concerto em sol maior

  1. Allegremente
  2. Adagio assai
  3. Presto

Concerto para piano para a mão esquerda

Pavane pour une infante défunte

Jeux d’eau

La valse

Jean-Philippe Collard, piano
Orchestre National de France
Lorin Maazel
com Michel Béroff, segundo piano em La valse


FLAC | 215 MB


MP3 | 320 KBPS | 147 MB

Michel Béroff e Jean-Philippe Collard

Não deixe de baixar e aproveitar!


René Denon


Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia No. 9 em Ré Menor

Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia No. 9 em Ré Menor

A Sinfonia No. 9 é o coroamento do trabalho sinfônico de Bruckner. Um portento, uma esplêndida obra-prima que ficou inacabada. Quando da sua morte, ele ainda trabalhava na composição da sinfonia. Esta gravação de Celibidache possui a eletricidade e a emoção dos registros ao vivo e ombreia-se às versões de Wand, Haitink e Nelsons. Mas vejam bem, os quatro citados na frase anterior são deuses. Sim, estamos no Olimpo da música. E quem os coloca lá é Bruckner.

Porém, neste álbum que ora postamos, há excertos dos ensaios de Celibidache. Mesmo — meu caso — não entendendo alemão, nota-se como suas correções vão inequivocamente melhorando a música. É uma gravação para ser ouvida várias vezes e ainda aprender.

A Sinfonia foi estreada postumamente em 1903 e Bruckner teria a dedicado a seu amado deus, mas tal fato não é comprovado por nenhum documento. O terceiro movimento ficou pronto em 1894, um Adagio esplêndido. O compositor viveu mais dois anos, mas sua saúde já não permitia o empenho necessário e morreu sem que o quarto e último movimento estivesse concluído. O que já havia escrito não era nada mais do que um esboço. Diante disso, ele recomendou que se tocasse como finale o seu “Te Deum”, obra coral religiosa que conferiria à sua Nona um formato semelhante ao da Nona de Beethoven. Mas o que todo regente faz hoje é apresentar a obra tal como ela ficou, inacabada.

Anton Bruckner (1824-1896): Sinfonia No. 9 em Ré Menor

01. Applause
02. I. Feierlich, Misterioso
03. II. Scherzo. Bewegt, lebhalt – Trio. Schnell
04. III. Adagio. Langsam, feierlich
05. IV. Applause
06. Excerpts from the rehearsals
07. Excerpts from the rehearsals
08. Excerpts from the rehearsals
09. Excerpts from the rehearsals
10. Excerpts from the rehearsals
11. Excerpts from the rehearsals
12. Excerpts from the rehearsals
13. Excerpts from the rehearsals
14. Excerpts from the rehearsals

Edition: Leopold Nowak
Münchner Philharmoniker
Sergiu Celibidache, regente


Celibidache tomando um café com o pessoal do PQP lá pelos anos 40 ou 50. Era um dia quente.


Johann Sebastian Bach (1685-1750): Todos os Concertos para Teclado

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Todos os Concertos para Teclado

Uma orquestra diminuta, como deve ser. Um crav… Ops, um piano? Pois é. Mas tem cravo? Sim, tem. Onde? Fazendo o baixo contínuo, ora bolas. Sim, a esquisitice deste disco, mesmo com a maestria de Angela Hewitt, custou a se acomodar em meu combalido cérebro. Aqui nós temos todos os sete Concertos para Cravo, mais o Concerto de Brandemburgo Nº 5 e o Triplo. Ouvi tudo duas vezes até gostar moderadamente. Mas não se compara com outros registros historicamente informados. Confesso que achei que estivesse presa de alucinações auditivas quando ouvi um cravo tagarelando atrás do piano na gravação do quinto Concerto de Brandemburgo de Bach… Comecei a pensar em qual seria o motivo (ou a tese) para usar como solista um piano de cauda de concerto em vez de um cravo de dois teclados, mas mesmo assim chamar o auxílio do velho instrumento? Apesar do oximoro musical de ter os dois instrumentos na mesma peça ao mesmo tempo, a versão de Hewitt e da Orquestra de Câmara Australiana funciona.

Johann Sebastian Bach (1685-1750): Todos os Concertos para Teclado

Keyboard Concerto No 1 In D Minor BWV1052 (22:46)
Allegro 7:37
Adagio 7:17
Allegro 7:50

Keyboard Concerto No 7 In G Minor BWV1058 (14:04)
[First Movement] 3:41
Andante 6:34
Allegro Assai 3:50

Brandenburg Concerto No 5 In D Major BWV1050 (19:59)
Allegro 9:41
Affettuoso 5:02
Allegro 5:14

Triple Concerto In A Minor BWV1044 (20:07)
Allegro 8:35
Adagio Ma Non Tanto E Dolce 4:36
Tempo Di Alla Breve 6:56

Keyboard Concerto No 4 In A Major BWV1055 13:41
Allegro 4:06
Larghetto 4:55
Allegro Ma Non Tanto 4:39

Keyboard Concerto No 3 In D Major BWV1054 16:13
[First Movement] 7:29
Adagio E Piano Sempre 6:05
Allegro 2:37

Keyboard Concerto No 2 In E Major BWV1053 19:15
[First Movement] 8:02
Siciliano 4:43
Allegro 6:28

Keyboard Concerto No 5 In F Minor BWV1056 9:47
Allegro 3:28
Adagio 2:57
Presto 3:19

Keyboard Concerto No 6 In F Major BWV1057 16:33
[First Movement] 7:21
Andante 4:09
Allegro Assai 5:02

Angela Hewitt, piano
Australian Chamber Orchestra
Richard Tognetti


Angela dando um rolê na sede campestre do PQP Bach.


Ludwig van Beethoven (1770-1827): Piano Sonatas: Hammerklavier & Moonlight – Murray Perahia – DG

Ludwig van Beethoven (1770-1827): Piano Sonatas: Hammerklavier & Moonlight – Murray Perahia – DG

Beethoven: Piano Sonatas

Hammerklavier & Ao Luar

Murray Perahia

Eu já não me lembro qual das sonatas para piano de Beethoven ouvi primeiro. Certamente uma do triunvirato – Pathétique, Appassionata ou Ao Luar. Lembro-me de um LP da Supraphon com o pianista Jan Panenka. Mas posso estar errado, minha memória anda rebelde, lembra-se apenas daquilo que quer. Supraphon era, assim, a Naxos daqueles dias nos quais os LPs chegavam ao interior do Brasil em caixas de madeiras de formato  cúbico, levadas por kombis que iam sacolejando por estradas poeirentas ou lamacentas, dependendo da sorte do vendedor.

A Hammerklavier veio bem depois e não foi fácil. Lembro-me agora bem dos CDs da Deutsche  Grammophon com as últimas gravações do Emil Gilels, que eu ia comprando quando já morava aqui, na grande cidade. Estes CDs já morreram, oxidados. Ainda guardo os livretos, mas os falecidos foram devidamento substituidos pela caixota de nove CDs nos quais estão todas as sonatas que o Emil conseguiu gravar naquela ocasião. Não é um ciclo completo. Falta a última sonata, por exemplo (sigh). Mas entre elas uma imensa, enorme Hammerklavier, com um dos mais lindos e perfeitos Adagio sostenuto que já ouvi.

Mas não estamos aqui para falar do passado, vamos ao (quase) presente. Comprei este disco que estou postando assim que bati os olhos nele. Pois é, eu ainda vou a lojas (as que restaram) de CDs, com aquela expectativa de encontrar algo que acelere as batidas do coração e que crie aquela ansiedade de, ao chegar em casa, na primeira audição, confirmar o antecipado prazer. Estes momentos estão se tornando mais e mais raros, mas este disco me deu essas sensações no ano passado.

Ouço gravações do Murray Perahia há muito tempo. Ele me ensinou que Chopin é coisa demais de boa e dá-me constante aulas sobre os concertos para piano de Mozart. Mais recentemente ele andou pelas terras barrocas e eu fui junto, com muito prazer. Já havia ouvido algumas de suas gravações de sonatas para piano de Beethoven, mas este disco está demais. Vejam, na minha opinião, a Hammerklavier é assim, uma sonata mais cabeça, enquanto a Ao Luar, mais coração. E é aí onde mora o perigo! Muita cabeça ou muito coração pode não ser uma boa coisa. Creio que ele conseguiu um equilíbrio que me fizeram ouvir essas sonatas com o mesmo prazer de ouví-las pela primeira vez, de (re)descobrimento. Eu não conheço outro disco que junte as duas sonatas. Só estão juntas nas integrais, mas mesmo aí, em discos separados. Ele ousou e creio que fez muito bem.

Talvez não seja nada disso, talvez eu esteja apenas ficando nostálgico. Mesmo assim, vá em frente. Se você gosta de piano e de boa música, estará em ótimas mãos! Que o disco lhe agrade a mente e o coração!

Sonata para piano No. 29, em si bemol maior “Hammerklavier”, op. 106

  1. Allegro
  2. Scherzo. Assai vivace
  3. Adagio sostenuto
  4. Largo – Allegro risoluto

Sonata para piano No. 14 em dó sustenido menor, “Ao Luar”, op. 27, 2

  1. Adagio sostenuto
  2. Allegretto
  3. Presto agitato

Murray Perahia, piano


FLAC | 156 MB


MP3 | 127 MB

Murray Perahia dando um toque de Rodin na sonata…

Felix Mendelssohn (1809-1847): Concertos para Piano Nº 1 e 2 / Capricho Brilhante / Serenata / Rondó Brilhante

Felix Mendelssohn (1809-1847): Concertos para Piano Nº 1 e 2 / Capricho Brilhante / Serenata / Rondó Brilhante

Este CD também poderia ser chamado de Obras Completas para Piano e Orquestra de Mendelssohn.

Bem, nos últimos anos, Ragna Schirmer ascendeu ao posto de uma das melhores pianistas da Alemanha. Desta vez, ela se volta para Felix Mendelssohn, cujas obras completas para piano e orquestra ela apresenta junto com a Orquestra Sinfônica de Rádio Saarbrücken, conduzida por Günther Herbig. Esta gravação é mais uma vez resultado de muito estudo por parte de Ragna. E o Mendelssohn dela é bem animado. A pianista se delicia no ato de fazer música. A pianista encontrou em Günter Herbig um parceiro experiente e com o claro sentimento da leveza dessa música. Uma gravação muito boa, calorosamente romântica.

Felix Mendelssohn (1809-1847): Concertos para Piano Nº 1 e 2 / Capricho Brilhante / Serenata / Rondó Brilhante

Piano Concerto No. 1 in G minor, Op. 25
1)I. Molto allegro con fuoco
2) II. Andante
3) III. Presto

4) Capriccio brillant in B minor, Op. 22

Piano Concerto No. 2 in D minor, Op. 40
5) I. Allegro appassionato
6) II. Adagio – Molto sostenuto
7) III. Finale: Presto scherzando

8) Serenade and Allegro giocoso, Op. 43

9) Rondo brillant in E flat major, Op. 29

Ragna Schirmer, piano
Radio Symphony Orchestra Saarbrücken
Günther Herbig


A tranquilidade de quem tinha um pai banqueiro.


Antonin Dvorák (1841-1904) – Chamber Works II – Piano Trios – Guarnieri Trio

Até agora, grande parte das obras de Antonin Dvorák que foram postadas aqui no PQPBach eram obras dedicadas a um instrumento solista com orquestra, ou alguma outra obra orquestral, como as Sinfonias, Poemas Sinfônicos ou As Danças Eslavas.
Gostaria de apresentar aos senhores um outro Dvorák, o das obras para Câmara. Pretendo dar prosseguimento à belíssima coleção do selo tcheco Supraphon, dos quais já trouxe as sinfonias de Dvorák na histórica gravação de Vaclav Neuman com a Filarmônica Tcheca, e trazer os CDs da série dedicados à quase desconhecida obra de Câmara deste compositor. Teremos Trios para Piano, Quartetos de Corda, Quartetos com Piano, enfim, pretendo que esta série seja a mais completa possível. Como citei acima, trata-se de projeto do selo Supraphon, então talvez em alguns casos os músicos envolvidos não sejam tão conhecidos, mas lhes garanto a qualidade.
Por estar encantado com os Trios para Piano, começarei com o segundo volume da coleção. É de se ouvir com muita atenção.

CD 1

01. Piano Trio No. 1 in B flat major, B. 51 (Op. 21)- Allegro molto
02. Piano Trio No. 1 in B flat major, B. 51 (Op. 21)- Adagio molto e mesto
03. Piano Trio No. 1 in B flat major, B. 51 (Op. 21)- Allegretto scherzando
04. Piano Trio No. 1 in B flat major, B. 51 (Op. 21)- Finale, Allegro vivace
05. Piano Trio No. 2 in G minor, B. 56 (Op. 26)- Allegro moderato
06. Piano Trio No. 2 in G minor, B. 56 (Op. 26)- Largo
07. Piano Trio No. 2 in G minor, B. 56 (Op. 26)- Scherzo, Presto
08. Piano Trio No. 2 in G minor, B. 56 (Op. 26)- Finale, Allegro non tanto

CD 2

01. Piano Trio No. 3 in F minor, B. 130 (Op. 65) (once listed as Op. 64) Allegro
02. Piano Trio No. 3 in F minor, B. 130 (Op. 65) (once listed as Op. 64) Allegre
03. Piano Trio No. 3 in F minor, B. 130 (Op. 65) (once listed as Op. 64) Poco ad
04. Piano Trio No. 3 in F minor, B. 130 (Op. 65) (once listed as Op. 64) Finale,
05. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Lento maestoso
06. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Poco adagio
07. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Andante
08. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Andate moderato
09. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Allegro
10. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Lento maestoso


Claudio Monteverdi (1567-1643): The Mirror Of Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi (1567-1643): The Mirror Of Claudio Monteverdi


Este é mais um arquivo que nos foi repassado pelo querido amigo pequepiano WMR.

Um lindo e prazeroso CD com obras de Monteverdi magnificamente tocadas pelos especialistas belgas do Huelgas Ensemble. Monteverdi é considerado o último grande madrigalista, certamente o maior compositor italiano de sua geração, um dos grandes operistas de todos os tempos e uma das personalidades mais influentes de toda a história da música do ocidente. Não inventou nada novo, mas sua elevada estatura musical deriva de ter empregado recursos existentes com uma força e eficiência sem paralelos em sua geração, e integrado diferentes práticas e estilos em uma obra pessoal rica, variada e muito expressiva, que continua a ter um apelo direto para o mundo contemporâneo ainda que ele não seja exatamente um compositor popular nos dias de hoje.

Claudio Monteverdi (1567-1643): The Mirror Of Claudio Monteverdi

1 I. Kyrie
Composed By – Claudio Monteverdi
2 Laura Che’l Verde Lauro
Composed By – Nicola Vicentino
Lyrics By [Canzoniere, CCXLVI] – Francesco Petrarca
3 II. Gloria
Composed By – Claudio Monteverdi
4 Amor, I’ho Molti E Molt’anni Pianto
Composed By – Cesare Tudino
5 III. Credo
Composed By – Claudio Monteverdi
6 Mia Benigna Fortuna
Composed By – Giaches De Wert
7 IV. Sanctus
Composed By – Claudio Monteverdi
8 Solo E Pensoso
Composed By – Luca Marenzio
9 V. Agnus Dei
Composed By – Claudio Monteverdi

Choir – Huelgas Ensemble*
Chorus Master, Liner Notes – Paul Van Nevel


Gente, o Huelgas Ensemble costuma…
…se apresentar assim, formando um círculo.


Claude Debussy (1862-1918): Poèmes

Claude Debussy (1862-1918): Poèmes

Este é mais um arquivo que nos foi repassado pelo querido amigo pequepiano WMR.

Um surpreendente e bonito disco de obras pouco visitadas de Debussy. São canções muito bonitas, a quintessência da melodia francesa e também da arte do compositor. A cantora greco-alemã Stella Doufexis é sensível à música da língua francesa e tem pronúncia melhor que a maioria dos cantores franceses. Falo sério. Muitas vezes o disco torna-se mágico, recriando a atmosfera simbolista da virada do XIX para o XX. Estão aqui reunidos ciclos de poemas de autores esquecidos ou famosos (Mallarmé e Verlaine) onde a escrita refinada e tipicamente francesa de Debussy se expressa em total liberdade. Com seu tom caloroso, Stella Doufexies é a intérprete ideal destes poemas com humores às vezes escuros, às vezes felizes ou nostálgicos. Sua capacidade de trazer os textos para a vida é simplesmente fascinante. O acompanhamento preciso e em perfeita harmonia do especialista no gênero Daniel Heide, também é digno de nota.

Claude Debussy (1862-1918): Poèmes

1 Nuit D’étoiles 3:17
2 Fleur Des Blés 2:02
Deux Romances (04:18)
3 1. Romance 2:06
4 2. Les Cloches 2:12
Fêtes Galantes (07:30)
5 1. En Sourdine 3:05
6 2. Fantoches 1:14
7 3. Clair De Lune 3:11
Le Promenoir Des Deux Amants (06:22)
8 1. La Grotte 2:16
9 2. Crois Mon Conseil, Chère Climène 1:46
10 3. Je Tremble En Voyant Ton Visage 2:20
Trois Poèmes De Stéphane Mallarmé (08:33)
11 1. Soupir 3:14
12 2. Placet Futile 2:30
13 3. Éventail 2:49
Cinq Poèmes De Charles Baudelaire (28:00)
14 1. Le Balcon 8:22
15 2. Harmonie Du Soir 4:33
16 3. Le Jet D’eau 5:50
17 4. Recueillement 5:50
18 5. La Mort Des Amants 3:25

Mezzo-soprano Vocals – Stella Doufexis
Piano – Daniel Heide


Imaginem o fiasco se Debby conhecesse o calor de Porto Alegre…


Richard Wagner – Götterdämmerung – Dernesch, Ridderbusch, Stewart, etc., Karajan, BPO

Götterdämmerung: a mais grandiosa das quatro óperas do ciclo O Anel do Nibelungo. Composta entre 1869 e 1874, sua estréia ocorreu no Bayreuth Festspielhaus, Bayreuth, em 17 de agosto de 1876, como parte da primeira apresentação completa da Saga do Anel. A Canção dos Nibelungos (conjunto de poemas medievais alemães), é a fonte de inspiração para o “O Crepúsculo dos Deuses”.
Götterdämmerung é musicalmente genial, embora seja narrativamente mais fraco (comparado à Die Walkürie e Das Rheingold). Temos uma Brünnhilde humana, um Hagen dual, um Gunther fraco, um Siegfried com seus defeitos e não mais estereotipado como na ópera anterior. Quanto tempo dura Götterdämmerung? O primeiro ato sozinho passa um pouco de duas horas, mais do que o La Bohème de Puccini em sua totalidade. Para a orquestra e os cantores, numa apresentação ao vivo, é um dos testes de resistência mais difíceis do repertório operístico. Para se ter uma idéia da grandiosidade desse espetáculo, nesta ópera está a cena mais difícil de se representar da história do teatro (última cena do último ato, falarei sobre ela). Analisando percebe-se que, narrativamente falando, sua duração imponente é parcialmente gratuita, com quase uma hora revirando a história e fazendo um resumão dos acontecimentos das três partes anteriores. Pode ser redundante, mas esta exposição ajuda alguém que não conhece as outras peças a entrar e acompanhar a história. A ópera em três atos mostra a caminhada de Sigfried e Brünnhilde ao encontro da morte, levando com eles os deuses e todo o mundo dos antigos. Um novo mundo pode nascer na Terra. Götterdämmerung é a tradução alemã para a palavra em nórdico antigo Ragnarök, que em português seria o Crepúsculo dos Deuses. Götterdämmerung continua a história de Siegfried, filho de Siegmund, e ainda mais que “Die Walkürie e Siegfried”, mudanças drásticas no mito ocorrem, inclusive a própria interpretação do Crepúsculo dos Deuses.

Bayreuther Festspiele 2010

Além das inovações formais já iniciadas por Wagner à ópera, temos em Götterdämmerung um prelúdio antes da 1ª cena. O prelúdio pode ser dividido em duas partes, a primeira onde as Nornas tecem o fio do destino, as três Nornas, filhas de Erda, tecem a trama do destino do mundo. Mas o fio com que trabalham rompe-se de repente, quando procuram desvendar o paradeiro do ouro do Reno: ali também se fazem sentir as consequências da maldição de Alberich. Doravante, o destino dos deuses está selado. O canto das Nornas é belíssimo, elas contam em poucas linhas a história passada e a futura. A segunda parte do prólogo, após uma breve e bela Orchesterzwischenspiel, mostra Siegfried e Brünnhilde saindo de uma gruta, onde a ex-Valkíria afirma que Siegfried deve prosseguir em sua jornada, com mútuas promessas de fidelidade Siegfried como prova de amor lhe dá o anel que tomou de Fafner e ela lhe dá o seu cavalo e seu escudo de Valkíria. Podemos ver no prólogo que o Siegfried de Götterdämmerung não é o mesmo Siegfried de “Siegfried”. O personagem está mais humano e heróico (até na música), e não é mais aquele estereótipo-bombadão. Dá uma prova de amor na mesma medida em que recebe. A música em Götterdämmerung é muito mais sóbria que nas outras óperas da saga, e não é exagerada como “Die Walkürie”, mas ainda possui peso e expressividade.

A primeira cena se passa no palácio de Gunter, próximo ao Reno. Gunter é o rei dos Gibichungos onde Hagen (meio-irmão do rei Gunther) e Gutrune (irmã) estão presentes. Gunther pergunta sobre sua popularidade, e Hagen (depois de fazer mistério), afirma que sua popularidade não é satisfatória porque ambos (Gunther e Gutrune) não são casados. Hagen, filho de Alberich e Grimhilde, mãe também de Gunther e da moça Gutrune, aproveita-se do diálogo para enredar os irmãos em seus planos: instigado por Alberich, pretende apossar-se do anel. Ambos devem casar-se, diz: Gunther com a bela Brunnhilde e Gutrune com o valoroso Siegfried. Não será fácil, porém, concretizarem o projeto, já que Brunnhilde vive cercada por uma barreira de fogo e Siegfried não vê encantos em mulher que não seja a ex-Valquíria. Uma possibilidade existe, no entanto; basta que Gutrune ofereça a Siegfried uma bebida mágica e o rapaz, a um só tempo, deixar-se-á enamorar por ela e consentirá em conquistar Brunnhilde para Gunther. Como no cinema e no teatro, na ópera também a conveniência das situações fala mais alto: Siegfried chega justamente quando estão discutindo como encontrá-lo. Hagen o convida para entrar, e fecha-se a cena.

A cena dois mostra como Siegfried e Gunther se conhecem pessoalmente. Sigfried convida Gunther para medirem forças, mas o outro prefere recebê-lo como hóspede. Siegfried desconhecia o poder do Tarnhelm, que Hagen explica seu poder. Gutrune dá a bebida do esquecimento a Siegfried, e ele esquece totalmente de Brünnhild, e promete tirá-la das chamas e entregar a Gunther em troca da mão de Gutrune. Siegfried foi enganado em sua ingenuidade (justificável, devido sua criação), e essa cena é muito coerente e bem feita, mas, há um ponto que foi esquecido: CADÊ A CLARIVIDÊNCIA DE SIEGFRIED??? O dragão lhe concedeu a clarividência em “Siegfried”, e aparentemente não foi capaz de usá-la agora… esquece, sem poção não há história, então…

Na terceira cena volta aonde está Brünnhilde, a Valkíria Waltraute chega, narrando a Brünnhilde a decadência do Walhalla. Waltraute tenta convencer a irmã de devolver o anel ao Reno (lembrando também da maldição de Alberich), o que Brünnhilde recusa-se a fazer. Após esse discurso, Waltraute vai embora triste, e Siegfried surge (disfarçado de Gunther devido o Tarnhelm). Siegfried subjuga Brünnhild para levá-la (como Gunther), mas ela reconhece sua voz (uma magnífica performance vocal, entre Tenor e Barítono), e ao final ele fala em sua voz normal, afirmando que ele e Gunther são irmãos de sangue.

A primeira cena do segundo ato é uma das mais sinistras e controversas. Hagen está na corte como guarda (adormecido) e Alberich aparece (ou não). Nessa cena há o diálogo entre Hagen e Alberich (filho e pai). Muito se infere desse diálogo, entre elas que Alberich não está materialmente, mas sim nos sonhos, e é uma projeção do próprio Hagen. Pode-se inferir também uma conexão do real e do onírico. A música é sombria, e o diálogo impressionante. Vale a pena conferir (AQUI libreto e texto). Na segunda cena do segundo ato Siegfried chega, afirmando a Hagen que tudo saíra como o planejado, e se coloca a disposição para organizar os dois casamentos. Temos uma melhor descrição de Hagen, que aparece esnobe e irônico. Na cena terceira temos mais Hagen, onde ele brinca com os soldados dando-lhes as boas novas, o que os soldados se espantam, pois, Hagen é carrancudo. Hagen aparece nesse ato múltiplo, mas coerente, podemos inferir algumas coisas sobre suas atitudes. A terceira cena é uma confusão, causada por Brünnhilde, e onde novamente Hagen se destaca. Siegfried defende-se e Brünnhilde o acusa, causando uma confusão geral onde ninguém entende nada (exceto o leitor/ouvinte). Na última cena do segundo ato, Hagen se oferece em amizade à Brünnhilde, e junto com Gunther tenta compreender a confusão da outra cena. Hagen incita a pena capital ao “traidor” Siegfried, enquanto Gunther como sempre indeciso e manipuladíssimo. Hagen pergunta a Brünnhilde se e como Siegfried pode ser morto, e ela o informa que ele é um herói poderoso e não pode ser vencido em combate, mas pode ser atingido pelas costas. A explicação aqui para a invulnerabilidade de Siegfried não é o sangue de dragão do Nibelungenlied, mas as artes de Brünnhilde que lhe protegem dos ferimentos. Como Siegfried jamais daria as costas em fuga para um inimigo, ela não o protegeu nas costas. A última cena do terceiro ato termina com Hagen convencendo Gunther a aceitar a morte de Siegfried. No terceiro ato, Siegfried se perde de seu grupo de caça (que incluia Gunther e Hagen), e depara-se com as ninfas do Reno. Elas lhe contam a história da maldição, e afirmam que Siegfried será liquidado assim como Fasolt, Fafner e todos que porem as mãos no anel. Siegfried não se importa.
Na segunda cena Hagen dá uma bebida a Siegfried (com poder inverso da outra), que lembra e conta sua história, Hagen pergunta-lhe se pode compreender uma ave que está a sua frente, e Siegfried olha-a. Nesse momento Hagen golpeia covardemente Siegfried pelas costas. Siegfried canta uma música à Brunnhilde enquanto ainda estava agonizando, e depois morre. Segue o cortejo fúnebre. Nessa cena aparecem duas das melhores músicas da ópera: a Canção de Siegfried e a Marcha Fúnebre de Siegfried. Na terceira cena o corpo do herói é levado para o palácio onde Hagen reivindica a posse do anel, que, no entanto, Gunther deseja oferecer a Gutrune. Há muita confusão e ação, nesta que é a cena mais difícil da história do teatro. Os dois homens se atracam, após acalorada discussão, e Gunther cai morto por Hagen, que logo procura tirar o anel do dedo de Siegfried. Mas a mão do herói se ergue, ameaçadora, e ele desiste, amedrontado. Brunnhilde aproxima-se e manda que se faça uma fogueira, onde deverá consumir-se o corpo de Siegfried: também se arroja à pira, montada no cavalo que fora seu e do amado. O importante aqui é o Discurso de Brunnhilde, onde muito se pode interpretar sobre toda a obra e a filosofia wagneriana. Transbordando, o Reno alcança o fogo e em suas águas lança-se Hagen, que desaparece levado pelas ondinas. Uma delas mostra, exultante, o anel recuperado. A corrente caudalosa reflui, enquanto a cena mostra, ao longe, as chamas atingindo o Walhalla, o palácio inteiro desmorona, e quando os deuses se reúnem em assembléia todo o cenário entra em chamas, o Reno se acalma, a música cresce a um grande clímax sobre os temas do Reno e do Walhalla, decrescendo com o motivo da redenção pelo amor soando nas cordas. Cai o pano e encerra a obra.

Assim terminamos todo o ciclo do anel, mas antes algumas considerações. Não há termo às reflexões que o drama desperta. Tudo está repleto de profundos símbolos nesse trabalho, vai do “super-homem” de Nietzsche ao profundo pessimismo de Shopenhauer, mas Wagner tudo reveste com o seu próprio simbolismo e ideologia. O desmoronamento do Walhalla é talvez o sonho de Wagner, de 1848, de ver o mundo apodrecido num mar de chamas desaparecer e das cinzas aparecer um mundo novo e virtuoso. As quatro óperas O Ouro do Reno (Das Rheingold), A Valquíria (Die Walküre), Siegfried e Crepúsculo dos Deuses (Götterdämmerung) totalizam 15 horas de espetáculo (três mil setecentas e cinqüenta páginas de música). Wagner é um gênio fora do comum, e essa obra causou uma influência absurda (positiva e negativa) em seu país, apesar de, como pessoa, Wagner ser pouco exemplar. O Anel dos Nibelungos de Wagner é uma obra ímpar.

Wagner Götterdämmerung – Personagens e intérpretes

Agora que terminamos os posts de todo o ciclo do Anel, torna-se possível ver a bela interpretação de Karajan do tremendo trabalho do começo ao fim. O refinamento e delicadeza da textura de Karajan, e a maior clareza dada às palavras são notáveis. Para começar com o Prelúdio do Ato 1, as Nornas: Christa Ludwig possui uma voz altamente individual é inconfundível, se encaixa bem no trio excelente e equilibrado formado com Lili Chookasian e Catarina Ligendza. No final da cena, Karajan faz com as três uma de suas transições finamente gerenciadas, aqui da melancolia ao nascer do sol e à luz do dia, terminando em um clímax brilhante pouco antes do dueto que se segue. Isso leva a Brünnhilde de Helga Dernesch e Siegfried de Helge Brilioth. A bela soprano lírica Dernesch, com sua ampla voz, com um valioso registro baixo, sua musicalidade inata, seu calor de expressão, suas notas altas colocadas com precisão infalível, fazem dela uma atraente Brünnhilde. A voz seca de Brilioth, é um pouco restrita no topo do seu alcance, mas ele fala bem e soa jovem. O excelente Gunther, de Thomas Stewart, transmite algo da dignidade, vaidade e desconfiança do rei. Karl Ridderbusch não tem a qualidade “negra” e nem é tão maléfico mas tem muita beleza em sua voz. Gundula Janowitz como Gutrune está à vontade e canta com um tom encantador. No Prelúdio do Terceiro Ato, as ondinas formam uma equipe equilibrada, Karajan trata a cena muito em seu “estilo de música de câmara”, isto é, com grande delicadeza e refinamento. É muito lindo. Brilioth é bom em suas conversas de troca com as garotas e também na longa narração de Siegfried que se segue quando Hagen e os caçadores entram. Ele canta a história naturalmente e interessa por toda parte, e coloca um patético ponderável em sua cena de morte. Orquestra Filarmonica de Berlim, bom, sensacional é pouco !!!!

Wagner Götterdämmerung

Helga Dernesch soprano – Brünnhilde
Helge Brilioth tenor – Siegfried
Karl Ridderbusch baixo – Hagen

Zoltán Kelemen baixo – Alberich
Thomas Stewart barítono – Gunther
Gundula Janowitz soprano – Gutrune
Christa Ludwig mezzo – Waltraute
Liselotte Rebmann soprano – Woglinde
Edda Moser soprano – Wellgunde
Anna Reynolds mezzo – Flosshilde
Lili Chookasian contralto – First Norn
Christa Ludwig mezzo – Second Norn
Catarina Ligendza soprano – Third Norn
Chorus of the German Opera Berlin, Berlin PhiIharmonic Orchestra / Herbert von Karajan


Maddalena Laura Lombardini Sirmen (1745-1818): Seis Concertos para Violino Op. 3

Maddalena Laura Lombardini Sirmen (1745-1818): Seis Concertos para Violino Op. 3

No dia de hoje, só poderíamos postar uma compositora erudita. Uma mulher compositora nascida em 1745 foi, antes de tudo, uma heroína.  A elas mal era dada uma educação e, quando eram talentosas, vinha um marido, um pai ou toda a família para recolocá-la à sombra. Não se sabe quem foram os pais de Maddalena Lombardini Sirmen. Ela foi admitida num orfanato, o Ospedale dei Mendicanti em Veneza em 1753, lá tornando-se violinista. Em 1760 ela foi convidada para estudar com Tartini em Milão, mas problemas na viagem impediram o encontro. No entanto, Tartini descreveu seu método para Lombardini por meio de carta. Esta carta se transformou em um influente tratado de violino, que foi reproduzido em toda a Europa em 1770. Em 1766 ela se casou com o violinista Lodovico Sirmen e o casal começou uma turnê de concertos pela Europa. Em 1771, Lodovico se estabeleceu na Itália com sua filha, enquanto Maddalena permanecia em Londres para um período de duas temporadas como violinista de concerto. Sua música para cordas (principalmente quartetos e peças para violino solo, assim como alguns concertos) era bem conhecida durante sua vida e até foi publicada.

A gravação que ora apresentamos é a primeira deste repertório e, olha, vale a pena ouvir. Lombardini Sirmen está situada no período do início do classicismo e foi boa compositora.

Maddalena Laura Lombardini Sirmen (1745-1818): Seis Concertos para Violino Op. 3

1. CD 43’10”

Concerto No. 1 in B flat major 13’44”
I. Allegro 5’39”
II. Andante 3’41”
III. Rondo. Allegretto 4’24”

Concerto No. 2 in E major 15’10”
I. Allegro 6’04”
II. Andante 4’10”
III. Rondo. Allegro non tanto 4’57”

Concerto No. 3 in A major 14’02”
I. Allegro 6’00”
II. Adagio 3’56”
III. Rondo. Allegretto 4’06”

2. CD 44’23”
Concerto No. 4 in C major 14’08”
I. Allegro 6’09”
II. Largo 3’18”
III. Rondo. Allegretto 4’40”

Concerto No. 5 in B flat major 15’28”
I. Maestoso 6’39”
II. Andante 3’57”
III. Rondo 4’52”

Concerto No. 6 in C major 14’34”
I. Allegro 6’13”
II. Andante 3’20”
III. Rondo 5’01”

Cadenzas por Levente Gyöngyösi e Piroska Vitárius, violino

Piroska Vitárius, violin
Savaria Baroque Orchestra
Pál Németh


Maddalena Laura Lombardini Sirmen


Sofia Gubaidulina (1931-): In croce, 10 Prelúdios para violoncelo, Quaternion

Sofia Gubaidulina (1931-): In croce, 10 Prelúdios para violoncelo, Quaternion

Enquanto vivia na União Soviética, Sofia Gubaidulina era pouco reconhecida, tendo composto trilhas sonoras para mais de vinte filmes para se sustentar. Desde 1990 ela vive na Alemanha e sua fama vem crescendo desde então.

Como descrever a música de Gubaidulina? É mais fácil explicar o que ela não é. Não é música nacionalista: em um entrevista recente ela diz que sua música não se tornou alemã nos últimos anos, porque ela compõe ouvindo sua voz interior. Não é música formalista, formada por regras lógicas: pelo contrário, mais parece uma música preocupada com texturas sonoras, timbrísticas e expressivas.

A obra In croce, para violoncelo e órgão, dá início a uma série que estou iniciando, focada na música para órgão do século XX.

Sofia Gubaidulina (1931-): In croce, 10 Prelúdios, Quaternion

1. In croce, para violoncelo e órgão (1979)
Dez Prelúdios para violoncelo (1974)
2. I. Staccato – Legato
3. II. Legato – Staccato
4. III. Con sordino – Senza sordino
5. IV. Ricochet
6. V. Sul ponticello – Ordinario – Sul tasto
7. VI. Flagioletti
8. VII. Al taco – Da punta d’arco
9. VIII. Arco – Pizzicato
10. IX. Pizzicato – Arco
11. X. Senza arco
12. Quaternion, para quarteto de violoncelos (primeira gravação)

Alexander Ivashkin – cello
Malcolm Hicks – organ (faixa 1)
Natalia Pavlutskaya – cello (faixa 12)
Rachel Johnston – cello (faixa 12)
Miranda Wilson – cello (faixa 12)


Sofia Gubaidulina


Barbara Strozzi (1619-1677): Safo Novella

Barbara Strozzi (1619-1677): Safo Novella

safo-novella-uma-poetica-do-abandono-nos-lamentos-de-barbara-strozzi-vene-64758_m1EX-CEP-CIO-NAL !!! (só para não dizer IM-PER-DÍ-VEL !!! ). Tanto as composições quanto a realização. [Pequena intervenção de Ranulfus na postagem de CVL]

Esta é uma postagem atípica de minha parte, posto que sou notoriamente voltado para o repertório nacional e contemporâneo, mas emblemática: é de um CD com sete cantatas da veneziana Barbara Strozzi anexo ao livro Safo Novella, de Silvana Scarinci. A musicóloga paranaense (acho que ela é paranaense) estudou academicamente a vida e o legado dessa que foi a mais significativa compositora mulher do barroco e responsável pelo surgimento da cantata: cantata entendida não na sua forma barroco-tardia – dividida em movimentos, escrita para coro e orquestra e ligada a temas sacros – e sim como uma ária operística solta, de duração às vezes não tão curta quanto as de óperas, e destinada à execução em salões (e não em teatros). Tais cantatas não estavam vinculadas às formas em voga na ópera ou mesmo a formas-canção e atendiam à contingência de sua criadora, que não podia circular pela sociedade sem importunações devido à sua condição de cortesã, sublimada através da expressão da poesia de Safo. Saiba mais sobre o livro e o CD aqui.


Barbara Strozzi (1619-1677): Safo Novella

1. Giusta negativa – 04:44
2. L’astratto – 10:01
3. Lagrime mie – 10:42
4. Amor dormiglione – 03:03
5. Appresso ai molli argenti – 14:01
6. Moralità amorosa – 04:51
7. Hor che Apollo – 14:30


Marília Vargas (soprano),
Luis Otávio Santos e André Cavazotti (violinos barrocos),
Sérgio Álvares (viola da gamba) e
Silvana Scarinci (tiorba)



CVL (publicado originalmente em 28.01.2011 — link revalidado em 2016 por Ranulfus, com insistência de PQP em 8 de março de 2019).

PS.: Recomendo aos estudiosos de música barroca e também da problemática dos gêneros na música a aquisição do livro, que contém as partituras de todas as peças do disco.

Catálogo de Barbara Strozzi

Babi Strozzi em 1640

CVL / Ranulfus / PQP

Joan Cabanilles (1644-1712): Batalles, Tientos & Passacalles

Joan Cabanilles (1644-1712): Batalles, Tientos & Passacalles


Juan Bautista José Cabanilles (1644-1712) foi compositor e organista principal (a partir de 1666) da Catedral de Valência, na Espanha. Em 1668, ele foi ordenado padre, mas manteve sua posição como organista principal na catedral por mais de 40 anos. Mas esse CD não é de órgão. Este é um extraordinário e muito criativo registro da obra orquestral de Cabanilles. Olha, é de cair o queixo. Mais um tesouro desencavado pelo catalão Savall.

Joan Cabanilles (1644-1712): Batalles, Tientos & Passacalles

1. Batalla Imperial (J.C. Kerll) (Cabanilles) 5:21
2. Tiento De Falsas II (Cabanilles) 3:36
3. Passacalles I (Cabanilles) 2:36
4. Tiento Lleno 2o Tono (Cabanilles) 4:53
5. Corrente Italiana (Obertura) (Cabanilles) 4:12
6. Tiento De Falsas 8 Punt Alt (Cabanilles) 5:29
7. Passacalles IV (Cabanilles 2:00
8. Tiento XVIII Por A La Mi Re (Cabanilles) 7:28
9. Tiento I Ple (Cabanilles) 6:53
10. Tiento XVII De “Pange Lingua” Punt Alt (Cabanilles) 4:00
11. Tiento IX De Contres (Cabanilles) 15:08

Hespèrion XX
Jordi Savall


O incansável Savall: desenterrando obra-primas atrás de obras-primas.
O incansável Savall: desenterrando obra-primas atrás de obras-primas.


Anton Bruckner (1824-1896) – Sinfonias nº 7, 8 e 9 – Bernard Haitink, Royal Concertgebouw Orchestra

Vamos então concluir esta série Haitink / Bruckner em grande estilo: suas últimas três sinfonias. Estou disponibilizando também o décimo primeiro CD desta caixa, que traz o Te Deum, só para não deixar a coleção incompleta.

Espero que tenham gostado. Bernard Haitink é o maior dos regentes vivos da atualidade, sem dúvida alguma. Por isso faço questão de apresentá-lo a quem não o conhece.

SYMPHONY NO.7 IN E MAJOR mi majeur · E-Dur 29
I Allegro moderato
II Adagio: Sehr feierlich und sehr langsam
III Scherzo: Sehr schnell – Trio: Etwas langsamer
IV Finale: Bewegt, doch nicht schnell

SYMPHONY NO.8 IN C MINOR ut mineur · c-Moll Robert Haas Edition, 1939
I Allegro moderato
II Scherzo: Allegro moderato – Trio: Langsam
III Adagio. Feierlich langsam, doch nicht schleppend
IV Finale: Feierlich, nicht schnell

SYMPHONY NO.9 IN D MINOR (Original version, 1894) ré mineur · d-Moll
I Feierlich, misterioso
II Scherzo: Bewegt, lebhaft – Trio: SchnellIII Adagio: Langsam, feierlich

I Te Deum laudamus soprano, contralto, tenor, chorus
II Te ergo soli III Aeterna fac chorus
IV Salvum fac soli, chorus
V In te, Domine, speravi soli, chorus

Elly Ameling soprano ·
Anna Reynolds contralto
Horst Hoffmann tenor ·
Guus Hoekman bass
Groot Omroepkoor (Netherlands Radio Choir)
Chorus master: Anton Krelage

Royal Concertgebouw Orchestra
Bernard Haitink