J. S. Bach (1685-1750): Oratório da Páscoa & Ascension Oratorio – Masaaki Suzuki

J. S. Bach (1685-1750): Oratório da Páscoa & Ascension Oratorio – Masaaki Suzuki


Osteroratorium – Oratório da Páscoa 

Himmelfahrtsoratorium – Oratório da Ascensão

Bach deixou três peças sacras as quais denominou Oratórios. A mais famosa é o Oratório de Natal, um conjunto de seis cantatas que foram apresentadas pela primeira  vez nos dias 25, 26 e 27 de dezembro de 1734. Os outros dois Oratórios estão reunidos neste espetacular disco. Ambos fazem referência à Páscoa.

Masaaki Suzuki

O mais antigo, Osteroratorium – Oratório da Páscoa – teve sua primeira audição em 1 de abril de 1725 e era uma paródia de uma cantata produzida umas semanas antes, para o aniversário do Duque Christian de Saxe-Weissenfels. Bach deve ter tido esta música em alta conta, pois a reapresentou em mais três ocasiões ao longo de sua vida, sempre adaptando ou arranjando algo novo. Em 1735 passou a chamá-la de Oratório. A última vez que a apresentou, na forma como aqui foi gravada, ocorreu em 1749. O Oratório inicia com dois movimentos puramente orquestrais, provavelmente provenientes de algum concerto que Bach escrevera em Koethen, onde trabalhou antes de mudar-se para Leipzig. O primeiro deles é festivo, com trompetes e tímpanos. O segundo é um adágio lindíssimo: sobre as cordas em suspiros, um instrumento melódico, aqui uma flauta transversa, que eleva o sentimento de espiritualidade. Segue um movimento que seria o final do concerto, agora adaptado para incluir o coro, e o todo funciona como uma grande abertura do oratório.

Em seguida uma série de recitativos e árias, uma delas para contralto que segue por onze minutos, onde novamente a flauta exerce papel proeminente, num diálogo com a solista. O Oratório concluiu com um coro acompanhado com toda a força da orquestra. É possível até imaginar o contentamento que o príncipe aniversariante deve ter sentido.

O outro oratório – Himmelfahrtsoratorium – arranjado para a Festa da Ascensão, também é catalogado como uma cantata, Lobet Gott in seinen Reichen, BWV 11. Foi estreado em 19 de maio de 1735 e é a adaptação de uma cantata não religiosa que não existe mais. Aqui os recitativos do tenor fazem o papel do Evangelista conduzindo a história.

De novo trompetes, tímpanos, flautas, oboés e cordas dão o tom solene e alegre, com o devido equilíbrio de momentos mais reflexivos, como é próprio para a ocasião.

Esta gravação é um primor. Foi feita na Capela da Kobe Shoin Women’s University, e pela foto do libreto deve ser espetacular. O Bach Collegium Japan, sob a direção de Masaaki Suzuki, artistas do selo sueco BIS Records é de altíssimo nível e uma referência mundial na interpretação da música de Bach. Suzuki estudou com os maiores especialistas em Bach e música antiga. É cravista, organista, regente, músico completo. Com o Bach Collegium Japan, fundado por ele, já gravou todas as cantatas de Bach assim como as outras grandes obras sacras, sempre para o selo BIS.

 

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Easter Oratorio. Kommt, eilet und laufet, BWV 249

01          I. Sinfonia

02          II. Adagio

03          III. Chorus – Kommt, eilet und laufet

04          IV. Recitativo (soprano, alto, tenore, basso) – O kalter Männer Sinn!…

05          V. Aria (soprano) – Seele, deine Spezereien…

06          VI. Recitativo (alto, tenore, basso) – Hier ist die Gruft…

07          VII. Aria (tenore) – Sanfte soll mein Todeskummer…

08          VIII. Recitativo (soprano, alto) – Indessen seufzen wir…

09          IX. Aria (alto) – Saget, saget mir geschwinde…

10          X. Recitativo (basso) – Wir sind erfreut…

11          XI. Chorus – Preis und Dank…

Ascension Oratorio. Lobet Gott in seinen Reichen, BWV 11

12          I. Chorus – Lobet Gott in seinen Reichen

13          II. Recitativo (tenore) – Der Herr Jesus hub seine Hände auf…

14          III. Recitativo (basso) – Ach, Jesu, ist dein Abschied schon so nah?…

15          IV. Aria (alto) – Ach, bleibe doch, mein liebstes Leben…

16          V. Recitativo (tenore) – Und ward aufgehaben zusehends…

17          VI. Choral – Nun liget alles unter dir…

18          VII. Recitativo (tenore, basso) – Und da sie ihm nachsahen… Recitativo (alto) – Ach ja! so komme bald zurück… Recitativo (tenore) – Sie aber beteten ihn an…

19          VIII. Aria (soprano)- Jesu, deine Gnadenblicke…

20          IX. Choral – Wenn soll es doch geschehen…

Patrick van Goethem, contra-tenor
Jan Kobow, tenor
Yukari Nonoshita, soprano
Chiyuki Urano, baixo
Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki, conductor

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Aproveite a oportunidade para ouvir boa música e refletir nas coisas mais altas e misteriosas da vida.

René Denon

Michel Richard de Lalande (France, 1657-1726): 3 Grands Motets: Te Deum + Super Flumina Babilonis + Confitebor Tibi Domine – Les Arts Florissants, dir. William Christie – 2001

Michel Richard de Lalande
France, 1657-1726

Te Deum
Super Flumina Babilonis
Confitebor Tibi Domine

Sandrine Piau, Véronique Gens, Arlette Steyer – sopranos

Les Arts Florissants – 2001
dir. William Christie

 

GRANDES MOTETOS DE MICHEL-RICHARD DELALANDE “O criador da música sacra francesa” … um “Latin Luny” … uns dos elogios a Delalande (1657-1726), que levou o moteto ao seu auge de popularidade na França. Sucessor de Lully como proeminente músico da corte sob Luís XIV e Luís XV, a criatividade dramática de Delalande foi mais poderosa em seus 75 motetos, louvando seu Deus e, é claro, seu rei.

A devoção de Delalande à corte e à música sacra começou como um estudante na igreja de Saint-Germain l’Auxerrois e seus postos de organista em quatro igrejas de Paris. Em 1683, logo após a mudança do tribunal para Versalhes, ele foi o candidato favorito de Louis para o sous maitre da capela, sua primeira das dez nomeações durante os 43 anos seguintes. Por volta de 1770, seus motetos haviam desfrutado de mais de 600 apresentações na série de concertos públicos de Paris, a Concern Spirituel. Delalande compôs um terço de seus motetos, bem como sete entretenimentos seculares, durante sua primeira década prodigiosa na corte. Ele completou a maioria dos motetos restantes em 1710 e dedicou seus últimos anos à revisão de trabalhos anteriores.
(ex-catálogo, Barbara Coeyman)

3 Grands Motets
Michel Richard de Lalande
01. Te Deum – 1. Simphonie
02. Te Deum – 2. Te Deum laudamus
03. Te Deum – 3. Tibi omnes angeli
04. Te Deum – 4. Sanctus Dominus Deus Sabaoth
05. Te Deum – 5. Te gloriosus Apostolorum chorus
06. Te Deum – 6. Tu Rex gloriae, Christe
07. Te Deum – 7. Tu ad liberandum
08. Te Deum – 8. Tu devicto mortis aculeo
09. Te Deum – 9. Te ergo, quaesumus
10. Te Deum – 10. Aeterna fac
11. Te Deum – 11. Per singulos dies
12. Te Deum – 12. Dignare Domine
13. Te Deum – 13. In te Domine speravi
14. Super Flumina Babilonis – 1. Simphonie – 2. Super flumina
15. Super Flumina Babilonis – 3. In salicibus
16. Super Flumina Babilonis – 4. Quia illic interrogaverunt nos
17. Super Flumina Babilonis – 5. Hymnum cantate nobis
18. Super Flumina Babilonis – 6. Si oblitus fueri tui
19. Super Flumina Babilonis – 7. Adhaereat lingua mea
20. Super Flumina Babilonis – 8. Memor esto, Domine
21. Super Flumina Babilonis – 9. Filia Babilonis misera (soli)
22. Super Flumina Babilonis – 10. Filia Babilonis misera (chorus)
23. Confitebor Tibi Domine – 1. Simphonie – 2. Confiterbor
24. Confitebor Tibi Domine – 3. Magna opera Domini
25. Confitebor Tibi Domine – 4. Confessio et magnificentia
26. Confitebor Tibi Domine – 5. Memoriam fecit mirabilium
27. Confitebor Tibi Domine – 6. Memor erit in saeculum
28. Confitebor Tibi Domine – 7. Fidelia omnia mandata ejus
29. Confitebor Tibi Domine – 8. Redemptionem misit populo suo
30. Confitebor Tibi Domine – 9. Sanctum et terribile
31. Confitebor Tibi Domine – 10. Intellectus bonus
32. Confitebor Tibi Domine – 11. Gloria

3 Grands Motets
Michel Richard de Lalande
Les Arts Florissants, dir. William Christie – 2001

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Avicenna

Georg Philipp Telemann (1681-1767): Pimpinone

Georg Philipp Telemann (1681-1767): Pimpinone

Eu curti. Pimpinone é uma ópera cômica em 3 partes e 11 cenas, com música de Georg Philipp Telemann e libreto em alemão de Johann Philipp Praetorius, sobre texto precedente de Pietro Pariati. A sua estreia foi feita no Theater am Gänsemarkt de Hamburgo, em 27 de setembro de 1725. O seu título completo é Die Ungleiche Heirat zwischen Vespetta und Pimpinone oder Das herrsch-süchtige Camer Mägden (O casamento desigual entre Vespetta e Pimpinone ou A dominante camareira). A obra está descrita como um Lustiges Zwischenspiel (Intermezzo cômico) em três partes. Telemann retoma o libreto que musicou Tommaso Albinoni quase vinte anos antes, através de uma versão em alemão para os recitativos, conservando para as árias o texto em italiano. Pimpinone teve muito êxito e marcou o caminho que seguiriam os intermezzi posteriores, em particular La serva padrona de Giovanni Battista Pergolesi. Esta ópera raras vezes se representa na atualidade; nas estatísticas do site Operabase aparece com somente 6 representações no período 2005-2010.

Mas ela é ótima e belamente interpretada neste CD. O que Reiner Süß faz na faixa 17 não é normal. A trama é simples: Vespetta, a empregada, ganha a confiança do seu chefe, o velho Pimpinone, para que se case com ela. Uma vez casados, a natureza mordaz dela (o nome Vespetta significa “pequena vespa”) domina completamente o marido. Só há dois personagens nesta mini-ópera.

Georg Philipp Telemann (1681-1767): Pimpinone

1 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel I 3:43
2 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel II 1:53
3 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel III 3:55
4 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel IV 2:39
5 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel V 3:18
6 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel VI 1:42
7 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel VII 2:47
8 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel VIII 0:31
9 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel IX 1:24
10 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel X 1:53
11 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XI 2:18
12 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XII 1:43
13 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XIII 2:29
14 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XIV 1:22
15 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XV 5:19
16 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XVI 2:01
17 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XVII 3:04
18 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XVIII 1:50
19 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XIX 1:29
20 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XX 0:52
21 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XXI 4:12
22 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XXII 1:20
23 Pimpinone, oder Die ungleiche Heirat, oder Die herrschsüchtige Cammer-Mädgen deel XXIII 4:06

Erna Roscher
Reiner Süß
Staatskapelle Berlin
Helmut Koch

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PQP

Georg Friedrich Händel (1685 – 1759): Oratorio La Resurrezione – Les Musiciens du Louvre, dir. Marc Minkowski – 1996

Oratorio Sacro La Resurrezione

Georg Friedrich Händel
Alemanha, 1685 – Inglaterra, 1759

Les Musiciens du Louvre
dir. Marc Minkowski

1996

Foi Ruspoli quem encomendou o segundo oratório de Handel, La Resurrezione, que recebeu sua primeira apresentação no palácio de Ruspoli em Roma no domingo de Páscoa de 1708, com uma apresentação repetida no dia seguinte. O oratório foi apresentado como uma peça de acompanhamento para (e sem dúvida de alguma forma em competição com) um oratório da Paixão de Alessandro Scarlatti, realizado na quarta-feira anterior no palácio de outro importante padroeiro romano, o cardeal Ottoboni.

Ottoboni escreveu o texto do oratório da paixão; o texto de La Resurrezione era de Carlo Sigismondo Capece (1652-1728), poeta da corte da rainha Maria Casimira da Polônia, que vivia exilada em Roma. O título completo, como dado no libreto, era Oratorio Per Risurtione di Nostro Signor Giesit Cristo: Ruspoli tinha 1500 cópias do texto impresso para as apresentações… mais, no encarte.

As faixas da peça podem ser encontradas aqui.

Oratorio Sacro La Resurrezione -1996

Georg Friedrich Händel
Les Musiciens du Louvre, dir. Marc Minkowski

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Avicenna

J.S. Bach (1685-1750) pelo Grande Órgão e Fanfarra da catedral de Nôtre Dame (1962)

Eu não diria que este é um grande disco, mas sim que é suficientemente significativo para ser compartilhado e ouvido nesta semana de paixão/passio/passamento não só de Jesus, segundo a tradição tantas vezes e tão brilhantemente musicada por J.S. Bach, como também desse edifício de tantos sentidos atribuídos que é a catedral de Nôtre Dame de Paris.

Lançado na França em 1962 – bem antes, portanto, da ascensão do movimento de interpretação historicamente informada – o Bach de Pierre Cochereau e Armand Birnbaum soa às vezes estupidamente bombástico, às vezes efetivamente impressionante ou sinceramente comovente (caso, em especial, dos dois solos do trompetista Maurice André – faixas A03 e B03). Obviamente não cabe aí nem pensar no adjetivo “autêntico” –

… mas tampouco caberia usar a palavra “autêntico” para a própria Nôtre Dame – tantas vezes “depenada” e reformada que talvez o que conhecemos se deva mais ao arquiteto Eugène Viollet-le-Duc, em meados do século XIX, que aos seus criadores originais dos séculos XII e XIII.

O fato é que as reformas arquitetônicas e realizações musicais ditas inautênticas são elas mesmas parte da História tanto quanto as ditas autênticas… Dificilmente alguém que vai a Paris deixaria de visitar a Nôtre Dame por “inautêntica” – então talvez ainda valha a pena ouvir este disco, no mínimo para ouvirmos como certos músicos de destaque numa das principais “capitais culturais” do mundo eram capazes de interpretar o barroco de Bach em meados do século XX…

E não fiquem com vergonha se chegarem a gostar: ego, Ranulfus Monacus, vos absolvo!

“Grandes Órgão e Fanfarras na Notre Dame: Johann Sebastian Bach”

Regente da Fanfarra: Armand Birnbaum
Trompete solo: Maurice André (1933-2012)
Órgão: Pierre Cochereau (1924-1984)

Gravação PHILIPS (vinil)
França: 1962. Brasil: 1970

FAIXAS (títulos em português conforme a capa do disco)

A01 Jesus bleibet meine Freude (da Cantata 147)
……(Jesus, alegria dos homens)
A02 Wir glauben all’ an einem Gott (BWV 680)
……(Nós todos cremos todos em um só Deus)
A03 Herzlich tut mich verlangen (BWV 727)
……(Ardentemente eu aspiro a um fim feliz)
A04 Nun freut euch, lieben Christen g’mein (BWV 388)
……(Rejubilai-vos, cristãos amados)
A05 Gottes Sohn ist kommen (BWV 318)
……(O filho de Deus chegou)
A06 Ach Herr lass dein lieb Engelein (Johannespassion BVW 245)
……(Coral final da Paixão segundo São João)

B01 Sinfonie der Kantate Nr 29 “Wir danken Dir, Gott)
……(Sinfonia da Cantata nº 29 “Nós vos agradecemos, Deus”)
B02 Aus tiefer Not ruf’ ich zu Dir
……(Do fundo de minha desgraça venho a vós, Senhor)
B03 Erbarm’ dich mein, o Herre Gott (BWV 305)
……(Tende piedade de mim, oh Senhor Deus)

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Ranulfus

Franz Schubert (1797-1828): Piano Trios Nos. 1 & 2 / Arpeggione Sonata / Nocturne for Piano Trio

Franz Schubert (1797-1828): Piano Trios Nos. 1 & 2 / Arpeggione Sonata / Nocturne for Piano Trio

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Que repertório! Que repertório! Que repertório! Este CD duplo oferece quatro obras-primas da Schubert em notáveis performances. Nos trios, a liderança musical vem do piano, mas isso não é um problema quando o pianista é um schubertiano tão experiente quanto Schiff e os outros dois músicos têm tanta personalidade e empatia. Eles decididamente formam um conjunto. Embora haja outras excelentes gravações, esta é especial. O som é muito realista e equilibrado e os intérpretes têm coisas a nos dizer a respeito de Franz. Eles sabem o que Franz fez no verão passado. Ou há muitos verões. Tudo é bom aqui, mas o destaque fica para as melhores obras — os dois Trios. O Trio Nº 2 é tocado com seu final completo recentemente restaurado, uma vantagem.

Franz Schubert (1797-1828): Piano Trios Nos. 1 & 2 / Arpeggione Sonata / Nocturne for Piano Trio

Disc: 1
1. Sonata In A Minor D 821 ‘Arpeggione’: Allegro Moderato
2. Sonata In A Minor D 821 ‘Arpeggione’: Adagio
3. Sonata In A Minor D 821 ‘Arpeggione’: Allegretto
4. Piano Trio In B Flat Major D 898 Op. 99: Allegro Moderato
5. Piano Trio In B Flat Major D 898 Op. 99: Andante Un Poco Mosso
6. Piano Trio In B Flat Major D 898 Op. 99: Scherzo: Allegro – Trio
7. Piano Trio In B Flat Major D 898 Op. 99: Rondo: Allegro Vivace

Disc: 2
1. Piano Trio Movement In E Flat Major D 897 Op. 148 ‘Notturno’: Adagio
2. Piano Trio In E Flat Major D 929 Op. 100: Allegro
3. Piano Trio In E Flat Major D 929 Op. 100: Andante Con Moto
4. Piano Trio In E Flat Major D 929 Op. 100: Scherznado : Allegro Moderato
5. Piano Trio In E Flat Major D 929 Op. 100: Allegro Moderato

Cello – Miklós Perényi
Piano – András Schiff
Violin – Yuuko Shiokawa

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PQP

Ludwig van Beethoven (1770-1827) – Sonata No. 18 in E Flat, Op. 31 No. 3, Rondos, Trios, etc – Sviatoslav Richter, Borodin Quartet

Vamos continuar nossa saga de apresentar os grandes músicos do passado, e trazer um russo que olha, o cara não era fraco não… já contei aqui uma pequena anedota: quando Emil Gilels veio se apresentar nos Estados Unidos pela primeira vez foi muito elogiado. Seu comentário então foi : ‘se vocês acham que eu toco muito deveriam ouvir meu amigo, Sviatoslav Richter. Esse é o cara !!’

Essa coleção da DECCA se intitula “Richter The Master”, e tem diversos volumes. Aleatóriamente, escolhi este aqui, também dedicado a Beethoven. Uma informação importante: estas gravações aqui são bem mais recentes que aquelas que eu trouxe anteriormente dos Arturs… são quarenta anos que as separam, pois estas aqui foram registradas ao vivo com o grande pianista russo já adentrado nos setenta e tantos anos, ali em 1986. É também sabido que a memória já o vinha traindo, por isso se utilizava das partituras em suas apresentações. Mas isso não tira o mérito. Identificamos aqui um músico em seu apogeu, dono e conhecedor de seus talentos, e profundo conhecedor daquilo que está tocando. Eu contei que é tudo ao vivo? Com direito a tosses, ranger de cadeiras, etc? É mais emocionante assim, né?

CD 1

01. Sonata No. 18 in E Flat, Op. 31 No. 3 – 1. Allegro
02. Sonata No. 18 in E Flat, Op. 31 No. 3 – 2. Scherzo. Allegretto vivace
03. Sonata No. 18 in E Flat, Op. 31 No. 3 – 3. Menuetto. Moderato e grazioso
04. Sonata No. 18 in E Flat, Op. 31 No. 3 – 4. Presto con fuoco
05. Rondo in C, Op. 51 No. 1
06. Rondo in G, Op. 51 No. 2
07. Sonata No. 28 in A, Op. 101 – 1. Etwas lebhaft und mit der innigsten Empfindu
08. Sonata No. 28 in A, Op. 101 – 2. Lebhaft, marschmassig. Vivace alla marcia
09. Sonata No. 28 in A, Op. 101 – 3. Langsam und sehnsuchtsvoll. Adagio ma non tr
10. Sonata No. 28 in A, Op. 101 – 4. Geschwind, doch nicht zu sehr, und mit Entsc

Sviatoslav Richter – Piano

CD 1 BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

CD 2

01. Piano Trio No. 7 in B flat, Op. 97 ‘Archduke’ – 1. Allegro moderato
02. Piano Trio No. 7 in B flat, Op. 97 ‘Archduke’ – 2. Scherzo. Allegro
03. Piano Trio No. 7 in B flat, Op. 97 ‘Archduke’ – 3. Andante cantabile, ma pero
04. Piano Trio No. 7 in B flat, Op. 97 ‘Archduke’ – 4. Allegro moderato

Sviatoslav Richter – Piano
Members of Borodin Quartet:
Mikhail Kopelmann – Piano
Valentin Berlinsky – Cello

05. Quintet in E flat, Op. 16 – 1. Grave – Allegro ma non troppo
06. Quintet in E flat, Op. 16 – 2. Andante cantabile
07. Quintet in E flat, Op. 16 – 3. Rondo. Allegro, ma non troppo

Members of the Quintette Moragués
David Walter – Oboe
Pascal Moragués – Clarinet
Pierre Moragués – Horn
Patrick Vilaire – Basson

CD 2 BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

Beethoven (1770-1827): Sinfonia No. 6, Op. 68 – Pastoral – Leningrad PO & Evgeny Mravinsky

Beethoven (1770-1827): Sinfonia No. 6, Op. 68 – Pastoral – Leningrad PO & Evgeny Mravinsky

Beethoven 

Pastoral

Há tempos não ouvia a Pastoral e quando este CD cruzou o meu caminho, não hesitei, saltei-lhe em cima.

Eu sabia desta gravação desde quando havia lido em uma revista especializada em som e aparelhos eletrônicos um artigo sobre portable players. Alguém se lembra do Walkman Sony? Pois então, o autor do artigo colocou esta Pastoral num destes aparelhinhos e foi dar uma volta na Beethovenhaus, em Bonn. Chique, não? Morri de inveja.

Quando o CD chegou, você pode imaginar o meu estado de antecipação – como será a gravação (ao vivo)? Barulhos estranhos (tosses cavernosas e outras coisas estranhas) assombram várias gravações ao vivo oriundas dos setores russos. E a interpretação? Mravinsky e sua orquestra são lendários, mas…

Bem, sosseguem, realmente é uma ótima Pastoral, vocês poderão experimentar por si próprios. No entanto, vale a pena notar algumas coisas. Mravinsky não faz a repetição indicada na partitura, no primeiro movimento, que ainda assim leva pouco menos do que dez minutos. Ou seja, esta Pastoral não vai correndo como a maioria das apresentadas por grupos de instrumentos de época (ou orientados pelo movimento HIP – historically informed performance), mas flui com majestade e não se arrasta, o que, para mim, é fundamental. Chamou-me a atenção em toda a performance como os diferentes grupos de instrumentos – sopros, madeiras, cordas – têm sua proeminência, seu destaque. Oboés e fagotes!

A tempestade é ameaçadora suficiente e a festa final é de contentamento, mas sem faltar a devida vitalidade. Realmente, uma gravação que merece destaque, como um revelador retrato de um grande regente em ação.

Evgeny Mravinsky, em momento de puro dleite com a Pastoral…

O livreto conta histórias ótimas. O depoimento de Lev Markitz, violinista e maestro, revela parte da relação do grande regente com a orquestra que dirigiu por cinquenta anos. Segundo ele, Mavrinsky era um tremendo tirano. Todos na orquestra tinham medo dele. Quando o maestro chegava em frente ao prédio da orquestra para os ensaios (que eram muitos e longos) ouviam-se aos sussurros – fozduch – que significa algo como abriguem-se, inimigo à vista!

Mravinsky demandava muitas horas de ensaios mesmo para peças que já havia tocado com a orquestra muitas vezes. Paradoxalmente, ele tinha uma certa fobia da apresentação pública e por diversas vezes foi substituído em um concerto preparado por ele por um dos seus maestros assistentes. Entre eles nomes hoje famosos, como Mariss Jansons, Neeme Järvi e Valerie Gergiev. Este último disse que, mesmo nestas ocasiões, não importava qual fosse o maestro no pódio, a influência do grande maestro estava sempre brilhantemente presente: ele está lá conosco, não importa quais sejam as nossas próprias ideias.

Ludwig van BEETHOVEN (1770 – 1827)

Sinfonia No. 6 em fá maior, Op. 68  “Pastoral”

  1. Allegro ma non troppo
  2. Andante molto mosso
  3. Allegro
  4. Allegro
  5. Allegretto

Leningrad Philharmonic Orchestra

Evgeny MRAVINSKY

Gravação ao vivo em 17 de outubro de 1982, no auditória da orquestra.

Na ripagem do disco em mp3 resolvi reunir em um único arquivo as três últimas faixas. A razão disto é que, apesar de três faixas, quando tocadas diretamente do CD, a música flui de um movimento para o outro, sem interrupção. Já o leitor de mp3 que uso (no carro, por exemplo) sempre faz uma pausa entre um arquivo e o outro e em tais situações, interrompe a música, coisa que acho bastante desagradável.  Desta forma, espero evitar as interrupções. Aguardo comentários dos leitores atentos.

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FLAC | 181 MB

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MP3 | 320 KBPS | 92 MB

Ludovico, dando uma volta, pensando naquelas harmonias…

Boa Pastoral para você também!

René Denon

Ludwig van Beethoven (1770-1827) – Piano Concerto nº3, Piano Sonatas nº 18 e 23 – Arthur Rubinstein, Arturo Toscanini, NBC Symphony Orchestra

Como sei que os senhores gostaram daqueles históricos registros do Artur Schnabel tocando Beethoven, resolvi fuçar no baú e encontrei esta outra preciosidade, e também trazendo dois gigantes do século XX, o outro Arthur, mas desta vez o Rubinstein, sendo dirigido por ninguém menos que Arturo Toscanini, o mítico maestro italiano. Esta gravação tem uma história interessante, que tentarei resumir abaixo.

O próprio Rubinstein sempre declarou que tinha um grande desejo de ser dirigido por Toscanini, porém suas agendas sempre eram incompatíveis. A ocasião apareceu quando ele foi convidado a tocar este Concerto de nº3 com o italiano, porém havia um problema: Ele tinha um recital de Chopin para apresentar no Carnegie Hall de noite. Mas conseguiram a façanha: ensaiaram o Concerto na parte da manhã, gravaram de tarde e duas horas após o término desta apresentação, ele foi para o Carnegie Hall cumprir seu contrato, com um repertório dedicado a Chopin. É ou não é coisa de gente grande? Ah, era sabido que Toscanini não gostava de tocar com músicos solistas, então o tal do ensaio foi bem complicado, pois o maestro não quis parar para corrigir detalhes, ou falhas. Eles tinham concepções diferentes relacionadas à obra, mas no momento da gravação, a genialidade de ambos tornou possível a presente gravação. O próprio Rubinstein a considera um dos melhores momentos de sua carreira discográfica.

Rubinstein, Toscanini, NBC Symphony Orchestra … fala sério, vocês nem vão levar muito em consideração que este registro foi realizado em 1944, né? Isso aconteceu há apenas setenta e cinco anos …

Ah, comparada com a gravação do outro Artur, o Schnabel, o trabalho dos engenheiros da RCA Victor, ou Sony nos dias de hoje, não foi lá grandes coisas, pois estão presentes aqueles típicos chiados das gravações antigas. Mas em se tratando de quem está tocando, isso soa como mero detalhe.

Preciso dizer que temos aqui um registro absolutamente IM-PER-DÍ-VEL ?

01. Concerto for Piano and Orchestra No. 3 in C minor, Opus 37_ I. Allegro con brio
02. Concerto for Piano and Orchestra No. 3 in C minor, Opus 37_ II. Largo
03. Concerto for Piano and Orchestra No. 3 in C minor, Opus 37_ III. Rondo. Allegro
04. Sonata for Piano No. 18 in E-flat major, Opus 31, No. 3_ I. Allegro
05. Sonata for Piano No. 18 in E-flat major, Opus 31, No. 3_ II. Scherzo_ Allegretto vivace
06. Sonata for Piano No. 18 in E-flat major, Opus 31, No. 3_ III. Menuetto_ Moderato e grazioso
07. Sonata for Piano No. 18 in E-flat major, Opus 31, No. 3_ IV. Presto con fuoco
08. Sonata for Piano No. 23 in F minor, Opus 57 ‘Appassionata’_ I. Allegro assai
09. Sonata for Piano No. 23 in F minor, Opus 57 ‘Appassionata’_ II. Andante con moto
10. Sonata for Piano No. 23 in F minor, Opus 57 ‘Appassionata’_ III. Allegro non troppo

Arthur Rubinstein – Piano
NBC Symphony Orchestra
Arturo Toscanini – Conductor

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Furio Franceschini (1880-1976): Obras para órgão

Furio Franceschini foi organista, compositor, regente e professor, nasceu em Roma, Itália, em 1880. Após estudar em Roma, Paris e Solesmes, chegou ao Rio de Janeiro em 1904, mas mudou-se para São Paulo, onde viveu até os 96 anos. Recusou em duas ocasiões o convite para suceder seu professor Filippo Capocci como mestre-de-capela na Basílica de São João de Latrão, em Roma. Mario de Andrade o considerava “um dos homens que mais conhecem música no Brasil”.

O uso da harmonia situa Fanceschini na continuação do uso da tonalidade expandida, recurso próprio da linguagem romântica. Para os meus ouvidos, as grandes pérolas deste CD são as pequenas obras, características do romantismo, como as grandes composições curtas para piano – miniaturas – de Chopin e Schumann ou, depois, de Dvorák, do Liszt idoso e de Debussy, que já não era romântico mas cultivou a miniatura. Por outro lado, a Sonata para Grande Órgão de Franceschini me parece menos interessante do que as grandes obras de Reger.

O caráter bucólico e colorido de As violetas, Flor-de-Lise e Interlúdio colocam essas obras no mesmo nível das miniaturas de Louis Vierne que estiveram aqui no PQP recentemente.

Franceschini foi organista da Sé de São Paulo e teve uma vida muito longa, presenciando várias correntes como o romantismo tardio, o nacionalismo musical, o auge do dodecafonismo e o Concílio Vaticano II. A seguir algumas citações sobre as relações de Franceschini com essas modas, ideias e sistemas:

Franceschini em carta para Camargo Guarnieri em 1950:
“Acho que o nacionalismo deve ser cultivado, sim, mas com moderação; de outra forma pode prejudicar a originalidade do compositor quanto a ideias, estilo, personalidade. Nem vejo também por que um artista não possa tirar proveito do que é “belo” mesmo quando colhido fora do próprio país.” Em seguida Franceschini critica o dodecafonismo, um “sistema de composição” que ele não tolera, e expressa sua opinião de que “o rumo a ser adotado pelos compositores seria o desenvolvimento da música modal.”

Fernando Lacerda Simões Duarte escreveu, em 2011:
Os órgãos eletrônicos e a grande mudança litúrgica resultante das interpretações do Concílio Vaticano II, de 1962, parecem ter contribuído, de forma rápida, para ampla extinção da atividade de construção de órgãos no Brasil. Dorotéa Kerr (2006) mostra que, dos 55 órgãos de tubos na cidade de São Paulo, 42 estão em igrejas católicas e desses, 35 foram construídos entre 1903 e 1964. Igualmente, na cidade do Rio de Janeiro, dos 40 órgãos, 27 foram construídos entre 1924 e 1965: 18 nacionais e 9 importados.

Fica claro como na América Latina, ao contrário da Europa e outros países, a interpretação dada ao Concílio Vaticano II levou à diminuição da construção e do uso do órgão. (…) A questão que se coloca então é: quais as consequências de se abrir mão de símbolos católicos e injetar na nova forma ritual significados não-católicos? A resposta parece óbvia: crise e perda de identidade.

Órgão Cavaillé-Coll em Buenos Aires, usado neste CD

As missas de Franceschini têm um grande potencial pedagógico para os grupos corais, mas são só para estes. (…) a execução litúrgica das missas ameaçaria a noção de que existe uma barreira cultural entre os fiéis e os códigos da cultura erudita; pelo contrário, seria uma aposta na capacidade dos fiéis de apreender códigos mais complexos. Se a prática coral poderia ser resgatada com as missas, também o órgão – hoje, instrumento silenciado na maioria das igrejas ou apenas destinado aos casamentos – seria resgatado.

Em resumo, a execução das missas de Fanceschini representaria o resgate de uma missão da Igreja – e de qualquer outra instituição que lide com algum público – que não está prevista em nenhuma bula: educar os fiéis em um sentido mais amplo, neste caso, o musical.

José Luís de Aquino interpreta Furio Franceschini
1. Fanfarra
2. Natal triste
3. Sonata em Lá Maior, para Grande Órgão: I. Moderato, Molto energico
4. Sonata em Lá Maior, para Grande Órgão: II. Andante
5. Sonata em Lá Maior, para Grande Órgão: III. Moderato, Solenne, Squillante
6. Pequeno Trecho para o tempo de Natal
7. As violetas
8. Flor-de-Lis
9. Fantasia sobre o tema gregoriano do Alleluia Pascal
10. Interlúdio
11. Variações sobre os temas dos hinos a Nossa Senhora Aparecida
Órgão Walcker (1954) do Mosteiro de São Bento, em São Paulo, Brasil – faixas nº 2, 8, 9 e 10.
Órgão Mutin Cavaillé-Coll (1912) da Basílica do Santíssimo Sacramento, em Buenos Aires, Argentina – faixas nº 1, 3 a 7 e 11.

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Órgão do Mosteiro de S. Bento, em SP

Pleyel

.:interlúdio:. Tom Jobim: Matita Perê

.:interlúdio:. Tom Jobim: Matita Perê

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Tom inventou Matita Perê e começou a gravá-lo no Rio. Não estava gostando do resultado. Achou que precisava de melhores músicos e maior qualidade de gravação.

(Ouvindo o disco, você logo entende que a exigência era enorme. O álbum alterna canções com música instrumental, indo com naturalidade do popular ao erudito).

Foi para Nova Iorque com os poucos brasucas que se salvaram da experiência carioca, bancou tudo do próprio bolso e fez um dos melhores álbuns de música brasileira de todos os tempos. Estava com 46 anos e tinha todo o prestígio e consideração do mundo.

Os temas escolhidos por Jobim para Matita Perê passam da leveza e doçura, das praias, barquinhos e garotas, para a natureza e lendas do um Brasil profundo, sertanejo. Ele compõe a partir de suas observações e da leitura de autores como Guimarães Rosa e dos poetas Carlos Drummond de Andrade e Mário Palmério.

Para o crítico musical Zuza Homem de Mello, “Matita Perê é um disco que pouco a pouco foi sendo compreendido, entendido e principalmente admirado. É um marco na carreira de Tom Jobim”.

A faixa de abertura traz aquele que se tornaria um dos maiores clássicos do compositor, Águas de março, cujo título foi retirado de poema de Olavo Bilac.

Já a faixa-título, uma suíte, cita o folclore e nasce de suas leituras, em especial do conto Duelo de Guimarães Rosa, que contou com a colaboração de Paulo César Pinheiro na letra.

Paulo César Pinheiro falou sobre a parceria: “O Tom me procurou, porque eu tinha uma música no Festival da Canção chamada Sagarana, parceria com o João de Aquino. Tom ouviu, ficou impressionado e me ligou dizendo que tinha ideias semelhantes àquelas”.

(Quando vocês se depararem com a próxima lista de Melhores Canções Brasileiras de Todos os Tempos, procurem por uma chamada Matita Perê. Se ela não estiver presente, abandonem a lista e falem mal do criador dela).

Matita Perê marca o início da temática ecológica na obra de Tom Jobim, que seguiria com força em discos como Urubu (1975), Terra Brasilis (1980) e Passarim (1987).

Ao mesmo tempo, evidencia-se o Jobim sinfônico, claramente influenciado por Villa Lobos, em faixas como Crônica da casa assassinada, baseada no romance de Lúcio Cardoso, outra suíte com quase 10 minutos de duração, feita para a trilha do filme de Paulo César Sarraceni.

Não deixe de ouvir. É falha grave desconhecer este disco.

Tom Jobim: Matita Perê

1 Águas de Março (Antônio Carlos Jobim) — 3:56
2 Ana Luiza (Antônio Carlos Jobim) — 5:26
3 Matita Perê (Antônio Carlos Jobim, letra de Paulo César Pinheiro) — 7:11
4 Tempo do Mar (Antônio Carlos Jobim) — 5:09
5 The Mantiqueira Range (Paulo Jobim) — 3:31
6 Crônica da Casa Assassinada (Antônio Carlos Jobim) — 9:58
a. “Trem Para Cordisburgo”
b. “Chora Coração” (letra de Vinícius de Moraes)
c. “Jardim Abandonado”
d. “Milagre e Palhaços”
7 Rancho nas Nuvens (Antônio Carlos Jobim) — 4:04
8 Nuvens Douradas (Antônio Carlos Jobim) — 3:16

Antônio Carlos Jobim – piano, violão e vocal
Claus Ogerman – arranjos (exceto faixa 3) e regência
Dori Caymmi – arranjo da faixa 3
João Palma – bateria e percussão
Airto Moreira – bateria e percussão
George Devens – percussão
Harry Lookousky – spalla
Frank Laico – engenharia de áudio
Ray Beckenstein – flautas e madeiras
Phil Bodner – flautas e madeiras
Jerry Dodgion – flautas e madeiras
Don Hammond – flautas e madeiras
Romeo Penque – flautas e madeiras
Urbie Green – trombone
Ron Carter – baixo
Richard Davis – baixo

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O maestro soberano Tom Jobim ao lado de seu herói literário, no lançamento do disco Matita Perê, em 1973

PQP (com Teca Lima)

Ludwig van Beethoven (1770-1827) – Sonatas nº 14, 15 e 16 – Artur Schnabel

Graças a tecnologia temos acesso a estes históricos registros de Artur Schnabel, para muitos críticos o maior pianista da primeira metade do século XX e um dos maiores intérpretes de Beethoven de todos os tempos. Esta caixa de onde tirei estes registros destas sonatas ainda tem Mozart, Schubert e Brahms.
São gravações realizadas entre 1933 e 1935,  e os os engenheiros de som fizeram um belo trabalho aqui, conseguido retirar aqueles ruídos característicos destas gravações antigas. Ou seja, temos aqui registros com mais de 80 anos de idade, olhem que beleza. E viva a tecnologia.
E com relação a interpretação? Bem, em se tratando de Beethoven, diria que Schnabel ajudou a pavimentar a estrada por onde vieram outros gigantes do século XX, como Rubinstein, Richter, Gilels, Kempff, para citar apenas alguns. Posso não concordar com algumas escolhas, e isso seria normal, afinal nossos ouvidos estão acostumados a outras possibilidades criadas pelos nomes acima citados, mas não seria maluco a ponto de dizer que são ultrapassadas, e que deveriam ficar cobertas pelas areias do tempo.
Se os senhores gostarem, trago o restante do material. Vale e muito a pena ouvir.

01. Klaviersonate Nr.14 in cis-moll op.27 Nr.2 ‘Mondschein’ I. Adagio sostenuto
02. Klaviersonate Nr.14 in cis-moll op.27 Nr.2 ‘Mondschein’ II. Allegretto & Trio
03. Klaviersonate Nr.14 in cis-moll op.27 Nr.2 ‘Mondschein’ III. Presto Agitato
04. Klaviersonate Nr.15 in D-Dur op.28 ”Pastorale’ I. Allegro
05. Klaviersonate Nr.15 in D-Dur op.28 ”Pastorale’ I. Andante
06. Klaviersonate Nr.15 in D-Dur op.28 ”Pastorale’ I. Scherzo (Allegro vivace)
07. Klaviersonate Nr.15 in D-Dur op.28 ”Pastorale’ IV. Rondo (Allegro ma non tro
08. Klaviersonate Nr.16 in G-Dur op.31 Nr.1, I. Allegro vivace
09. Klaviersonate Nr.16 in G-Dur op.31 Nr.1, II. Adagio grazioso
10. Klaviersonate Nr.16 in G-Dur op.31 Nr.1, III. Rondo (Allegretto)

Artur Schnabel – Piano

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The Winged Lion – Palladian Ensemble

The Winged Lion – Palladian Ensemble

The Winged Lion

Este é o segundo disco gravado pelo Palladian Ensemble para o selo Linn Records. O primeiro apresenta um retrato da música barroca inglesa na segunda metade do século XVII – An Excess of Pleasure.

Aqui temos um repertório de música barroca veneziana. O título do disco – The Winged Lion – refere-se ao Leão Alado, que representa o evangelista São Marco e é o símbolo da Sereníssima República de Veneza.

No início do Século XVII o poderio político de Veneza começa a declinar, mas seu esplendor cultural e artístico ainda se estenderá por muito tempo. A cidade é diferente de todas as outras cidades italianas e tem uma cultura bem especial, como o Carnaval de Veneza, por exemplo. Suas relações com o oriente ecoam também em sua música. O liberalismo da cidade recebeu fabricantes de instrumentos musicais e editores de música provenientes da Alemanha. As formas musicais que se perdurariam no período barroco, ainda estavam se formando.

O repertório do disco reflete esta diversidade. Há dois concertos de Vivaldi, uma sonata e algumas árias de Uccellini, peças de Dario Castello, Giovanni Battista Vitali e Francesco Turini. De Giovanni Battista Buonamente reuniu-se algumas danças formando uma suite. O disco tem ainda duas peças espanholas para guitarra, instrumento que era muito popular e largamente fabricado em Veneza. Muito útil para as serenatas…

Il Ridotto, de Pietro Longhi (1701 – 1785)

Deixemos as peças falarem por elas mesmo e aproveite um passeio por uma das mais belas cidades do mundo, pelo menos na imaginação.

Dario Castello (c. 1590 – c. 1658)

  1. Sonata Duodecima (Book II 1629)

Giovanni Battista Vitali (1632 – 1692)

  1. Ciaconna (Op. 7/3 1682)

Marco Uccellini (1603 – 1680)

  1. Sonata Quarto (Op. 5 1649)

Antonio Vivaldi (1676 – 1741)

Concerto in F major RV 100

  1. Allegro
  2. Untitled
  3. Allegro

Giovanni Battista Buonamente (c. 1595 – 1642)

Suite (Book III  1626)

  1. Gagliarda seconda
  2. Corrente terza e quarta
  3. Brando terza
  4. Avanti il Brando
  5. Brando Quarto

Francesco Cavalli (1607 – 1672)

  1. Canzon (Musiche Sacrae 1656)

Santiago de Murcia (1673 – 1739)

  1. El Amor (Poema Harmonico 1691)
  2. La Jota (Saldivar Codex c. 1700)

Francesco Turini (1589 – 1656)

  1. Sonata a tre (1642)

Antonio Vivaldi (1676 – 1741)

Concerto in D major RV 84

  1. Untitled
  2. Largo
  3. Allegro

Marco Uccellini (1603 – 1680)

  1. Aria undecima detta il “Caporal Simon”
  2. Aria decimaquarta sopra “la mia pedrina”
  3. Aria decimaquinta sopra “le scatola da gli agghi”

 

Palladian Ensemble

Pamela Thorby, flautas doce

Rachel Podger, violino

Joanna Levine, viola da gamba, violoncelo, violone

William Carter, tiorba, guitarra

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FLAC | 283 MB

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MP3 | 155 MB

Baixe o disco e, como diziam os editores venezianos:

Viver Felice!

René Denon

Sirba Orchestra! Russian, Klezmer & Gypsy Music

Em 2003, o violinista Richard Schmoucler apostou na criação de um conjunto intermediário entre o academismo clássico e a música de Klezmer e Gipsy: o Octeto de Sirba. Ele uniu forças com cinco de seus amigos músicos da Orquestra de Paris e da Orquestra Nacional de França, bem como um pianista, um tradicional percussionista e com Cyrille Lehn, que se tornou o arranjador inseparável do conjunto. Seu fundador originalmente não tinha a vontade de transmitir, mas propunha programas musicais relacionados às suas memórias de infância e reuniões familiares durante as quais a música iídiche e cigana criava laços de amor e alegria no ritmo de danças e melodias.
Seu patrimônio oral e intangível de música popular do leste europeu que seus pais e avós o transmitiram seria a fonte de inspiração de Richard Schmoucler ao longo de seus processos de concepção musical para o Octeto de Sirba. Para os músicos, é um encontro entre o Oral e
Tradição escrita, uma mistura de música clássica e mundial, que define o conjunto em um universo sem precedentes: o da música clássica do mundo. Esta formação prestigiosa e virtuosa encontrou o seu público e encontrou sucesso muito rapidamente graças a uma grande energia contagiante. Um primeiro álbum, A ‘Yiddishe Mame’, foi lançado em 2005 pela Naïve Classique. Sirba então cruzou o caminho da cantora Isabelle Georges. Eles criaram um programa que une seus respectivos playgrounds musicais, entre repertórios musicais tradicionais e americanos. O álbum ‘Du Shtetl à New York’, lançado na Naïve Classics em 2009, originou-se deste encontro. Sua cumplicidade persistiu para uma criação orquestral e um terceiro álbum em 2010: ‘Yiddish Rhapsody’. Esta comissão mútua do Octeto de Sirba e da Orquestra de Pau / Pays de Béarn sob a batuta de Fayçal Karoui conheceu outras orquestras francesas e estrangeiras desde a sua origem e apresentações no Théâtre des Champs-Elysées em Paris, no Musikverein e no Japão.
Richard Schmoucler dedica-se incansavelmente ao repertório do Leste Europeu e escolheu honrar as músicas das danças tradicionais em um novo álbum intitulado ‘Tantz!’. Foi lançado pela primeira vez em 2015 no Dolce Volta, e reeditado pela Deutsche Grammophon em 2017. Em 2015, a amizade entre o Sirba Octet e a Orquestra de Pau / Pays de Béarn levou-os a criar um novo programa: Sirba Orchestra! o coração das melodias russas, romenas e moldavas e as tradições Ashkenazi. Sirba Octet convidou Nicolas Kedroff e seu instrumento mágico da Rússia, a balalaica, para sublimar alguns números.
Um caminho sem fronteiras com múltiplos tons, festivo, melancólico ou apaixonado. Um cabaré russo que celebra canções de amor – Otchi Tchornye (Olhos escuros), Ja Vstretil vas (eu conheci você) ou Kalinka – e seu indispensáveis romances agradáveis ​​como Cocher ralentis tes chevaux ou Katioucha – uma jovem apaixonada por um soldado que estava de serviço para defender sua terra natal … Numerosas histórias de vida e emoções se acumulando ao redor da peça orquestral central de Yidish Gayen zay em shvartze Reien, uma canção do gueto tanto iluminante e profundamente em movimento. Atraídos das canções folclóricas judaicas que fizeram as Barry Sisters, Sirba Octet reinterpreta Zug e Meir Noch Amool (Tell Me One More Time) e, assim, estabelece uma ponte musical em uma sensação de Jazz do Yiddish 50. O Octeto de Sirba, a orquestra e a balalaica respondem sucessivamente e naturalmente deslizam para o repertório de cabaret russo cigano – notavelmente com a famosa canção Valenki (Felt Boots), escrita por ciganos nômades – e danças tradicionais romenas ou moldavas – Tata vine pastele ( Papai, a Páscoa está chegando!) E a Suite de Moldavie, uma mistura de Doinas, canções que se originaram entre pastores.
Esse rico programa feito de contos, um projeto musical surpreendente para três solistas, ganhou vida com Sirba Octet e graças ao talento da Orquestra Filarmônica Royal de Liège, dirigido por Christian Arming e Nicolas Kedroff … antes da próxima jornada musical da Orquestra Sirba com outros conjuntos sinfônicos.

1 – Katioucha Otchi Tchornye
2 – Valenki
3 – Cocher, ralentis tes chevaux
4 – Tata, vine pastele
5 – Kalinka
6 – Farges mikh nit Zug es Meir Noch Amool
7 – Le temps du muguet
8 – Ya Vstretil Vas
9 – Gayen zay in shvartze Reien
10 – Hora Moldoveneasca Theme des Lautarii De la Cluj la Chisinau
11 – Azol Tanzmen
12 – Dos Broitele A Vaible a Tsnien
13 – Suite de Moldavie Jelea din Bosanci (doïna) Hora din Granicesti Sirba Lui Nutu

Richard Schmoucler Violon
Laurent Manaud-Pallas Violon
David Gaillard Alto
Claude Giron Violoncelle
Bernard Cazauran Contrebasse
Philippe Berrod Clarinette
Christophe Henry Piano
Iurie Morar Cymbalum
Nicolas Kedroff Invité spécial / Special guest / Ehrengast Balalaïka / Balalaika / Balalaika

Orchestre Philharmonique Royal de Liège
Christian Arming

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Zóltan Kodály (1882-1967): Sonata, Op. 8 for solo cello / Sonatina / 9 Epigrams

Zóltan Kodály (1882-1967): Sonata, Op. 8 for solo cello / Sonatina / 9 Epigrams

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Kodály fundou, juntamente com seu amigo ainda mais talentoso Béla Bartók, a etnomusicologia. Grande pesquisador, enorme compositor, parece ter sido melhor ainda como professor, tendo inventado o Método Kodály de ensino de música. Assim como Bartók, Kodály foi um intelectual que sabia aplicar sua cultura. E isto pode ser ouvido neste excelente CD. Todos os trabalhos apresentados são de grande originalidade de forma e conteúdo, verdadeiros resumos da tradição da composição clássica, romântica, impressionista e modernista do início do século XX, com profundo respeito pelas tradições folclóricas húngaras, eslovacas, búlgaras, albanesas e de outros países do leste europeu. A Sonata Op. 8 para Violoncelo Solo é maravilhosa. Curiosamente, em seu terceiro movimento, tem momentos que parecem música nordestina. Há vários bordões que lembram repentes. O Adágio que fecha o CD é outra pérola na interpretação de Natalie Clein, a qual é um capítulo à parte. A inglesa Clein (1977) não é apenas linda, é uma virtuose de som consistente, cheio, insinuante e, até diria, invasivo. É um prazer caminhar na rua com ela nos ouvidos. A gente esquece da política brasileira. Um belo CD da Hyperion!

Clein, Natalie Clein, com C.
Clein, Natalie Clein, com C.

Zóltan Kodály (1882-1967): Sonata, Op. 8 for solo cello / Sonatina / 9 Epigrams

01. Sonata, Op. 8 for solo cello – I. Allegro maestoso ma appassionato
02. Sonata, Op. 8 for solo cello – II. Adagio
03. Sonata, Op. 8 for solo cello – III. Allegro molto vivace

04. Sonatina

05. 9 Epigrams – No 1 Lento
06. 9 Epigrams – No 2
07. 9 Epigrams – No 3
08. 9 Epigrams – No 4 Moderato
09. 9 Epigrams – No 5 Allegretto
10. 9 Epigrams – No 6 Andantino
11. 9 Epigrams – No 7 Con Moto
12. 9 Epigrams – No 8
13. 9 Epigrams – No 9

14. Romance Lyrique

15. Adagio

Natalie Clein, cello
Julius Drake, piano

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Sentado à esquerda, Bartók. De barba, com prováveis partituras na mão, Kodály.
Sentado à esquerda, Bartók. De barba, com prováveis partituras na mão, Kodály.

PQP

Christoph Schneider – Spectrum – Werke von Beethoven, Weber, Debussy, Berg & Schneider

“Spectrum – uma grande variedade. Este é o termo que melhor descreve a intenção do meu CD de estréia. Assim como minha vida musical com músico de orquestra e músico de câmara, solista e professor inclui uma variedade de diferentes facetas, a música para essa gravação foi deliberadamente escolhida para refletir a vasta gama de literatura de clarinete e riqueza de expressão que é possível neste maravilhoso instrumento. Em latim, no entanto, “espectro” também significa algo como “concepção” ou “imagem na alma” – também se pode falar de inspiração. Um espírito imanente que guia tanto compositores como intérpretes e que, à sua maneira, dá vida a todas as obras deste CD, conectando-as como um fio comum.”

Assim o jovem clarinetista Christoph Schneider apresenta seu CD de estréia. O jovem virtuose escolheu um belo e variado repertório para mostrar seus talentos, incluindo ai uma obra de sua própria autoria. Vale a audição exatamente pelo excepcional músico que Schneider é, o que pode ser observado já na primeira obra, uma peça de Carl Maria von Weber, compositor que escreveu diversas peças para o instrumento, inclusive dois concertos.

Carl Maria von Weber (1786–1826)
Grand Duo concertant op. 48 Es-Dur für Klarinette und Klavier (1815/16)
01 Allegro con fuoco
02 Andante con moto
03 Rondo. Allegro

Alban Berg (1885–1935) Vier Stücke op. 5 für Klarinette und Klavier (1913)

04 Mäßig
05 Sehr langsam
06 Sehr rasch
07 Langsam

Ludwig van Beethoven (1770–1827) Sonate F-Dur op. 24 für Violine und Klavier (1800/01)
Fassung für Klarinette und Klavier von Christoph Schneider

08 Allegro
09 Adagio molto espressivo
10 Scherzo. Allegro molto
11 Rondo. Allegro ma non troppo

Christoph Schneider (*1989)
12 Konstrukt I – Thema und Variationen für Klarinette solo (2015)

Claude Debussy (1862–1918)
13 Première Rhapsodie für Klarinette und Klavier (1909/10)

Christoph Schneider, Klarinette
Yuliya Balabicheva, Klavier

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Girolamo Frescobaldi (1583-1643): Arie e Canzone

Girolamo Frescobaldi (1583-1643): Arie e Canzone

Um disco apenas bom, apesar das presenças de um extraordinário elenco: Savall, Figueras, Koopman, Coin…

Frescobaldi foi cantor e virtuoso de diversos instrumentos, entre os quais o órgão. São famosos os seus livros de tocatas publicados entre 1615 e 1627, em cujo prefácio antecipa a maneira de tocar com efeitos cantáveis que será, depois, típica do gênero.

Tendo-se transferido a Roma durante a juventude, frequentou a Accademia Nazionale di Santa Cecilia e foi organista na igreja de Santa Maria em Trastevere. Durante vinte anos foi organista em São Pedro. Teve cinco filhos de Orsola del Pino, com quem se casou em 1613.

Depois de um desanimador e breve período junto do duque de Mântua, transferiu-se em 1628 com a família para Florença. Aí publicou (1630) duas seleções de árias: o e o 2° Livros de  árias musicais para serem cantadas no Gravecembalo e Tiorba em uma, duas ou três vozes.

O seu Primeiro livro dos madrigais a cinco vozes tinha sido publicado em Antuérpia em 1608; Frescobaldi havia seguido, em Bruxelas (na época, um importante centro de estudo de cravo), o núncio pontifício em Flandres, Guido Bentivoglio.

Tendo voltado a Roma em 1634, retomou o seu lugar em São Pedro. No ano seguinte publicou em Veneza, Fiori musicali, Kyrie, Canzoni, Capricci e Ricercari in partitura a quattro.

Entre as suas obras vocais é digno de nota o seu Livro segundo de diversas modulações a uma, duas, três e quatro vozes.

Girolamo Frescobaldi (1583-1643): Arie e Canzone

A
1 Canzona detta la Nicolina
2 Canzona detta la Todeschina
3 Toccata
4 La mia pallida faccia (aria a voce sola)
5 Maddalena alla Croce (sonetto spirituale)
6 Così mi disprezzate? (aria di passacaglia)
7 Canzona detta la Diodat
8 Canzona detta la Sardin

B
1 Canzona detta la Bernardina
2 Canzona detta la Moricona
3 Ohimè, che fur, che sono (sonetto spirituale in stile recitativo)
4 Se l’aura spira tutta vezzosa (aria)
5 Dunque dovrò del puro servir mio (aria di romanesca)
6 Canzona detta la Bianchina
7 Canzona detta la Arnolfinia

Monserrat Figueras, soprano
Ton Koopman, organ and harpsichord
Jordi Savall, viols
Bruce Dickey, Jean-Pierre Canihac, cornetts
Christophe Coin, bass violin

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Frescobaldi: meio lombrosiano, né? Não sei se eu emprestaria meu cachorro para ele passear.

PQP

J. S. Bach (1685-1750): English Suites 2 & 3 / D. Scarlatti (1685-1757) 4 Sonatas – Ivo Pogorelich, piano

J. S. Bach (1685-1750): English Suites 2 & 3 / D. Scarlatti (1685-1757) 4 Sonatas – Ivo Pogorelich, piano

J. S. Bach – Suítes Inglesas Nos. 2 & 3

D. Scarlatti – Quatro Sonatas

 

O ano era 1989 e o inverno do Meio-Oeste Americano, próximo ao Lago Michigan, implacável. Eu passava os dias em um escritório minúsculo, sem janelas, sentado em uma espartana cadeira, estudando certos grupos de K-teoria não finitamente gerados. Mas não estava sozinho submetido a tão rigoroso regime – dividia o minúsculo escritório com um enorme croata com eterna cara de garoto, olhos pequenos e curiosíssimos por trás de óculos metidos em uma armação grande e de resina escura, típicas da Europa Ocidental. Ele tornou-se um amigo para a vida inteira e trocamos muitas informações. Com ele aprendi que a Iugoslávia, que estava prestes a deixar de existir como tal, era na verdade formada por vários países, diferentes etnias e credos. Aprendi também que há croatas e sérvios.

Esta é a capa da última edição, com um Pogorelich mais jovial. Ele já não está mais assim, acredite…

Ele, também amante da boa música, falou-me do BMG Direct, um clube de venda de CDs pelo correio, meio como o nosso Clube do Livro. E mais (como ouvimos nas propagandas do Polishop), ao aderir ao clube ganhava-se um ou outro CD de brinde – coisa de americanos, que são uns bambas no marketing. Imaginem o que era isso para nós, que vivíamos de bolas de estudo, duríssimos como cocos. Meu primeiro CD foi uma revelação, uma epifania, tornei-me addicted ao Piano-Bach. Claro, o escritório encheu-se de confabulações, qual CD pedir, até que Žarko mencionou o Bach interpretado pelo Pogorelich. Pogorelič, ele me explicou, mas o danado do acento não havia nos teclados americanos. Pogorelich que era filho de um croata com uma sérvia – Capuleti e Montecchi.

Meu CD americano, que chegou pelo correio (ainda sinto um frêmito cada vez que chego em casa e imagino que haverá uma caixinha de papelão entregue pelo correio com um ou outro CDzinho), não existe mais, morreu oxidado. Mas sua imagem continua gravada na minha mente (d’àpres Manuel Bandeira) e há outra cópia de uma nova edição na prateleira de CDs queridos, acrescentada de quatro lindíssimas sonatas de Scarlatti. Ah, Piano-Scarlatti é outra das minhas manias, mas sobre isso, depois.

João Sebastião Ribeiro

Que dizer da música? Bach é metade já andada e as Suítes Francesas, Suítes Inglesas, as Partitas – fontes inesgotáveis de prazer. Aqui temos duas Suítes Inglesas, as de No. 2 e de No. 3. No CD caberia mais uma, é claro, mas este CD foi gravado ainda na transição do LP para CD e, então, uma suíte para cada lado. Nesta edição a distribuidora acrescentou quatro sonatas de Domenico Scarlatti, de um outro disco impecável do Pogorelich, que espero postar em propícia ocasião.

Domingos Escarlate

Sobre a interpretação, veja o que disse um crítico da revista Diapason, especializada em música: …claridade inebriante, trabalho de um joalheiro…uma interpretação prazeirosa e cheia de vivacidade… [De Scarlatti]: As quatro sonatas são a expressão de uma arte de piano de sombras e de luzes, não há como ser mais sofisticado.

As Suítes Inglesas foram gravadas em 1985 na Salle de Musique, Le Chaux de Fonds, Suíça.

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)

English Suite No.2 In A Minor, BWV 807

  1. Prélude
  2. Allemande
  3. Courante
  4. Sarabande
  5. Bourrée I & II
  6. Gigue

English Suite No.3 In G Minor, BWV 808

  1. Prélude
  2. Allemande
  3. Courante
  4. Sarabande
  5. Gavotte
  6. Gigue

Domenico Scarlatti

  1. Sonata em mi maior, K. 380 – Andante comodo
  2. Sonata em si menor, K. 87 – Andante
  3. Sonata em sol menor, K. 450 – Allegrissimo
  4. Sonata em mi maior, K. 135 – Allegro

Ivo Pogorelich, piano

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FLAC | 269 MB

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MP3 | 320 KBPS | 174 MB

Com essa bola toda, posso colar o selo de IM-PER-DÍ-VEL e desejar uma ótima audição!

Vá em frente e aproveite!

René Denon

An Excess of Pleasure – Palladian Ensemble

An Excess of Pleasure – Palladian Ensemble

An Excess of Pleasure

As peças deste disquinho adorável, produzido em 1996, seguem um modelo que floresceu no início do século XVII, na Itália. Dois instrumentos melódicos com o acompanhamento do baixo contínuo – estamos em pleno período barroco. A combinação mais comum era de dois violinos como instrumentos melódicos, mas aqui temos um violino e uma flauta doce.

O repertório escolhido pelo (então) jovem grupo de instrumentalistas é de peças de compositores ingleses ou italianos que viveram na Inglaterra ou que tiveram suas músicas publicadas e ouvidas ali.

A maior parte delas é uma composição sobre um ground bass (basso ostinato, em italiano), que é um pequeno padrão melódico recorrente, tocado pelos instrumentos que fazem o baixo.

Marco Uccellini

A lindíssima Aria Sopra la Bergamasca, de Uccelini, que nunca esteve na Inglaterra, é um bom exemplo.

Nicola Matteis viajou da Itália para a Inglaterra a pé, com sua rabeca às costas. Presumo que ele tenha usado algum tipo de embarcação para cruzar o Canal da Mancha. Matteis tocava violino e guitarra e fez muito sucesso em Londres, por volta de 1670. O sucesso, no entanto, aparentemente lhe custou caro. O relato deixado por Roger North conta que excess of pleasure threw him into a dropsie, and he became very poor. Para entender o que lhe sucedeu basta saber que dropsie significa hidropsia.

Outro italiano do disco é Biaggio Marini, um virtuose do violino, como vários outros italianos. Originário de Brescia, ocupou postos em vários países, mas terminou seus dias em Veneza, onde conviveu com músicos da Catedral de São Marcos, Monteverdi entre eles.

Francesco Geminiani é de uma geração posterior a Marini e estudou com Alessandro Scarlatti (pai do Domenico) e Corelli, entre outros. Em 1714 visitou a Inglaterra, caindo nas graças do Conde de Essex e acabou se estabelecendo. São famosos seus arranjos das Sonatas para Violino Op. 5, de Corelli, para o formato de Concerto Grosso.

Vista de Londres por volta de 1700 (Robert Griffier) mostrando a Catedral de São Paulo e Velha Ponte de Londres
Henry Purcell

Completam o disco peças dos ingleses Matthew Locke, Christopher Simpson, John Blow e o mais famoso deles, Henry Purcell. Veja a opinião deste último sobre este tipo de composição: Composing upon a Ground is a very easie thing to do and requires but little Judgement. Sei, bom senso, não é, Henry?

Chamo a atenção para a violinista do Palladian Ensemble, que na capa do disco aparece timidamente segurando o seu instrumento, trajando um vestido verde turquesa – Rachel Podger, hoje uma referência para amantes da música barroca.

O selo Linn Records foi criado pela companhia do mesmo nome (Linn Hi-Fi), que produz aparelhos de som de altíssima qualidade. A produção é de Lindsay Pell e o local de gravação, Rosslyn Hill Chapel, Hampstead, é famosíssimo para os amantes da boa música gravada.

O excesso de prazer, que aparentemente foi o caminho da perdição para o Matteis, caiu esplendidamente para o título do disco, realmente muito prazeroso. A Aria sopra la Bergamasca, do Uccellini, vai grudar em você como chiclete no seu sapato.

Marco Uccellini (1603 – 1680)

1.Aria quinta sopra la Bergamasca

Nicola Matteis (1650 – 1714)

2. Aria spagnuola a due corde (from Ayres for the Violin)

3. Diverse bizzarie Sopra la Vecchia Sarabanda o pur Ciaccona

Matthew Locke (1621 -1677)

Broken Consort in D

4. Pavan

5. Ayre

6. Galliard

7. Ayre

8. Saraband

Christopher Simpson (1605 – 1669)

9. Divisions on John Come Kiss me Now

John Blow (1649 – 1708)

Sonata in A

10. Slow

11. (untitled)

12. Brisk

Biagio Marini (c. 1587 – 1663)

13. Sonata

Anonymous

14. Ciaconna

Francesco Geminiani (1687 – 1762)

15. Auld Bob Morrice

16. Lady Ann Bothwet’s Lament

17. Sleepy Body

Nicola Matteis (1650 – 1714)

18. Adamento con divisione (from Ayres for the Violin)

19. Aria (from Ayres for the Violin)

20. Grave (from Ayres for the Violin)

21. Ground in D, la sol re per fa la mano (from Ayres for the Violin)

Henry Purcell (1659 – 1695)

22. Two in one upon a ground

Nicola Matteis (1650 – 1714)

23. Bizzarie all’imor Scozzeze (Ground after the Scotch Humour)

 

Palladian Ensemble

Pamela Thorby, flautas doce

Rachel Podger, violino

Joanna Levine, viola da gamba, violoncelo, violone

William Carter, tiorba, guitarra

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FLAC | 295 MB

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MP3 | 320 KBPS | 151 MB

Este disco contém um excesso de prazer… Aproveite!

René Denon

Hummel / Haydn / Torelli / Neruda: Concertos para Trompete

Hummel / Haydn / Torelli / Neruda: Concertos para Trompete

A inglesa Alison Balsom é um show. E este CD é uma preciosidade, pois, desde a célebre gravação de Wynthon Marsalis, não tínhamos um registro tão bom dos concertos para trompete de Hummel e Haydn, talvez os melhores do gênero. A orquestra também é ótima. Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen acompanha Balsom com muito mais que dignidade. A habilidade fantástica de Balsom cria belos fraseados com timbres e articulações coerentes com o repertório.

Para velhinhos como eu, reouvir estes concertos é um renovado deleite, mas, sei lá, talvez os jovens pequepianos ainda os desconheçam. Bem, são muito bons, viram?

Hummel / Haydn / Torelli / Neruda: Concertos para Trompete

Trumpet Concerto In E Flat
Composed By – Johann Nepomuk Hummel
1 Ⅰ. Allegro Con Spirito 9:25
2 Ⅱ. Andante 4:45
3 Ⅲ. Rondo 3:40

Trumpet Concerto In E Flat Hob.Ⅶ E:Ⅰ
Composed By – Joseph Haydn
4 Ⅰ. Allegro 6:37
5 Ⅱ. Andante 3:31
6 Ⅲ. Finale: Allegro 4:35

Trumpet Concerto In D
Composed By – Giuseppe Torelli
7 Ⅰ. Allegro 2:00
8 Ⅱ. Adagio – Presto – Adagio 2:18
9 Ⅲ. Allegro 1:33

Trumpet Concerto In E Flat
Composed By – Jan Křtitel Jiří Neruda*
10 Ⅰ. Allegro 5:13
11 Ⅱ. Largo 4:34
12 Ⅲ. Vivace 4:35

Trumpet – Alison Balsom
Orchestra – Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen

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Alison Balsom, uma virtuose em instrumento -- hahahaha -- "masculino"
Alison Balsom, uma virtuose em instrumento — hahahaha — “masculino”

PQP

Buxtehude (c.1637 – 1707): La Capricciosa – Suites and Variations for Harpsichord – Mitzi Meyerson

Buxtehude (c.1637 – 1707): La Capricciosa – Suites and Variations for Harpsichord – Mitzi Meyerson
A capa traz um Rembrandt! Quer mais?

Dietrich Buxtehude (c.1637 – 1707)

Música para Cravo

No outono (europeu) de 1705, um jovem de vinte anos empreendeu uma viagem muito especial. Saiu de Arnstadt, onde era organista na Neuekirche, e caminhou 378 km até Lübeck, para visitar Dietrich Buxtehude, então o mais famoso organista e compositor conhecido, pelo menos onde hoje chamamos Alemanha.

O visitante era Johann Sebastian Bach, que partira de Arnstadt com uma licença de quatro semanas, mas permaneceu afastado por quatro meses, convivendo com Buxtehude. Na volta para casa, ele teve de lidar com as reclamações do conselho que dirigia a igreja e era responsável pelo seu emprego, mas a viagem valera a pena.

Vista de Lübeck, com destaque para Marienkirche

Buxtehude era organista e responsável pela música da Marienkirche desde 1668. Ele havia sucedido a Franz Tunder, que iniciara uma tradição a qual Buxtehude deu continuidade – Abendmusik – (Concertos Noturnos). Durante o período no qual Buxtehude foi o responsável pela direção desses concertos, eles se davam nas noites dos cinco domingos que precediam o Natal. Esses concertos no ano de 1705 devem ter sido definitivamente especiais. Bach certamente tomou parte deles. Tocava-se música para órgão e também música coral e com orquestra.

Na volta para casa Bach levou consigo cópias de muitas peças de Buxtehude. Entre elas a partitura da principal peça desta postagem, a Partite diverse sopra un’Aria d’Invenzione detta “La Capricciosa. Esta peça é um arquétipo das Variações Goldberg e merece ser conhecida e apreciada por seus próprios méritos. Consiste de uma série de 32 variações (Partitas) sobre La Bergamasca. Bergamasca é uma dança rústica (de Bérgamo) muito popular entre os compositores barrocos. Marco Ucellini tem uma peça simplesmente encantadora chamada Aria sopra La Bergamasca e certamente aparecerá por aqui um dia desses. Voltando à peça do Buxtehude, cada variação tem duas seções, que são repetidas imediatamente. A inventividade do compositor é muito grande e certamente abriu caminho para o atento Johann Sebastian.

Dietrich Buxtehude

Bach era um potencial sucessor de Buxtehude, quando o visitou. Este contava com 68 anos e já buscava alguém para substituí-lo há algum tempo. Mas, segundo a tradição, o pacote incluía a mão da filha mais velha do sucedido. O próprio Buxtehude cumprira a tradição ao casar-se com uma filha de Franz Tunder. O emprego já havia sido recusado, dois anos antes, por Handel e por Johann Mattheson. Bach preferiu voltar para Arnstadt onde, além de um conselho de revoltados paroquianos, o esperava também uma jovem chamada Bárbara.

Esta gravação, feita pela cravista de Chicago, Mitzi Meyerson, é prima. O selo, Gaudeamus, ramo da ASV (Academy Sound & Vision) inglesa, dedicado à música barroca, é excelente. Excelente também é a produção do disco, aos cuidados de Nicholas Parker. Mitzi também foi a cravista do Trio Sonnerie, que gravou discos memoráveis neste selo. Mas, ao ouvir o disco, calibre bem o volume. Não coloque muito baixo, mas também não exagere. Cravos são instrumentos deveras perigosos, especialmente perto da meia-noite.

Completam o disco quatro suítes de danças, que também devem ter influenciado o patrono aqui da casa. Mas o disco vale mesmo pelas Variações Caprichosas sobre a Bergamasca. Você verá que até Bach tinha uma coisa ou outra para aprender com seus antecessores.

Dietrich Buxtehude (c. 1637 – 1707)

  1. La Capricciosa: Partite Diverse Sopra Una Aria D’inventione (Bux WV 250)

  2. Suite VII em ré menor (Bux WV 234)

  3. Suite XIX em lá maior (Bux WV 236)

  4. Suite XI em mi menor (Bux WV 236)

  5. Suite V em dó maior (Bux WV 230)

Mitzi Meyerson, cravo

 

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MP3 | 320 KBPS | 123 MB

Mitzi vai tocar La Capricciosa, basta baixar! Aproveite!

René Denon

Franz Schubert (1797-1828): Quinteto “A Truta” / Clara Schumann (1819-1896): Trio Op. 17

Franz Schubert (1797-1828): Quinteto “A Truta” / Clara Schumann (1819-1896): Trio Op. 17

IM-PER-DÍ-VEL !!!

O Quinteto “A Truta”, de Schubert dispensa apresentações. É lindo! O Beaux Arts idem. Por isso, demos mais espaço a uma rápida biografia de Clara Schumann, uma talentosa compositora e pianista, muito mais fora do repertório habitual. Ela foi importante não apenas por si mesma como por suas relações com Robert Schumann, Brahms, Chopin e pelas célebres inimizades. Seu Trio também é muito bom.

Clara Schumann, nascida Clara Josephine Wieck foi uma pianista e compositora alemã. Foi casada com o também compositor Robert Schumann.

Desde muito jovem, aprendeu a técnica do piano com seu pai, Friedrich Wieck. A mãe, Marianne, era uma excelente musicista e dava concertos. Quando Clara tinha 4 anos, os pais se divorciaram, com Friedrich ganhando a custódia da menina. Aos 5, Clara começou a ter lições de piano mediante a disciplina rígida do pai.

A partir dos 13 anos desenvolveu uma brilhante carreira pianística, apresentando-se em vários palcos pela Europa. Destacou-se não só por isso, mas também pela performance de compositores românticos da época, como Chopin e Carl Maria Von Weber.

Na adolescência iniciou um romance com Robert Schumann que na época era aluno de seu pai. Ao tomar conhecimento da ligação de Robert e Clara, Wieck ficou furioso, pois Robert tinha problemas com a bebida, o fumo e crises depressivas. Preocupado com o futuro da filha, proibiu a relação. A consequência foi uma longa batalha judicial, em que, após um ano de litígio, Schumann conseguiu a permissão para desposar Clara, após ela completar 21 anos.

Depois do casamento, Clara e Robert começaram uma longa colaboração, ele compondo e ela interpretando e divulgando suas composições. Clara continuou a compor, mas a vida em comum era complicada, pois ela foi forçada a parar a carreira por diversos períodos, devido às 8 gestações e, apesar de Schumann aparentemente encorajar sua criação musical, ela abdicou muitas vezes de sua carreira como compositora para promover a do marido.

A situação era agravada por várias diferenças entre o casal: Clara adorava turnês, Robert as odiava; ele precisava de silêncio e tranquilidade para praticar, o que significa que Clara ficava em segundo plano, pois somente após o estudos do marido ela poderia ter suas horas de estudo.

Outro problema eram as constantes crises nervosas do marido, que fizeram Clara assumir as responsabilidades familiares sozinha. A pior crise de sua vida aconteceu quando Schumann entrou em depressão crônica, o que obrigou a família a interná-lo num manicômio, onde ficou por dois anos, até a morte. Após 14 anos de casamento, Clara ficou sozinha com os filhos, tendo que dar aulas e apresentações para sustentar a família.

A partir daí, ela ficou livre para compor e dar concertos, e sua carreira finalmente se desenvolveu. A amizade com Johannes Brahms foi o principal sustentáculo nesse período, o que deu margem a fofocas de que os dois teriam um romance. Foram anos de colaboração mútua, já que os dois artistas eram defensores ferrenhos da estética romântica ligada a um padrão mais formal, e opositores de Wagner e Liszt. A amizade durou até o final da vida de Clara.

Ao mesmo tempo, Clara trabalhou intensamente na divulgação da obra do ex-marido e, toda vez que se apresentava, fazia-o vestida de preto, por ser viúva.

Durante certo período, Clara sofreu de uma síndrome de dor crônica, atribuída aos excessos de treinos na tentativa de executar as obras orquestrais de Brahms. O tratamento realizado à época foi bem sucedido e Clara pode continuar sua carreira. Os últimos anos da compositora foram marcados por uma brilhante carreira como professora e o reconhecimento como concertista.

Franz Schubert (1797-1828): Quinteto “A Truta” / Clara Schumann (1819-1896): Trio Op. 17

Schubert
Piano Quintet In A, Op. 114 D.667 “The Trout”
1 Allegro Vivace
2 Andante
3 Scherzo (Presto)
4 Andantino (Tema Con Variazioni)
5 Finale (Allegro Giusto)
Beaux Arts Trio
Samuel Rhodes
Georg Hörtnagel

Clara Schumann
Klaviertrio G-moll, Op. 17
6 Allegro Moderato
7 Scherzo (Tempo Di Menuetto)
8 Andante
9 Allegretto
Beaux Arts Trio

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A raridade aqui é Clara Schumann, né?

PQP

Gustav Mahler (1860-1911): Sinfonia No. 9 – Sinfonieorchester des Südwestfunks, Baden-Baden – Michael Gielen

Gustav Mahler (1860-1911): Sinfonia No. 9 – Sinfonieorchester des Südwestfunks, Baden-Baden – Michael Gielen

Em memória de Michael Gielen

(* 20/07/1927  –  † 08/03/2019)

Michael Gielen nasceu em uma família de artistas, em Dresden. A família mudou-se em 1940 para Buenos Aires, onde ele cresceu em meio a uma elite de músicos ali exilados. Estudou piano com Erwin Leuchter, que fora assistente de Anton Weber (talvez venha daí seu interesse constante por composição e por música de seu próprio tempo) e ouviu um enorme repertório de ópera regido por Fritz Busch. Trabalhou no Teatro Colón como acompanhante nos ensaios, onde teve contato com artistas como Kirsten Flagstad, Erich Kleiber e Wilhelm Furtwängler.

Retornou para a Europa em 1950 onde assumiu vários cargos como diretor de ópera e de orquestra. Entre estas posições destacam-se a de Diretor da Geral de Música da Ópera de Frankfurt e regente da Sinfonieorchester des Südwestfunks, Baden-Baden. Como esta orquestra era subsidiada pela Rádio Estatal Alemã, pode promover música de seu próprio tempo. Também com esta orquestra deixou registro de vários ciclos de sinfonias, entre eles de Mahler e de Beethoven.

Mahler – Sinfonia No. 9

Michael Gielen, pedindo calma aos trompetes…

A ideia de morte perpassa toda a obra de Mahler, mas há uma convergência no caso desta sinfonia, composta nos verões (europeus) de 1908 e 1909. Em 1907 Mahler teve que lidar com duas catástrofes pessoais – a morte de sua filha Maria Anna Mahler, de apenas quatro anos, e o diagnóstico de sua doença cardíaca. Coloque tudo isto junto com o fato de que ele estaria escrevendo sua nona sinfonia. Ele que já havia evitado este número chamando sua obra anterior de canção – Das Lied von der Erde, obra na qual a brevidade da vida humana é colocada em oposição à natureza, que ficará para sempre (ewig).

Eu sei que colocando assim, você pode achar que vai encontrar uma música dilacerante, angustiada, como um bando de carpideiras… Não é exatamente isso. A peça demanda sim, muita atenção do ouvinte, mas a ideia geral é de aceitação, de transcendência.

Mahler, que já havia levado o modelo de sinfonia aos extremos com sua oitava, a Sinfonia dos Mil, aqui retorna ao padrão de quatro movimentos e uma peça puramente orquestral. Mas, a ordem dos movimentos é menos usual. O primeiro e o último são enormes movimentos lentos: Andante comodo e um Adagio. Estes fazem a moldura de dois outros movimentos mais curtos.

A primeira vez que ouvi esta sinfonia foi um bootleg, um CD italiano com uma gravação pirata com Klemperer regendo não sei mais qual orquestra. Ainda me lembro do impacto causado pelo primeiro movimento, que me soa como uma enorme desconstrução. A música quase para, levanta-se, segue, terrível. Os quatro ou cinco últimos minutos são especialmente tocantes. Veja o que disse deste movimento, um crítico, logo após a première (regida por Bruno Walter): Se alguém deseja aprender a chorar, deveria ouvir o primeiro movimento desta sinfonia, a grande, maravilhosa canção do adeus para sempre.

Parece fácil, depois de ensaiar tudinho…

No segundo movimento temos uma das marcas registradas de Mahler, ritmos de danças rústicas. No caso, Ländler, dança austríaca, entrecortada por uma valsa. Mas estas danças são aquelas que ninguém que dançar. Não deixe de notar a orquestração, muitas trompas e outros sopros. A ironia que permeia este movimento segue no próximo, um Rondó Burlesco. Depois deste tempestuoso conflito musical (cheio de contraponto e alguma selvageria), o Adagio final. A resolução de tudo que foi proposto pelos movimentos anteriores se dá neste imenso movimento que não termina, mas se dissolve. Transição entre a desolação do adeus para a transcendência posterior. Mais ou menos isso, segundo Bruno Walter.

Apesar de tudo, música composta só se realiza quando é executada. Ao longo destes mais de cem anos que a sinfonia vem sendo executada (sua première foi em 26 de junho de 1912, sob a regência de Bruno Walter), diferentes gerçaões de músicos e regentes têm dado sua interpretação desta monumental e significativa sinfonia, passando por Haitink, Bernstein, Karajan e, mais recentemente, Rattle e Dudamel. Mas hoje, as homenagens são para Michael Gielen (1927 – 2019).

Gustav Mahler (1860 – 1911)

Sinfonia No. 9, em ré maior

  1. Andante comodo
  2. Im Tempo eines gemächlichen Ländlers. Etwas täppisch und sehr derb
  3. Rondo-Burleske: Allegro assai. Sehr trotzig
  4. Sehr langsam und noch zurückhaltend

Sinfonieorchester des Südwestfunks Baden-Baden

Michael Gielen

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Aproveite!

René Denon

W.A. Mozart (1756-1791): Complete Piano Variations (4 CDs)

W.A. Mozart (1756-1791): Complete Piano Variations (4 CDs)

Esta pequena caixa de CDs contém obras muito desiguais. Algumas peças são boníssimas e outras talvez sejam encomendas feitas por pianistas iniciantes, tal a simplicidade. Porém, trata-se de um repertório quase inexplorado e a sacada da Bis e do pianista Brautigam em realizar a série tem enormes méritos. Afinal, a fluência de ideias, a beleza e a lógica inerente à escrita para piano são admiráveis em Mozart. Brautigam usa um fortepiano Paul McNulty (modelado a partir de um após um Anton-Gabriel Walter de 1795).

Se você ama Mozart de paixão, este repertório raríssimo é imperdível…

Mozart: Complete Piano Variations (4 CDs)

CD 1
1. 12 Variations In C Major On “Ah, Vous Dirai-Je Maman”
2. 8 Variations In G-Major On “Laat Ons Juichen, Batavieren!” (Christian Ernst Graaf)
3. 12 Variations In B-Flat Major On An Allegretto
4. 12 Variations In E-Flat Major On “La Belle Françoise”
5. 6 Variations In F Major On “Salve Tu, Domine” (From Paisello, I Filosofi Immaginarii)
6. Praeludium (Modulating F Major – E Minor)
7. Rondo In A Minor

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CD 2
1. 10 Variations En G Majeur
2. Ouverture : Ouverture
3. Ouverture : Allemande
4. Ouverture : Courante
5. Kleiner Trauermarch In E-Moll: Marche Funebre Del Sig.R Maestro Contrapunto
6. Acht Variationen In F-Dur
7. Zwölf Variationen In C-Dur
8. Clavierstück In F-Dur
9. Fantastic Fragment In D-Moll

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CD 3
1. 8 Variations in F major on ‘Ein Weib ist das herrlichste Ding’, K.613
2. Praludium in C major, K.284a
3. Praludium (Fantasie) und Fuge in C major, K.394 – I. Prelude
4. Praludium (Fantasie) und Fuge in C major, K.394 – II. Fugue
5. 12 Variations in E-flat major on a Romance ‘Je suis Lindor’, K.354
6. Gigue in G major, K.574
7. Adagio in B minor, K.540

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CD 4
1. Neun Variationed in D-Dur, K.573
2. Sechs Variationed in G-Dur, K.180
3. Neun Variationed in C-Dur, K.264
4. Thema in F-Dur mit funf Variationen, K.Anh 138a
5. Sieben Variationed in D-Dur, K.25
6. Zwei Variationed in A-Dur, K.460
7. Rondo in D-Dur, K.485

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Ronald Brautigam, pianoforte

Ronald Brautigam, o holandês que enfrentou todo este repertório raro de Mozart
Ronald Brautigam, o holandês que enfrentou todo este repertório raro de Mozart

PQP

Louis Vierne (1870-1937): 24 peças de fantasia

Louis Braille (1809-1852) foi o educador francês que criou o sistema braille de leitura para cegos, usado até hoje. O que pouca gente sabe é que Braille também foi organista, fazendo parte de uma longa tradição de organistas cegos que veio desde o Renascimento com o espanhol Antonio de Cabezón e incluiria também os franceses Louis Vierne e Gaston Litaize, o alemão Helmut Walcha e, mais recentemente, os americanos Ray Charles (órgão elétrico) e Stevie Wonder (sintetizador).

Louis Vierne, na verdade, enxergava um pouco, principalmente luzes embaçadas, ao que parece, e é curioso que ele tenha composto obras tão evocativas de momentos do dia e luminosidade como algumas das suas 24 peças de fantasia: Étoile du soir (estrela da noite), Hymne au soleil (hino ao sol), Clair de lune (Luar). Assim como Gabriel Fauré, Vierne compôs Noturnos para piano de aparência simples, mas que “demandam do intérprete uma poesia interior, uma busca de si mesmo, uma tradução de aspirações inconscientes, de afinidades obscuras” (cito uma crítica de 1926 no jornal francês Le Ménestrel).

Me parece que a mesma observação pode ser feita sobre a música de Vierne para órgão: não é tão virtuosa quanto a de Widor, Dupré ou Messiaen, mas é de um romantismo tardio em que pode-se perceber várias emoções, muitas vezes sombrias e saudosas, na mesma linha dos românticos Frédéric Chopin e Guillaume Lekeu.

Se restar alguma dúvida de que se trata de um romântico, fica a lista de poetas que ele musicou em chansons: Victor Hugo, Gautier, Baudelaire, Verlaine…

As 24 peças também incluem a obra mais tocada até hoje de Vierne, o carrilhão de Westminster, baseado no famoso tema que todos já ouviram no cinema, na igreja ou em caixinha de música.

Louis Vierne (1870-1937): 24 peças de fantasia, para órgão
CD 1
Pièces de fantaisie – Suíte nº 1, Op. 51 (1926)
1. Prélude
2. Andantino
3. Caprice
4. Intermezzo
5. Requiem aeternam
6. Marche nuptiale

Pièces de fantaisie – Suíte nº 3, Op. 54 (1927)
7. Dédicace
8. Impromptu
9. Étoile Du Soir
10. Fantômes
11. Sur le Rhin
12. Carillon de Westminster

CD 2
Pièces de fantaisie – Suíte nº 2, Op. 53 (1926)
1. Lamento
2. Sicilienne
3. Hymne au soleil
4. Feux follets
5. Clair de lune
6. Toccata

Pièces de fantaisie – Suíte nº 4, Op. 55 (1927)
7. Aubade
8. Résignation
9. Cathédrales
10. Naïades
11. Gargouilles et Chimères
12. Les cloches de Hinckey

Ben van Oosten
Órgão Cavaillé-Coll (1890) da Abadia Saint-Ouen, Rouen, França

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A fachada do órgão de Saint Ouen

Pleyel