Guia de Gravações Comparadas PQP – Beethoven: Symphony no.6 in F major op.68 ‘Pastorale’

Sim, precisamos falar sobre a Pastoral.

É uma questão importante, urgente, até. Considero esta a mais difícil das sinfonias de Beethoven em termos de categorização histórica. É uma sinfonia clássica com antecipações românticas, mas também é uma sinfonia já romântica em espírito, porém clássica em forma. Seria uma obra atemporal que reivindica independência a uma classificação de estilo? Seja como for, permanece num limiar sutil entre a pura expressão sensível (quase um poema sinfônico) e a forma-sonata expandida. Entre tantas possibilidades, de certa forma algo contraditórias, mantém a Pastoral sua imponente beleza além de qualquer conflito de interpretação. Mas qual delas consegue traduzir de maneira mais plena seu espírito universal? Considero impossível haver um consenso, já que falamos de expressão sensível, mas aponto algumas gravações que entendo como referenciais para esta obra:

1.Bruno Walter, Columbia Symphony Orchestra CBS (1962)

Esta gravação já consagrada é sem dúvida uma das preferidas de público e crítica. É uma leitura sincera e espontânea, que prima pelas harmonias sutis das mudanças de tom, e preserva a orquestração clássica original, quase camerística. Um fato inusitado para a época. Walter capta o estilo bucólico sem preconceitos estilísticos, e essa honestidade de propósitos se configura numa Pastoral de universalidade emocional patente. O último movimento é de uma sutileza comovente.

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2.Herbert von Karajan, BPO DG (1962)

A contrapartida é a leitura de Karajan do mesmo ano 1962. Insípida e afetada, destoa das demais sinfonias gravadas neste ciclo também já clássico, que (re-)lançou a Filarmônica de Berlim como orquestra de excelência pelo mundo afora, depois do trauma da II Guerra. É uma interpretação bastante forçada, e muito pouco inspirada, trazendo o mesmo Beethoven titânico da V Sinfonia para esta, de caráter absolutamente diverso. Serve para estabelecer um termo de comparação bastante útil entre as leituras clássicas e românticas. A última versão da Pastoral gravada por Karajan em 1984 não é nem digna de estar neste post.

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3.Nikolaus Harnoncourt, The Chamber Orchestra of Europe TELDEC (1991)

No pioneiro auge das gravações que se pretendiam ‘históricas’ ou ‘de época’, Harnoncourt se mostra surpreendente. Na mesma pegada que outros maestros se aventuraram, notadamente John Eliot Gardiner e Christopher Hogwood, Harnoncourt é o que consegue melhor equilíbrio entre o clássico formal e o bucolismo romântico. Seus ritmos são notadamente clássicos, mas tem uma suavidade ambígua que o coloca num limiar bastante diverso de seus colegas. Gardiner e Hogwood são bem mais carregados de modismos estilísticos que se caracterizam pela leitura histórica, e Harnoncourt opta por deixar a música fluir. A Tempestade nos remete às fúrias de Gluck, e soa com ecos da tempestade e ímpeto que tanto mobilizaram os imediatos antecessores de Beethoven. É a gravação que melhor capta o que talvez teríamos escutado em sua época, combinado com as intenções descritivas pré-românticas do mestre.

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4.Karl Böhm, VPO DG (1971)

Böhm também pertence à tradição romântica alemã, da qual Karajan é seu representante mais famoso. Mas Böhm tem um diferencial: não foi diretamente afetado pela fama megalomaníaca, e se reserva por isso o direito de fazer uma leitura sincera. É um Beethoven romântico por excelência, mas nem por isso menos interessante. Pelo contrário, a sinceridade de Böhm nos contagia, deixando-nos acreditar que talvez Beethoven pudesse ser, na verdade, um romântico enrustido.

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5.Liszt Transcription – Cyprien Katsaris TELDEC (1981) 

Para quebrar a hegemonia, uma versão para piano. Esta gravação, feita em 1981 pelo pianista grego-francês Cyprien Katsaris foi, estranhamente, a primeira vez que se lançou a transcrição de Liszt. Não é uma versão qualquer, tem a marca de pelo menos dois gênios. Eu gosto muito porque realça as mudanças harmônicas que na orquestra ficam diluídas nos timbres. Aqui, a tonalidade fica em evidência, e percebe-se o quanto essa tal harmonia era cara a Beethoven. E nos mostra uma outra faceta curiosa: música boa é sempre boa, quer original ou transcrita.

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6.Kurt Masur, Gewandhausorchester Leipzig PHILIPS (1973)

Essa gravação eu conheci através da Enciclopédia Salvat dos Grandes Compositores, uma publicação espanhola que teve seus dias de glória no Brasil no final da década de 80. No início me parecia muito razoável, mas só depois que ouvi diversas outras versões (Bernstein-NYPhO, Abbado-VPO e as demais aqui descritas) é que me dei conta que é a leitura que melhor capta o clima de espírito pastoral, independente da abordagem de estilo. Andamentos suaves, dinâmica sutil, timbres bem delineados. Uma tempestade épica, um finale glorioso, faz parecer que todo o universo dança.

Ao lado da gravação de Bruno Walter, considero esta a verdadeira Pastoral. A gravação de Masur com a mesma Gewandhaus de Leipzig feita nos anos 90 não chega aos pés dessa. Confiram.

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CHUCRUTEN

Guia de Gravações Comparadas P.Q.P – Beethoven: Violin Concerto in D major Op.61

Sobre o Concerto para Violino de Beethoven, a melhor definição que encontrei foi a de Otto Maria Carpeaux: “É a única obra do gênero que Beethoven escreveu, mas ninguém duvida: é o maior Concerto para violino que existe, um dos pontos mais altos da eloquência beethoviana”. Apesar de não se poder tomar esta medida como absoluta, conheço muito pouca gente que discorda, ou que pelo menos não o coloque entre os 3 melhores do planeta.

Ao contrário de muita obras beethovianas, este concerto foi escrito com certa rapidez, e, prodigiosamente, no mesmo ano (1806) em que obras-primas como a Quarta Sinfonia e os Quartetos Rasumovsky. Nos cadernos de esboços onde se encontra a maior parte da gênese deste concerto ainda se encontram anotações para o que seria a Quinta Sinfonia e a Sonata para Violoncello op.69. Sem dúvida, um período de sensibilidade ímpar, em que erupções de inspiração jorraram à terra, através do artista, na forma do néctar dos arquétipos sonoros mais sublimes.

Existem várias lendas sobre sua estréia, feita a 23 de dezembro de 1806 pelo violinista cômico Franz Clement, que, ao que parece, fez pouco caso do Concerto (Há uma versão que diz que ele interrompeu o concerto para tocar uma peça frívola de sua própria autoria, e outra que conta que ele o estreou sem nenhum ensaio), tanto que o Concerto demorou para ser aceito pelo grande público. Apenas em 1844 esta obra-prima começou a ser reconhecida, quando foi tocada por Joseph Joachim, sob a regência de Schumann, num contexto romântico, que se encaixa muito mais no espírito da obra.

Assim, seguem algumas opções para a apreciação desta magnífica obra:

1.Jascha Heifetz, Charles Munch: Boston Symphony Orchestra RCA 1955

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Esta é uma das gravações mais cultuadas deste concerto, um “clássico” da discografia mundial, e também uma das experiências pioneiras na gravação estereofônica. Sem dúvida, para um registro de 1955, a sonoridade espanta, mas, claro, a vedete é Heifetz, uma lenda do violino talvez só comparável a Kreisler. Sua sonoridade é maciça, mas ao mesmo tempo suave e decidida, com articulações acima de qualquer comentário, e um fraseado de precisão rítmica incomparável. Mas seriam estas habilidades inegáveis suficientes para garantir a melhor das performances deste concerto? Bem, há controvérsias. Eu não gosto, por exemplo, dos tempos dos andamentos, muito rápidos e pouco reflexivos, para os requisitos espirituais desta obra. Munch, um maestro que tenho no mais elevado patamar de competência estética, é um mestre do romantismo, mas tenho dúvidas se ele conseguiu aqui traduzir todas as nuances de um compositor apaixonado, que parece ter sido o caso de Beethoven na época desta composição. É uma leitura que evoca muito pouco dos ecos românticos que Beethoven prenuncia, privilegiando o classicismo tardio. E Heifetz, sendo Heifetz, nunca iria dar o braço a torcer e tocar a Cadenza de seu arquirival Kreisler, e escolheu as cadências de Joachim e de Auer com pitadas de sua própria autoria, claro. De qualquer forma, é uma interpretação de referência que merece ser visitada. Vem de brinde o Concerto de Mendelssohn, que eu considero uma interpretação extraordinária e até melhor que a de Beethoven.

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2.Nigel Kennedy, Klaus Tennstedt: Symphonie-Orchester des NDR, EMI 1992

frontO único violinista não-judeu desta lista, é um inglês rebelde que flertava com a música pop e que se recusou a ser taxado de violinista clássico. Mas isso só aconteceu depois de uma gravação afortunada das Quatro Estações alcançar 2 milhões de cópias vendidas, a maior da história para esta obra. Famoso desde então, gravou os concertos de Brahms e de Beethoven (este), que considerou o auge de sua carreira clássica, e resolveu cortar o cabelo moicano e tocar jazz. E é exatamente essa vida atribulada e heterodoxa que acaba marcando esteticamente esta gravação: é a versão rebelde deste concerto (apesar de existir uma com Gidon Kremer tocando a cadência de Schnittke que, dizem, é pior), cheia de altos e baixos, de ritmos irregulares e variações de dinâmicas exageradas. Não deixa de ser uma versão interessante, pois é um Beethoven oposto do de Heifetz, sem a polidez e a elegância, mas com brilho e entusiasmo. Tennstedt, um maestro extraordinário, comprou muito bem o desafio, e ele mesmo tem uma visão bastante ousada dos tempos beethovianos. Apesar de ser uma gravação (ao vivo) que a princípio assusta (a cadência de Kennedy no último movimento é muito estranha), ela deixa o espaço necessário para a reflexão, e o resultado, espantosamente, acaba sendo equilibrado. Acompanha dois fragmentos de Bach no Bis. Versão para quem gosta de aventuras.

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3.Pinchas Zukerman, Daniel Barenboim: Chicago Symphony Orchestra DG 1977

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Zukerman é para mim um grande mistério. É um artista mediano, com uma sonoridade relativa e uma técnica nem sempre apurada. Por que razão ele é tão festejado, eis o mistério. Há muitos outros violinistas, melhores que ele, que não tem a mesma visibilidade. Confesso que gosto dele quando resolve tocar viola, mas ele preferiu a vida mundana e se rendeu à fama que o violino dá.
Zukerman gravou, poucos anos antes, as Sonatas para Violino e Viola de Brahms com Barenboim ao piano, e esta incursão se mostrou extremamente proveitosa, pois ambos estavam absolutamente à vontade, sem a pressão habitual dos produtores, e a música fluiu como néctar. Mas neste concerto, essa mágica não acontece. É bastante notório que ele está tímido e percebe-se o limite de sua técnica nos fraseados embolados, principalmente no final do Rondó. É, portanto, uma versão bem-comportada, mas que falta o brilho do violino em sua plenitude, e que tem ainda o freio de Barenboim para ajudar. Tem o mérito de ser uma versão honesta e sincera, que expõe os limites de Zukerman sem tentar mascarar nada. Vem de bônus as duas Romances para Violino, que Zukerman já consegue resultados bem mais convincentes, o que também ajuda a apreciar a gravação.

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4.Isaac Stern, Leonard Bernstein: New York Philharmonic SONY 1959

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Gosto muito desta versão, que envolve Bernstein e Stern em uma de suas suas fases criativas mais notáveis. Stern já era consagrado, e Bernstein, no auge de seus 34 anos, fazia um excelente trabalho em Nova York, levando música clássica ao público leigo com seus concertos comentados. Nesta fase, um Bernstein cheio de energia, conduz o Concerto com uma segurança incrível, contagiando até mesmo o experiente Stern com seu entusiasmo. Stern, um verdadeiro lorde, deixa espaço para Bernstein sem se anular, e esta gravação se configura como uma das mais harmônicas entre solista e regente que conheço. Não é uma leitura propriamente romântica, mas é brilhante e entusiasmada, e também não deixa de emocionar, pela notória comunhão entre os dois artistas que se reconheceram e se deixam envolver pelas virtudes um do outro. O bônus desta edição são algumas aberturas, sempre uma boa pedida.

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5.Shlomo Mintz, Giuseppe Sinopoli: Philharmonia Orchestra DG 1986

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Esta versão é para mim uma referência de qualidade, além de atestar como este concerto é versátil: nas mãos de Heifetz-Munch, ele é clássico, nas mãos de Mintz-Sinopoli, romântico. Mintz, acima de qualquer crítica, tem uma articulação primorosa, mas o que se destaca é a sustentação precisa das notas, pois Sinopoli imprime nesta gravação andamentos muito mais reflexivos, e os fraseados ficam mais longos. Esta, mais do que qualquer outra, é uma leitura contemplativa, que evoca o Beethoven romântico, cujos ecos que prenunciam a Pastoral são inegáveis. E a grande dificuldade de ir por este caminho, é justamente manter também um considerável domínio nas dinâmicas e nos ritmos, coisa que Sinopoli não desaponta e segura as rédeas com firmeza ímpar. Mintz acompanha em comunhão absoluta, tirando de cada tema uma emoção própria. Uma gravação que considero particularmente das mais bonitas deste concerto, e vem também com as Romances de brinde, sempre agradáveis. Excelente pedida.

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6.Itzhak Perlman, Carlo Maria Giulini: Philharmonia Orchestra EMI, 1981

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Consta nos anais da revista Gramophone que esta é a gravação dos sonhos deste concerto. Não é sempre que concordo com a revista, mas neste caso, devo dar o braço a torcer. Considero esta a versão mais límpida e equilibrada deste concerto. Perlman, como sabemos, é absolutamente irrepreensível, sem ser mecanicamente perfeito como Heifetz, e deixa a emoção dos fraseados à flor da pele. Sua articulação precisa, especialmente no Rondó, chega a arrepiar. É uma gravação que transpira emoção sem exagerar no romantismo, equilibrando como poucas a transição beethoviana entre a fluidez clássica e o devaneio romântico. E, conduzindo o cortejo orquestral, o mestre Giulini, regente de minha mais alta admiração. Consegue ser profundo sem ser afetado, revelar a densidade emocional com sutis variações dinâmicas, traduzir o intraduzível das sensações mais ocultas para a contemplação desta obra de arte. Perlman vibra na mesma frequência, e sentimos violino e orquestra um único corpo. Esta gravação não tem bônus, porque ela já é um.

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CHUCRUTEN

Guia de Gravações Comparadas P.Q.P. – Tchaikovsky: Symphony no.6 in B minor op.74 ‘Pathétique’

A última Sinfonia de Tchaikovsky é sua obra mais enigmática e também a mais dramática. Escrita entre 1892 e 1893 (estreada em outubro de 1893, uma semana antes de sua morte), é uma de suas derradeiras obras, permeada de histórias e lendas que a confirmam como um testamento autobiográfico musical de seu autor. Extremamente pessoal, é uma das sinfonias que, a despeito dos contrastes temáticos, a situam como uma espécie de canto do cisne do romantismo do século XIX. Apesar de ser um rigoroso crítico com tudo o que compunha, Tchaikovsky teve esta obra especificamente em alta conta, ao ponto de escrever: “Nunca na minha vida fiquei tão satisfeito comigo mesmo, nem tão orgulhoso, consciente de que fizera alguma coisa boa”. Tchaikovsky mesmo escreveu a seu irmão Modest (que, reza a lenda, deu o apelido de “Patética” à Sinfonia), nos seguintes termos: “É um enigma, que as pessoas têm que decifrar”.

Análises psicológicas da vida e da obra de Tchaikovsky apontam para uma obra em que finalmente ele tenha conseguido se expressar verdadeiramente em termos de angústias e tensões psíquicas, sem receios de ter seu orgulho ferido por uma rejeição pública (o que efetivamente aconteceu na estréia). Essa liberdade interior que ele desfrutou em seus últimos dias com certeza contribuíram para este resultado: uma sinfonia que alterna temas ultra-românticos cativantes com outros de dramaticidade épica, em contrastes tão densos que só um mestre da forma e da orquestração poderia transformar em uma obra artística sólida e perene.

Uma das histórias mais interessantes desta sinfonia é uma que conta parte do seu processo criativo, narrado por Robert Littel: “(…) uma noite, em 1892, quando viajava para Paris, ouviu na mente acordes que o fizeram chorar. Eram tão irresistíveis que em quatro dias ele tinha escrito o primeiro movimento de uma sinfonia e o restante, disse ele, estava claramente esboçado em seu espírito”. Esta é uma descrição (também) enigmática de uma inspiração, frequente e abundante na obra de Tchaikovsky, e que expõe sua sensibilidade incomum para estes fenômenos psíquicos.

De qualquer forma, a Sinfonia Patética é uma das grande obras musicais da humanidade, que soube como poucas traduzir a incrível contradição da experiência humana em termos estéticos, talvez como só Beethoven anteriormente tenha conseguido neste grau de sofisticação.

Como é uma obra imensamente gravada, aqui vão algumas leituras que considero icônicas desta Sinfonia:

1.Lorin Maazel, Cleveland Orchestra CBS 1982

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Esta é a versão genérica. Maazel não é propriamente um maestro que extrai densidades relevantes de suas leituras (apesar de haver exceções), e acaba sendo uma interpretação bastante irregular. Maazel já tinha gravado esta sinfonia antes com Viena na década de 60 pela DECCA, mas esta é ligeiramente superior, talvez pelo fato de Maazel estar mais à vontade, com quase 20 anos a mais de experiência desde a primeira gravação. Os andamentos são vigorosos, mas é preciso assinalar que se trata de uma leitura alternativa, com as dinâmicas artificialmente construídas e as passagens líricas ligeiramente forçadas. Lembra-nos o escárnio de Celibidache sobre Maazel: “é um moleque”. Cleveland responde muito bem à sua batuta, e, entre outras coisas, esta gravação se destaca pela simbiose aguçada entre maestro e orquestra. Não é de fato a gravação dos sonhos, mas é honesta em seus propósitos. E vale também pelo bônus, a Marcha Eslava e a 1812 (ótima na versão com coro), com a Filarmônica de Viena.

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2.Claudio Abbado, Chicago Symphony Orchestra SONY 1986

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Abbado é um menos genérico, mas também não chega a empolgar definitivamente. Apesar de ser uma leitura convincente, tem algumas particularidades que não gosto.As pratadas do 3o. movimento poderiam ser bem melhores, e seus momentos tensos e explosivos são mais contidos, e os momentos mais calmos são mais vigorosos. Essa inversão causa um estranhamento para quem já conhece a sinfonia por mãos mais habilitadas, e os contornos melódicos ficam um pouco prejudicados. Abbado já tinha, a exemplo de Maazel, gravado a Patética com Viena em 1974, pela Deutsche, mas é uma gravação que sofre do mesmo mal que a de Maazel: ele era muito mais jovem, menos experiente, e tentou, também como Maazel, causar boa impressão tentando dar profundidade emocional sem muita segurança. Nesta ele está bem mais desenvolto, e apesar de minhas críticas particulares, no final o resultado é muito convincente. Levando em conta as semelhanças, prefiro esta à de Maazel, apesar do bônus desta ser mais sovina, só com a Marcha Eslava.

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3.Sergiu Celibidache, Münchner Philharmoniker EMI 1992

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Agora sim estamos falando sério: esta é uma verdadeira interpretação, no melhor sentido do termo. Celibidache, famoso por ser totalmente avesso à indústria fonográfica, nunca deixou que suas gravações (todas ao vivo, algumas feitas sem que ele soubesse) fossem disponibilizadas comercialmente. Esta gravação, feita em 1992, só foi lançada em 1997, após a morte do maestro, numa série que procurava, com aval de seu filho, consagrar a grandeza de Celi.
Com efeito, é possível neste registro, primoroso, entender porque Celibidache é um mito da regência. Seus tempos mais lentos, ou mais reflexivos, abrem uma nova dimensão na escuta desta obra. É uma viagem a um novo universo, um Tchaikovsky desconhecido, transcendental. Sente-se a firmeza e a segurança na condução de toda a obra, revelando sua arquitetura sinfônica como uma grande catedral sonora, algo impensável sem a sensibilidade aguçada de Celi e a perfeita simbiose entre ele e sua querida Filarmônica de Munique. Com os contornos melódicos à flor da pele e uma vigorosidade rítmica ímpar, diria sem pudores que este registro é o melhor já feito, não fosse este também o mais heterodoxo. Apesar de ser altamente recomendável, é uma leitura para degustar com certa moderação, pois nunca se ouviu um Tchaikovsky como este, e pode até ser perigoso.

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4.Herbert von Karajan, Berliner Philharmoniker EMI 1972

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Agora, neste fórum de melômanos do PQP, tenho que confessar, humildemente, minha heresia (ou talvez blasfêmia) musical: sim, eu gosto de Karajan. Mas todo Karajan? Claro que não. O Karajan da DG é, com raríssimas exceções, pífio, um fast-food musical que desconsidera qualquer profundidade emocional relevante em suas leituras. Entretanto, por algum motivo, talvez místico, que eu realmente não sei explicar, tudo o que Karajan gravou em sua breve passagem pela EMI na década de 70 é incrivelmente superior, de um gosto apurado e de uma leitura realmente inspirada. Isso sem falar da sonoridade. Aparentemente, os engenheiros ingleses eram mais ousados que os alemães, e a Filarmônica de Berlim também se mostra mais espontânea e virtuosa em sua massa sonora do que em qualquer outra época. Não me perguntem por quê. Mas, no frigir dos ovos, por conta disso, esta gravação é uma das minhas preferidas: não apenas Karajan resolveu fazer direito, como a orquestra de Berlim está de tirar o fôlego. Este registro, de 1972, é a melhor Patética que Karajan fez em toda a sua vida.

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5.Evgeny Mravinsky, Leningrad Philharmonic DG 1960

tchaikovsky_symph456_mravinsky_smallNa década de 50-60, em plena guerra fria, a competição entre URSS e EUA não ficava apenas no plano político e tecnológico. Nas artes, era muito comum uma troca de provocações indiretas (ou mesmo diretas), à superioridade estética de entidades ou artistas de cada um dos lados. E, por conta da dificuldade de acesso ao confronto direto (os artistas não podiam circular livremente na URSS), muitos desses confrontos acabavam ficando no plano imaginativo. Um deles, na música, era a propaganda que se fazia da superioridade sonora da Filarmônica de Leningrado e seu mítico maestro, Evgeny Mravinsky. Foram necessários anos de negociações até que o Kremlin permitisse uma tournée pela Europa. A primeira, em 1956, resultou numa gravação monaural primorosa das Sinfonias 4, 5 e 6 de Tchaikovsky, pela DG, em que toda a emoção do ineditismo (tanto de um lado quanto de outro) fica evidente. Quatro anos depois, Elsa Schiller, produtora da DG, conseguiu, não sem muito esforço, que o grupo voltasse para gravar em estéreo as mesmas obras, já que a primeira vez impressionou profundamente os europeus. E realmente, esta é uma leitura acima de qualquer crítica. Além da intimidade evidente dos músicos com estas obras, a precisão e sensibilidade de Mravinsky, um dos maestros mais elegantes que já subiram ao pódio, torna esta leitura indispensável em todos os sentidos. Soma-se a isso um aspecto levantado por Norman Lebrecht, que a torna ainda mais fascinante: sob pressão política, os registros evidenciam a tragédia do finale da Patética com profundeza ímpar, e a marcha bélica do terceiro movimento com uma esperança aterradora. É ver pra crer.

Se eu tivesse que escolher “a” Patética, mesmo considerando as limitações da gravação dos anos 60, seria esta. O álbum da DG vem com a Quarta e a Quinta Sinfonias, que deixo de bônus porque dá muito trabalho separar os arquivos e subir de novo. Sorte de vocês.

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CHUCRUTEN

Guia de Gravações Comparadas P.Q.P. – J.S.Bach: 4 Orchestral Suites BWV1066-1069

As 4 Suítes (ou Aberturas) para orquestra de Bach são suas únicas obras escritas exclusivamente para conjunto orquestral, sendo todas as demais obras sacras, concertantes, sonatas e árias de câmara ou para instrumentos solo (cravo, órgão, lute, violino e cello). A origem do gênero é obscura, o Guia da Música Sinfônica aponta Johann Jakob Froberger (1616-1667) como seu criador, ao passo que Gudrun Becker cita Agostino Steffani (1654-1728) como sendo o primeiro a compilar trechos de danças de suas óperas em uma “Suíte”, fazendo-as preceder de uma “Overture”, que acabou consagrando o nome.

O fato é que a “Overture” se tornou extremamente apreciada, provavelmente por ter sido um dos primeiros gêneros a combinar danças folclóricas populares com o gosto erudito das cortes e da aristocracia, e logo surgiram inúmeras composições deste gênero por toda a Europa. Telemann gabava-se de ter escrito 200 delas, e Mattheson (rival de Haendel) escreveu longamente sobre ela em seu livro “Nova Orquestra”.

Johann Sebastian Bach, por sua vez, não quis ficar de fora e também presenteou o mundo com exemplos do gênero. Bach, sendo Bach, evocou suas características mais elementares: primou pela qualidade e não pela quantidade, e fez de suas únicas 4 Aberturas as mais famosas Suítes orquestrais barrocas da história da música ocidental.

A composição delas também é algo obscura: não foram escritas juntas, havendo indícios de que a primeira e a última datam da época de Köthen, ao passo que as intermediárias datam da época de Leipzig. Mas são dados controversos, e que os autores também não chegam a uma conclusão. Há quem a acredite, por análise da partitura autógrafa (sem datação), que todas foram escritas em intervalos de tempo grandes, mas já em Leipzig. De qualquer forma, o consenso é que elas não formam um conjunto fechado, pois foram escritas para ocasiões diversas (como comprovam as diferenças na instrumentação e nas danças), e Bach já estava bastante ocupado para ficar pensando em ciclos de obras. Mesmo assim, a unidade estilística de todas é marcante, como não poderia deixar de ser neste caso.

As aberturas seguem o padrão francês lento-rápido-lento, sendo, a nível de Bach, o andamento rápido sempre uma fuga. Elas são seguidas de uma série de danças, tradicionalmente partes formais da suíte que Bach também usou em diversas outras obras, como as Suites Francesas, Inglesas e as Suites para Cello.

Aqui apresento 4 gravações que considero fundamentais para a apreciação desta obra:

1.Karl Richter, Münchener Bach-Orchester DG (ARCHIV) 1960-62

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Essa é a versão mais clássica das Suítes: foram gravadas no início da década de 60, numa época em que as versões “autênticas” não estavam em moda, e Richter clamava para si o monopólio da interpretação “correta” de Bach. Com isso, ele se tornou uma espécie de Karajan para Bach: suas leituras são lineares, ao ponto de se tornarem insípidas, quase assépticas, mas também bastante convincentes pela limpidez dos contornos. Neste caso, entretanto, as Suítes soam como uma obra clássica. Os contrastes entre a introdução lenta e a fuga rápida das aberturas não chega a comover, aliás, quase não se nota diferença. Igualmente se pode dizer das dinâmicas, em que ele explora muito pouco o chiaroscuro barroco, e ficam com certa aparência mais clássica que barroca. A Ária da Suite 3 pelas mãos de Richter fica quase romântica. Entretanto, é uma leitura vigorosa e com a potência sonora de uma orquestra aumentada, típica das adaptações feitas nos anos 60. Se quiserem uma leitura sem surpresas, bem-comportada, estilo genérico de um fast-food, fiquem com esta.

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2.Karl Münchinger, Stuttgart Kammerorchester, DECCA 1985

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Karl Münchinger é um maestro enigmático: especialista também em música barroca, principalmente em Bach, insiste em leituras híbridas que mesclam, de certa forma, um barroquismo que se diz “autêntico” (instrumentação, andamentos), mas por outro lado abusa do classicismo, ao estilo de Richter, nas dinâmicas, por exemplo. Suas leituras são também “corretas” no mesmo sentido de “assépticas”, optando sempre por uma média confortável que não chega a chocar o ouvinte, mas também não empolga. É uma leitura correta e até menos afetada que a de Richter, mas ele não faz os ritornellos das aberturas, diminuindo assim o tempo e fazendo caber tudo num único CD. Inclusive há quem ache chato o excesso de repetições dos andamentos lentos e prefere esta versão. Eu não. Apesar de tudo isso, gosto dela genericamente.

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3.Frans Brüggen, Orchestra of the Age of Enlightenment, PHILIPS 1994

bach_4_orchestral_suites_bruggen_coverBrüggen faz a interpretação autêntica mais exagerada que conheço, quase datada a Carbono-14. As dinâmicas barrocas ficam extremamente evidenciadas e a instrumentação é quase uma viagem ao tempo de Bach. Os contornos melódicos se mesclam com os timbres de forma quase orgânica, e os ritmos parecem germinar espontaneamente sabe-se lá de onde. Se você quiser uma versão chocante, diferente de tudo o que já ouviu, fique com esta. Nunca imaginei um barroco tão barroco, e nem sei se era mesmo assim. Mas é uma leitura extraordinária, vívida e de sonoridade vigorosa, que se contrapõe diretamente às leituras clássicas de Richter e Münchinger. Coisa fina.

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4.Trevor Pinnock, The English Concert, DG (ARCHIV) 1979-80

front coverEntre o ultra-romantismo de Richter e o mega barroco de Brüggen, Pinnock se revela de um equilíbrio estupendo. Não é um barroco autêntico exagerado, mas também não é uma leitura clássica. É a versão que considero mais equilibrada, e a mais convincente do ponto de vista estilístico. Seu conjunto The English Concert é um dos melhores grupos instrumentais de época do mundo, tendo gravado uma enorme quantidade de títulos barrocos com um apuro técnico e estético altamente elaborados. A versão dele para os Concertos de Brandenburgo é uma das mais precisas e bem gravadas da história da música. As suítes não ficam para trás. Poderão estranhar, se ouvirem primeiro a versão de Richter ou Münchinger, os andamentos mais rápidos das introduções das Aberturas. Mas é aí que ele mostra a que veio, contrapondo o tom solene à animação irresistível das fugas no desenvolvimento, revelando um barroco talvez até mais autêntico que o de Brüggen. Para todos os efeitos, esta é a escolha do Chucruten.

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CHUCRUTEN

Guia de Gravações Comparadas P.Q.P. – Mahler Symphony no.1 in D major ‘Titan’

A Primeira Sinfonia, dita Titan, é uma das obras mais executadas de Mahler, não apenas por sua beleza intrínseca (que aliás não é exclusividade dela), mas basicamente porque é uma das mais curtas, além de ser extremamente otimista, escrita numa linguagem acessível ainda do romantismo pós-wagneriano, e sem necessidade de solistas vocais e grandes coros. Como Otto Maria Carpeaux assinalou, todas as orquestras que querem mostrar certo virtuosismo mas tem dificuldades de produzir as exigências sonoras das demais sinfonias, optam pela Primeira.

Mas além disso, é também uma sinfonia muito interessante no contexto da vida e da obra de Mahler: ela funciona como um prefácio literário ao universo mahleriano, pois há nela ecos resumidos de basicamente tudo o que se ouvirá, melodica e harmonicamente, nas sinfonias posteriores. O termo prefácio literário não é força de expressão; do ponto de vista narrativo, ela trabalha com a ideia de um personagem heróico, descrito musicalmente através de seus temas e resoluções harmônicas tipicamente mahlerianas. É a expressão psíquica de seu autor, em que sua obra, permeada por este alter-ego heróico, apresenta uma ideia-fixa (ou um leitmotif) cujo objetivo é uma expressão de um universo ideal. É patente, através desta narrativa, sua busca incessante pela redenção, uma vez reconhecida a natureza imperfeita e efêmera do ser humano. E assim, passa por todos os conflitos filosóficos da humanidade (as angústias da sociedade, o amor, a morte, a religião), temas estes presentes em todas as suas obras, e, muito a propósito, já expresso nesta sinfonia, que termina numa espécie de cantus firmus de júbilo e alegria, até então único na história da música ocidental, informando ao público a que vem este tal Gustav.

Mahler é uma das mais contundentes respostas musicais às transformações científicas e filosóficas da virada do século XX, absorvendo, ainda que inconscientemente, as ideias da recente revolução psicológica de Freud (tendo ele mesmo sido seu paciente) e, claro, das não menos revolucionárias ideias postuladas por Planck e Einstein que abalaram os pilares da ciência física.

Escrita entre 1887 e 1888, teve diferentes versões apresentadas, começando por estrear como um poema sinfônico em duas partes, donde vem seu subtítulo, Titan, por conta da inspiração literária da obra de Jean Paul. Uma revisão de 1893 a colocou na forma sinfônica tradicional com um movimento a mais, o Blumine, depois suprimido. Após as revisões feitas até a publicação tardia em 1898, a Sinfonia finalmente adquiriu a forma como hoje a conhecemos, e nunca mais foi chamada por Mahler pelo subtítulo. Mas apesar disso, a despeito da imponência do nome, este acabou sendo incorporado como recurso de marketing.

O site gustavmahler.net.free (uma dádiva para os mahlerianos) cita nada menos que 274 gravações diferentes para a Primeira Sinfonia, nem todas, claro, disponíveis no mercado. E, no que diz respeito à possibilidade de ouvir alguma delas na internet, considerando os sites de streaming, o You Tube, a Amazon e os downloads genéricos, é possível achar pelo menos 40 versões. Para que os ouvintes tenham alguma orientação, trago algumas opções que gosto bastante:

1.Bernard Haitink, Concertgebouw PHILIPS 1972

61S7jofvU6L._SL500_SX300_Esta é uma gravação clássica, já está fora do catálogo e de vez em quando é relançada em algum compêndio, como a caixa da integral da sinfonias ou, neste caso, na coleção Abril de Grandes Compositores. Esta gravação, dos anos 70, faz parte do primeiro e único ciclo completo de Haitink, pois o segundo, na década de 90, não foi completado por conta do desmonte da indústria fonográfica, em especial o da música clássica, que foi o que sofreu a maior bancarrota (ver Norman Lebrecht, “Maestros, obras-primas e loucura”). Haitink na verdade gravou esta Sinfonia várias vezes de forma isolada, entre 1962 e 2007, mas esta de 72 desponta como uma de suas mais respeitáveis leituras.
É sem dúvida uma leitura inspirada, sendo tratada de forma muito mais solene que jocosa, e por isso tem um ar bruckneriano que permeia toda a execução. O frenesi dos finais do primeiro e último movimentos, expressões legítimas de uma Mahler jovem e apaixonado, são executados como se fossem reflexões profundas e conflitantes de um Mahler tardio, como o da Sétima ou Oitava Sinfonias. Apesar disso, é um registro que prima pela pureza de timbres e contornos melódicos, deixando, não obstante a maior lentidão rítmica, uma impressão bastante singular. Haitink, sempre distinto, não deixa a peteca cair. Os trompetes desafinam nas fanfarras do finale, mas este é um detalhe menor neste conjunto. A gravação desta edição acompanha o Lieder eines fahrenden gesellen, na voz imponente de Hermann Prey. Assim como em outras gravações, este lieder é sempre bem-vindo por ter sido uma das inspirações originais para temas da Primeira Sinfonia.

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2. Kurt Masur, New York Philharmonic TELDEC 1992

mahler_symph1_masur_smallEsta foi uma das gravações que marcaram a chegada de Kurt Masur na Filarmônica de Nova York em 1991. A gravação é do ano seguinte, mas evoca o mesmo sentimento de frescor recém-casado. A escolha de Masur, pelos músicos de Nova York, se deu para tentar fazer da Filarmônica novamente uma experiência mais “requintada”, uma vez que seus antecessores, Zubin Mehta e Leonard Bernstein eram dados a concertos populares, e Pierre Boulez, muito moderno. Naquela época o público patrono se incomodou com isso. Trazendo a sobriedade do alemão especialista em Beethoven, a ideia era fazer a Filarmônica deixar de parecer uma orquestra crossover, e escolheu a 7a. de Bruckner para estrear com toda a pompa. Hoje este fato soa um pouco anacrônico, mas fazia sentido naquele contexto. De qualquer modo, é um registro primoroso, de quem sabe o que está fazendo. A firmeza rítmica se impõe como um rolo compressor, e acaba deixando a obra mais fria que o desejado. Talvez Masur estivesse tentando causar boa impressão aos americanos, e se manteve cauteloso nas escolhas das dinâmicas. De qualquer forma é uma performance das mais eloquentes, e merece ser visitada, até porque também vem com as Canções do Viandante, na voz do barítono sueco Håkan Hagegård.

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Arquivo FLAC 278Mb

Entretanto, um pequeno parênteses para a questão da performance fria. Kurt Masur também é o responsável pela performance mais quente que conheço da Primeira Sinfonia de Mahler. Aconteceu em 2005 no Festival de Inverno de Campos do Jordão, em que Masur foi o maestro convidado, tendo ao seu lado Roberto Minczuk. Os bolsistas do festival, todos ainda amadores em fase de profissionalização, tinham pouca experiência com prática de orquestra, principalmente em se tratando de orquestras do tamanho exigido pela Primeira. Entretanto, ao invés de uma performance morna para cumprir exigências acadêmicas e agradar aos pais dos bolsistas, o que se ouviu foi uma performance das mais contundentes, que num nível de percepção sensível, transbordava a emoção e o entusiasmo daqueles músicos em tocar pela primeira vez uma obra daquela envergadura. Percebe-se, ao mesmo tempo, tanto a inexperiência e a ingenuidade quanto uma vontade sobre-humana de se superarem, coisa que acabam conseguindo com força descomunal, fazendo do finale desta gravação um dos mais emocionantes da história. Kurt Masur chorou nos aplausos, consciente do esforço que cada músico empreendeu. Esta gravação vale a pena porque é possível sentir toda essa carga emotiva no registro, coisa que muitas orquestras profissionais não conseguem. Infelizmente é um disco que está esgotado, então disponibilizo aqui também. Ele vem com outras obras executadas no mesmo festival (incluindo uma estréia de Almeida Prado), mas eu diria que a Titan é que interessa.

DOWNLOAD HERE – XXXVI Festival Internacional de Inverno de Campos do Jordão
CD Duplo – Arquivo FLAC 661Mb

3. Leonard Slatkin, St.Louis Symphony Orchestra TELARC 1981

mahler1slatkinEsta é a pior de todas: Slatkin é um bom regente, tenta dar um ar sóbrio e distinto ao frenético finale, mas no fim, não consegue. Boa parte do problema é a orquestra, St.Louis tem metais com uma sonoridade bem fraca, e Slatkin ainda puxa o freio de mão. Aí não dá mesmo. As fanfarras não empolgam, e parecem contidas como se precisassem fazer pouco barulho para não atrapalhar os vizinhos. Mas a gravação tem méritos: a Telarc é um selo americano que foi o absoluto pioneiro na gravação digital, sendo deles o primeiro LP lançado comercialmente que teve sua matriz gravada digitalmente, em 1978. Este know-how fez de suas gravações verdadeiras referências para o desenvolvimento de uma metodologia de gravação na era digital, e a clareza de seus registros é até hoje apreciada. Mas a recomendação é clara: só para fãs.

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4.Rafael Kubelik, Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks DG 1968

mahler_symphony1_titan_kubelik_coverHá um certo consenso sobre a superioridade desta gravação, que foi inclusive indicada, recentemente, pela revista Gramophone, como a melhor Titan de todos os tempos. Mas toda a classificação é relativa, e acredito ser impossível uma unanimidade. Claro, a gravação tem méritos indiscutíveis, mas acho um pouco de exagero tanto crédito. Kubelik é um maestro dos mais competentes, um dos grandes “monstros sagrados” (expressão que na minha época era corriqueira) da regência do século XX. De origem tcheca, tem todos os requisitos para entender esta música até o último fio de cabelo. E ele realmente a entende como poucos, fazendo principalmente do scherzo e da paródica marcha fúnebre momentos de rara e fina ironia. Mas venhamos e convenhamos, a sonoridade da tecnologia de gravação de 1968 fica um pouco a desejar, principalmente deixando evidente certa estridência dos trompetes, uma limitação que nem toda gravação desta época possui ou incomoda, mas esta possui – e incomoda. Outra: Kubelik é famoso por seu rubato, ele costuma diminuir o andamento com algum exagero antes dos clímax ou das repetições dos temas essenciais. Em alguns casos, funciona que é uma maravilha, em outros, considero o resultado cafona. Não posso dizer que achei ruim seu rallentando na retomada do tema no primeiro movimento, mas também não vou dizer que não estranhei. Confesso que não tenho opinião definitiva, mas no fim das contas não é minha gravação dos sonhos. Mas se vale a pena? puxa, se vale! E a gravação também tem o Lieder eines fahrenden gesellen, mas na voz de ninguém menos que Dietrich Fischer-Dieskau. Aí fica covardia não ouvir.

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5.Zubin Mehta, New York Philharmonic CBS 1982

mahler_symphony1_mehtaA grande zebra é esta gravação de Zubin Mehta, feita pela CBS em 1982. Uma verdadeira jóia. Outras leituras de Mehta, como a da DECCA com Israel, não chegam aos pés dessa. É uma leitura precisa, clara, entusiasmada e empolgante. Os trompetes de Nova York estão em ótima forma – melhor que na gravação de Masur – e executam as fanfarras com convicção ímpar, em que ouvem todas as notas com clareza e limpidez. O registro deixa aflorar o Mahler sonhador da juventude como poucos, coisa até rara em se tratando de Zubin Mehta, mas é preciso admitir: neste caso é quase impossível não se deixar contaminar pela empolgação da sonoridade desta gravação. Mehta, apesar de não ser um mahleriano convicto, é responsável por várias leituras memoráveis, e esta é uma delas. Não há meio termo, é uma leitura brilhante, ou se adora ou se ignora. Os puristas podem objetar que Mehta não faz o ritornello do primeiro movimento, mas devo dizer que também é um detalhe menor. Compensa todo o crime.

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Arquivo FLAC 218Mb

6.Klaus Tennstedt, London Philharmonic Orchestra EMI 1977

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Esta gravação é primorosa. Klaus Tennstedt era um mahleriano não apenas convicto, mas devoto e praticante. Norman Lebrecht explica bem esta relação meio doentia: “após um sério colapso nervoso, encontrou apoio na música de Mahler, que se tornou o leitmotiv de sua ansiosa vida”. Com efeito, o Mahler de Tennstedt é altamente intuitivo, sempre inesperado e avassalador, tirando das profundezas da alma os mais insondáveis sentimentos. Por algum motivo alheio à minha percepção (talvez pela própria personalidade trôpega de Tennstedt), ele nunca foi muito festejado do grande público, tendo sempre um time restrito de admiradores fiéis mas recatados, e normalmente suas performances escapam de uma análise pública mais abrangente. Mas devo dizer, poucas Titans tem a força desta: a impressão é de um vulcão prestes a explodir, e que efetivamente explode nos clímax adequados. Apesar de carismática, é uma interpretação bastante pessoal, em que há o perigo do ouvinte não interagir com a espontaneidade proposta. Neste caso, será uma leitura esquisita. Mas garanto: soltem-se e deixem-se levar pelos delírios do sr. Tennstedt, e estarão diante de uma performance única na história.
Obs.: A edição da Primeira que disponibilizo aqui faz parte da caixa com as 10 Sinfonias, então não estranhem o bônus do primeiro movimento da Segunda, obra que comentarei em outra ocasião.

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7.Sir Georg Solti, Chicago Symphony DECCA 1983

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Considero esta, ao lado da de Bernstein (1974) com a Wiener Philharmoniker (que infelizmente – ou felizmente – só tenho em DVD), a gravação que combina o melhor de todos os mundos: tem a sonoridade dos áureos tempos dos míticos engenheiros da DECCA, tem o equilíbrio preciso entre a espontaneidade e a fidelidade à partitura, tem o encanto do frescor juvenil do Mahler apaixonado, e tem a sobriedade de um registro convicto. Se eu fosse escolher a gravação mais equilibrada, e que satisfaz a maioria dos requisitos mahlerianos com louvor, ficaria com esta, com a possível alternativa de Bernstein. Mas para mim esta tem um trunfo a mais: as pratadas de Chicago são mais eficazes que as de Viena, e a eloquência da juvenília mahleriana fica em plena ebulição. Esta é, portanto, a escolha do Chucruten.
Bom divertimento!

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CHUCRUTEN

Weber: Overtures – Sawallisch, Philharmonia Orchestra EMI, 1959

Weber é um compositor extremamente citado em todo o compêndio de história da música. Influenciou basicamente toda a sua geração posterior, e, ao que consta, foi um grande reformador da ópera alemã. Confesso que conheço muito pouco dele, algumas árias e coros mais famosos, além das obras instrumentais, suas duas sinfonias e seus concertos (para clarinete, fagote e piano). Bem, a julgar por estas obras, eu sempre me perguntava: mas onde diabos acham esse cara importante? um compositor bastante mediano, em alguns momentos frívolo, mais de efeitos que de causas, com material musical de densidade duvidosa e temas pouco cativantes. Pensei cá comigo que ele deveria ter deixado sua melhor fatia de inspiração para as óperas, e, por ser um compositor de transição clássico-romântico, suas aberturas deveriam refletir boa parte do material musical destas. Fui lá eu então, procurar onde estava a genialidade do Weber. Ouvi inteiro, de cabo a rabo, e fora as aberturas populares que eu já conhecia (Oberon e o Franco-atirador), continuei na mesma: cadê o tal genial Weber? Nada…

Cheguei à conclusão que Weber deve ter sido um compositor destes que ficam na moda um certo tempo, mas que conseguiu firmar uma determinada característica na linguagem da ópera que o fez permanecer como referência mesmo após sua música sair de moda. E foi isso que sobrou: referência.

Não conheço sua óperas na íntegra, e não duvido que tenham momentos extraordinários, mas, dessas aberturas, vou dizer: ô carinha chato de ouvir.

A boa notícia é que este disco é maravilhosamente bem interpretado, Wolfgang Sawallisch é um maestro de primeiríssima grandeza. A gravação original é de 1959, e o som é incrivelmente bom para esta idade. Ele foi relançado em 1988 (capa da Amazon acima) e depois em 2005 pela mesma EMI, com esta capa:
weber overtures cover

Carl Maria von Weber (1786-1826)
Euryanthe Overture J291
Der Beherrscher der Geister (Ruler of the Spirits) Overture J122
Abu Hassan Overture J106
Jubel-Ouverture J245
Preciosa Overture J279
Oberon Overture J306
Der Freischütz Overture J277

Philharmonia Orchestra
Wolfgang Sawallisch
EMI, 1959

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Chucruten

Lili Boulanger: Faust et Hèléne; D’un matin de printemps; D’un soir triste; Psalms 130 & 24 – Tortelier CHANDOS 1999

Para homenagear as mulheres nesta semana, eis alguns posts cujo destaque são as mulheres compositoras.

E começo pelo prodígio Lili Boulanger, que faleceu precocemente aos 24 anos, mas não sem, aos 19, simplesmente abocanhar o Prêmio de Roma, o mais cobiçado concurso de composição da Europa. Em outro post sobre ela, o colega fdp mencionou, muito a propósito: “Lili Boulanger viveu pouco, porém intensamente, e era a irmã mais nova de Nadia Boulanger, também compositora e professora de piano e composição. Morreu com apenas 24 anos de idade, porém mesmo assim influenciou diversos compositores que vieram a se destacar no século XX, como Arthur Honneger.”

Esta obra que aqui apresento, Faust et Hèléne, é justamente a obra que a fez ganhar o Prêmio, e impressionou até mesmo críticos ácidos como Debussy, que na época escrevia crítica musical em Paris. É impressionante. Formal e criativamente, uma obra densa, povoada por ideias musicais brilhantes, e sobretudo por uma visão apaixonada do assunto, só que pelo lado feminino, coisa que na música infelizmente não estamos acostumados. Poderíamos, a título de comparação, pensar: “como seria musicalmente descrito o amor de Tristão por Isolda se ele fosse composto por uma mulher?”. Bem, salvaguardadas as devidas proporções, este é um belo exemplo.

As demais peças são puro deleite, pequenos poemas orquestrais de avassaladora intimidade, e dois salmos inspiradíssimos, que revelam um talento incomum, cuja distinção não passa despercebida por ninguém. Cuidado: pode ser paixão à primeira vista.

Lili Boulanger (1893-1918)

Psalm 24, “La terre appartient a l’Eternel”
Faust et Hèléne
D’un soir triste
D’un matin de printemps
Psalm 130, “Du fond de l’abime”

Lynne Dawson, soprano
Ann Murray, mezzo-soprano
Bonaventura Bottone, tenor
Neil MacKenzie, tenor
Jason Howard, bass
City of Birmingham Symphony Chorus
BBC Philharmonic
Yan Pascal Tortelier
CHANDOS, 1999

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CHUCRUTEN

Chausson: Symphony in B-flat; La Tempête; Viviane; Soir de Fête – BBC Philharmonic, Tortelier CHANDOS 1999

Ernest Chausson é um compositor que deveria fazer parte de nosso dia-a-dia musical. Considerando a música pós-romântica francesa, que tiveram nomes como D’Indy, Fauré, Pierné, Dukas e Duparc, a sua obra se destaca como uma das mais bem acabadas, de um refinada arquitetura e um discurso musical límpido, avesso à prolixidade.

Mais uma vez nos perguntamos o porquê de sua música, como de tantos outros em condições similares, ser tão negligenciada. Só nos resta saborear esta arte incomum, não para fazer jus à sua qualidade, mas simplesmente porque é música boa mesmo.

Chausson, como tantos outros de sua geração, também foi enfeitiçado por Wagner, cuja influência é bastante nítida, mas seu toque francês inconfundível trata a matéria sonora com singular bom gosto, com toda a sutileza que lhe é inerente. Uma fusão da grandiloquencia wagneriana com a severidade arquitetônica de um César Franck ou de um Brahms, que também Chausson admirava profundamente. A Sinfonia em Si bemol é sua única obra do gênero, e é realmente espantosa pela maneira como consegue não cair nos modelos saturados de padrões sinfônicos dos discursos pós-românticos germânicos. É música clara, original e grandiosa.

Os poemas sinfônicos que a seguem são igualmente belos, com nítido destaque para Viviane, inspirado nas lendas do Rei Arthur, que nutriam em Chausson fascínio especial (aliás, este era um tema recorrente em Chausson, sua única ópera versa sobre este assunto) e A Tempestade, sobre Shakespeare, outro tema caro aos compositores do romantismo extendido. Consta ainda que esta que foi a primeira obra a utilizar a Celesta, dois anos antes de Tchaikovsky em seu poema sinfonico Voyoveda e depois no Quebra-Nozes (dizem que Tchaikovsky esperneou porque queria ter sido o primeiro a usar, mas isso também é lenda).

Ernest Chausson (1855-1899)
Symphony in B-flat, op.20
Viviane, op.5
Soir de Fête, op.32
La Tempête, op.18
BBC Philharmonic Orchestra
Yan Pascal Tortelier
CHANDOS, 1999

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Chucruten

Vivaldi: 12 Concertos op.9 “La Cetra” – I Musici PHILIPS 1965

Hoje, 4 de março, é (tradicionalmente) o dia de nascimento de Vivaldi. Eu não ponho minha mão no fogo sobre a precisão dos registros de 1678, mas parece certo que foi este dia mesmo.

Bem, ele é um dos meus compositores favoritos, por duas razões: primeiro, ele trabalha com uma paleta de tons extremamente simples e consegue arrancar delas as possibilidades mais incríveis, e, segundo, é uma máquina de invenção temática. Eu me lembro de quando garoto, cada vez que ouvia um novo concerto de Vivaldi (e normalmente eles vinham em vários de uma vez), ficava prestando atenção em como cada um conseguia ser diferente através do material temático, como seria a “personalidade” de cada concerto quanto ao seu tema. Por isso nunca fui a favor daquela tese que ele escreveu o mesmo concerto 400 vezes. Albinoni talvez, mas Vivaldi não. Cada um concerto, por mais que tenham estruturas e desenvolvimentos extremamente simples e similares, tinham temas, os mais diversos. Cada concerto era uma nova aventura.

Vivaldi teve seu momento de redescoberta no século XX e o infeliz estigma de ter escrito As Quatro Estações. Como esta é preferida do público (diria que só a Primavera, na verdade, porque os outros são concertos bem mais avançadinhos e só são ouvidos porque estão no pacote), as suas demais obras acabam por ficar relegadas a ouvintes eventuais.

Bem, então apresento uma série pouco conhecida, e que eu gosto muito, o seu Opus 9, chamado La Cetra. O título que faz referência a um instrumento antigo parecido com a Lira, muito provavelmente por conta da grande quantidade de arpejos que a série contém. Mas é uma das séries de concerto mais convincentes de Vivaldi. Ouvi-as pela primeira vez meio sem atenção, através de um disco emprestado de uma amiga. Me arrebatou completamente. Na época, acabei gravando em Fita K7 (sim, sou meio velho, era o que tinha), e ouvi exaustivamente, mas nunca consegui achar o CD aqui no Brasil. Quando achei era na caixa com sua obra completa, a um preço proibitivo que me fez esperar para comprar quando ficasse fora de moda e mais barato. Isso demorou muito para acontecer, e mantive um tape-deck no meu equipamento de som só para poder ouvir essa obra, que eu não tinha outra gravação. Em 2014, achei na Amazon, comprei e nunca chegou. Procurei com todos os colegas que tinham sites similares ao PQP e nada… Achei uma versão com Marriner e a Academy of St.Martin, mas não fui muito com a cara, e eu queria mesmo essa do I Musici, porque a primeira impressão é a que fica. Só agora, em 2016, consegui achar, no site Presto Classical, que vende por download o arquivo original em FLAC. O preço era módico e finalmente consegui a gravação, 20 anos depois.

Deu tanto trabalho que este post é também um desabafo sobre as dificuldades de ouvir música boa e, portanto, a extrema necessidade de compartilhar.

O Concerto 1 em Dó maior é uma pérola, uma delícia de concerto. Os demais são bacanas, mas a partir do 7, em Si bemol, a coisa fica séria. É um dos meus Top 5 de Vivaldi, e toda a sequencia posterior: o 8 em ré menor, sombrio e profundo, de arcaica beleza, o 9 em si bemol, de alegria abundante, e o 10 em Sol maior, de uma pureza tocante, quase infantil, e os sóbrios últimos concertos 11 e 12 , são absolutamente maravilhosos. E o I Musici em sua melhor forma, liderados pelo Obi-wan Kenobi do violino barroco, Félix Ayo. Não tem coisa melhor. Puro deleite.

Antonio Vivaldi (1678-1741)
La Cetra, op.9
CD 1
Violin Concerto No. 1 in C Major, RV 181a
Violin Concerto No. 2 in A Major, RV 345
Violin Concerto No. 3 in G Minor, RV 334
Violin Concerto No. 4 in E Major, RV 263a
Violin Concerto No. 5 in A Minor, RV 358
Violin Concerto No. 6 in A Major, RV 348
CD 2
Violin Concerto No. 7 in B-Flat Major, RV 359
Violin Concerto No. 8 in D Minor, RV 238
Violin Concerto No. 9 (for 2 Violins) in B-Flat Major, RV 530
Violin Concerto No. 10 in G Major, RV 300
Violin Concerto No. 11 in C Minor, RV 198a
Violin Concerto No. 12 in B Minor, RV 391

I Musici
Félix Ayo, violino I
Anna Maria Cotogni, violino II (no.9)
Enzo Altobelli, Cello
Maria Teresa Garatti, organ
PHILIPS, 1965

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Chucruten

Rossini: String Sonatas 1-6; Donizetti, Cherubini, Bellini Marriner ASMF DECCA 1991

Este ano Rossini não faz aniversário, porque o sortudo nasceu num dia 29 de fevereiro. Por isso, temos que contornar este pequeno ajuste do calendário Gregoriano, postando uma homenagem no dia seguinte ao dia que não houve (?). Ah, meu Santo Agostinho, que coisa louca é o Tempo!

Bem, mas este post é coisa fina: as Seis Sonatas para cordas de Rossini, escritas em sua juventude, e descobertas somente depois da 2a.Guerra, mostrando que o cara era realmente bom até na música de câmara. E mais incrível: há indícios de que elas foram escritas quando Rossini tinha 12 anos, segundo o autógrafo dos manuscritos. Mas há controvérsias, e elas podem ser datadas de quando ele tinha 14 e revisadas aos 17. De qualquer forma, é música muito boa, e o cara não era mais que um adolescente. Estas Sonatas também se destacam por conter partes significativas escritas para solo de Contrabaixo, e são referências no repertório dos contrabaixistas do mundo todo. Ao que consta, esta gravação de Marriner feita na década de 60, foi o primeiro sucesso de vendas da Academy of St.Martin-in-the-Fields, e o disco que consolidou os nomes do conjunto e de seu maestro mais famoso. Marriner, uma “máquina de gravação”, segundo Norman Lebrecht, também foi uma das personalidades que 2016 levou.

O disco duplo ainda inclui, nos tempos que faltam, um quarteto de Donizetti, arranjado para orquestra de cordas, um estudo de Cherubini para trompa e cordas e um concerto para oboe e cordas de Bellini. Vou te falar, eu achava que estes italianos da ópera eram todos uns chatos, mas estas peças mudaram minha impressão, são bem bacanas! O concerto de Bellini é quase uma ária de ópera, mas quem canta é o oboé. Mordi a língua e hoje acho eles menos chatos.

Boa audição!

CD1
Gioacchino Rossini (1792-1868)
String Sonata No.1 in G major
String Sonata No.2 in A minor
String Sonata No.3 in C major
String Sonata No.4 in B-flat major

CD2
String Sonata No.5 in E-flat major
String Sonata No.6 in D major

Gaetano Donizetti (1797-1848)
String Quartet in D (arr. for String Orchestra)

Luigi Cherubini (1760-1842)
Etude no.2 for French Horn & Strings

Vincenzo Bellini (1801-1835)
Concerto for Oboe & Strings in E-flat major

Academy of St.Martin-in-the-Fields
Sir Neville Marriner
compilação DECCA, 1991

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Chucruten

Offenbach: Can-Can – Gaîté Parisiènne; Overtures – Marriner, Previn DECCA 2013

Para este Carnaval, nada mais apropriado que a música de Offenbach. Este CD é uma compilação de 2 gravações lançadas respectivamente em 1982 e 1983, a primeira de Neville Marriner com as aberturas das operetas mais famosas, e a outra de André Previn com o ballet sobre temas de Offenbach arranjado por Manoel Rosenthal, o Gaîté Parisienne. Sim, apesar da fama, é um pastiche.

Mas quem se importa? a música de Offenbach é boa o suficiente para servir à causa do ballet, e as aberturas são o que há de mais fino em música ligeira. Basta dizer que compositores severos como Debussy, Bizet, Mussorgsky e Rimsky-Korsakov eram seus admiradores.  Até mesmo – pasmem – Nietzsche dedicou-lhe olhares simpáticos. Crítica e público são unânimes em afirmar a extrema competência de Offenbach em tratar melodias de uma forma leve, espontânea e carismática, e suas operetas influenciaram direta ou indiretamente, as maiores obras do gênero, de Nicolai a Johann Strauss II. O píncaro da música ligeira, que em alguns casos nem lhe cabe esta classificação: é música da mais alta competência.

Jacques Offenbach (1819-1880)

Overture Orphée aux enfers
Overture La belle Hélène
Overture La Périchole
Overture La vie parisienne
Philharmonia Orchestra
Sir Neville Marriner
Philips, 1982

Gaîté parisienne
Pittsburgh Symphony Orchestra
André Previn
Philips, 1983
Compilation: Decca, 2013

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CHUCRUTEN

Grieg: Symphony in C minor; In Autumn op.11; Piano Concerto op.16 – Noriko Ogawa, Ole Kristian Ruud BIS 2003

As grandes estrelas deste CD são duas obras orquestrais de Grieg muito pouco executadas, a abertura In Autumn e sua única Sinfonia, em Dó menor.

A Sinfonia é um caso à parte, por ser obra de juventude de Grieg, e que ele particularmente detestava, ao ponto de escrever “nunca deve ser tocada”. Com efeito, a obra ficou esquecida por muito tempo, até que, depois de muitas negociações com a família, foi executada em 1981 (113 anos após ter sido escrita) por Karsten Andersen e a Bergen Symphony Orchestra, gravado posteriormente pela DECCA. Conseguimos entender porque ele reprovou a obra: é uma sinfonia que tem muito pouco da eloquencia melódica de Grieg, que encontramos nas obras mais maduras, notadamente em Peer Gynt, por exemplo. Como é uma sinfonia de juventude, é muito influenciada por outros compositores, como Dvorak ou Glazunov. Mas, de qualquer jeito, é uma obra tipicamente norueguesa, e tem, mesmo que a contragosto, um timbre grieguiano inconfundível. Talvez ele também tenha se decepcionado com ela pela falta do frescor que obras de juventude teriam, é uma obra séria e de pretensões densas. Mas é muito boa música! Ainda bem que se resolveu o impasse, e pena que Grieg nunca mais tenha pensado em verter pelos caminhos da Sinfonia.
In Autumn é uma abertura, um pequeno poema sinfônico, mas muito contundente. Dramático até. Pensei em encontrar algo bucólico no estilo da inspiradíssima Última Primavera, ou ao estilo das peças Líricas. Ledo engano. Drama puro, até um pouco trágico. A primeira versão foi mostrada a Niels Gade, que disse: “Grieg, isso é lixo, vá pra casa e escreva algo melhor.” Precisa realmente ser muito amigo para dizer isso, e mais ainda para aceitar, voltar para casa e realmente escrever algo melhor. E esta segunda versão acabou sendo feita para dueto de piano, e posteriormente orquestrada, foi elogiada e passou no crivo de seu amigo.
E, por fim, o tal Concerto para Piano em lá menor. Deste não preciso dizer nada, já é uma peça por si só conhecidíssima e que tem um monte de versões aqui no PQP. Me limito a tecer dois comentários: 1) a japonesa Ogawa é uma grata surpresa no panteão canônico de intérpretes deste concerto, e 2) fiquei feliz que este não vem com o concerto de Schumann a tiracolo.

Boa audição!

Edvard Grieg (1843-1907)

In Autumn, Op. 11
Piano Concerto in A Minor, Op. 16
Symphony in C Minor, EG 119

Noriko Ogawa, piano
Bergen Philharmonic Orchestra
Ole Kristian Ruud
BIS, 2003

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Monteverdi: Madrigali Guerrieri et Amorosi – Jordi Savall, La Capella Reial de Catalunya ASTRÉE 1995

Jordi Savall não é apenas uma sumidade artística, é um mago da música. Em suas mãos, os madrigais de Monteverdi deixam de ser peças de interesse histórico, passam a ser obras dignas de atenção para ouvintes de qualquer época.

Não sei como ele faz isso, mas é um trabalho já elogiado à exaustão, e sempre merecido.

Estes madrigais fazem parte do Livro Oitavo (ao todo são 9), datando de 1638, portanto já uma obra madura do compositor. O título completo seria “Madrigali guerrieri, et amorosi con alcuni opuscoli in genere rappresentativo, che saranno per brevi episodi fra i canti senza gesto.”

Nesta obra já existe o sentimento muito claro de que a polifonia renascentista começava a dar seus primeiros passos em direção a uma estilização de formas que será, em pouco tempo, chamado de Barroco. Para alguns, é o primeiro barroco, para outros, a última renascença. Coisa fina.

Boa audição!

Claudio Monteverdi (c1567-1643)
Madrigali Guerrieri et Amorosi

  1. I. Others Sing Of Love: Sinf
  2. I. Others Sing Of Love: Others Sing Of Love
  3. I. Others Sing Of Love: You Received The Cesar’s
  4. I. Others Sing Of Love: Accept This New And Fresh Work
  5. II. Circling Around The Enemy Insidious Love: Circling Around The Enemy
  6. II. Circling Around The Enemy Insidious Love: We Let Him Approach
  7. II. Circling Around The Enemy Insidious Love: False Weapons They Are Not
  8. II. Circling Around The Enemy Insidious Love: Search For The Eyes
  9. II. Circling Around The Enemy Insidious Love: There Is No Time Left
  10. II. Circling Around The Enemy Insidious Love: Oh My Heart, Running Is Useless
  11. III. Dance: Turning Around The Sky-Move To My Melodious Sound: Opening Before The Dance…
  12. III. Dance: Turning Around The Sky-Move To My Melodious Sound: Dance: Move To My Melodious Sound
  13. III. Dance: Turning Around The Sky-Move To My Melodious Sound: Ciaccona
  14. III. Dance: Turning Around The Sky-Move To My Melodious Sound: Second Part Of The Ballet…
  15. IV. Five Part Sym
  16. V. Others Sing Of Mars: Others Sing Of Mars
  17. V. Others Sing Of Mars: Two Beautiful Eyes
  18. VI. A Nymph’s Lament: Phoebus Had Not Yet
  19. VI. A Nymph’s Lament: A Nymph’s Lament
  20. VI. A Nymph’s Lament: So Among Disdainful Tears
  21. VII. Six Part Sym
  22. VIII. Now That The Sky: Now That The Sky And The Earth

  23. VIII. Now That The Sky: Only From One Clear And Lively Spring

La Capella Reial de Catalunya
Jordi Savall
ASTRÉE 1995

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Balakirev: Symphonies 1 & 2; Russia, Tamara, Overture on Three Russian Themes – Svetlanov HYPERION 1992

Balakirev é outro compositor um pouco negligenciado, aparece em alguns programas, mas em geral não goza de muita notoriedade. Bem, compará-lo a Borodin, Korsakov e Mussorgsky não ajuda muito. Mas sua história e influência na música russa são inegáveis e das mais importantes, Ademais, era o único músico profissional do chamado “Grupo dos Cinco”, que incluia também César Cui (oportunamente postarei sobre ele). Balakirev foi um grande entusiasta do nacionalismo russo, apoiou, orientou e incentivou todos os seus colegas para aproximar a música folclórica e tradicional da Rússia dos padrões europeus. Muitas composições célebres de Tchaikovsky (a abertura Romeu e Julieta e a Sinfonia Manfredo, por exemplo), foram direta ou indiretamente influenciadas por suas ideias, incluindo sugestões de tonalidade, forma e orquestração.

Nada mais natural que se perguntar então: mas como é o tal do Balakirev como compositor? No fim das contas é para isso que estamos aqui. Bem, este post é uma das respostas. Suas sinfonias são suas obras mais conhecidas e revelam um compositor da mais alta competência, estética e formal. Falta-lhe, acredito, a inspiração da fluidez melódica que fizeram seus colegas mais famosos. Mas é música do mais alto nível. O disco ainda apresenta 3 poemas sinfônicos, Tamara, considerado sua melhor obra, Russia, e Abertura sobre 3 temas russos. Todas estas obras são exemplos práticos de suas ideias teóricas, unindo a música folclórica russa com formas da chamada música clássica européia. Especialmente estas obras nos revelam alguns temas que foram usados por Tchaikovsky e Stravinsky em outras composições, e que Balakirev denuncia. Você vai ouvindo e de repente fala: “Ei, mas isso é a 4a. sinfonia de Tchaikovsky!” Ou “pensei ter ouvido Petrouchka!”. Não, é música russa que ambos se apropriaram, como fizeram quase todos os nacionalistas, incluindo Villa-Lobos.
Boa audição!

P.S. Acho que este é o primeiro post sobre Balakirev, ele não estava na lista de categorias.

Mily Alexeyevich Balakirev (1837-1910)
CD1
Symphony no.1 in C major
Symphonic Poem “Russia”
CD2
Overture on Three Russian Themes
Symphonic Poem “Tamara”
Symphony no.2 in D minor

The Philharmonia
Yevgeny Svetlanov
Hyperion, 1992

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Arriaga; Voříšek: Symphonies – Sir Charles Mackerras, Scottish Chamber Orchestra HYPERION 1995

Este disco é bem esperto: traz à tona dois compositores que morreram muito cedo e, por conta de uma obra breve, acabam passando despercebido do grande público.

O primeiro é o tcheco Jan Václav Voříšek (1791-1825), que se tornou amigo de Schubert e conviveu com Beethoven, Spohr, Hummel e Moscheles em Viena. Sua única Sinfonia, esta em ré maior de 1821, é uma obra que mostra bem o que aprendeu de seus professores, um classicismo formalmente perfeito, e, não obstante, de ideias musicais abundantes e originais. Nada de cópias ou estudos de segunda mão. É uma sinfonia cativante que lembra o frescor da Sinfonia em Dó de Bizet.

Este mesmo frescor está presente na outra obra, ainda mais impressionante, por ter sido escrita por um jovem de apenas 19 anos, e que morreu exatamente com esta idade. O espanhol (ou antes, basco) Juan Crisóstomo de Arriaga (1806-1826) foi uma criança-prodígio que escreveu uma ópera (hoje perdida) aos 13 anos, música vocal, instrumental e sinfônica com uma espontaneidade de inspiração que nos deixa atônitos. Também por ter nascido no dia 27 de janeiro, e, claro, por semelhanças de vida, ficou conhecido como “Mozart espanhol”. Esta sua única sinfonia, também um deleite clássico, já usa tonalidades de ré maior e ré menor alternadas com tanta frequencia que não dá pra dizer qual delas predomina. Gênio.

De quebra, a abertura da ópera “Los esclavos felices” (apesar da contradição), sempre acompanha as gravações de Arriaga.

A Sinfonia de Arriaga já foi postada aqui anteriormente, numa gravação da Naxos, mas devo mencionar as virtudes desta, da Hyperion: a batuta precisa de Mackerras, um dos maestros mais inspirados do século xx. Pouco festejado, foi o responsável por, modestamente, trazer leituras modernas de diversos compositores e/ou obras pouco conhecidas. As óperas de Janácek ganharam vida em suas mãos.

Jan Václav Voříšek (1791-1825)
Symphony in D major
Juan Crisóstomo de Arriaga (1806-1826)
Los Esclavos Felices, overture
Symphony in D

Scottish Chamber Orchestra
Sir Charles Mackerras
HYPERION, 1995

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Tchaikovsky: The Complete Orchestral Suites – Neeme Järvi Detroit SO CHANDOS 1998

Tchaikovsky é um compositor surpreendente. Quando achamos que já ouvimos todos os seus top hits e isso nos basta, eis que ele vem com ares novos, mostrando que na verdade o buraco é mais embaixo. Não duvide, Tchaikovsky é um compositor de primeiríssima grandeza, coisa fina.

Ele compôs 4 suites para orquestra (pensou em Bach?), destinadas principalmente à dança, mas sem um roteiro determinado, o que talvez tenham feito delas obras pouco visitadas, se comparadas com as suites de seus ballets com libreto. Eu mesmo cheguei a escutá-las, esporadica e espaçadamente, em alguns programas da Rádio Cultura de SP. Sempre me chamaram a atenção, mas a indústria fonográfica não lhes deu muito crédito. Eis que a internet fez aflorar estas pérolas: requintadíssimas no quesito orquestração, irresistíveis com seus ritmos russos, e uma verve melódica espantosa – aliás, que talento tinha esse cara para compor melodias! E, pasmem, a Suite no.1 começa com nada mais nada menos que uma Fuga, e das cabeludas. É realmente de se espantar: Tchaikovsky? Fuga? preciso ouvir isso!

Claro, não tem o mesmo apelo dramático que seus ballets ou sinfonias, são, neste quesito, bem mais modestas, mas… que música! A suite no.4 é uma homenagem, à sua maneira, do compositor que ele mais gostava, Mozart, e é de uma espontaneidade contagiante. Resumo: Imperdível.

Piotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)
CD1
Orchestral Suite no.1 in D major op.43
Orchestral Suite no.2 in C major op.53
CD2
Orchestral Suite no.3 in G major op.55
Orchestral Suite no.4 in G major op.61 “Mozartiana”

Detroit Symphony Orchestra
Neeme Järvi
CHANDOS, 1998

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Wieniawski: Violin Concertos 1 & 2, Legend op.17; Sarasate: Zigeunerweisen – Gil Shaham, Foster, LSO DG 1991

Estes concertos são considerados, ao lado dos de Paganini, os carros-chefe do repertório virtuoso dos violinistas. Com efeito, são concertos dificílimos. Mas para quem não é violinista, ou não tem uma predileção especial pelo violino, são bem chatos. Tem lá seus bons momentos, mas foram escritos por um violinista e não por um compositor, então o virtuosismo se sobressai ao material musical. Nada contra. Apenas acho chato, lhe falta a fluência melódica que faz de seus concorrentes (Paganini mesmo) mais interessantes.
Mas esta gravação em especial me fez gostar mais destes concertos que de costume, não sei se pela sonoridade de Shaham ou pelos tempos de Lawrence Foster, mas eles me chamaram mais a atenção, e considero isto, neste caso específico, digno de nota. E, realmente, foi uma gravação elogiadíssima na ocasião de seu lançamento. Deve ser por isso.

Aproveitem!

Henryk Wieniawski (1835-1880)
Violin Concerto no.1 in F-sharp minor op.14
Violin Concerto no.2 in D minor op.22
Légende in G minor, op.17

Pablo de Sarasate (1844-1908)
Zingaresca, op.20

Gil Shaham, violin
London Symphony Orchestra
Lawrence Foster
Deutsche Grammophon, 1991

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Albinoni: The Complete Concertos op.9 – Ayo, Holliger, I Musici PHILIPS DUO

Esta compilação foi lançada em 1997 simultaneamente pelos selos DECCA e PHILIPS, já que a esta altura do campeonato as gravadoras começavam a abrir o bico e acabaram se fundindo (e se fudindo) em uma única, a Universal Music. E assim, o mesmo disco foi lançado de várias formas, já num prenúncio de desespero que viria a se concretizar no cenário dos anos 2000. Era o início do declínio da indústria da música clássica, segundo Norman Lebrecht.

Mas, de qualquer forma, agradecemos o fato de que todo o gigantesco acervo de meio século de gravações espetaculares foi digitalizado, podendo assim se manter acessível quando o negócio em si não se sustenta mais. E aí, gravações como esta, da década de 70 e 80, se mantém vívidas e disponíveis.

Albinoni já foi tratado aqui várias vezes por postagens magníficas, e, se o seu famoso Adagio (que inclusive consta no final deste disco, talvez para torná-lo mais vendável) é um grande embuste, pelo menos serviu para colocá-lo no cenário musical com algum respeito. E, realmente, estes concertos são bem diferentes do tal Adagio, e nos delicia com seu barroco autêntico.

A audição destes concertos, contudo, é muito curiosa: eles tem uma sonoridade que lembra muito a formação típica de Vivaldi, em alguns momentos parece Vivaldi, mas não tem os irresistíveis temas de Vivaldi, salvo algumas exceções. É como se estivéssemos ouvindo um Vivaldi sem a inspiração temática. Tirem suas conclusões.

E, nem preciso dizer, interpretação da melhor qualidade, Dream Team.
Boa audição.

Tommaso Albinoni
CD1
Concerto a 5 in B flat, Op.9, No.1 for Violin, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in D minor, Op.9, No.2 for Oboe, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in F, Op.9, No.3 for 2 Oboes, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in A ,Op.9, No.4 for Violin, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in C, Op.9, No.5 for Oboe, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in G, Op.9, No.6 for 2 Oboes, Strings, and Continuo
CD2
Concerto a 5 in D, Op.9, No.7 for Violin, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in G minor, Op.9, No.8 for Oboe, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in C, Op.9, No.9 for 2 Oboes, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in F, Op.9, No.10 for Violin, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in B flat, Op.9, No.11 for Oboe, Strings, and Continuo
Concerto a 5 in D, Op.9, No.12 for 2 Oboes, Strings,and Continuo
Adagio for Strings and Organ in G minor

Félix Ayo, violino
Heinz Holliger, oboe
Maurice Bourgue, oboe
I Musici

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Wolf: Penthesilea, Italian Serenade, Excerpts from “Der Corregidor” etc. Barenboim, Orchestre de Paris ERATO/APEX 1992

Procurando na preciosa lista de compositores do PQP, me deparei com o curioso fato de que não consta o nome de Hugo Wolf (1860-1903). Verifiquei novamente, mas os fatos eram incontestáveis: PQP ainda não tem uma postagem deste importante compositor. Ignorância? Negligência? Esquecimento? Seja qual for a causa, que na verdade não importa, urge sanar esta lacuna. E eis que, então, posto o primeiro disco de Wolf.

Mais conhecido por ter sido um dos píncaros do gênero Lied pós-romântico, Wolf foi influenciado basicamente por Wagner, manteve certa antipatia pela causa neoclássica de Brahms, e no frigir dos ovos, acabou por se tornar, de certa forma, modelo para a geração posterior, representada pela Segunda Escola de Viena, em termos de intensidade dramática e concisão de ideias. Wolf é frequentemente colocado na linha sucessória de Schubert como herdeiro da tradição germânica do Lied, e muitos deles são diretamente comparados aos do seu mestre. Alguns se dizem superiores aos de Schumann, e tenho para mim que são mais fluentes que os de Richard Strauss. Não é pouca coisa.

Infelizmente, Wolf teve uma vida conturbada, tentando se estabelecer num cenário musical competitivo e desigual, o que lhe acarretou graves crises depressivas, e acabou enlouquecendo pela sífilis, ainda jovem.

Wolf escreveu pouco para orquestra, e tem apenas uma ópera acabada. Este disco reúne quase a totalidade de sua música orquestral, e, de certa forma, é uma ótima introdução à sua arte particular, que definitivamente precisa ser conhecida.

HUGO WOLF
Penthesilea, symphonic poem
Der Corregidor, opera: Vorspiel & Zwischenspiel
Italian Serenade
Scherzo & Finale

Orchestre de Paris
Daniel Barenboim
Gravação original de 1992, relançada em 2003.

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Mendelssohn: 12 String Symphonies – Ross Pople, London Festival Orchestra HYPERION, 2004

Hoje, 3 de fevereiro, é aniversário de Felix Mendelssohn. Pensei muito no que postar, e vi que o PQP já tem praticamente tudo dele, alguns itens várias vezes. Mas este chucruten tem um trunfo, que nunca foi postado, e eis aqui em primeira mão a integral de suas Sinfonias de juventude escritas para orquestra de cordas.

Entre os 12 e os 14 anos, Mendelssohn escreveu 12 Sinfonias para serem executadas em ambiente privado, provavelmente uma orquestra de cordas que se reunia em sua casa, por ser um ambiente abastado cultural e monetariamente (ele era filho de um rico banqueiro judeu). A primeira eventual sinfonia em que acrescenta madeiras, metais e percussão, que ele considerava a sua 13a., ficou sendo a sua Sinfonia no.1 em dó menor op.11, escrita por ele aos 15 anos. Então, se o ouvinte se pergunta: mas como um rapaz de 15 anos poderia ter escrito tal sinfonia, e no pacote, em idades próximas, o fabuloso Octeto op.20 e a mágica abertura do Sonho de uma Noite de Verão? Bem, a resposta mais evidente é: ele treinou muito antes, com estas sinfonias para cordas. Quando resolveu investir numa orquestra completa, já era um compositor maduro. Ademais, é notório que Mendelssohn é frequentemente comparado, em relação à precoce inclinação musical e espontaneidade de ideias, a Mozart. Foi Schumann, por notar estas semelhanças, que o apelidou “Mozart do século XIX”. É ver pra crer.

Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847)
CD1
String Symphony No. 1 In C Major
String Symphony No. 2 In D Major
String Symphony No. 3 In E Minor
String Symphony No. 4 In C Minor
String Symphony No. 5 In B Flat Major
String Symphony No. 6 In E Flat Major
CD2
String Symphony No. 7 In D Minor
String Symphony No. 8 In D Major
String Symphony No. 9 In C Minor “Swiss Symphony”
CD3
String Symphony No. 10 In B Minor
String Symphony No. 11 In F Major
String Symphony No. 12 In G Minor

London Festival Orchestra
Ross Pople
Hyperion, 1991

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Chucruten

 

Pierné: Piano Concerto, Marche des Petits Soldats de Plomb, Ramuntcho Suite etc. Bavouzet, Mena CHANDOS 2011

Gabriel Pierné (1863-1937) foi um dos mais festejados compositores de sua geração, contemporânea de Debussy, Roussel, Fauré e Ravel. Entretanto, suas atividades como maestro e professor acabaram por colocá-lo, de certa forma injustamente, num panteão dos grandes intérpretes (estreou diversas obras de seus colegas mais famosos) e não dos grandes compositores. Sobrou a peça de repertório “Marcha dos Soldadinhos de Chumbo” (que constava naquela coleção de LPs com gatinhos na capa) como sua máxima expressão de criatividade.

Este erro parece ter sido aos poucos corrigido mas em tempos muito recentes: este disco é de 2011, uma raridade numa época em que a gravação clássica já era praticamente um artigo de museu. Mas, parafraseando nosso guru pqp, este disco é IMPERDíVEL.

O Concerto de Pierné é, no mínimo, surpreendente pela extrema fluidez melódica, verve rítmica e originalidade temática. Mas basta uma audição para comprovar: nos sentimos impelidos a escutar de novo, e de novo, e de novo, tal é sua qualidade. Mais surpresas: um concerto que não tem movimento lento, são todos rápidos e titânicos, de grandiosidade e polidez que só um francês poderia escrever. Poucas vezes piano e orquestra tiveram diálogo tão franco e direto. Coisa fina.

Ramuntcho é uma obra igualmente surpreendente, escrita para acompanhar o drama homônimo de Pierre Loti, e demonstra, na orquestração brilhante e ritmos folclóricos bascos, uma maestria de escrita digna dos melhores momentos da música francesa. Uma verdadeira revelação.

E de quebra, a tal Marcha dos Soldadinhos de Chumbo, obra realmente simples mas encantadora, e o Divertimento sobre um tema Pastoral, que completam esta breve, mas importantíssima apresentação (ou re-apresentação) de Pierné. Uma pérola oculta no mar de gravações deste século.

Gabriel Pierné (1863-1937)
Marche des Petits Soldats de Plomb
Piano Concerto in C minor op.12
Divertissements sur un Thème Pastoral
Ramuntcho Suites nos.1 & 2
Jean-Efflam Bavouzet, piano
BBC Philharmonic Orchestra
Juanjo Mena

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Utopia Triumphans: The Great Polyphony of the Renaissance – Paul van Nevel, Huelgas Ensemble SONY 1995

O bom filho à casa torna. Para comemorar o Retorno do Chucruten, um CD primoroso que exalta a complexidade da harmonia e do contraponto na idade de ouro da polifonia, a Renascença.

Não é exagero dizer que, uma vez que a música se libertou dos grilhões monofônicos do cantochão, literalmente se esbaldou de sobrepor vozes. Nunca haviam comido mel, então, claro, se lambuzaram todos. E o resultado é, além de curioso, também incrivelmente convincente: motetos de 13, 16, 24 e até 40 vozes, cada uma com linhas melódicas distintas, criam um cluster harmônico que causam a impressão singular de estar diante de uma música ao mesmo tempo imemorial e moderna, extremamente antiga e nova: sensação de eternidade.

O moteto Qui Habitat de Josquin desPrez é uma das pérolas deste disco, 24 vozes que se sobrepõe, uma a uma, causando um curioso padrão de interferência sonoro de resultantes harmônicas e rítmicas. E, o carro-chefe do disco, o Spem in Allium de Thomas Tallis: 40 vozes. Um professor de música colega meu, que não conhecia a obra, ouviu-a numa instalação artística em Inhotim-MG, e achou ser uma peça contemporânea!

Utopia Triumphans

Thomas Tallis: Spem in alium
Constanzo Porta: Sanctus – Agnus Dei
Josquin Desprez: Qui habitat
Jean de Ockeghem: Deo gratias
Pierre de Manchicourt: Laudate Dominum
Giovanni Gabrieli: Exaudi me Domine
Alessandro Striggio: Ecce beatam lucem

Huelgas Ensemble – Paul van Nevel

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Berlioz: Grande Symphonie Funèbre et Triomphale, etc. – The Wallace Collection, John Wallace NIMBUS 1989

Berlioz é um compositor bastante singular: autor de obra relativamente breve, teve seu nome gravado na história da música não apenas pelo veio melódico que marcou os primórdios do romantismo, mas também pela inovação, ousadia e inventividade principalmente no quesito orquestração. Berlioz foi virtuose de apenas um instrumento: a orquestra sinfônica. Mas é uma obra de altos e baixos. Ao mesmo tempo grandiloquente e apelativa, ruidosa como apelo romântico, mas educada pela polidez francesa, é uma obra contraditória, e, contudo, fascinante.

Confesso que considero muitos de seus momentos tediosos, mas a originalidade na combinação de timbres acaba por deixar a maioria deles no ostracismo, revelando, afinal, um compositor de gênio.

Este é o caso desta obra, a Grande Sinfonia Fúnebre e Triunfal. Ofuscada pelos hits mais populares, como a Sinfonia Fantástica, Haroldo na Itália, o Réquiem ou o Te Deum, fora suas irresistíveis aberturas sinfônicas, apesar de não ter o mesmo apelo, não deixa a desejar no quesito originalidade. Escrita para uma grande orquestra de sopros (leia-se Banda Sinfônica), foi encomendada para comemorar o décimo aniversário da revolução de 1830, e seus enormes recursos instrumentais (exige 200 músicos e coro para uma execução que se destinava ao ar livre) limitam muito suas apresentações. Ademais, é uma obra dramática, contemplativa, pouco adequada à apresentações de Bandas, o que faz dela basicamente uma obra negligenciada. Felizmente temos a gravação. Só para constar, talvez a melhor frase que a defina tenha sido dita por Wagner, que estava na sua estréia: “extraordinária da primeira à última nota”.

O disco tem, de quebra, um monte de outras peças de compositores franceses, não muito contemporâneos de Berlioz, mas que escreveram música baseados no mesmo propósito: a Revolução Francesa e suas consequencias, incluindo uma excelente versão da Marselhesa. Vale cada minuto.

Berlioz: Grande Symphonie Funèbre Et Triomphale
Gossec: Symphonie Militaire
Jadin: Overture in F
Gossec: Marche Lugubre
Cherubini: Hymne à la Victoire
Lefevre: Hymne à l’Agriculture
Rouget de Lisle: Hymne à la liberté (La Marseillaise)

The Wallace Collection, John Wallace

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Chucruten

Florence Foster Jenkins – The Glory (???) of Human Voice [link atualizado 2017]

Florence Foster Jenkins – The Glory (???) of Human Voice  [link atualizado 2017]

Obs. de PQP: Neste ano de 2016, o mundo falará muito em Florence Foster Jenkins. Afinal, Stephen Frears acaba de finalizar a cinebiografia desta absurda, patética e desafinadíssima cantora com Meryl Streep no papel principal. Ela é simplesmente hilariante. As plateias desenvolveram uma curiosa convenção. Quando ela chegava em momentos particularmente horríveis em que  eles tinham que rir, eles explodiam em aplausos e assobios para poderem rir livremente, sem machucar tanto a auto-estima — na verdade uma inabalável fortaleza — da pobre cantora. Ouçam o que ela consegue fazer nesta que é sua melhor gravação (não estou ironizando). Ouvir ‘A Faust Travesty’ é algo só para os fortes, mas ‘A Rainha da Noite’, ‘Biassy’ e ‘Like a Bird’ também quase me mataram. Mas deixemos a palavra para Das Chucruten.

Hoje vou postar uma pérola da indústria fonográfica do século XX, que de vez em quando deixa escapar suas máculas de maneira muito divertida. Esta é o que podemos chamar de raridade humorística da música.

Florence Foster Jenkins foi uma moça da alta sociedade americana, nascida ainda no final do séc.XIX, casada durante pouco tempo com um médico, e depois com um ator que virou seu empresário. Ao que parece sua família era muito rica e lhe permitiu manter-se de forma extravagante mesmo depois de uma separação. Consta que ela sempre quis ser cantora, mas nem seus pais nem seu marido deram bola, então ela resolveu seguir por conta própria. O resultado é que ela se autopromoveu e começou a organizar apresentações de canto às próprias custas.

Chamou a atenção dos críticos porque era totalmente desprovida de qualquer musicalidade mínima: não entendia a pulsação rítmica, era incapaz de manter-se no ritmo; não conseguia afinar-se minimamente e tinha uma pronúncia de língua estrangeira que beirava o ridículo. Não obstante, suas apresentações se tornaram “cult”, e, mesmo sabendo que o público ia assisti-la para o escárnio, dizia que os risos eram “inveja profissional”.

Pouco antes de morrer, em 1944, conseguiu apresentar-se no Carnegie Hall e gravou seu único disco de 78 rotações (aos 70 anos de idade!), que é a pérola que aqui vos apresento. O mérito do pianista acompanhador é grande, um verdadeiro malabarista que consegue, com maestria, seguir um motorista bêbado. O CD ainda tem umas faixas bônus com uma sátira ao Fausto de Gounod, cantado de forma invertida, e muito propriamente, chamado “A Faust Travesty”. Agradeço à minha amiga Ana Lucia pela introdução desta Diva na minha discografia

Abraços

Meryl Streep como Florence em filme de Stephen Frears que será lançado este ano
Meryl Streep como Florence em filme de Stephen Frears que será lançado este ano

FLORENCE FOSTER JENKINS – THE GLORY (???) OF HUMAN VOICE / A FAUST TRAVESTY

01 Mozart: Die Zauberflöte, K 620 – Queen Of The Night Aria
02 Lyadov: Die Musikdose, Op. 32
03 Cosme McMoon: Like A Bird
04 Delibes: Lakme – Ou Va La Jeune Hindoue_
05 Cosme McMoon: Serenata Mexicano
06 David: La Perle Du Bresil – Charmant Oiseau
07 Bach,J.S. / Pavlov:  Biassy
08 Strauss, Jr.: Die Fledermaus – La Chauve-Souris_ Adele’s Laughing Son – Air D’adele – ‘mein Herr Marquis’
09 Gounod: A Faust Travesty: Valentine’s Aria (Ere I Leave My Native Land)
10 Gounod: A Faust Travesty: Jewel Song (O Heavenly Jewels)
11 Gounod: A Faust Travesty: Salut, Demeure Chaste Et Pure (Emotions Strange)
12 Gounod: A Faust Travesty: Final Trio (My Heart Is Overcome With Terror)

Florence Foster Jenkins, Soprano
Cosme McMoon, pianist
Jenny Williams – Thomas Burns, singing the Faust parody

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Ela, a Diva
Ela, a Diva

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Korngold / Zemlinsky: Piano Trios – Beaux Arts Trio

Erich Wolfgang Korngold (1897-1957) foi um dos grandes fenômenos musicais que o século XX produziu. Menino prodígio, aos 11 anos já tinha sido reconhecido e elogiado por Mahler, que o recomendou para estudar com Zemlinsky e Richard Strauss, deixando-os, cada um à sua maneira, completamente atônitos com seu talento precoce e espontâneo. Escreveu sua primeira obra orquestral completa aos 14 e sua primeira ópera aos 16. Sua ópera de maior sucesso, Die tote Stadt, foi escrita quando ele contava 23 anos. Esse pequeno currículo já nos dá uma boa base da qualidade da música que vamos ouvir. É sempre bom lembrar que Korngold foi solicitado por Hollywood para escrever música de cinema, e acabou ficando por lá por conta da perseguição nazista que assolava a Europa no final da década 30. Apesar das trilhas sonoras de qualidade incomparável (que, a bem da verdade, ensinaram aos americanos como escrever para cinema), ele acabou decepcionado com oamerican way of life e faleceu em 1957 bastante desgostoso. Mas a obra ora apresentada faz parte da sua impetuosa juvenília, e deve-se procurar ouví-la sem saber que tinha 12 anos quando a escreveu (é seu opus 1). É obra de um compositor maduro.

O outro compositor, Alexander Zemlinsky (1871-1942), já foi apresentado aqui em outro post, mas fica a dica: trata-se de uma obra surpreendente, música de câmara da melhor qualidade, diria: brahmsiana. Também é obra de juventude e já demonstra o potencial da competência musical de Zemlinsky.

O que é bacana neste CD é ouvir uma espécie de retrato de uma época, virada de século, novas idéias, e, principalmente, duas obras muito próximas, escritas uma pelo mestre (Zemlinsky), e outra por seu pupilo (Korngold). Comprei este CD sem saber nada dessas obras e devo dizer com satisfação que nunca me arrependi; pelo contrário, cada vez recomendo mais.

Korngold: Piano Trio In D, Op. 1
1. Allegro Non Troppo, Con Espressione
2. Scherzo – Trio. Viel langsamer, innig – Allegro
3. Larghetto. Sehr langsam
4. Finale: Allegro Molto E Energico

Zemlinsky: Piano Trio In D Minor, Op. 3
1. Allegro Ma Non Troppo
2. Andante
3. Allegro

BEAUX ARTS TRIO

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