Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) – Sir Colin Davis Conducts Mozart – Colin Davis, Staatskapelle Dresden

Neste final de semana resolvi ouvir Mozart. Depois de muita pesquisa em meu acervo, escolhi esta belíssima caixa dedicada às suas últimas sinfonias e dirigidas pelo maestro inglês Sir Colin Davis. Curiosamente, a escolha do produtor e do próprio maestro, com certeza, estas gravações foram realizadas com a excelente Sttatskapelle Dresden entre 1981 e 1992, conjunto orquestral com o qual ele tinha muita afinidade.

São 5 cds de pura beleza, harmonia e paz. Sugiro como trilha sonora para um final de semana sem maiores planos, apenas talvez ficar sentado em seu sofá e apreciar a obra de Mozart nas mãos de um dos maiores maestros do século XX.

CD 1

1 Symphony no.28 in C major, K.200 I. Allegro spiritoso
2 symphony no.28 in C major, K.200 II. Andante
3 symphony no.28 in C major, K.200 III. Menuetto. Allegretto – Trio
4 Symphony no.28 in C major, K.200 IV. Presto
5 Symphony no.29 in A major, K.201 I. Allegro moderato
6 Symphony no.29 in A major, K.201 II. Andante
7 Symphony no.29 in A major, K.201 III. Menuetto – Trio
8 Symphony no.29 in A major, K.201 IV. Allegro con spirito
9 Symphony no.34 in C major, K.338 I. Allegro vivace
10 Symphony no.34 in C major, K.338 II. Andante di molto
11 Symphony no.34 in C major, K.338 III. Finale. Allegro vivace

CD 2

1 Symphony no.32 in G major, K.318 Allegro – Andante – Tempo I
2 Symphony no.30 in D major, K.202 I. Molto allegro
3 Symphony no.30 in D major, K.202 II. Andantino con moto
4 Symphony no.30 in D major, K.202 III. Menuetto – Trio
5 Symphony no.30 in D major, K.202 IV. presto
6 Symphony no.33 in B flat mejor, K.319 I. Allegro assai
7 Symphony no.33 in B flat mejor, K.319 II. Andante mederato
8 Symphony no.33 in B flat mejor, K.319 III. Menuetto – Trio
9 Symphony no.33 in B flat mejor, K.319 IV. Allegro assai
10 Symphony no.31 in D major, K.297 ‘Paris’ I. Allegro assai
11 Symphony no.31 in D major, K.297 ‘Paris’ II. Andante
12 Symphony no.31 in D major, K.297 ‘Paris’ III. Allegro

CD 3

1 Symphony no.35 in D major major, K.385 ‘Haffner’ I. Allegro con spirito
2 Symphony no.35 in D major major, K.385 ‘Haffner’ II. Andante
3 Symphony no.35 in D major major, K.385 ‘Haffner’ III. Menuetto – Trio
4 Symphony no.35 in D major major, K.385 ‘Haffner’ IV. Finale. Presto
5 Symphony no.38 in D major, K.504 ‘Prague’ I. Adagio – Allegro
6 Symphony no.38 in D major, K.504 ‘Prague’ II. Andante
7 Symphony no.38 in D major, K.504 ‘Prague’ III. Finale. Presto

CD 4

1 Symphony no.36 in C major, K.425 ‘Linz’ I. Adagio – Allegro spiritoso
2 Symphony no.36 in C major, K.425 ‘Linz’ II. Andante
3 Symphony no.36 in C major, K.425 ‘Linz’ III. Menuetto – Trio
4 Symphony no.36 in C major, K.425 ‘Linz’ IV. Finale. Presto
5 Symphony no.40 in G minor, K.550 I. Molto allegro
6 Symphony no.40 in G minor, K.550 II. Andante
7 Symphony no.40 in G minor, K.550 III. Menuetto. Allegretto – Trio
8 Symphony no.40 in G minor, K.550 IV. Allegro assai

CD 5

1 Symphony no.39 in E-flat major, K.543 I. Adagio – Allegro
2 Symphony no.39 in E-flat major, K.543 II. Andante con moto
3 Symphony no.39 in E-flat major, K.543 III. Menuetto. Alegretto – Trio
4 Symphony no.39 in E-flat major, K.543 IV. Finale. Allegro
5 Symphony no.41 in C major, K.551 ‘Jupiter’ I. Allegro vivace
6 Symphony no.41 in C major, K.551 ‘Jupiter’ II. Andante cantabile
7 Symphony no.41 in C major, K.551 ‘Jupiter’ III. Menuetto. Alegretto – Trio
8 Symphony no.41 in C major, K.551 ‘Jupiter’ IV. Molto allegro

Staatkapelle Dresden
Sir Colin Davis – Conductor

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Variations on variations – Rinaldo Alessandrini, Concerto Italiano

No dia do aniversário de nosso compositor maior, Johann Sebastian Bach, trago para os senhores um dos últimos CDs de Rinaldo Alessandrini e seu Concerto italiano, e aqui estamos falando de um dos maiores especialistas em barroco da atualidade com seu conjunto de câmara. Me perdoem não ter traduzido o texto abaixo, o tempo urge, e estou fazendo esta postagem a toque de caixa, como sempre, aliás. Enfim, este texto abaixo foi retirado do booklet do CD, que segue em anexo ao arquivo de áudio, por sinal.  De qualquer forma, existem diversos programas tradutores disponíveis na internet.

The programme of this recording is composed of works that adopt the variation as the generating principle of the music. Our ‘variations’ on them modify the image and sonor- ity of the works, originally conceived for harpsichord, pedal harpsichord and organ. The varying styles of the original pieces make it possible to adapt them using different instru- mental scorings: violin and basso continuo in the case of the Aria variata alla maniera italiana BWV 989; a four-voice texture transcribed for four-part string ensemble in the Passacaglia BWV 582, the Canzona BWV 588, and a substantial portion of the Goldberg Variations BWV 988. Chamber formations of various sizes have been chosen for the canons and some of the other variations in the Goldberg cycle. What you will hear makes no pretence at orthodoxy. It is, rather, a divertissement, a subtle intellectual pleasure, which we experienced during the year it took for the project to come to gestation and realisation. In fact, I am not the first to have hit on the idea of arranging the Goldberg Variations for string ensemble: Dmitri Sitkovetsky made a version for string trio years ago, and Bernard Labadie one for string orchestra even before that. To transcribe the different sets of variations here for large forces would seem to be forcing their nature. For the style of the Goldberg Variations is already somewhat inhomogeneous (the other works on the programme are more regular in style) and sometimes highly idiomatic in keyboard terms. The series of canons is (almost) invariably in three parts. Some of the variations are in four parts, others in two. Others again are developed in polyphony with a varying number of voices. Hence, since we cannot adduce a specific reason to justify this project, the sole remaining argument is that of an intellectual and technical challenge.

The rest of the programme presented fewer problems of elaboration. The Passacaglia was transposed up a tone to the key of D minor, in which the strings sound well; similarly, the Aria BWV 989 was transposed down a tone. The Passacaglia, conceived in four parts (almost) throughout, adapts splendidly to an orchestral texture, which emphasises the dance character that, in the end, a passacaglia should always possess. The Canzona was given a literal transcription. The Aria reverts to what is presumed to have been its original Italian model, for violin and basso continuo. But it should not be thought that undertakings of this kind are unjustified modern  ‘outrages’. On the contrary, we have many illustrious examples of the practice: beginning with the fugues Mozart selected from The Well-Tempered Clavier and transcribed for string quartet (K404a and K405), the list stretches right down to the present with the monumental transcriptions of Elgar, Stokowski, Schoenberg and Webern, to name only a few. And the first composer to embark on such an enterprise was Bach himself, who reused many of his and other composers’ works (the Mass in B minor, for instance, contains a great many revisions of earlier compositions; numerous movements from the Brandenburg Concertos are reworked in different ways in church cantatas; and his German version of Psalm 51 is adapted from the score of Pergolesi’s Stabat Mater), modifying their performing forces to produce spectacular transcriptions, of which the most striking is the transformation of the Prelude and Fugue in A minor for harpsichord BWV 894 into the Triple Concerto for flute, violin, harpsichord and strings BWV 1044. My initial idea was to realise a version of these works that would in any case present orthodox structural aspects consistent with a historical notion of instrumental style. Hence, in the Goldberg cycle, I transcribed the canons and some of the variations as chamber music for two instruments and basso continuo (Variations 3, 6, 9, 12, 15, 18, 21, 24) or two instruments without bass (Variations 11, 17 and 27). The challenge was to realise the rest of the variations in a homogeneous and complete texture in three or four parts, conceived for a group of strings and continuo. It therefore proved necessary to complete the irregular texture of many variations, adding lines or bringing out the polyphony present in skeleton form in the harpsichord writing. Variation 1 was completed in four real parts, as were nos. 5, 8, 14, 20, 23, 28 and 29. I added a middle part to Variation 7 in order to justify the function of the bass line as a bassetto. The French Overture of Variation 16 was completed in four real parts, as was its fugue, which in the original is mostly in three parts. Variation 20 was the piece that required the greatest adjustment of the writing to the possibilities of performance by a group of strings. The operation inevitably bordered on the arbitrary in those cases where it was necessary to complete the contrapuntal texture in order to realise four complete and independent parts. Very often, Bach’s compositional technique implies a significant quantity of canonic procedures (most apparent in Variation 8), inherent in the texture but which remained incomplete because of the obvious physical impossibility of executing such complexities with two hands. The figuration, especially the most brilliant, frequently reaches the limits of execution on a single stringed instrument (Variations 14, 20 and 26). For this reason, one might have accepted the principle, in some passages, of changing the figuration into something similar, but more idiomatic for the strings. But I preferred, at least for this recording, to keep as close as possible to the original for harpsichord. The result offers an opportunity to listen in a new way to the polyphony of the Goldberg Variations (and the rest of the programme) with the help of the rich timbres of a group of strings, which isolate the individual lines and at the same time recreate the contrapuntal unity of these pieces, underlining once more their extraordinary wealth of invention.”

Rinaldo Alessandrini é um maestro italiano, muito conhecido e admirado aqui no PQPBach por suas gravações de música barroca. Seu conjunto não por acaso se chama Concerto Italiano, e é com ele que os senhores terão a oportunidade de conhecer uma outra possibilidade de interpretação das míticas “Variações Goldberg”, neste caso em arranjo para conjunto de cordas e cravo. Muitos estão acostumados com as tradicionais versões ou para o próprio cravo ou então para piano, e de vez em quando trazemos outras possibilidades, como por exemplo, saxofone. O que tenho a dizer é que o trabalho que Alessandrini fez aqui é absolutamente sensacional, estonteante. Dá uma nova perspectiva a estas variações. Em minha opinião valem cada minuto de audição.

1 passacaglia in d minor, from the original for pedal harpsichord in c minor, bwv 582
aria variata alla maniera italiana in g minor for violin and basso continuo, from the original for harpsichord in a minor, bwv 989
2 Thema
3 Variatio 1
4 Variatio 2 5 Variatio 3
6 Variatio 4
7 Variatio 5
8 Variatio 6
9 Variatio 7
10 Variatio 8
11 Variatio 9
12 Variatio 10
13 canzona in d minor, from the original for organ, bwv 588
goldberg variations, from the original for harpsichord, bwv 988

14 Aria (à 4)
15 Variatio 1 (à 4)
16 Variatio 2 (à 3)
17 Variatio 3 – Canone all’Unisuono (à 3)
18 Variatio 4 (à 4)
19 Variatio 5 (à 4)
20 Variatio 6 – Canone alla Seconda (à 3)
21 Variatio 7 – Al tempo di Giga (à 3) [nicholas robinson]
22 Variatio 8 (à 4)
23 Variatio 9 – Canone alla Terza (à 3)
24 Variatio 10 – Fughetta (à 4)
25 Variatio 11 (à 2 violini)
26 Variatio 12 – Canone alla Quarta (à 3) [nicholas robinson]
27 Variatio 13 (à 3) [antonio de secondi]
28 Variatio 14 (à 4)
29 Variatio 15 – Canone alla Quinta (à 3)
30 Variatio 16 – Ouverture (à 4)
31 Variatio 17 (à 2, violino e violoncello) [antonio de secondi]
32 Variatio 18 – Canone alla Sesta (à 3)
33 Variatio 19 (à 3)
34 Variatio 20 (à 4)
35 Variatio 21 – Canone alla Settima (à 3) [nicholas robinson]
36 Variatio 22 – Alla breve (à 4)
37 Variatio 23 (à 4)
38 Variatio 24 – Canone all’Ottava (à 3) [antonio de secondi]
39 Variatio 25 – Adagio (à 3) [nicholas robinson]
40 Variatio 26 (à 4)
41 Variatio 27 – Canone alla Nona (à 4)
42 Variatio 28 (à 4)
43 Variatio 29 (à 4)
44 Variatio 30 – Quodlibet (à 4)
45 Aria (à 4)

Transcriptions, arrangements and adaptations by rinaldo alessandrini from the originals by johann sebastian bach

Concerto Italiano
Rinaldo Alessandrini – Harpsichord & Conductor

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Violin Concertos – Isabelle Faust, Akademie für Alt Musik Berlin

Já há alguns anos acompanho a carreira da violinista alemã Isabelle Faust. Creio que eu deva ter todas as suas gravações. E graças à internet temos acesso quase que instantâneo ao lançamento de seus CDs.

Pois foi o que aconteceu com este seu novo registro, onde interpreta nossos amados Concertos para Violino de Johann Sebastian, o Bach. E qualquer nova gravação de Faust me é muito especial, pelo apreço que tenho por esta excepcional musicista. Não teme em encarar desde Bártok, Berg, Brahms, Beethoven ou nosso amado e imortal Bach. E também não temo em colocá-la no mesmo patamar de outras duas grandes violinistas da atualidade, Rachel Podger e Amandine Beyer, porém estas duas tem seu principal foco na música barroca, enquanto Faust circula facilmente por estes diversos períodos com extrema competência, versatilidade e diria até facilidade.

Para acompanhá-la, Faust convidou a “Akademie für Alt Musik Berlin”, conjunto altamente especializado neste repertório.

Ah, este CD foi lançado pela Harmonia Mundi agora no dia 15 de março, ou seja, é fresquinho, recém saído dos fornos da gravadora. Assim a amazon nos apresenta a este fortíssimo candidato a Gravação do Mês, quiçá do ano, da conceituada revista Grammophone:

“This recording featuring Isabelle Faust and Akademie für Alte Musik Berlin explores works by Johann Sebastian Bach that were, in one form or another, originally written or conceived as violin showpieces. Along with the famous Violin Concertos BWV 1041-43, a selection of of overtures, trio sonatas, and concertos now associated with other instruments, are performed here on violin as the composer intended. Hearing Faust play the famous Badinerie from the second Orchestral Suite (normally played on flute) is a reminder that the author of The Well-Tempered Clavier was also a virtuoso violinist.”

CD 1
1. Isabelle Faust – Violin Concerto in D Minor, BWV 1052R_ I. Allegro
2. Isabelle Faust – Violin Concerto in D Minor, BWV 1052R_ II. Adagio
3. Isabelle Faust – Violin Concerto in D Minor, BWV 1052R_ III. Allegro
4. Akademie fur Alte Musik Berlin – Ich liebe den Höchsten von ganzem Gemüte, BWV 174_ I. Sinfonia
5. Isabelle Faust – Violin Concerto in E Major, BWV 1042_ I. Allegro
6. Isabelle Faust – Violin Concerto in E Major, BWV 1042_ II. Adagio
7. Isabelle Faust – Violin Concerto in E Major, BWV 1042_ III. Allegro assai
8. Akademie fur Alte Musik Berlin – Ich hatte viel Bekümmernis, BWV 21_ Sinfonia
9. Isabelle Faust – Trio Sonata in C Major, BWV 529_ I. Allegro (Arr. for 2 violins and basso continuo)
10. Isabelle Faust – Trio Sonata in C Major, BWV 529_ II. Largo (Arr. for 2 violins and basso continuo)
11. Isabelle Faust – Trio Sonata in C Major, BWV 529_ III. Allegro (Arr. for 2 violins and basso continuo)
12. Isabelle Faust – Concerto for violin and oboe in C Minor, BWV 1060R_ I. Allegro
13. Isabelle Faust – Concerto for violin and oboe in C Minor, BWV 1060R_ II. Largo ovvero Adagio
14. Isabelle Faust – Concerto for violin and oboe in C Minor, BWV 1060R_ III. Allegro

CD 2

1. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ I. Ouverture
2. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ II. Rondeau
3. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ III. Sarabande
4. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ IV. Bourrées I & II
5. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ V. Polonaise. Moderato e staccato. Double
6. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ VI. Menuet
7. Isabelle Faust – Overture No. 2 in B Minor, BWV 1067_ VII. Badinerie. Staccato
8. Isabelle Faust – Trio Sonata in D Minor, BWV 527_ I. Andante (Arr. for oboe, violin and basso continuo)
9. Isabelle Faust – Trio Sonata in D Minor, BWV 527_ II. Adagio e dolce (Arr. for oboe, violin and basso continuo)
10. Isabelle Faust – Trio Sonata in D Minor, BWV 527_ III. Vivace (Arr. for oboe, violin and basso continuo)
11. Isabelle Faust – Violin Concerto in G Minor, BWV 1056R_ I. [no tempo marking]
12. Isabelle Faust – Violin Concerto in G Minor, BWV 1056R_ II. Largo
13. Isabelle Faust – Violin Concerto in G Minor, BWV 1056R_ III. Presto
14. Akademie fur Alte Musik Berlin – Himmelskönig, sei willkommen, BWV 182_ I. Sonata. Grave. Adagio
15. Isabelle Faust – Violin Concerto in A Minor, BWV 1041_ I. [no tempo marking]
16. Isabelle Faust – Violin Concerto in A Minor, BWV 1041_ II. Andante
17. Isabelle Faust – Violin Concerto in A Minor, BWV 1041_ III. Allegro assai
18. Akademie fur Alte Musik Berlin – Sinfonia in D Major, BWV 1045
19. Isabelle Faust – Concerto for 2 Violins in D Minor, BWV 1043_ I. Vivace
20. Isabelle Faust – Concerto for 2 Violins in D Minor, BWV 1043_ II. Largo ma non tanto
21. Isabelle Faust – Concerto for 2 Violins in D Minor, BWV 1043_ III. Allegro

Isabelle Faust, violin Jacobus Stainer (1658)
Bernhard Forck, anonymous violin, South Germany (1725)
Xenia Löffler, oboe and recorder
Jan Freiheit, cello
Raphael Alpermann, harpsichord
Akademie für Alte Musik Berlin

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Isabelle Faust

Maurice Ravel – Piano Concerto in G Major, M. 83, Piano Concerto for the Left Hand in D Major, M. 82, Le Tombeau de Couperin, M. 68, Gaspard de la nuit, M. 55 – Samson François, Andre Cluytens, Paris Conservatory Concert Society Orchestra

Samson François foi um excepcional pianista francês, que realizou gravações extraordinárias que, graças a tecnologia, estão sendo apresentadas novamente para aqueles que ainda não o conheciam. Já trouxe anteriormente dois outros cds dele, sempre dedicados a Ravel e sua obra pianística.

Neste CD que trago hoje teremos o Concerto para Piano em Sol Maior, e o extraordinário Concerto para a Mão Esquerda. Repertório francês, pianista francês e para completar o quadro, maestro e orquestra franceses.

Dentre as dezenas de versões que já ouvi destas obras, não há como não deixar estas interpretações de Samson François em destaque. Ele domina total e completamente o piano. É magnífico seu Adagio assai, do Concerto em Sol Maior, e no Concerto para a Mão Esquerda sua personalidade se impõe e nos deixa impressionados com a sua magnífica técnica e versatilidade.

E claro que não podemos deixar de destacar a maestria da regência de Andre Cluytens, um dos grandes nomes franceses da música do século XX, que figura facilmente ao lado de outros dois gigantes franceses, Pierre Monteux e Charles Munch.

Eis o comentário do editorialista da Amazon:

Precisely why Samson François is not better known in the United States (or known at all for that matter) is a mystery. On this CD he plays Ravel with absolute mastery, refusing to prettify any of the jazz rhythms in the G major concerto, and by so doing, bringing out all of its toughness. There may be impressionism in this music, but there’s plenty more, too. François gives the Concerto for Left Hand a performance filled with passion and excitement; indeed it’s just this side of abandon. His Gaspard is full of the colors Ravel imbued it with as well. André Cluytens is the ideal leader for this type of music, and while his orchestra here is hardly world class, it’s very good. And the remastered sound is excellent. –Robert Levine

Talvez para completar o CD, a ERATO repete “Le Tombeau de Couperin”, que já veio na primeira postagem desta série.

Ah, claro, eis mais uma gravação com o selo de ‘IM-PER-DÍ-VEL’ do PQPBach.

38. Ravel Piano Concerto in G Major, M. 83 I. Allegramente
39. Ravel Piano Concerto in G Major, M. 83 II. Adagio assai
40. Ravel Piano Concerto in G Major, M. 83 III. Presto
41. Ravel Piano Concerto for the Left Hand in D Major, M. 82

Samson François – Piano
Paris Conservatory Concert Society Orchestra
Andre Cluytens – Conductor

42. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 I. Prélude (Vif)
43. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 II. Fugue (Allegro moderato)
44. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 III. Forlane (Allegretto)
45. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 IV. Rigaudon (Assez vif)
46. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 V. Menuet (Allegro moderato)
47. Ravel Le Tombeau de Couperin, M. 68 VI. Toccata (Vif)
48. Ravel Gaspard de la nuit, M. 55 I. Ondine (Lent)
49. Ravel Gaspard de la nuit, M. 55 II. Le Gibet (Très lent)
50. Ravel Gaspard de la nuit, M. 55 III. Scarbo (Modéré – Vif)

Samson François – Piano

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Sergey Rachmaninov (1873-1943) – Complete Symphonies & Piano Concertos – Lorin Maazel, Támas Vasary,

Confesso que fiquei surpreso quando nosso mentor PQPBach mandou dia destes uma solicitação da Segunda Sinfonia de Rachmaninov. Quase perguntei se era correta sua solicitação, de repente ele podia estar atrás da sinfonia de mesmo número de outro compositor, mas pelo tipo de pergunta e pelo motivo da solicitação entendi que era realmente a Segunda Sinfonia de Rachmaninov que ele pedia. Sabemos que ele não é muito fã deste compositor, por isso a dúvida. Informei então que tinha a caixa da DG onde o grande Lorin Maazel gravara a integral das sinfonias, as Danças Sinfônicas e o poema sinfônico ‘Ilha dos Mortos”, frente a Filarmônica de Berlim. Ele aceitou imediatamente. Na verdade, esta postagem nada mais é que uma repostagem de uma original que fiz lá nos primórdios do PQPBach, em 2007.

Então em atenção á solicitação de nosso mestre / guru / mentor estou trazendo esta bela caixa. Ah, de quebra os senhores ainda levam os concertos para piano, nas mãos de Támás Vásáry, é mole, ou querem mais?

CD 1

Symphony No. 2 in E minor op. 27 e-moll · en mi mineur A
1. Largo – Allegro moderato
2. Allegro molto
3. Adagio
4. Allegro vivace

Symphony No. 1 in D minor op. 13 d-moll · en ré mineur
1. Grave – Allegro ma non troppo – Allegro vivace
2. Allegro animato

CD 2

Symphony No. 1 in D minor (cont.)
3. Larghetto
4. Allegro con fuoco

Symphony No. 3 in A minor op. 44 a-moll · en la mineur

1. Lento – Allegro moderato – Allegro
2. Adagio ma non troppo – Allegro vivace
3. Allegro – Allegro vivace

4. The Rock op. 7
Fantasy »Der Fels« ·
« Le Rocher »

5 Intermezzo from the opera Aleko
6 Allegro pastorale
7 Vocalise op. 34 no. 14 Lentamente

CD 3

1 The Isle of the Dead op. 29
Symphonic Poem »Die Toteninsel« · « L’Île des morts » Lento – Tranquillo – Largo – Allegro molto – Largo – Tempo I

Symphonic Dances op. 45
2 1. Non allegro
3. Andante con moto (Tempo di valse)
4. Lento assai – Allegro vivace – Lento assai come prima

Berliner Philharmoniker
LORIN MAAZEL

Rhapsody on a Theme by Paganini for Piano and Orchestra op. 43
5 Introduction – Variations I–VI
6 Variations VII–X
7 Variations XI–XV
8 Variations XVI–XVII
9 I Variation XVIII A tempo vivace – Variations XIX–XXIV

TAMÁS VÁSÁRY piano
London Symphony Orchestra
YURI AHRONOVITCH

CD 4

Concerto for Piano and Orchestra No. 1 in F sharp minor op. 1 fis-moll · en fa dièse mineur

1. Vivace – Moderato – Vivace
2. Andante
3. Allegro vivace

Concerto for Piano and Orchestra No. 2 in C minor op. 18 c-moll · en ut mineur
4 1. Moderato – Più vivo – Allegro – Maestoso. Alla marcia – Moderato
5.2 Adagio sostenuto
3. Allegro scherzando – Moderato – Presto – Moderato – Allegro scherzando – Alla breve – Presto – Maestoso – Risoluto

CD 5

Concerto for Piano and Orchestra No. 3 in D minor op. 30 d-moll · en ré mineur
1. Allegro ma non tanto
2. Intermezzo. Adagio – attacca:
3. Finale. Alla breve 14:19

Concerto for Piano and Orchestra No. 4 in G minor op. 40 g-moll · en sol mineur
4 1. Allegro vivace
5 2. Largo – attacca subito:
6 3. Allegro vivace

TAMÁS VÁSÁRY piano
London Symphony Orchestra
YURI AHRONOVITCH

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FDPBach

Antonin Dvorák (1841-1904) – Chamber Works II – Piano Trios – Guarnieri Trio

Até agora, grande parte das obras de Antonin Dvorák que foram postadas aqui no PQPBach eram obras dedicadas a um instrumento solista com orquestra, ou alguma outra obra orquestral, como as Sinfonias, Poemas Sinfônicos ou As Danças Eslavas.
Gostaria de apresentar aos senhores um outro Dvorák, o das obras para Câmara. Pretendo dar prosseguimento à belíssima coleção do selo tcheco Supraphon, dos quais já trouxe as sinfonias de Dvorák na histórica gravação de Vaclav Neuman com a Filarmônica Tcheca, e trazer os CDs da série dedicados à quase desconhecida obra de Câmara deste compositor. Teremos Trios para Piano, Quartetos de Corda, Quartetos com Piano, enfim, pretendo que esta série seja a mais completa possível. Como citei acima, trata-se de projeto do selo Supraphon, então talvez em alguns casos os músicos envolvidos não sejam tão conhecidos, mas lhes garanto a qualidade.
Por estar encantado com os Trios para Piano, começarei com o segundo volume da coleção. É de se ouvir com muita atenção.

CD 1

01. Piano Trio No. 1 in B flat major, B. 51 (Op. 21)- Allegro molto
02. Piano Trio No. 1 in B flat major, B. 51 (Op. 21)- Adagio molto e mesto
03. Piano Trio No. 1 in B flat major, B. 51 (Op. 21)- Allegretto scherzando
04. Piano Trio No. 1 in B flat major, B. 51 (Op. 21)- Finale, Allegro vivace
05. Piano Trio No. 2 in G minor, B. 56 (Op. 26)- Allegro moderato
06. Piano Trio No. 2 in G minor, B. 56 (Op. 26)- Largo
07. Piano Trio No. 2 in G minor, B. 56 (Op. 26)- Scherzo, Presto
08. Piano Trio No. 2 in G minor, B. 56 (Op. 26)- Finale, Allegro non tanto

CD 2

01. Piano Trio No. 3 in F minor, B. 130 (Op. 65) (once listed as Op. 64) Allegro
02. Piano Trio No. 3 in F minor, B. 130 (Op. 65) (once listed as Op. 64) Allegre
03. Piano Trio No. 3 in F minor, B. 130 (Op. 65) (once listed as Op. 64) Poco ad
04. Piano Trio No. 3 in F minor, B. 130 (Op. 65) (once listed as Op. 64) Finale,
05. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Lento maestoso
06. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Poco adagio
07. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Andante
08. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Andate moderato
09. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Allegro
10. Piano Trio No. 4 in E minor (‘Dumky’), B. 166 (Op. 90) Lento maestoso

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Richard Wagner – Götterdämmerung – Dernesch, Ridderbusch, Stewart, etc., Karajan, BPO

Götterdämmerung: a mais grandiosa das quatro óperas do ciclo O Anel do Nibelungo. Composta entre 1869 e 1874, sua estréia ocorreu no Bayreuth Festspielhaus, Bayreuth, em 17 de agosto de 1876, como parte da primeira apresentação completa da Saga do Anel. A Canção dos Nibelungos (conjunto de poemas medievais alemães), é a fonte de inspiração para o “O Crepúsculo dos Deuses”.
Götterdämmerung é musicalmente genial, embora seja narrativamente mais fraco (comparado à Die Walkürie e Das Rheingold). Temos uma Brünnhilde humana, um Hagen dual, um Gunther fraco, um Siegfried com seus defeitos e não mais estereotipado como na ópera anterior. Quanto tempo dura Götterdämmerung? O primeiro ato sozinho passa um pouco de duas horas, mais do que o La Bohème de Puccini em sua totalidade. Para a orquestra e os cantores, numa apresentação ao vivo, é um dos testes de resistência mais difíceis do repertório operístico. Para se ter uma idéia da grandiosidade desse espetáculo, nesta ópera está a cena mais difícil de se representar da história do teatro (última cena do último ato, falarei sobre ela). Analisando percebe-se que, narrativamente falando, sua duração imponente é parcialmente gratuita, com quase uma hora revirando a história e fazendo um resumão dos acontecimentos das três partes anteriores. Pode ser redundante, mas esta exposição ajuda alguém que não conhece as outras peças a entrar e acompanhar a história. A ópera em três atos mostra a caminhada de Sigfried e Brünnhilde ao encontro da morte, levando com eles os deuses e todo o mundo dos antigos. Um novo mundo pode nascer na Terra. Götterdämmerung é a tradução alemã para a palavra em nórdico antigo Ragnarök, que em português seria o Crepúsculo dos Deuses. Götterdämmerung continua a história de Siegfried, filho de Siegmund, e ainda mais que “Die Walkürie e Siegfried”, mudanças drásticas no mito ocorrem, inclusive a própria interpretação do Crepúsculo dos Deuses.

Bayreuther Festspiele 2010

Além das inovações formais já iniciadas por Wagner à ópera, temos em Götterdämmerung um prelúdio antes da 1ª cena. O prelúdio pode ser dividido em duas partes, a primeira onde as Nornas tecem o fio do destino, as três Nornas, filhas de Erda, tecem a trama do destino do mundo. Mas o fio com que trabalham rompe-se de repente, quando procuram desvendar o paradeiro do ouro do Reno: ali também se fazem sentir as consequências da maldição de Alberich. Doravante, o destino dos deuses está selado. O canto das Nornas é belíssimo, elas contam em poucas linhas a história passada e a futura. A segunda parte do prólogo, após uma breve e bela Orchesterzwischenspiel, mostra Siegfried e Brünnhilde saindo de uma gruta, onde a ex-Valkíria afirma que Siegfried deve prosseguir em sua jornada, com mútuas promessas de fidelidade Siegfried como prova de amor lhe dá o anel que tomou de Fafner e ela lhe dá o seu cavalo e seu escudo de Valkíria. Podemos ver no prólogo que o Siegfried de Götterdämmerung não é o mesmo Siegfried de “Siegfried”. O personagem está mais humano e heróico (até na música), e não é mais aquele estereótipo-bombadão. Dá uma prova de amor na mesma medida em que recebe. A música em Götterdämmerung é muito mais sóbria que nas outras óperas da saga, e não é exagerada como “Die Walkürie”, mas ainda possui peso e expressividade.

A primeira cena se passa no palácio de Gunter, próximo ao Reno. Gunter é o rei dos Gibichungos onde Hagen (meio-irmão do rei Gunther) e Gutrune (irmã) estão presentes. Gunther pergunta sobre sua popularidade, e Hagen (depois de fazer mistério), afirma que sua popularidade não é satisfatória porque ambos (Gunther e Gutrune) não são casados. Hagen, filho de Alberich e Grimhilde, mãe também de Gunther e da moça Gutrune, aproveita-se do diálogo para enredar os irmãos em seus planos: instigado por Alberich, pretende apossar-se do anel. Ambos devem casar-se, diz: Gunther com a bela Brunnhilde e Gutrune com o valoroso Siegfried. Não será fácil, porém, concretizarem o projeto, já que Brunnhilde vive cercada por uma barreira de fogo e Siegfried não vê encantos em mulher que não seja a ex-Valquíria. Uma possibilidade existe, no entanto; basta que Gutrune ofereça a Siegfried uma bebida mágica e o rapaz, a um só tempo, deixar-se-á enamorar por ela e consentirá em conquistar Brunnhilde para Gunther. Como no cinema e no teatro, na ópera também a conveniência das situações fala mais alto: Siegfried chega justamente quando estão discutindo como encontrá-lo. Hagen o convida para entrar, e fecha-se a cena.

A cena dois mostra como Siegfried e Gunther se conhecem pessoalmente. Sigfried convida Gunther para medirem forças, mas o outro prefere recebê-lo como hóspede. Siegfried desconhecia o poder do Tarnhelm, que Hagen explica seu poder. Gutrune dá a bebida do esquecimento a Siegfried, e ele esquece totalmente de Brünnhild, e promete tirá-la das chamas e entregar a Gunther em troca da mão de Gutrune. Siegfried foi enganado em sua ingenuidade (justificável, devido sua criação), e essa cena é muito coerente e bem feita, mas, há um ponto que foi esquecido: CADÊ A CLARIVIDÊNCIA DE SIEGFRIED??? O dragão lhe concedeu a clarividência em “Siegfried”, e aparentemente não foi capaz de usá-la agora… esquece, sem poção não há história, então…

Na terceira cena volta aonde está Brünnhilde, a Valkíria Waltraute chega, narrando a Brünnhilde a decadência do Walhalla. Waltraute tenta convencer a irmã de devolver o anel ao Reno (lembrando também da maldição de Alberich), o que Brünnhilde recusa-se a fazer. Após esse discurso, Waltraute vai embora triste, e Siegfried surge (disfarçado de Gunther devido o Tarnhelm). Siegfried subjuga Brünnhild para levá-la (como Gunther), mas ela reconhece sua voz (uma magnífica performance vocal, entre Tenor e Barítono), e ao final ele fala em sua voz normal, afirmando que ele e Gunther são irmãos de sangue.

A primeira cena do segundo ato é uma das mais sinistras e controversas. Hagen está na corte como guarda (adormecido) e Alberich aparece (ou não). Nessa cena há o diálogo entre Hagen e Alberich (filho e pai). Muito se infere desse diálogo, entre elas que Alberich não está materialmente, mas sim nos sonhos, e é uma projeção do próprio Hagen. Pode-se inferir também uma conexão do real e do onírico. A música é sombria, e o diálogo impressionante. Vale a pena conferir (AQUI libreto e texto). Na segunda cena do segundo ato Siegfried chega, afirmando a Hagen que tudo saíra como o planejado, e se coloca a disposição para organizar os dois casamentos. Temos uma melhor descrição de Hagen, que aparece esnobe e irônico. Na cena terceira temos mais Hagen, onde ele brinca com os soldados dando-lhes as boas novas, o que os soldados se espantam, pois, Hagen é carrancudo. Hagen aparece nesse ato múltiplo, mas coerente, podemos inferir algumas coisas sobre suas atitudes. A terceira cena é uma confusão, causada por Brünnhilde, e onde novamente Hagen se destaca. Siegfried defende-se e Brünnhilde o acusa, causando uma confusão geral onde ninguém entende nada (exceto o leitor/ouvinte). Na última cena do segundo ato, Hagen se oferece em amizade à Brünnhilde, e junto com Gunther tenta compreender a confusão da outra cena. Hagen incita a pena capital ao “traidor” Siegfried, enquanto Gunther como sempre indeciso e manipuladíssimo. Hagen pergunta a Brünnhilde se e como Siegfried pode ser morto, e ela o informa que ele é um herói poderoso e não pode ser vencido em combate, mas pode ser atingido pelas costas. A explicação aqui para a invulnerabilidade de Siegfried não é o sangue de dragão do Nibelungenlied, mas as artes de Brünnhilde que lhe protegem dos ferimentos. Como Siegfried jamais daria as costas em fuga para um inimigo, ela não o protegeu nas costas. A última cena do terceiro ato termina com Hagen convencendo Gunther a aceitar a morte de Siegfried. No terceiro ato, Siegfried se perde de seu grupo de caça (que incluia Gunther e Hagen), e depara-se com as ninfas do Reno. Elas lhe contam a história da maldição, e afirmam que Siegfried será liquidado assim como Fasolt, Fafner e todos que porem as mãos no anel. Siegfried não se importa.
Na segunda cena Hagen dá uma bebida a Siegfried (com poder inverso da outra), que lembra e conta sua história, Hagen pergunta-lhe se pode compreender uma ave que está a sua frente, e Siegfried olha-a. Nesse momento Hagen golpeia covardemente Siegfried pelas costas. Siegfried canta uma música à Brunnhilde enquanto ainda estava agonizando, e depois morre. Segue o cortejo fúnebre. Nessa cena aparecem duas das melhores músicas da ópera: a Canção de Siegfried e a Marcha Fúnebre de Siegfried. Na terceira cena o corpo do herói é levado para o palácio onde Hagen reivindica a posse do anel, que, no entanto, Gunther deseja oferecer a Gutrune. Há muita confusão e ação, nesta que é a cena mais difícil da história do teatro. Os dois homens se atracam, após acalorada discussão, e Gunther cai morto por Hagen, que logo procura tirar o anel do dedo de Siegfried. Mas a mão do herói se ergue, ameaçadora, e ele desiste, amedrontado. Brunnhilde aproxima-se e manda que se faça uma fogueira, onde deverá consumir-se o corpo de Siegfried: também se arroja à pira, montada no cavalo que fora seu e do amado. O importante aqui é o Discurso de Brunnhilde, onde muito se pode interpretar sobre toda a obra e a filosofia wagneriana. Transbordando, o Reno alcança o fogo e em suas águas lança-se Hagen, que desaparece levado pelas ondinas. Uma delas mostra, exultante, o anel recuperado. A corrente caudalosa reflui, enquanto a cena mostra, ao longe, as chamas atingindo o Walhalla, o palácio inteiro desmorona, e quando os deuses se reúnem em assembléia todo o cenário entra em chamas, o Reno se acalma, a música cresce a um grande clímax sobre os temas do Reno e do Walhalla, decrescendo com o motivo da redenção pelo amor soando nas cordas. Cai o pano e encerra a obra.

Assim terminamos todo o ciclo do anel, mas antes algumas considerações. Não há termo às reflexões que o drama desperta. Tudo está repleto de profundos símbolos nesse trabalho, vai do “super-homem” de Nietzsche ao profundo pessimismo de Shopenhauer, mas Wagner tudo reveste com o seu próprio simbolismo e ideologia. O desmoronamento do Walhalla é talvez o sonho de Wagner, de 1848, de ver o mundo apodrecido num mar de chamas desaparecer e das cinzas aparecer um mundo novo e virtuoso. As quatro óperas O Ouro do Reno (Das Rheingold), A Valquíria (Die Walküre), Siegfried e Crepúsculo dos Deuses (Götterdämmerung) totalizam 15 horas de espetáculo (três mil setecentas e cinqüenta páginas de música). Wagner é um gênio fora do comum, e essa obra causou uma influência absurda (positiva e negativa) em seu país, apesar de, como pessoa, Wagner ser pouco exemplar. O Anel dos Nibelungos de Wagner é uma obra ímpar.

Wagner Götterdämmerung – Personagens e intérpretes

Agora que terminamos os posts de todo o ciclo do Anel, torna-se possível ver a bela interpretação de Karajan do tremendo trabalho do começo ao fim. O refinamento e delicadeza da textura de Karajan, e a maior clareza dada às palavras são notáveis. Para começar com o Prelúdio do Ato 1, as Nornas: Christa Ludwig possui uma voz altamente individual é inconfundível, se encaixa bem no trio excelente e equilibrado formado com Lili Chookasian e Catarina Ligendza. No final da cena, Karajan faz com as três uma de suas transições finamente gerenciadas, aqui da melancolia ao nascer do sol e à luz do dia, terminando em um clímax brilhante pouco antes do dueto que se segue. Isso leva a Brünnhilde de Helga Dernesch e Siegfried de Helge Brilioth. A bela soprano lírica Dernesch, com sua ampla voz, com um valioso registro baixo, sua musicalidade inata, seu calor de expressão, suas notas altas colocadas com precisão infalível, fazem dela uma atraente Brünnhilde. A voz seca de Brilioth, é um pouco restrita no topo do seu alcance, mas ele fala bem e soa jovem. O excelente Gunther, de Thomas Stewart, transmite algo da dignidade, vaidade e desconfiança do rei. Karl Ridderbusch não tem a qualidade “negra” e nem é tão maléfico mas tem muita beleza em sua voz. Gundula Janowitz como Gutrune está à vontade e canta com um tom encantador. No Prelúdio do Terceiro Ato, as ondinas formam uma equipe equilibrada, Karajan trata a cena muito em seu “estilo de música de câmara”, isto é, com grande delicadeza e refinamento. É muito lindo. Brilioth é bom em suas conversas de troca com as garotas e também na longa narração de Siegfried que se segue quando Hagen e os caçadores entram. Ele canta a história naturalmente e interessa por toda parte, e coloca um patético ponderável em sua cena de morte. Orquestra Filarmonica de Berlim, bom, sensacional é pouco !!!!

Wagner Götterdämmerung

Helga Dernesch soprano – Brünnhilde
Helge Brilioth tenor – Siegfried
Karl Ridderbusch baixo – Hagen

Zoltán Kelemen baixo – Alberich
Thomas Stewart barítono – Gunther
Gundula Janowitz soprano – Gutrune
Christa Ludwig mezzo – Waltraute
Liselotte Rebmann soprano – Woglinde
Edda Moser soprano – Wellgunde
Anna Reynolds mezzo – Flosshilde
Lili Chookasian contralto – First Norn
Christa Ludwig mezzo – Second Norn
Catarina Ligendza soprano – Third Norn
Chorus of the German Opera Berlin, Berlin PhiIharmonic Orchestra / Herbert von Karajan

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Anton Bruckner (1824-1896) – Sinfonias nº 7, 8 e 9 – Bernard Haitink, Royal Concertgebouw Orchestra

Vamos então concluir esta série Haitink / Bruckner em grande estilo: suas últimas três sinfonias. Estou disponibilizando também o décimo primeiro CD desta caixa, que traz o Te Deum, só para não deixar a coleção incompleta.

Espero que tenham gostado. Bernard Haitink é o maior dos regentes vivos da atualidade, sem dúvida alguma. Por isso faço questão de apresentá-lo a quem não o conhece.

SYMPHONY NO.7 IN E MAJOR mi majeur · E-Dur 29
I Allegro moderato
II Adagio: Sehr feierlich und sehr langsam
III Scherzo: Sehr schnell – Trio: Etwas langsamer
IV Finale: Bewegt, doch nicht schnell

SYMPHONY NO.8 IN C MINOR ut mineur · c-Moll Robert Haas Edition, 1939
I Allegro moderato
II Scherzo: Allegro moderato – Trio: Langsam
III Adagio. Feierlich langsam, doch nicht schleppend
IV Finale: Feierlich, nicht schnell

SYMPHONY NO.9 IN D MINOR (Original version, 1894) ré mineur · d-Moll
I Feierlich, misterioso
II Scherzo: Bewegt, lebhaft – Trio: SchnellIII Adagio: Langsam, feierlich

TE DEUM WAB 45
I Te Deum laudamus soprano, contralto, tenor, chorus
II Te ergo soli III Aeterna fac chorus
IV Salvum fac soli, chorus
V In te, Domine, speravi soli, chorus

Elly Ameling soprano ·
Anna Reynolds contralto
Horst Hoffmann tenor ·
Guus Hoekman bass
Groot Omroepkoor (Netherlands Radio Choir)
Chorus master: Anton Krelage

Royal Concertgebouw Orchestra
Bernard Haitink

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SINFONIA Nº 8 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE
SINFONIA Nº 9 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE
TE DEUM

FDPBACH

Anton Bruckner (1824-1896) – Sinfonias nº 4, 5 E 6, Bernard Haitink, Royal Concertgebouw Orchestra

Dando prosseguimento a esse ciclo Bruckner /Haitink/RCO, hoje teremos as sinfonias de nº 4, 5 e 6. A Quarta Sinfonia talvez seja a mais popular do compositor. Foi por meio dela que conheci este construtor de imensas catedrais sonoras, como li certa vez em algum lugar.

Para quem não sabe, não se tratam de registros recentes do maestro com sua querida orquestra. Ao contrário, são lá dos anos 60, quando Haitink encarou a difícil tarefa de assumir a direção desta orquestra. Nos próximos cinquenta anos suas identidades vieram a se fundir e se confundir. Foi ele quem a tornou a Orquestra do Concertgebouw de Amsterdam a melhor orquestra dos últimos cinquenta anos, desbancando as poderosas Filarmônicas de Viena e de Berlim.  E isso não sou eu apenas quem estou afirmando. A crítica especializada já há muitos anos confirma isso.

Mas vamos ao que viemos. Bruckner com seu principal regente do final do século XX, e deste início de século XX, Bernard Haitink.

SYMPHONY NO.4 IN E FLAT MAJOR “ROMANTIC”

I Bewegt, nicht zu schnell
II Andante, quasi allegretto
III Scherzo: Bewegt – Trio: Nicht zu schnell, keinesfalls schleppend
IV Finale: Bewegt, doch nicht zu schnell

SYMPHONY NO.5 IN B FLAT MAJOR
I Introduction: Adagio – Allegro (Mäßig)
II Adagio (Sehr langsam)
III Scherzo: Molto vivace (schnell) – Trio: Im gleichen Tempo
24 IV Finale: Adagio – Allegro moderato

SYMPHONY NO.6 IN A MAJOR
I Majestoso
II Adagio. Sehr feierlich
III Scherzo: Nicht schnell – Trio: Langsam
IV Finale: Bewegt, doch nicht zu schnell

Bernard Haitink – Conductor
Royal Concertgebouw Orchestra

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SINFONIA Nº 5 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE
SINFONIA Nº 6 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

FDP

Anton Bruckner (1824-1896) – Sinfonias nº 0, 1, 2 e 3 – Haitink, Royal Concertgebouw Orchestra

Inicio aqui um ciclo das sinfonias de Bruckner sempre sob responsabilidade de Bernard Haitink, um dos maiores e mais importantes maestros da atualidade, uma verdadeira lenda nos tablados. Ele tem o toque de Midas, tudo o que grava é ouro, ainda mais quando está à frente da poderosíssima Orquestra do Concertgebouw, de Amsterdam.

Em outras palavras, Bruckner-Haitink-RCO é mais que sinônimo de qualidade, é sinônimo de excelência. E esta postagem está sendo uma singela e inocente homenagem aos seus 90 anos de idade, que completa hoje, dia 04 de março. A gravadora DECCA recém lançou duas caixas com gravações de Haitink, uma é esta que estou trazendo, dedicada a Bruckner, e outra dedicada a  Mahler. Só pauleira, só material de primeira linha e qualidade.

“A pesquisa completa de Bernard Haitink sobre as sinfonias de Bruckner deve muito a um edifício, o Amsterdam Concertgebouw, um dos grandes templos culturais do século 19, e à sua orquestra residente. Também se fortaleceu com o espírito de recuperação pós-guerra e com o crescimento econômico renovado na Holanda, que impulsionou a gigante holandesa de eletrônicos Philips e sua gravadora homônima. Ao escrever a série Bruckner de Graminkhone de Haitink, o radialista e musicólogo Deryck Cooke captou a essência de um ciclo que continua a manter seu lugar entre os melhores do catálogo. “Não posso pagar a Haitink nenhum tributo maior do que dizer que, quaisquer que sejam as reservas que eu possa ter sobre o desempenho deste ou daquele movimento, o efeito geral de cada sinfonia é tal que não consigo pensar em nada melhor, e poucos como bons”.

Assim se inicia o texto de apresentação do booklet deste Ciclo poderosíssimo, que tenho o orgulho de possuir, assim como o de Mahler.

SYMPHONY N0.0 IN D MINOR ré mineur ·
Symphonie in d-Moll “Die Nullte”
1 I Allegro 14.29
2 II Andante 13.01
3 III Scherzo: Presto – Trio: Langsamer und ruhiger 6.34
4 IV Finale: Moderato – Andante – Allegro vivace 9.47

SYMPHONY NO.1 IN C MINOR (Linz version, 1866) ut mineur (Version de Linz) · c-Moll (Linzer Fassung)
5 I Allegro molto moderato 12.01
6 II Adagio 13.02
7 III Scherzo: Lebhaft
8 IV Finale: Bewegt, feurig 12.39

SYMPHONY NO.2 IN C MINOR ut mineur · c-Moll Robert Haas Edition, 1938
9 I Ziemlich schnell 17.40
10 II Adagio. Feierlich, etwas bewegt 15.10
11 III Scherzo: Schnell 8.11
12 IV Finale: Mehr schnell – Sehr schnell 17.20

SYMPHONY NO.3 IN D MINOR (Second version, 1877) ré mineur “Wagner-Symphonie” (Version de 1877) d-Moll (Fassung von 1877)
13 I Gemäßigt, mehr bewegt, misterioso 19.20
14 II Adagio. Bewegt, quasi andante 14.42
15 III Scherzo: Ziemlich schnell 6.58
16 IV Finale: Allegro

Royal Concergebouw Orchestra
Bernard Haitink

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Richard Wagner – Siegfried – Jess Thomas, Thomas Stewart, Helga Dernesch, Gerhard Stolze, Karl Ridderbusch, etc., Karajan, BPO

Vamos que vamos com o Siegfried, a terceira ópera do ciclo do Anel dos Nibelungos de Wagner, por sinal, Siegfried era o nome de meu falecido sogro. O texto abaixo, como nas postagens anteriores, é de autoria do colega Ammiratore. Os senhores irão reparar que este seu texto está um pouco mais leve, mais descontraído.

“Dentro da tetralogia de Wagner, o terceiro drama, Siegfried, pode ser o menos popular ou conhecido. Porém é o mais importante no estabelecimento de um equilíbrio dramático entre as quatro obras. Wagner interrompeu a composição em 1857 no final do segundo ato de Siegfried para escrever “Tristan und Isolde” e “Die Meistersinger von Nürnberg”, retornando a Siegfried sete anos depois para completar o terceiro ato em 1869. A estréia mundial foi em 16 de agosto de 1876.
Elementos dessas duas óperas alimentam Siegfried: apresenta a música mais leve do ciclo do Anel, acho que é uma celebração musical maravilhosa da natureza, tem o dueto de amor mais extático (influenciado pelo dueto de Tristan und Isolde), quando Brünhilde e Siegfried se descobrem. A principal tarefa dramática da obra está no estabelecimento do grande herói do “Ciclo do Anel”. Há muito menos peças reconhecíveis nesta ópera quando comparadas às outras três, mas “Siegfried” possui alguns grandes momentos. Uma das mais famosas é a música de forjamento, aonde Siegfried num número solo nos mostra imediatamente que Wagner exige uma grande disposição do intérprete com seu principal personagem. Outros momentos famosos são a breve passagem do pássaro na floresta e, mais notavelmente, o dueto de amor final entre Siegfried e Brünhilde. Como em Die Walküre, Siegfried é uma ópera gigantesca por si só. A natureza fantástica e mitológica da trama é uma das razões pelas quais a ópera dura bem mais de quatro horas. Vamos tentar resumir então (fiquei feliz pelos comentários das outras duas e farei uma abordagem, digamos, leve e alguns trechos foram inspirados na casabibliofilia.blogspot.com):

“Mais uma vez nos encontramos com Wotan, agora chamado de Wanderer – que deixamos no final de Die Walküre , chateado com o destino de sua filha amada, Brünhilde. Como o próprio Wagner escreveu ao músico alemão August Roeckel, “depois da despedida de Brünhilde, Wotan realmente não é mais do que um espírito sem luz”. O Wotan de Siegfried é um deus velho e cansado, que perdeu o poder de comandar, que está disposto a deixar que os acontecimentos sigam o seu curso e está contente em desistir. O foco principal de “Siegfried” não é Wotan, mas o lendário personagem nórdico Sigurd, um herói nacional representado em todos os tipos de formas de arte. O personagem Siegfried de Wagner, diferente de outras versões, é filho de Siegmund com sua irmã (os dois são volsungos, ou Wälsung), o que faz de Siegfried neto de Wotan duas vezes (por parte de pai e de mãe). Entre as histórias de “Die Walkürie” e “Siegfried”, Sieglinde é encontrada por Mime na floresta, o anão ferreiro a leva para a caverna onde habita. Ali nasce Siegfried, mas Sieglinde morre: na agonia declara o nome escolhido para o filho e relata quem era o pai. Mime cria o menino, que cresce cheio de vigor e torna-se um rapaz de temperamento ousado, qualidade que vem bem a calhar aos desígnios de Mime: espera que seja Siegfried aquêle a cujos pés Fafner cairá morto, trespassado pela espada (“Nothung”) que, feita em pedaços, recebeu das mãos de Sieglinde. Mime deseja que Siegfried pegue o anel de Fafner e depois planeja matá-lo.
Primeira cena do primeiro ato. Mime está com raiva pois está preparando uma espada para Siegfried, mas sabe que o jovem quebrará a arma assim que estiver pronta. Tem forjado outras espadas, Siegfried as quebrou todas com uma só pancada, entre risos e palavras de zombaria. O nibelungo sonha obter o Anel e o Tarnhelm (aquele elmo que transforma), e para isso precisa de Siegfried. O jovem chega com um urso encoleirado, e brinca com o urso como se este fosse um Yorkshire Terrier. Depois ele quebra a espada pronta como se fosse uma vareta de bambu, o que deixa Mime muito azedão. O anão lamenta-se de tamanha ingratidão. Diz-se injustiçado, ele que criou Siegfried com todo desvelo. Mime conta a história de Siegfried, mas sem lhe contar a história do pai, mostra os fragmentos da Excalibur … ops, digo, Notung, e Siegfried fica animado, pedindo para que Mime reconstrua a espada.
Duas coisas podemos perceber a partir da leitura e audição da primeira cena. A primeira é que “Siegfried” não é tão monumental musicalmente quanto “Die Walkürie”, e que a dramatização é mais importante do que as narrativas e lirismo. É a obra mais dramática das quatro óperas, e ao mesmo tempo a mais épica. A segunda é que Siegfried é o herói com mais testosterona da história da literatura nórdica. Não é qualquer um que brinca com um ursinho de estimação e quebra uma espada de metal feita por um nibelungo como se fosse de bambu.
Na segunda cena Wotan, disfarçado como andarilho, aparece e provoca Mime, o desconhecido insiste e propõe, para provar sabedoria, que Mime lhe faça três perguntas. Se não as responder, dará sua cabeça em troca. Mime concorda e, tendo o outro se havido bem, deve admitir que lhe subestimara a capacidade. Só não esperava de Wotan (a quem ainda não reconheceu) a exigência de submeter-se a igual desafio. Sente-se aliviado ao responder às primeiras duas perguntas: “Qual a raça marcada pela cólera de Wotan, embora êste a amasse mais que a própria vida?” (OS Wilsungos); “Que espada poderá ser o instrumento da morte de Fafner?” (a Nothung). Para a terceira questão, porém, não encontra resposta: “Quem saberá retemperar a espada?” dizendo ao final que apenas quem não conhece o medo poderá forjar a espada Notung , e assim passa para a 3ª cena, onde entra Siegfried e pede a espada, que Mime não conseguiu forjar. Como Siegfried não conhece o medo, ele mesmo forja a espada e para testá-la parte uma bigorna ao meio (quanta testosterona!!!).
No segundo ato, Alberich espreita Fafner (na forma de um dragão), quando surge Wotan e avisa a Fafner que vem alguem matá-lo. Fafner não se importa e na segunda cena Mime conduz Siegfried as proximidades da caverna onde Fafner dorme sobre o tesouro. Desperto pelo som da trompa do rapaz, o dragão deixa seu abrigo. A luta é breve: agonizante, Fafner adverte Siegfried que se acautele, pois quem o induziu a esse ato assassino também trama sua morte e o dragão conta sua história. Após o dragão morrer Siegfried com a mão suja de sangue a leva a boca e acaba por ingerir o líquido que lhe dá o poder clarividente de falar com as aves. Siegfried então descobre o que Mime planejava e mata-o, em seguida conversando com uma ave ela fala sobre Brünhilde. Siegfried se prepara para mais uma prova de bravura.
Na primeira cena do último ato, Wotan invoca a deusa da Terra e conversa com ela. Esse diálogo é muito legal de se ler (o libreto em português está AQUI no link), mas ele não cria mudanças significativas no enredo. Na segunda cena, Siegfried encontra Wotan, e há uma discussão entre eles. Wotan afirma que já quebrou a Notung uma vez e pode fazê-lo novamente, mas Siegfried quebra a lança e Wotan recolhe os pedaços tranquilamente e desaparece. Na última cena, por fim, Siegfried encontra Brünhilde tal como Wotan a deixara no final da “Die Walkürie”, e não sabe o que fazer com ela (pois nunca viu uma mulher na vida). Um pequeno parêntesis, tá bom perdoo o Siegfried, pois quando era mais novo, com uns 14 – 15 anos, provavelmente não saberia o que fazer se uma Valkíria caísse nos meus braços, provavelmente a chamaria para jogar Enduro ou River Raid, tomar um suquinho ouvindo na vitrola um Vivaldi… sei lá… . Após o beijo, Brünnhilde acorda e pergunta quem é o herói, que prontamente se identifica. Brünhilde conta que salvou a vida dele antes, e Siegfried cogita ser ela sua mãe, o que é logo desmentido. Brünhilde ainda faz-se de difícil por um tempinho, mas logo rende-se ao amor do guerreiro volsunga cheio de testosterona, um estereótipo de super-guerreiro-bombado.

Cosima-Siegfried-Richard

Um caso curioso é que presentes de aniversário vêm em todas as formas e tamanhos. Cosima Wagner quando acordou em 25 de dezembro de 1870 para celebrar seu 33º aniversário, um grupo de 17 músicos se reuniu nas escadas que levavam ao seu quarto. Com Richard Wagner regendo, os músicos tocaram “uma saudação de aniversário sinfônica”. Wagner posteriormente mudaria o nome da composição para o conhecido “Siegfried Idyll”.

Siegfried, personagens e intérpretes:
O elenco é absolutamente de primeira linha. O Mime de Gerhard Stolze transmite a malícia revoltante do anão maligno de maneira mais convincente, lembrando que Wagner pediu uma voz “dura e rouca”, uma exigência impossível. Thomas Stewart é novamente um Wotan impressionante e usa sua esplêndida voz com grande efeito. Ridderbusch é um Fafner menos aterrorizante, mas ainda não é uma fera que alguém gostaria de encontrar! Oralia Dominguez transmite bem o mistério de Erda. Catherine Gayer, bom, achei que o seu pássaro esta com uma voz excessivamente trêmula. Gostei imensamente do bombadão Siegfried de Jess Thomas. Ele é excelente em seu total desprezo por Mime. No dueto final, ele mostra que percebeu rapidinho os encantos de uma mulher e canta lindamente para ela. Dernesch tem uma voz adorável, pura e uniforme com um registro baixo e quente, sua Brünnhilde é muito convincente quando acorda para o amor humano, ela canta lindamente o seu despertar. Siegfrid, filho de Wagner nasceu na época em que compôs a parte do dueto final, podemos ouvi rWagner e Cosima evocando o amor de forma intensa. Karajan tinha à sua disposição uma esplêndida orquestra. Como sempre regendo com clareza, intensidade e ritmo!”

Wagner – Siegfrid

Jess Thomas – tenor – Siegfried
Thomas Stewart – baritono – Der Wanderer
Gerhard Stolze – tenor – Mime
Helga Dernesch – soprano – Brünnhilde
Karl Ridderbusch – baixo – Fafner
Oralia Dominguez – mezzo – Erda
Catherine Gayer – soprano – Waldvogel
Berlin Philharmonic Orchestra / Herbert von Karajan

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CD 2 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE
CD 3 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE
CD 4 – BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

Edward Elgar (1857-1934) – Cello Concerto in E Minor op. 85 – Jacqueline Du Pré, John Barbirolli, London Symphony Orchestra

Trago mais uma vez para os senhores a histórica e mítica gravação do Concerto para Violoncelo de Edward Elgar com Jacqueline Du Pré, que é considerada até hoje a melhor intérprete desta obra.
A carreira desta incrível musicista foi meteórica, com detalhes trágicos. Alcançou cedo a fama, porém também cedo foi diagnosticada com uma gravíssima doença degenerativa, Esclerose Múltipla, que a afastou dos palcos com apenas vinte e oito anos de idade, e a matou com apenas quarenta e dois anos.
Alcançou fama após esta mítica gravação, que sem dúvida é extraordinária. Casou-se com Daniel Baremboim, com quem gravou diversos outros discos.
Espero que apreciem. Amo esta gravação. Para mim e para muita gente, esta é o registro definitivo deste concerto.

1 Elgar – Cello Concerto in E minor, Op. 85 – I. Adagio – Moderato
2 Elgar – Cello Concerto in E minor, Op. 85 – II. Lento – Allegro molto
3 Elgar – Cello Concerto in E minor, Op. 85 – III. Adagio
4 Elgar – Cello Concerto in E minor, Op. 85 – IV. Allegro, ma non troppo

Jacqueline Du Pré – Violoncelo
London Symphony Orchestra
Sir John Barbirolli

5 Saint-Saens – Cello Concerto No. 1 in A minor, Op. 33 – I. Allegro non troppo
6 Saint-Saens – Cello Concerto No. 1 in A minor, Op. 33 – II. Allegretto con moto
7 Saint-Saens – Cello Concerto No. 1 in A minor, Op. 33 – III. Allegro non troppo

Jacqueline Du Pré – Violoncelo
New Philharmonia Orchestra
Daniel Baremboim

8 Delius – Cello Concerto – Lento – Con moto tranquillo –

Jacqueline Du Pré – Violoncelo
Royal Philharmonic Orchestra
Sir Malcolm Sargent

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Héctor Berlioz (1803-1869) – Harold en Italie, Les Nuits d´été – Les Siècles, François-Xavier Roth, Tabea Zimmerman, Stéphane Degout

Interessante entrevista do maestro François-Xavier Roth, inclusa no booklet desta gravação:

O que Berlioz significa para você e Les Siècles?
Berlioz tem sido uma forte presença na história de Les Siècles virtualmente desde que a orquestra foi formada, mas ainda mais forte desde que fomos associados à sua aldeia natal, La Côte-Saint-André, onde tocamos todos os anos onde tocamos todos os anos como parte do maravilhoso Festival de Berlioz, do qual Bruno Messina é o diretor. Eu descobri essa música graças à geração mais velha, mas também durante o início de minha carreira como maestro, quando fui assistente de Sir Colin Davis, que era então o diretor musical da London Symphony Orchestra. O primeiro trabalho que preparei com eles foi Les Troyens. Tive a sorte de ajudar sir John Eliot Gardiner no Théâtre du Châtelet, também em Les Troyens. Com ele, descobri outra dimensão do compositor: Berlioz em instrumentos de época. Assim, no início dos anos 2000, Berlioz entrou na minha vida como maestro de uma maneira absolutamente decisiva e devastadora, e ele nunca mais me deixou.

O que o timbre de um barítono como Stéphane Degout traz para Les Nuits d’été?
Neste ciclo, surge a questão de qual voz usar, porque é escrita para diferentes faixas vocais. Eu acho que com Stéphane Degout estamos em uma situação ideal que vai muito além de seu tipo de voz – um barítono na tradição francesa, extraordinariamente nobre e expressivo, caracterizado por sua beleza flexível e sua inteligência com palavras. O que ele traz para o repertório da música em geral e a melodie francesa em particular faz dele um intérprete de primeira classe e era óbvio para mim que ele era a pessoa certa para atribuir este ciclo.

Qual é o papel específico dos instrumentos do tempo de Berlioz que a orquestra usa aqui?
Berlioz, como outros orquestradores inovadores, trouxe as melhores qualidades dos instrumentos que tinha à sua disposição na época. Ele manteve-se atualizado com os últimos desenvolvimentos na fabricação de instrumentos e, como um chef, estava disposto a usar o ingrediente certo para temperar sua receita musical. É realmente emocionante encontrar os sabores originais dos instrumentos de seu tempo porque você percebe quase instantaneamente o que eram essas novas combinações de timbres. Com instrumentos mais recentes ou modernos, seria muito mais difícil alcançar a mistura sônica, enquanto que com aqueles que Berlioz estava familiarizado, você pode entender imediatamente o que ele estava procurando e como ele queria criar suas novas cores. Você pode apreciar essas combinações sem precedentes na orquestra sinfônica e até mesmo em Les Nuits d’été, que exige uma orquestra menor.

A outra obra-prima deste disco é Harold en Italie com Tabea Zimmermann. Você diria que as questões interpretativas são comparáveis ​​às de Les Nuits d’été ou diferentes?
Com Harold en Italie nos encontramos com outra faceta de Berlioz. A única coisa que tem em comum com Les Nuits d’été é que tem um protagonista que faz um papel solo. Isso é bastante óbvio com Les Nuits d’été, já que temos uma voz solo cantando os textos com acompanhamento orquestral, mas com Harold en Italie, as coisas são muito mais complexas: a viola não é uma solista concertante, como seria em um romântico. Concerto, mas sim um personagem musical, um narrador, um ator na história de Harold que está relacionado a nós. Berlioz inventou um papel genuinamente novo aqui na relação entre o solista e a orquestra. Costumo comparar Harold ao Don Quixote de Richard Strauss – um poema sinfônico com um violoncelista principal que também parece incorporar um personagem. Em Harold en Italie, Berlioz inventou essa mesma forma, obviamente muito antes de Richard Strauss.

Você diria que nos mostra um Berlioz em busca de novas orientações artísticas neste programa?
Pode-se pensar que temos dois trabalhos nesta gravação que têm pouco em comum – Harold en Italie apresenta uma enorme orquestra, enquanto Les Nuits d’été é para um grupo muito menor. No entanto, eles estão ligados pelo fato de que Berlioz inventou novas formas aqui: foi a primeira vez que um compositor escreveu um ciclo de canções acompanhado por uma orquestra, e que alguém criou esse tipo de poema sinfônico com viola principal. Então, é verdade, este disco destaca como Berlioz inventou novos caminhos para a música.

P.S. Como não poderia deixar de ser, mais uma vez a Harmonia Mundi dá um show de qualidade em matéria de gravação, intérpretes, edição do booklet que segue em anexo ao arquivo de áudio traz muitas informações importantes. A tradução da entrevista acima fiz por conta e risco, com um pouco de ajuda do tradutor do Google, mas ela está lá, em três idiomas…

HECTOR BERLIOZ (1803-1869) Harold en Italie
Symphonie avec un alto principal en 4 parties, op. 16, H. 68 D’après Childe Harold’s Pilgrimage de George Gordon Byron  |
1 No 1. Harold aux montagnes. Scènes de mélancolie, de bonheur et de joie. Adagio – Allegro 15’14
2 No 2. Marche de pèlerins chantant la prière du soir. Allegretto 7’51
3 No 3. Sérénade d’un montagnard des Abruzzes à sa maîtresse. Allegro assai 5’58
4 No 4. Orgie de brigands. Souvenirs des scènes précédentes. Allegro frenetico 11’44

Les Nuits d’été Six mélodies avec un petit orchestre, op. 7, H. 81B Poèmes de Théophile Gautier (extraits de La Comédie de la mort)
5 1. Villanelle, H. 8 2’12
6 2. Le Spectre de la rose, H. 83 6’40
7 3. Sur les lagunes – Lamento, H. 84 5’43
8 4. Absence, H. 85 5’45
9 5. Au cimetière – Clair de lune, H. 86 5’41
10 6. L’Île inconnue, H. 87 3’37

Tabea Zimmermann, alto
Stéphane Degout, baryton
Les Siècles
François-Xavier Roth

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Sabine Devieilhe – Mirages – Alexandre Tharaud, François-Xavier Roth, Les Siècles

A voz da soprano Sabine Devieilhe é o grande destaque deste belíssimo CD. E é ela quem o apresenta:

“Este álbum veio através do meu desejo de gravar Lakmé, um papel que tem sido muito querido para o meu coração desde que eu o fiz pela primeira vez no palco em 2012.
Para este personagem de Lakmé, Leo Delibés compôs algumas das mais belas músicas já compostas para soprano coloratura. Sua abordagem artística era essencialmente francesa, pois sempre fazia da voz o centro das atenções, com uma orquestração que às vezes é diáfana (quando uma heroína recita uma oração) e às vezes deslumbrante (nos grandes duetos amorosos).
Foi esse trabalho que despertou meu amor pela ópera francesa do século XIX. Mas Lakmé também surgiu no contexto de artistas europeus, tornando-se mais abertos a influências de terras distantes. Os ouvidos ocidentais estavam ansiosos por fazer viagens musicais e poéticas, e as pessoas eram cada vez mais receptivas a perfumes de longe.” Esta sua apresentação em sua íntegra se encontra no booklet que está anexado ao arquivo.

Dois momentos memoráveis deste CD é a magnífica ”Viens, Mallika’, com a ‘Duo das Flores’, uma das mais belas árias já compostas, e ‘La Romance d’Ariel” de Debussy. A voz de Sabine Devieilhe é alguma coisa de outro mundo. Tenho certeza que os senhores irão amar este CD.

1 Messager Madame Chrysanthème, Act 3 ‘Le jour sous le soleil béni’ (Madame Chrysanthème)
2 Debussy Pelléas et Mélisande, Act 3 ‘Mes longs cheveux descendent’ (Mélisande)
3 Delibes Lakmé, Act 2 ‘Où va la jeune Hindoue’ (Lakmé)
4 Delage 4 poèmes hindous – I. Madras
5 Delage 4 poèmes hindous – II. Lahore
6 Delage 4 poèmes hindous – III. Bénarès
7 Delage 4 poèmes hindous – IV. Jeypur
8 Debussy La Romance d’Ariel
9 Delibes Lakmé, Act 1 ‘Viens, Mallika’ (Lakmé, Mallika)
10 Stravinsky Le Rossignol, Act 2 ‘Ah, joie, emplis mon coeur’ (Le Rossignol)
11 Thomas Hamlet, Act 4 ‘À vos jeux, mes amis’ (Ophélie)
12 Berlioz La mort d’Ophélie
13 Massenet Thaïs, Act 2 ‘Celle qui vient est plus belle’ (La Charmeuse, Crobyle, Myrtale)
14 Koechlin Le voyage
15 Delibes Lakmé, Act 3 ‘Tu m’as donné le plus doux rêve’ (Lakmé)

Sabine Devieilhe – Soprano
Alexandre Tharaud – Piano
Jodie Devos – Soprano
Marianne Crebassa – Mezzo-Soprano
Les Siècles
François-Xavier Roth – Conductor

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Richard Wagner – Die Walküre – Karajan, Vickers, Crispin, Janowitz, Stewart, etc., BPO

A segunda ópera do ciclo do Anel dos Nibelungos é ‘Die Walküre”, uma obra prima de Wagner, uma das mais belas óperas já compostas. É emocionante desde os primeiros acordes, quando a orquestra entra simulando uma tempestade, e Sigmund entra em cena, e conhece Sieglinde.
O mago Karajan reúne aqui novamente um elenco estelar, destacando a dupla Jon Vickers, um dos maiores cantores wagnerianos de todos os tempos, e Gundula Janowitz, uma das cantoras favoritas do Kaiser Karajan, a magnífica Regine Crespin, sem esquecer de Thomas Stewart, um dos grandes baixos do século XX.

Como expliquei anteriormente, na postagem do “Ouro do Reno”, nosso caro Ammiratore se encarregou de preparar a sinopse desta complexa ópera:

“Die Walküre – segunda ópera da tetralogia, e que ópera ! Sua estréia ocorreu no teatro Nacional em Munique a 26 de junho de 1870. Baseada na Saga dos Valsungos que figura entre os grandes clássicos da literatura mundial; trata-se de um dos principais textos da produção popular da Baixa Idade Média europeia, foi redigida na Islândia do século XIII por autor(es) anônimo(s), não apenas por conta de seus méritos literários ou de sua importância para o estudo da antiga religião e das lendas dos povos germânicos, mas também pela inegável influência que exerceu sobre autores ocidentais modernos e contemporâneos. As sagas, e a literatura nórdica antiga em geral, foram lidas e apreciadas por escritores como J.R.R. Tolkien, famoso por seu Senhor dos Anéis, obra cuja fonte de inspiração essencial foi justamente a Saga dos Valsungos. Wagner iniciou a composição da música assim que encerrou o Ouro do Reno, em setembro de 1854, trabalho a que dedica cerca de 2 anos, tem como principal tema a luta do amor que está associada à natureza e liberdade, contra o poder que está associada à civilização e à lei.
A montagem Das Valkirias é mais frequentemente realizada nos teatros separadamente das outras três partes da tetralogia, e sem dúvida pode ser o trabalho mais amado de Wagner do grande público. A fonte dessa afeição é certamente a representação sensível de Wagner do amor de Siegmund e Sieglinde, e a relação pai-filha de Wotan e Brünnhilde. O primeiro ato, em particular, é uma obra-prima da melodia rapsódica unida a um firme plano de tensão cada vez maior, liberada em sucessivos clímaxes, à medida que Siegmund e Sieglinde são atraídos um pelo outro e revelam seus passados. Wotan sacrifica um olho pelo conhecimento, e seu poder se reduz à medida que o ciclo prossegue, seu longo monólogo no Ato II é muito humano em seu arrependimento pelo preço que pagou por conhecimento e poder. Acima de tudo, essa divindade falha e compreende a conexão íntima entre poder e amor e sua incompatibilidade. Wotan lembra que, mesmo com o mundo sujeito à sua autoridade: “Eu não podia deixar o amor. / No meu poder ansiava por amor ”. Brünnhilde, talvez a personagem mais intrigante de todo o ciclo, desafia o comando de seu pai de permitir que Siegmund morra – mas o faz por amor a Wotan e sua percepção de que é isso que ele realmente quer. Sua nobre rebelião é o eixo em torno do qual gira a história.
Wagner compreendeu que o poder e o amor não eram apenas incompatíveis, mas os pólos gêmeos do compromisso humano. Então, um dos desafios do Anel é decidir quem está certo. Vale a pena renunciar ao amor para sempre, como Alberich, para ganhar o controle do poder?

Die Walküre – Resumo:

Sob terrível tempestade, Siegmund foge de inimigos que o perseguem. Aproximando-se de uma casa tosca, construída ao redor de grande árvore, não hesita em entrar e larga o corpo exausto junto à lareira. Ouvindo a porta abrir-se, Sieglinde vem do outro cômodo e depara com o estranho, que ergue a cabeça e pede-lhe água. Ao marido, Hunding, que logo retorna da caça, ela explica as circunstâncias em que encontrou o rapaz.
Siegmund fala então de sua existência, pontilhada de desditas. É filho de Wolfe, a quem não vê há muito tempo, depois de um combate com os Neidingos, os mesmos inimigos que, antes, já haviam assaltado e destruído o palácio onde viviam. A mãe fora assassinada e, da irmã gêmea, que mal conhecera, nenhum vestígio encontrou. Agora, procura abrigo naquela casa, depois de haver lutado em auxílio de uma jovem obrigada a casar sem amor. Mas, ferido e desarmado, vira-se constrangido a evitar novo confronto com os adversários. São seus parentes conclui Hunding. É o que revela a Siegmund advertindo-o de que poderá usufruir as regalias de hóspede apenas por aquela noite. Já na manhã seguinte deverão ir à luta. Enquanto isso que trate de obter uma arma.
Mergulhado em sono profundo – Sieglinde dera-lhe de beber uma mistura preparada com tal finalidade -, Hunding ignora a ajuda que a esposa presta ao hóspede. Conduzido por ela a uma árvore onde está cravada uma espada. Siegmund apossa-se da arma com movimento vigoroso, identificando-a com aquela que o pai prometera enviar em momento de real dificuldade. Entre o herói e a mulher já crescera, e agora aflora em palavras de afeto, um amor incontido, embora percebam, ao confrontar suas histórias, que são irmãos, filhos do mesmo pai: o, velho desconhecido que, na festa de casamento de Sieglinde com Hunding, fincara a espada na árvore. Siegmund abraça-a ardorosamente e assegura ter soado para ambos a hora da vingança, da reconquista da honra. Confiantes em que os espera uma vida feita apenas de felicidade, deixam para trás a casa de Hunding. Na verdade, Wolfe não era outro senão Wotan, cuja união com uma mulher mortal
dera como fruto a estirpe dos Walsungos. Wotan tem interesse especial em Siegmund, pois por meio dele espera um dia recuperar o anel que se encontra nas mãos do gigante Fafner. Ele não pode recuperá-lo por iniciativa direta, pois isto lhe é vedado pela qualidade de deus dos tratados, mas deseja evitar qualquer possibilidade de que o anel volte as mãos do anão Alberich. É muito perigoso para os deuses.
Tudo isso Wotan explica a Brunnhilde, sua filha dileta, nascida, como outras oito irmãs, de encontros ocasionais com Erda, deusa da terra. São as Valquírias, incumbidas de conduzir para o Walhalla, em suas montarias aladas, os guerreiros mortos, que irão integrar o corpo dos sentinelas da morada dos deuses. Constrangido pela vontade férrea de Fricka, a quem Hunding recorreu para obter a condenação da
união entre Siegmund e Sieglinde, Wotan contraria os próprios sentimentos e ordena a Brünnhilde que interfira na luta entre os dois homens e faça a vitória caber a Hunding. No entanto, ao encontrar-se com Siegmund e Sieglinde, que tem Hunding em seu encalço, a
Valquíria deixa-se levar pelo coração e passa a protege-lo com seu escudo durante o combate, para faze-lo vencedor. Wotan, entretanto, intervém exatamente quando Siegmund atinge o outro comum golpe mortal: faz em pedaços a espada do Wälsungo, permitindo que Hundig lhe
trespasse o peito com a lança. Brünnhilde, aterrorizada, toma Sieglinde nos braços, monta seu cavalo e foge para junto das outras Valquírias. Pretende levar a jovem para o Oriente, onde, em sossego, esta poderá dar à luz a criança que é fruto do amor com Siegmund. Daquelas paragens certamente não se aproximará Wotan, pois ali vive Fafner, que, usando o Tarnhelm (elmo mágico), transformou-se em dragão e dorme sobre o tesouro.
Envolto em nuvens tempestuosas, Wotan irrompe Envolto em nuvens tempestuosas, Wotan irrompe á procura de Brünnhilde, que apenas tem tempo de convencer Sieglinde a fugir, levando consigo os pedaços da espada de Siegmund, a qual, um dia, será refundida. Quanto à criança, diz Brünnhilde, receberá o nome de Siegfried. Furioso com a desobediência da filha rebelde, Wotan impõe-lhe a punição mais temida: perderá seus poderes de deusa, transformando-se em uma mulher destinada a ser possuída por qualquer homem. A ira divina assusta as outras
Valquírias, que fogem em cavalgada.
A sós com Brünnhilde, entretanto, Wotan acaba curvando-se a voz mais forte do amor paternal e alivia o castigo. Auxiliado por Loge, a quem chama, levanta um círculo de fogo em torno da jovem. Só conseguirá possui-la alguém suficientemente destemido, capaz de vencer a mágica barreira. Antes, beija-a, faz com que adormeça e cobre-a com o escudo de Valquíria.
Thomas Stewart tem uma voz magnífica de amplo poder e alcance, seu Wotan, sua enunciação e fraseado são excelentes. Sua raiva resplandece ferozmente no Ato 2 quando Fricka parte. No Ato 3, Stewart é capaz de realçar toda a beleza musical das frases de Wotan banindo Brünnhilde da “hoste celestial”. Crespin é uma artista talentosa demais, ela nos da, no curso dos atos, muitos momentos preciosos, e há uma frase no Ato 3 que eu nunca ouvi cantar tão bela e afetivamente, é onde Brünnhilde fala, simplesmente e de coração, de compreender pelo menos um dos comandos de Wotan, “amar tudo o que amava”, ela invoca poder dramático e tonal considerável em seu apelo para ser cercada pelo fogo. Gundula Janowitz muito bem como Sieglinde, realmente parecendo surpresa ao encontrar um homem estranho em sua casa e mais tarde no ato suas lindas notas altas dão muito prazer. O desempenho de Jon Vickers como Siegmund é soberbo nesta fase da carreira ele está com a voz esplêndida, os momentos heróicos são muito excitantes. Como sempre, sua enunciação é admirável, no Ato 2, onde sua ternura por Sieglinde, e suas respostas dignas a Brünnhilde, tocam a grandeza. Fricka de Josephine Veasey verdadeira mezzo-soprano adequada para os enraivecidos pronunciamentos da deusa. Este é um desempenho finamente cantado e distinto. Martti Talvela é um magnífico Hunding, tão ameaçador quanto Fricka e com uma voz tão negra e com o poder tonal. Não há muito o que escolher entre as maravilhosas Valquírias, tudo é adorável como por exemplo na silenciosa passagem em que as três vozes superiores entram uma depois da outra é inquestionavelmente um belo registro de entrosamento, gravação muito boa. Karajan têm a mitica Filarmônica de Berlim sob o comando. No Ato 1, quando a orquestra pinta tão lindamente o amor desperto de Sieglinde e Siegmund, para tornar-se emocionalmente indulgente, Karajan constrói seu clímax com sutileza empolgante. O magnífico registro orquestral de Karajan, o Siegmund de Jon Vickers, o Wotan de Thomas Stewart e Crespin tentando atingir as alturas tornam esta gravação belíssima. Ela pode nos surpreender e muito.

Jon Vickers tenor – Siegmund
Martti Talvela baixo – Hunding
Thomas Stewart barítono – Wotan
Gundula Janowitz soprano – Sieglinde
Josephine Veasey mezzo – Fricka
Régine Crespin contralto – Brünnhilde
Liselotte Rebmann soprano – Gerhilde
Ingrind Steger mezzo – Waltraute
Daniza Mastlovic soprano – Helmwige
Cvetka Ahlin mezzo – Grimgerde
Carlotta Ordassy soprano – Ortlinde
Lilo Brockhaus mezzo – Schwertleite
Barbro Ericson mezzo – Sigrune
Helga Jenckel soprano – Rossweisse
Orquestra Filarmônica de Berlim / Herbert von Karajan

Richard Wagner (1813 – 1883)
Die Walküre, WWV 86B

Act 1

1.
Orchestervorspiel
2. Szene 1: “Wes Herd dies auch sei, hier muß ich rasten”
3. Einen Unseligen labtest du (Siegmund, Sieglinde)
4. Szene 2: “Müd am Herd fand ich den Mann”
5. “Friedmund darf ich nicht heißen”
6. Die so leidig Los dir beschied (Hunding, Sieglinde, Siegmund)
7. “Ich weiß ein wildes Geschlecht”
8. Szene 3: “Ein Schwert verhieß mir der Vater”
9. “Schläfst du, Gast?”
10. “Winterstürme wichen dem Wonnemond”
11. Du bist der Lenz
12. O süßeste Wonne! Seligstes Weib! (Siegmund, Sieglinde)
13. War Wälse dein Vater
14. Siegmund, den Wälsung, siehst du, Weib! (Siegmund, Sieglinde)

Act 2

15. Vorspiel – Szene 1: “Nun zäume dein Roß”
16. Hojotoho! Hojotoho! (Brünnhilde)
17. “Der alte Sturm, die alte Müh'”
18. So ist es denn aus mit den ewigen Göttern
19. “Was verlangst du?”
20. Deiner ew’gen Gattin heilige Ehre (Fricka, Wotan)
21. Szene 2: “Schlimm, fürcht ich, schloß der Streit”
22. “Ein andres ist ‘s: achte es wohl”
23. So nimmst du von Siegmund den Sieg? (Brünnhilde, Wotan)
24. So nimm meinen Segen, Niblungen-Sohn (Wotan, Brünnhilde)
25. “So sah ich Siegvater nie”
26. Szene 3: “Raste nun hier; gönne dir Ruh!”
27. Szene 4: “Siegmund! Sieh auf mich!”
28. “Du sahest der Walküre sehrenden Blick”
29. So jung und schön erschimmerst du mir (Siegmund, Brünnhilde)
30. Szene 5: “Zauberfest bezähmt ein Schlaf”
31. Der dort mich ruft, rüste sich nun (Siegmund, Sieglinde, Hunding, Brünnhilde)
32. Zu Ross, daß ich dich rette! (Brünnhilde, Wotan)

Act 3

33.Szene 1: “Hojotoho! Heiaha!”
34. “Schützt mich und helft in höchster Not”
35. “Nicht sehre dich Sorge um mich”
36. Szene 2: “Wo ist Brünnhild’, wo die Verbrecherin?”
37. “Hier bin ich, Vater”
38. Einleitung 3.Aufzug (Finale)
39. Szene 3: “War es so schmählich?”
40. So tatest du, was so gern zu tun ich begehrt
41. Nicht streb, o Maid, den Mut mir zu stören (Wotan, Brünnhilde)
42. “Leb wohl, du kühnes, herrliches Kind”
43. Der Augen leuchtendes Paar
44. “Loge, hör! Lausche hieher!”
45. – Magic Fire Music –

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.: interlúdio .: Pat Metheny Group- American Garage

Com certeza esse álbum do Pat Metheny Group é um dos mais belos discos de jazz já gravados. Impecável na sua produção, na qualidade das músicas, no nível altíssimo dos músicos envolvidos … nunca deixo de me emocionar quando o ouço, e já faço isso há mais de trinta anos e cinco anos.

Pat Metheny com este disco inscrevia seu nome no rol dos grandes músicos de Jazz, nos trazendo belíssimas melodias, muito inspiradas, sem precisar espanar sua guitarra, me utilizando da expressão de nosso mentor, PQPBach para reclamar daqueles guitarristas que gostam de demostrar seu virtuosismo tocando mil notas por segundo, nos mostrando uma técnica apuradíssima, com sua excepcional banda, que tinha o seu parceiro de banda pelas próximas duas décadas, o pianista e tecladista Lyle Mays, o baixista Mark Egan e o baterista Dan Gotlieb.

Canções como ‘(Cross The) Heartland’, ‘American Garage’, e a épica ‘Epic’ já se tornaram clássicas, e são obras obrigatórias em seus concertos. Elas nos remetem a uma época que não volta mais, a campos cultivados, a estradas sem fim, lembrando do belo título de uma coletânea do The Allman Brothers Band, ‘The Road Goes on Forever”. Até hoje, Pat Metheny é uma de minhas trilhas sonoras de viagem favoritas.

A capa deste disco também é detalhe a se destacar: aqueles trailers sob um céu azul não trazem uma paz de espírito para os senhores?, nos deixa serenos. Talvez o único defeito deste LP seja sua curta duração: meros trinta e cinco minutos, que você que durem cem minutos. Entendemos que na época os discos não eram muito mais longos que isso, estamos falando de 1979.

Para aqueles que não conhecem Pat Metheny, creio que esta seja a melhor apresentação que se possa fazer.

01 – (Cross The) Heartland
02 – Airstream
03 – The Search
04 – American Garage
05 – The Epic

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.: interludio :. Hiromi & Edmar Castaneda – Live In Montreal (2017)

Já ensaiei uma postagem deste CD anteriormente, mas por algum motivo, acabei desistindo. O que é uma sacanagem para com os senhores: isso aqui é absolutamente sensacional. Dois ‘monstros’ em seus respectivos instrumentos, se desafiando constantemente, mostrando todo o seu virtuosismo e possibilidades infinitas de seus instrumentos.

A pianista japonesa Hiromi é um assombro, nunca deixa de nos surpreender, lembra um pouco Keith Jarrett em seu apogeu nos anos 70, revolucionando o ‘tocar piano’, ficamos nos imaginando de onde vem tanto talento, tanta capacidade de improvisação, tanto virtuosismo.

Edmar Castaneda até então me era um ilustre desconhecido. É colombiano, e o que faz com sua Harpa é assustador também. Assustador no bom sentido, claro. Também tira água da pedra, extraindo de seu instrumento sonoridades mil, explora com maestria todas suas nuances. Por vezes nós é difícil entender como ele consegue fazer isso tudo.

O virtuosismo é o que impera neste ‘IM-PER-DÍ-VEL’ CD. Sim, há momentos de virtuosismo extremo, mas também há momentos de puro encantamento, delírio emocional, sei lá como chamar. Tratam-se de dois músicos no apogeu de sua carreira e técnica mostrando até onde podem ir, e se possível, ir mais além.

Deleitem-se, caros mortais… é para se ouvir diversas vezes para melhor ser apreciado em seus detalhes. Melhor ainda é que foi gravado ao vivo …

Hiromi & Edmar Castaneda – Live In Montreal (2017)

1. A Harp In New York
2. For Jaco
3. Moonlight Sunshine
4. Cantina Band
5. The Elements – Air
6. The Elements – Earth
7. The Elements – Water
8. The Elements – Fire
9. Libertango

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FDP

Anne Sophie von Otter – A Simple Song

Esse CD é assim apresentado no site da Gravadora BIS:

Uma breve olhada na lista de faixas é suficiente para revelar quem é o cantor – somente Anne Sofie von Otter poderia ter um programa tão variado e abrangente. E somente von Otter poderia mantê-lo unido, encontrando as ressonâncias entre essas peças muito diferentes, e trazendo-as para fora com uma rara habilidade de abraçar diferentes estilos de canto e registros expressivos: parafraseando Bernstein em A Simple Song, Anne Sofie von Otter nunca não consegue cantar como ela gosta de cantar.

De Liszt a Pärt e da Sinfonia de Ressurreição de Mahler ao Sound of Music de Richard Rodgers, von Otter é apoiado por seu acompanhante de longa data, Bengt Forsberg, aqui no órgão, em vez de seu piano habitual. Em vários pontos do programa, elas se juntam a vários amigos musicais, no órgão da Igreja de St. James, no centro de Estocolmo – a mesma igreja onde a jovem von Otter começou sua carreira como corista e, junto com Forsberg, deu um de seus primeiros shows públicos.

Com esta apresentação, o que preciso falar mais? Anne Sophie Von Otter é uma das maiores cantoras líricas de sua geração, ninguém tem dúvidas a respeito disso. Sua voz pode ser robusta e encorpada quando necessário, mas também suave e delicada. Ouçam com atenção a primeira faixa, ‘A Simple Song’, de Leonard Bernstein, e irão entender o que estou falando.

Leonard Bernstein
01 A Simple Song, from Mass

Aaron Copland
02 I’ve heard an organ talk sometimes

Charles E. Ives
03 Serenity 2’33

Gustav Mahler
04 Es sungen drei Engel

05 Urlicht

Richard Strauss
06 Traum durch die Dämmerung

07 Morgen

Arvo Pärt
08 My Heart’s in the Highlands

Maurice Duruflé
09 Pie Jesu, from Requiem

Olivier Messiaen
Trois mélodies (1930)
10 Pourquoi ? 2’03
11 Le sourire 1’44
12 La fiancée perdue

Francis Poulenc
13 Priez pour paix 2’08

Frank Martin
14 Agnus Dei, from Requiem
Arvo Pärt
15 Es sang vor langen Jahren

Franz Liszt
16 Ave Maria III (Sposalizio), S. 60

Richard Rodgers
from The Sound of Music
17 Climb ev’ry mountain

Mezzo-soprano Anne Sofie von Otter
Electric guitar Fabian Fredriksson
Organ Bengt Forsberg
Flute Sharon Bezaly
Harp Margareta Nilsson
Violin Nils-Erik Sparf
Cello Marie McLeod
Viola Ellen Nisbeth

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Frédéric Chopin (1810-1849) – Barcarolle, Mazurkas, Polonaise-Fantaisie In A Flat Major, Op. 61, etc. – Maurizio Pollini

Não precisam se assustar, não estou repetindo postagem. Ontem postei o segundo CD lançado por Pollini, dedicado aos últimos opus de Chopin. Este aqui é o primeiro, que tem a magnífica Polonaise-Fantaisie, uma das mais belas obras do repertório pianístico. E Pollini é Pollini.  Admirável, perfeito, divino, sei lá, ficar aqui relacionando adjetivos para este músico é chover no molhado.

Ouçam, ouçam, ouçam, e depois tirem suas conclusões. Aos 77 anos de idade ele continua em atividade, gravando, realizando espetáculos enfim, uma lenda viva.

01. Chopin Barcarolle In F Sharp Major, Op. 60
02. Chopin 3 Mazurkas, Op. 59-No. 1 In A Minor. Moderato
03. Chopin 3 Mazurkas, Op. 59-No. 2 In A Flat Major. Allegretto
04. Chopin 3 Mazurkas, Op. 59-No. 3 In F Sharp Minor. Vivace
05. Chopin Polonaise-Fantaisie In A Flat Major, Op. 61
06. Chopin 2 Nocturnes, Op. 62-No. 1 In B Major. Andante
07. Chopin 2 Nocturnes, Op. 62-No. 2 In E Major. Lento
08. Chopin 3 Mazurkas, Op. 63-No. 1 In B Major. Vivace
09. Chopin 3 Mazurkas, Op. 63-No. 2 In F Minor. Lento
10. Chopin 3 Mazurkas, Op. 63-No. 3 In C Sharp Minor. Allegretto
11. Chopin 3 Valses, Op. 64-No. 1 In D Flat Major. Molto vivace
12. Chopin 3 Valses, Op. 64-No. 2 In C Sharp Minor. Tempo giusto
13. Chopin 3 Valses, Op. 64-No. 3 In A Flat Major. Moderato
14. Chopin Mazurka In F Minor, Op. Posth. 68-No. 4 Andantino

Maurizio Pollini – Piano

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Frédéric Chopin (1810-1849) – Nocturnes op. 55, Mazurkas, op. 56, Sonata op. 58 – Maurizio Pollini

O imenso pianista italiano Maurizio Pollini deixa sua marca registrada nestes CD dedicado a Chopin. E Pollini, como não poderia deixar de ser diferente, está impecável, temos aqui um artista no apogeu de sua arte, independente das faces enrugadas, da calvície pronunciada e da idade avançada. Pollini já transcendeu em sua arte, não precisa provar mais nada. Depois de cinquenta anos de carreira, tudo o que vier é lucro.
Neste CD, na verdade o segundo dedicado a Chopin, lançados em um período de dois anos, o grande mestre continua seu  projeto em que se dedica aos último opus de Chopin. Noturnos, Mazurkas, a magnífica Sonata nº 3, entre outras obras recebem um tratamento delicado e intimista.

“Há uma certeza e maestria consumada em seu desempenho que só pode vir de décadas interpretando e amando esse repertório … As páginas finais da sonata, com sua enxurrada de semicolcheias deslumbrantes, oferecem ampla prova, se fosse necessário provar, que a velha magia de Pollini ainda está muito presente e correta” James Longstaffe, Presto Classical.

01. Chopin – Nocturne in F Minor, Op. 55 No. 1
02. Chopin – Nocturne in E-Flat Major, Op. 55 No. 2
03. Chopin – Mazurka in B Major, Op. 56 No. 1
04. Chopin – Mazurka in C Major, Op. 56 No. 2
05. Chopin – Mazurka in C Minor, Op. 56 No. 3
06. Chopin – Berceuse in D-Flat Major, Op. 57
07. Chopin – Piano Sonata No. 3 in B Minor, Op. 58 – 1. Allegro maestoso
08. Chopin – Piano Sonata No. 3 in B Minor, Op. 58 – 2. Scherzo (Molto vivace)
09. Chopin – Piano Sonata No. 3 in B Minor, Op. 58 – 3. Largo
10. Chopin – Piano Sonata No. 3 in B Minor, Op. 58 – 4. Finale (Presto non tanto)

Maurizio Pollini – Piano

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Richard Wagner (1813-1883) – Das Rheingold – Fischer-Dieskau, Stolze, etc., Karajan, BPO

Por um incrível capricho do destino, hoje comemoram-se os 136 anos da morte de Richard Wagner. Confesso que só fui me aperceber disso depois da postagem concluída e agendada. 

Este projeto de postar as óperas wagnerianas do ciclo do ‘Anel dos Nibelungos’ está sendo feito a quatro mãos: eu, FDPBach, e Ammiratore, uma grata aquisição para o blog, um apaixonado por ópera e dono de um acervo considerável. E digo grata aquisição tanto no sentido de conhecimento e paixão pela música, quanto pela amizade que já desenvolvemos, mesmo estando a 800 quilômetros de distância um do outro e conversando apenas por email e Whattsapp.

Sempre temi postar Wagner, não apenas pela complexidade de botar no ar quatorze CDs, mas também pela paixão que o compositor suscita entre seus admiradores. Eu fazia parte de uma comunidade no antigo Orkut formada por estes wagnerianos. E os caras eram peso pesado, alguns inclusive já tinham ido a Bayreuth algumas vezes para assistir a apresentações destas óperas, e eram profundos conhecedores da obra. Devo muito a alguns destes participantes, aprendi muito com eles, infelizmente com o fim daquela rede social, perdi contato com eles.

A escolha da versão que Herbert von Karajan gravou entre 1967 e 1968 foi mais por uma questão de praticidade de minha parte, pois estes arquivos estavam mais facilmente ao alcance. Na verdade, desde o começo a opção foi por ele. Cogitamos George Solti e Karl Böhm, até mesmo uma ‘obscura’ versão do Giuseppe Sinopoli foi cogitada, gravada ao vivo em Bayreuth, mas no final das contas, o nome do velho Kaiser falou mais alto.

O texto de apresentação é do nosso especialista em Ópera, Ammiratore.

“Adoro Wagner, achei importante antes de comentar as obras da tetralogia citar algumas nuances para compreender a excelência do trabalho do compositor. Então vamos lá: “O Anel do Nibelungo”, drama musical que Richard Wagner (1813 – 1883) escreveu durante 26 anos (1848 a 1874), constitui um ciclo de quatro óperas épicas, com cerca de 15 horas de duração. A primeira apresentação de todo o ciclo aconteceu em Bayreuth em 13 de agosto de 1876. Das Rheingold já havia estreado em Munique em 1869, a contragosto do autor.
Wagner criou a história do anel ao fundir elementos de diversas histórias e mitos das mitologias germânica e escandinávia. Em 1851 Wagner escrevia aos amigos: “os meus estudos levaram-me através da Idade-Média até aos antigos Mitos Germânicos fundadores…Aí descobri o Homem Verdadeiro (der wahre Mensch)”. Os Eddas (nome dado a duas coletâneas distintas de textos do séc. XIII, encontradas na Islândia, e que permitiram iniciar o estudo e a compilação das histórias referentes aos deuses e heróis da mitologia nórdica e germânica) forneceram material para Das Rheingold, enquanto Die Walküre é amplamente baseada na Saga dos Volsungos (saga islandesa, escrita por volta de 1300, com base na tradição germânica, os eventos reais que inspiraram a narração fantasiosa da saga ocorreram na Europa Central nos séculos V e VI dC). Siegfried contém elementos dos Eddas, da Saga dos Volsungos e da Saga Thidreks (saga nórdica.) A ópera final, Götterdämmerung, é baseada no poema do século XII Nibelungenlied (poema épico escrito na Idade Média por volta de 1200, baseada em motivos heróicos germânicos pré-cristãos) que foi a inspiração original para o Anel. O ciclo é modelado assim como os dramas do teatro grego em que eram apresentadas três tragédias e uma peça satírica. A história do Anel propriamente dita começa com Die Walküre e termina com Götterdämmerung, de forma que Das Rheingold serve como um prólogo. Ao agregar tais fontes numa história concisa, Wagner também acrescentou diversos conceitos modernos. Um dos principais temas do ciclo é a luta do amor, associada à natureza, e liberdade, contra o poder, que está associada à civilização e à lei.
Para realizar a montagem desta saga épica, seria também necessário inovar, Wagner concebeu um arrojado projeto: a construção de um teatro dotado de características imprescindíveis para a apresentação das suas óperas; o teatro da ópera de Bayreuth, na Alemanha. Favoreceu as circunstâncias e os fatores que facultassem ao público uma completa submersão ao tema do espetáculo. Utilizou efeitos sonoros, escureceu a sala de espetáculo, tornou a orquestra invisível ao espectador e realinhou a plateia para que o espectador melhor se envolvesse na performance. Vale lembrar que até meados do séc. XIX, o comportamento do espectador durante um espetáculo de ópera era completamente distinto do dos dias de hoje: entrava-se e saía-se da sala arbitrariamente para comer, ler jornais ou revistas, conversar, jogar às cartas ou falar de política. Só as famosas árias cantadas por artistas de renome eram escutadas com atenção. Wagner pretendia que a arte passasse por um processo de reeducação do público através dos modelos da Grécia antiga. Isto não seria feito através de uma transposição da tragédia grega para o século XIX, mas sim, através de uma releitura do passado. Consciente desta realidade, inspirado na estrutura da tragédia grega e defendendo valores intrinsecamente românticos, o compositor propunha a junção entre diferentes formas ou linguagens artísticas, pretendendo produzir um espetáculo abrangente, pleno e absoluto. A ópera de Wagner requer uma atitude específica por parte do espectador que terá que mergulhar na obra para que a mágica se complete e tenha efeito. Foram transformações invulgares para a época. Atualmente, porém, são lugar comum nos espetáculos de ópera e de bailado contemporâneos, possibilitando uma unificação entre o público, a orquestra e a cena propriamente dita. O impacto das ideias de Wagner ainda pode ser sentido em muitas manifestações artísticas ao longo de todo o século XX (sobretudo no cinema com “leitmotiv” caracterizando personagens na telona).
Vamos tentar deixar a política e as tretas envolvidas de lado e focar na arte; na noite de 13 de agosto de 1876 inaugurava-se em Bayreuth, na Baviera, um teatro sem similar no mundo. Havia, além do imenso auditório, cercado de colunas em estilo grego, um extraordinário conjunto de recursos técnicos que permitiam encenações muito mais ricas e complexas. Para alicerçar a grandiosidade do Anel, Wagner empregou uma orquestra gigantesca. E porque pretendia obter certos efeitos especiais, abriu lugar, na orquestração, a instrumentos que ele próprio inventou: as tubas wagnerianas ou tubas de Bayreuth – como são hoje conhecidos esses produtos híbridos da trompa tradicional e do trombone. Wagner julgava seu timbre ideal para certos momentos bem específicos, como os temas principais do Walhalla e o tema dos Walsungos. Então ali, entre monarcas e demais convidados ilustres, Wilhelm Richard Wagner, realiza o velho sonho: finalmente,
seria levado à cena, por completo, o ciclo de quatro dramas musicais que formava a sua maior obra – O Anel do Nibelungo. A 17 de agosto, encerrava-se com êxito a primeira apresentação integral, sob a regência de Hans Richter; e o espetáculo iria repetir-se por mais duas vezes consecutivas. Diversas são as opiniões sobre a monumental tetralogia, a que gostei mais foi dada pelo compositor e viajante inveterado o francês Saint – Saens: “Mil críticos, escrevendo cada qual mil linhas, durante dez anos, danificaram esta obra tanto quanto a respiração de uma criança poria em risco a estabilidade das pirâmides do Egito”.

Resumo: O ouro do Reno (Das Rheingold)
Nas águas serenas do Reno, três moças nadam com movimentos ágeis. As ondinas, filhas do velho rio, parecem apenas divertir-se – seu canto alegre assim faz crer – mas ali estão com tarefa bem precisa: são as guardiãs do ouro oculto e protegido no fundo da corrente. Woglinde, Wellgunde e Flosshilde surpreendem-se com o aparecimento de Alberich, o anão que vive com seus iguais em Nibelheim, lugar de escuras cavernas. Chegam a assustar-se, ao se verem perseguidas pelo anão, cujos olhos as cobiçam e desejam. Mas a apreensão dos primeiros momentos logo acalma e passam a rir-se, entre acenos de estímulo e rápidas esquivas, enquanto Alherich vocifera por não realizar seus intentos. Exasperado, êle as maldiz, e as ondinas tornam a afastar-se por entre as rochas. E quando intensa, fulgurante luminosidade se insinua por entre as águas, fazendo o anão deter-se em tensa expectativa. Que significaria aquele clarão? Respondem-lhe as jovens que é o ouro do Reno a refulgir. “E para que serve esse ouro?” pergunta ainda Alberich. Fica sabendo, então, que o valioso metal é fonte de todo poder: será senhor do mundo quem com ele fundir um anel, adorno que imediatamente concentrará incomensurável força de sortilégio. Há um pormenor, porém: somente será capaz de moldar o anel aquele que renunciar ao amor. E isso tranquiliza as ondinas, que fazem a sedutora revelação sem recear pela segurança do tesouro. Afinal, parece-lhes evidente que Alberich não optaria jamais por aquela hipótese. Enganavam-se: ele, agora, deseja ardentemente o poder sem medida. E, com um grito, expressa a escolha inesperada – “Eu maldigo o amor!” -, enquanto se lança em direção ao ouro, do qual se apossa, para desaparecer em seguida nas profundezas que o levariam de volta a Nibelheim. Em vão as filhas do Reno clamam por socorro. Esvai-se a luz. Desce uma névoa cinzenta, que se transforma depois em nuvens sempre mais claras. Ao dissolver-se, permite ver uma região montanhosa. Ao fundo, domina majestosa construção, de contornos cintilantes, a cujos pés corre o Reno, num vale profundo. Há pouco despertados, Wotan, pai dos deuses, e sua mulher, Fricka, deusa da virtude e da fecundidade, extasiam-se com a visão da morada divina, levantada pelos gigantes Fasolt e Fafner. Dura pouco, no entanto, este despreocupado embevecimento. Fricka lembra a Wotan o preço que devem pagar aos construtores: a virgem Freia. Que farão os deuses quando,sem ela, que é a deusa do amor e da eterna juventude, começarem a envelhecer e se forem aproximando irremediavelmente da hora extrema? Wotan responde-lhe com palavras de otimismo: que não se aflija, pois, na verdade nunca pensou realmente em entregar Fréia e está certo de poder convencer os gigantes a aceitarem outra recompensa qualquer. Para tanto, conta sobretudo com a astuciosa inventividade de Loge, deus do fogo. Mas Fasolt e Fafner já cuidam de apossar-se da virgem. Perseguida por ambos, ela corre espavorida junto: de Wotan. Este tenta ganhar tempo,mas apenas enfurece os gigantes quando diz, a princípio, não se lembrar da promessa, argumentando depois que nela consentira apenas por brincadeira. Providencialmente, aparecem Donner, deus da tempestade e do trovão, e Froh, deus do sol, que arremetem contra os irados gigantes. É o próprio Wotan, todavia, quem se empenha em apartar os contendores, curvando-se, finalmente, à evidência de que, sendo também o deus dos tratados, não lhe resta alternativa senão cumprir o acordo. Eis então que chega o astuto Loge; mas sua presença, para desencanto de Wotan, em nada contribui para tirá-lo da difícil situação. Bem pelo contrário: o deus do fogo admite que os giganta realmente merecem Fréia, tão portentosa é a obra que concluíram. Procurou muito – diz – nada encontrou que, em substituição a virgem, pudesse servir de recompensa à altura do empreendimento. E, aparentando indiferença relata a Wotan o roubo do ouro pelo anão Alberich, agora dotado de infinitos poderes, já que deve ter moldado o anel mágico. Fasolt e Fafner mostram-se interessados, pedem detalhes, principalmente porque sempre temeram os homenzinhos de Nibelheim. Wotan, por sua vez ouve, imerso em sonhos de grandeza inspirados pela possibilidade de ficar de posse do anel fabuloso. Não concorda, por isso, quando os gigantes exigem que o anel lhes seja entregue, para desistirem de Fréia. Além do mais, como pode dispor de algo que não possui? Ante a relutância de Wotan, Fasolt agarra a virgem e declara-se disposto a aguardar somente até a noite por uma decisão. Wotan que escolha:
conseguir o anel e entregá-lo, ou perder para sempre a juventude. Os gigantes se afastam, arrastando Fréia. A medida que se distanciam, os deuses vão-se transfigurando, para ganharem aparencia de velhos cansados. Wotan não pode perder sequer outro minuto: descerá com Loge ao reino de Nibelheim.
Dono do ouro, Alberich é agora senhor de todos os anões que vivem em Nibelheim, servos que devem entregar-lhe os objetos preciosos que fabricam. Nas profundezas da Terra, o reino dos anões vive em terror, sob o jugo daquele que se apossou do ouro do Reno e moldou o anel mágico. É Mime, irmão de Alberich, quem retrata a Wotan e Loge a desdita de seu povo. E mais: usando um elmo (o Tarnhelm), que lhe ordenara fabricar com o mesmo ouro, Alberich ganhou ainda o poder de tornar-se invisível ou transformar-se no que bem entender, para mais facilmente exercer seu domínio. Nesse momento surge Alberich. Pergunta aos deuses o que fazem ali. Tem uma resposta que mexe com sua vaidade: diz Wotan que vieram apreciar de perto as maravilhas que, ouviram falar, vêm-se processando em Nibelheim sob seu comando. O anão desfia seguidas bravatas, escarnece mesmo da condição inferior dos interlocutores ante seus poderes. Loge prossegue no jogo: e como faz Alberich para se precaver contra possíveis tentativas de lhe tomarem o anel, quando está dormindo? O anão explica que, graças ao elmo, pode tornar-se invisível. Por isso, adormece tranquilo. Loge pede-lhe uma prova concreta dessa capacidade. Alberich o atende de imediato, transformando-se em dragão. E seria ele capaz de transmudar-se num ser de tamanho bem pequeno para, se fosse o caso, mais facilmente escapar numa emergência? Ainda uma vez Alberich se deixa ludibriar e comprova a versatilidade do poder mágico: em segundos, é apenas um sapo. Imediatamente, Wotan o prende sob o pé, enquanto Loge lhe arrebata o elmo. Voltando à sua forma natural, Alberich procura resistir, mas é amarrado e levado para a superfície. Ali, os deuses obrigam-no a entregar todo o tesouro, se quiser reaver a liberdade. Sem alternativa, Alberich lhes faz a vontade e, sob ameaças, abre mão também do anel, que Wotan coloca no próprio dedo. Lança, no entanto, tanto, feroz maldição:” Assim como o anel deu a mim poder ilimitado, do mesmo modo vitime pela sua magia aqueles que o possuírem!”
Chegam os gigantes, que renovam a oferta de acordo. Exigem, porém – é Fasolt quem fala -, tanto ouro quanto seja necessário para ocultar de suas vistas toda a formosura da virgem. Os deuses atendem, vendo-se por fim privados do próprio anel e até do elmo, apesar dos protestos de Wotan.
Os gigantes libertam Fréia, que, jubilosa, se reúne a seus pares, de novo jovens e imortais. Agora, porém, os dois discutem, Fafner querendo a parte maior do tesouro. Termina por matar Fasolt. Ouvem-se trovoadas ensurdecedoras, relâmpagos cortam o céu. Não demora a surgir esplêndido arco-íris, verdadeira ponte que se estende do altiplano, onde se encontram os deuses, ao rochedo, no qual se ergue o castelo deslumbrante. Guiados por Wotan, todos se dirigem para o Walhalla, magnífica morada.”

Após esta breve descrição da ópera, Ammiratore faz uma análise mais detalhadas dos solistas envolvidos:

Como poderíamos esperar, Karajan interpreta “ O ouro do Reno “ como música de um cosmos lírico, com uma clareza radiante, virtuosidade de som, contrastes altamente eficazes, beleza vocal e instrumental. O que se destaca especialmente é o cuidado que Karajan leva para ser sempre mais atencioso com seus cantores, e isso ele certamente é. Para assegurar a beleza vocal e instrumental da tetralogia é necessário invocar as forças dos deuses da música e Karajan as possui. Karajan sempre em sinergia com a Orquestra Filarmônica de Berlim e seu admirável elenco de cantores. Um ótimo exemplo da unidade orquestral está no início do Preludio, o som que Karajan tira dos contrabaixos é envolvente, imergimos imediatamente na atmosfera do drama musical. Os “efeitos” usados na gravação como o som dos martelos e dos gritos dos Nibelungos estão na medida certa, sem exageros. Fischer-Dieskau, um barítono leve é um Wotan que nos leva a sua origem divina, voz muito bonita e Karajan dá um tratamento em que podemos apreciar plenamente sua performance verdadeiramente distinta. Gerhard Stolze interpreta Loge e da um relato malicioso e astucioso do desprezo pelos outros deuses. Como Martin Cooper diz no livreto desta gravação, Loge é “o único ser claro e racional em todas as personagens do Anel, os outros são os escravos de suas paixões, suas ambições ou emoções”. Stolze usa uma extraordinária variedade de tom de um mero sussurro – às vezes quase inaudível – para a denúncia, e gerencia as frases líricas que lhe são dadas muito bem. Este é um desempenho virtuoso. Zoltan Kelemen é um Alberich que preenche os seus momentos de ódio e indignação muito bem. Erwin Wohlfahrt é um Mime bem cantado. O baixo enorme de Martti Talvela como Fasolt é vocalmente extraordinário e sua abordagem romântica sugere um jovem gigante romântico mais interessado em Freia do que no ouro. Karl Ridderbusch como Fafner, também uma bela voz, demosntra frieza convincente. Entre as cantoras Josephine Veasey se destaca como Fricka e dá outro excelente desempenho nesta gravação.
Em suma, esta série do Anel que postaremos com o Karajan e sua turma é soberbo, interpretação extraordinariamente fiel, nunca excêntrica, nunca intrusiva, lírica, sem nunca tornar-se frouxa ou lenta, dramática sem nunca ser arrogante, uma abordagem sutil, sem ser agressiva – elegante. Gravações esplêndidas.

Dietrich Fischer-Dieskau barítono – Wotan
Zoltán Kelemen baixo – Alberich
Josephine Veasey mezzo – Fricka
Gerhard Stolze tenor – Loge
Erwin Wohlfahrt tenor – Mime
Martti Talvela baixo – Fasolt
Karl Ridderbusch baixo – Fafner
Donald Grobe tenor Froh
Simone Mangelsdorff soprano – Freia
Helen Donath soprano – Woglinde
Edda Moser soprano – Wellgunde
Anna Reynolds mezzo – Flosshilde
Berlin Philharmonic Orchestra / Herbert von Karajan

CD 1

1 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A – Vorspiel
2 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Erste Szene – “Weia! Waga! Woge du Welle!”
3 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Erste Szene – “He he! Ihr Nicker!”
4 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Erste Szene – “Garstig glatter glitschriger Glimmer!”
5 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Erste Szene – “Lugt, Schwestern! Die Weckerin lacht in den Grund”
6 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Erste Szene – “Nur wer der Minne Macht entsagt”
7 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Erste Szene – “Der Welt Erbe gewänn’ ich zu eigen durch dich?”
8 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Erste Szene – “Haltet den Räuber!”
9 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – Einleitung
10 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Wotan! Gemahl! Erwache!”
11 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “So schirme sie jetzt”
12 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Sanft schloss Schlaf dein Aug'”
13 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Was sagst du? Ha, sinnst du Verrat?”
14 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Du da, folge uns!”
15 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Endlich, Loge! Eiltest du so”
16 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Immer ist Undank Loges Lohn!”
17 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Ein Runenzauber zwingt das Gold zum Reif”
18 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Hör’, Wotan, der Harrenden Wort!”
19 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Schwester! Brüder! Rettet! Helft!”
20 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – “Wotan, Gemahl, unsel’ger Mann!”
21 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Zweite Szene – Verwandlungsmusik
22 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Dritte Szene – “Hehe! hehe! hieher! hieher! Tückischer Zwerg!”
23 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Dritte Szene – “Nibelheim hier”
24 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Dritte Szene – “Nehmt euch in acht! Alberich naht!”

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Disc 2
1 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Dritte Szene – “Zittre und zage, gezähmtes Heer”
2 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Dritte Szene – “Die in linder Lüfte Wehn da oben ihr lebt”
3 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Dritte Szene – “Ohe! Ohe! Schreckliche Schlange”
4 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Dritte Szene – “Dort die Kröte! Greife sie rasch!”
5 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Da, Vetter, sitze du fest!”
6 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Wohlan, die Niblungen rief ich mir nah”
7 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Gezahlt hab’ ich, nun lasst mich ziehn”
8 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Ist er gelöst?”
9 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Lauschtest du seinem Liebesgruß?”
10 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Lieblichste Schwester, süsseste Lust!”
11 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Gepflanzt sind die Pfähle nach Pfandes Mass”
12 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Weiche, Wotan, weiche! Flieh des Ringes Fluch!”
13 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Soll ich sorgen und fürchten”
14 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Halt, du Gieriger! Gönne mir auch was!”
15 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Nun blinzle nach Freias Blick”
16 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “He da! He da! He do! Zu mir, du Gedüft!”
17 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Bruder, hieher! Weise der Brücke den Weg! … Zur Burg führt die Brücke”
18 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Abendlich strahlt der Sonne Auge”
19 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “So grüss’ ich die Burg”
20 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A / Vierte Szene – “Rheingold! Rheingold!”
21 Wagner: Das Rheingold, WWV 86A – Vorspiel

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Ammiratore e FDPBach

Hector Berlioz – Symphonie Fantastique, Op. 14, Lélio, ou le retour à la vie, Op. 14bis – Jean Martinon,

Dando continuidade às comemorações aos 150 anos da morte de Hector Berlioz, o que trago hoje provavelmente é sua obra mais conhecida, amada por uns, odiada por outros, a ‘Sinfonia Fantástica’. Deixei nas mãos de Jean Martinon a responsabilidade de mostrar a obra a quem não conhece. mesmo sendo gravações realizadas lá na década de 1960 e que ainda nos atraem. Graças a tecnologia temos acesso a este fantástico material.

Épisodes de la vie d’un artiste I
Symphonie fantastique Op.14 H48 (1830)
1 I. Rêveries – Passions: Largo – Allegro agitato e appassionato assai – Religiosamente -15.13
2 II. Un Bal (Valse): Allegro non troppo*  – 6.44
3 III. Scène aux champs: Adagio† – 17.24
4 IV. Marche au supplice: Allegretto non troppo – 4.56
5 V. Songe d’une nuit de sabbat: Larghetto – Allegro – 9.59
*Jacques Lecointre cornet · †Paul Taillefer cor anglais & Jean Dupin oboe
Orchestre National de l’O.R.T.F. · Jean Martinon

Épisodes de la vie d’un artiste II
Lélio, ou le Retour à la vie Monodrame lyrique en six parties Op.14bis H55b (1831/1855) for narrator, soloists, chorus & orchestra
6 No. 1 Monologue: « Dieu ! Je vis encore » (Lélio) – 2.13
7 No. 2 Ballade de Goethe: « L’onde frémit » (Horatio) – 5.55
8 No. 3 Monologue: « Étrange persistance » (Lélio) – 2.30
9 No. 4 Chœur d’ombres: « Froid de la mort » (Chorus) – 6.22
10 No. 5 Monologue: « Ô Shakespeare ! » (Lélio) – 3.03
11 No. 6 Chanson de brigands: « J’aurais cent ans » (Le Capitaine, Chorus) – 4.20

Lélio: Jean Topart narrator · Horatio un pêcheur: Charles Burles tenor
Voix imaginaire de Lélio: Nicolai Gedda tenor · Le Capitaine: Jean van Gorp baritone
Marie-Claire Jamet harp · Michel Sendrez piano
Chœur & Orchestre National de l’O.R.T.F. · Jean Martinon

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Dmitri Shostakovich – Sinfonia nº 13 – Kiril Kondrashin, Moscow Philharmonic Orchestra

Prometi esta gravação para nosso mentor, PQPBach, já há algumas semanas, mas a falta de tempo me impediu de liberar antes. Hoje pretendo cumprir esta promessa.
Temos aqui Kiril Kondrashin, um dos maiores e mais influentes maestros do período soviético, regendo a monumental Sinfonia nº 13, de Shostakovich. Não se trata de obra fácil, de fácil ‘digestão’, não apenas por seu tamanho mas principalmente pela sua temática.
Esta gravação que ora vos trago é a ‘World Premiere”, ou seja, foi a primeira vez em que a obra foi apresentada ao público, lá no longínquo ano de 1962. Kiril Kondrashin encarou a empreitada, após Evgeny Mravinski desistir.
Em postagem de 2017, temos uma descrição completa da obra. Você encontra esta postagem aqui.

Dmitri Shostakovich – Sinfonia nº 13
1.1. Symphony No. 13 in B-Flat Minor, Op. 113 Babi-yar I. Babi Yar Adagio
1.2. Symphony No. 13 in B-Flat Minor, Op. 113 Babi-yar II. Yumor (Humour) Allegretto
1.3. Symphony No. 13 in B-Flat Minor, Op. 113 Babi-yar III. V Magazine (In the Store) Adagio –
1.4. Symphony No. 13 in B-Flat Minor, Op. 113 Babi-yar IV. Strachi (Fears) Largo –
1.5. Symphony No. 13 in B-Flat Minor, Op. 113 Babi-yar V. Kariera (a Career) Allegretto

Vitaly Gromadsky, bass
Male Bass Choir of the A.Yurlov
Republican Russian Choir Capella
Moscow Philharmonic Orchestra

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PQP

Hector Berlioz (1803-1869) – Aberturas – Diversas Orquestras e Maestros

No próximo dia 8 de março comemoram-se os 150 anos da morte de Hector Berlioz, compositor francês amado por uns, odiado por outros. Eu, FDPBach, provavelmente sou o único dentre meus colegas que admiram a obra desse compositor, e por isso, farei uma série de postagens em sua homenagem, claro se o tempo e a oportunidade assim o permitirem.

Duas das principais gravadoras já iniciaram as comemorações, cada uma de sua forma. A Sinfônica de Londres, por meio de seu selo, LSO Live, por exemplo, lançou a ‘Berlioz Odissey’, onde deixou a cargo  do grande Sir Colin Davis a responsabidade da homenagem. Claro que de forma apenas simbólica, já que o maestro inglês faleceu já há alguns anos. Mas Davis foi um dos grandes divulgadores da obra de Berlioz. gravou diversos discos com suas obras, até praticamente o final de sua vida.

Já a gravadora Warner, dona de um enorme acervo, nos brindou com uma magnífica caixa com 30 cds. e ali encontramos basicamente toda a obra de Berlioz, interpretada por grandes maestros do passado, como Sir Adrian Boult, Louis Frémaux,  Jean Martinon, Leonard Bernstein, entre outros. Pretendo mesclar as postagens, trazendo para os senhores cds das duas coleções citadas.

Vou começar, então, com um CD que traz Aberturas diversas, nas mãos de diversos maestros. Espero que apreciem. Estou particularmente ansioso com esse projeto.

CD 1

1 Les Francs-juges grande ouverture Op.3 H23d (1826) – 11.29
The London Classical Players ·
Sir Roger Norrington

2 Waverley grande ouverture Op.1 H26 (1826) – 10.14
3 Le Roi Lear grande ouverture Op.4 H53 (1831) -15.41
4 Rob-Roy intrata di Rob-Roy MacGregor overture H54 (1831) – 12.01
London Philharmonic Orchestra ·
Sir Adrian Boult

Le Carnaval romain ouverture caractéristique Op.9 H95 (1843-1844)
5 I. Allegro assai con fuoco – 0.23
6 II. Andante sostenuto – 3.23
7 III. Allegro vivace – 4.39
Royal Concertgebouw Orchestra ·
Mariss Jansons

8 Le Corsaire ouverture H101 (1844) – 8.37
London Symphony Orchestra ·
André Previn

9 Marche troyenne arrangement pour les concerts de musique des Troyens H133b (1864) – 5.26
City of Birmingham Symphony Orchestra ·
Louis Frémaux

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Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) – Complete Works for Piano & Orchestra – Jean Louis Steuerman, Moscow Chamber Orchestra, Constantine Orbelian

Apesar do nome ‘estrangeiro’ Jean Louis Steuerman é carioca da gema. O conheci há muito tempo atrás, por meio de um LP duplo onde tocava as Partitas bachianas. Na verdade, ainda tenho esse LP, pelo qual tenho muito carinho. O adquiri em determinado momento muito importante de minha vida, aqueles momentos de transição, de escolhas, enfim, e esse LP com estas obras imortais de Bach foram meio que a trilha sonora de minha vida naquele momento. Aliás, tive a oportunidade de assistir a uma apresentação sua, com esta mesma orquestra russa, em plena Avenida Paulista, lá pelo início da década de 90, tocando um dos Concertos para Piano de Bach, não me recordo qual deles. Foi uma apresentação ao ar livre, em um belo final de tarde e início de noite.
Mas o papo aqui é Mendelssohn. Steuerman encara as obras compostas para piano e orquestra do genial compositor, e o faz com muita eficiência e talento. Supera as inúmeras armadilhas e dificuldades que aquelas peças possuem e as apresenta com muita competência e virtuosismo.
Um baita CD, para ser apreciado sem moderação. É uma grande oportunidade para aqueles que não conhecem o talento deste grande músico brasileiro que continua na ativa, se apresentando nas principais casas de espetáculo no Brasil e pela Europa.

01. Nr. 1 g-Moll Op. 25 – I. Molto allegro con fuoco
02. Nr. 1 g-Moll Op. 25 – II. Andante
03. Nr. 1 g-Moll Op. 25 – III. Presto
04. Nr. 2 d-Moll Op. 40 – I. Allegro appassionato
05. Nr. 2 d-Moll Op. 40 – II. Adagio, molto sostenuto
06. Nr. 2 d-Moll Op. 40 – III. Finale Presto scherzando
07. Capriccio brillant h-Moll Op. 22
08. Serenade und Allegro giocoso h-Moll Op. 43
09. Rondo brillant Es-Dur Op. 29

Jean Louis Steuerman – Piano
Moscow Chamber Orchestra
Constantine Orbelian

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