Komitas (1869-1935): Patarag (Liturgia) for male choir

Na fronteira da Armênia com o Irã está o Monte Ararat, honorável porto da Arca de Noé. Ponto a partir do qual, conforme este dado bíblico, a humanidade teria voltado a florescer após o Dilúvio. Não seria este o único dilúvio que aqueles píncaros testemunhariam. Milênios após aquele cataclismo deflagrado pelo Criador, outro dilúvio inundaria o sopé do Ararat; não um dilúvio de água, mas de sangue. O Genocídio (ou Holocausto) Armênio, também chamado no idioma armênio de Medz Yeghern – “Grande Crime”, foi o extermínio sistemático deflagrado pelo Império Otomano contra a sua minoria armênia, com uma estimativa de vítimas entre 800.000 a 1,5 milhões. A data de 24 de abril de 1915 demarca o início desse massacre que preludiou, de certa forma, o Holocausto seguinte que se desdobraria na Segunda Guerra Mundial. Na data mencionada, as autoridades otomanas prenderam e deportaram de Constantinopla para Ankara 250 intelectuais e líderes comunitários armênios, a maioria dos quais sendo assassinados. Entre eles estava Soghomon Gevorki Soghomonian, mais conhecido como Komitas. Sacerdote armênio, compositor, musicólogo, cantor e maestro; fundador da Escola Nacional Armênia de Composição e um dos pioneiros da etnomusicologia.

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Komitas (também chamado Gomidas) nasceu em 26 de setembro de 1869 em Koutina – Anatólia, em território de Império Otomano (no oeste da Turquia de hoje). Órfão muito cedo, foi criado por parentes. Conta-se que seus pais eram amantes da música. Seu pai era sapateiro e sua mãe tecelã, ambos compunham e cantavam canções folclóricas que se tornaram populares em seu contexto. A perda da mãe e posteriormente do pai por alcoolismo debilitaram e afetaram profundamente a sua infância, na qual foi descrito como um “gentil e frágil menino que costumava ser visto dormindo nas pedras frias da lavanderia”. Em 1881 foi enviado para continuar sua educação em Etchmiadzin, ao Seminário Gervogian, centro da Igreja Armênia, em território do Império Russo, onde ele se destacou por sua bela voz. Tendo o seu talento musical desenvolvido e colocado em uso enquanto trabalhava com o coro, ao longo de sua educação religiosa, sendo então elevado à categoria de Vardapet (ou Vartabed, muitas vezes traduzido como “Arquimandrita” – um padre celibatário). Em virtude de sua ordenação foi renomeado de Komitas, homenagem a um notável poeta e compositor de hinos do século VII, Chatolicos Komitas.

Com o apoio do Catholicos Khrimian e do magnata arménio Mantáshev, Komitas Vardapet recebeu educação musical superior na Alemanha, introduzindo os europeus pela primeira vez na tradição musical armênia. Mais do que meramente a realização e partilha de cultura através das fronteiras, o talento musical profundo de Komitas serviu para realizar uma profunda investigação sobre a música armênia tradicional (e curda); música religiosa armênia, bem como o sistema de notação musical armênio, conhecido como “Khaz”. Foi durante esse tempo que a liturgia (missa, culto de domingo) da Igreja Armênia foi modificada através de métodos musicais ocidentais e notação; o arranjo de Komitas permanece muito popular hoje (juntamente com a de seu contemporâneo, Makar Yekmalian). Em 1896 chegou Berlim, onde estudou teoria e composição, piano e órgão, e aperfeiçoou a sua técnica de canto. Também, na Friedrich-Wilhelms-Universität, estudou Filosofia, Estética, História Geral e História da Música. Utilizou seus conhecimentos da tradição ocidental para construir uma tradição nacional, recolhendo e transcrevendo 3.000 peças da música folclórica armênia (mais da metade perdida, sobrevivendo cerca de 1200 peças). Publicou, em 1904, a primeira coleção de canções folclóricas curdas. Juntamente com seu coro chamado “Gousan” e uma orquestra de instrumentos tradicionais armênios, se apresentou em inúmeras cidades e em eventos na Europa, ganhando a admiração de Claude Debussy: “Brilhante Pai Komitas, eu me curvo perante o seu gênio musical!”; como também teve a admiração de Fauré, Vincent d’Andy e Saint-Säens. Sua fascinante personalidade, beleza e habilidade vocal, mais sua destreza ao piano e na flauta embeveciam as plateias.  Em 1910 Komitas se estabeleceu em Constantinopla, fugindo da inveja e hostilidade dos clérigos ultraconservadores de Etchmiadzin (assim como em seu tempo Guido d’Arezzo teve de fazer o mesmo, indo para Roma apresentar ao Papa suas novas ideias de codificação da música); também com a finalidade de apresentar o seu trabalho a um público cada vez mais vasto. Sendo assim amplamente admirado e aceito pelas comunidades armênias e chamado de “salvador da música armênia”. Infelizmente seu sonho de estabelecer um Conservatório Nacional em Constantinopla foi frustrado pelo descaso das autoridades que poderiam patrocinar tal feito. Isto não o impediu, contudo, de dar curso à sua obra vocal e instrumental, na qual mesclava elementos da tradição europeia ocidental e elementos da música sacra tradicional armênia e folclórica. Seu Patarag – Liturgia, para vozes masculinas, é considerado o ápice de suas criações. Música monumental, de impressionante força, como um oceano profundo e tempestuoso; no qual, lembrando um trecho de Ésquilo em seu Prometeu Acorrentado, ‘as ondas que se elevam e inundam o caminho dos astros’.

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No dia em que se deflagrou o genocídio armênio ele foi preso e embarcado num trem juntamente com mais 180 outros notáveis armênios. Sendo remetidos para o norte da Anatólia Central, a uma distância de cerca de 300 milhas. Seu amigo poeta e nacionalista turco Mehmet Emin Yurdakul e outros personagens influentes, como o embaixador americano Henry Morgenthau, prontamente se mobilizaram em seu favor e de outros, conseguido com que ele fosse remetido à capital juntamente com mais oito deportados. O período no qual Komitas permaneceu prisioneiro o afetou indelevelmente. Os horrores que testemunhou e a traumática experiência avariaram irreversivelmente sua mente. Um dos seus companheiros de degredo, Grigoris Balakian, escreveu em seu livro “O Gólgota Armênio” sobre o que testemunhou e detalhes de sua deportação junto a Komitas: “Quanto mais afastados da civilização, mais agitadas eram nossas almas e nossas mentes atordoadas pelo medo. Víamos bandidos por trás de cada pedra. As redes ou suportes de suspensão nas árvores nos pareciam cordas de forca. O especialista em canções armênias, o inigualável arquimandrita Padre Komitas, que estava em nosso vagão, parecia mentalmente instável. Ele pensou que as árvores fossem bandidos em ataque e continuamente escondeu sua cabeça sob a bainha do meu sobretudo, como uma perdiz com medo. Ele me pediu que lhe dissesse uma bênção – O Salvador – na esperança de que iria acalmá-lo”.

No outono de 1916 ele foi levado para um hospital em Constantinopla, em seguida mudou-se para Paris, onde morreu em 22 de outubro de 1935, numa clínica psiquiátrica em Villejuif na qual se encontrava por vinte anos. No ano seguinte as suas cinzas foram transferidas para Yerevan, na Armênia, e depositadas em um Panteão batizado com seu nome. Komitas, para mim é santo. Não sei para vocês. Que é um mártir do Genocídio Armênio, não o podemos negar. Acima de tudo foi um genialíssimo compositor e musicólogo. Ouçamos reverentes a esta impressionante obra, um dilúvio sonoro de forte beleza.

Patarag (Liturgia) – for male choir.

  • O Mystery deep
  • Throug the intercession of the Virgin Mother
  • Holy God
  • Again in peace
  • Glory to thee, O Lord
  • The body of the Lord
  • Who is like unto the Lord
  • Again in peace. Save O Lord
  • Christ in our midst
  • Let us stand in awe, Mercy and peace
  • Holy, holy
  • Heavenly Father
  • In all things blessed art thou, O Lord
  • Son of God
  • Spirit of God
  • Intercessions
  • Thanksgiving
  • And the Mercy of our great Lord
  • Our Father
  • The one holy
  • Holy is the Father
  • Lord, have mercy
  • Christ is sacrified
  • We have been filled with thy good things
  • We give thanks to thee
  • The Prayer Amid the church. Blessed be the Lord’s name

Male Chamber Choir of the Yerevan opera Theatre

Conductor Komitas Keshishyan

Chorus Master Tatevos Asmaryan

Soloist David Varzhapetyan

Recorded in 1989.

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Komitas, grande compositor, pioneiro musicólogo e etnomusicólogo.

Komitas, grande compositor, pioneiro musicólogo e etnomusicólogo.

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Guillaume de Machaut (1300-1377): Chansons – Dreams in the Pleasure Garden

Conta-se que um soberano árabe viajava com uma caravana biblioteca, na qual cada camelo trazia os livros pertinentes a uma letra na ordem alfabética. Seria preciso uma caravana de escritos similar para discorrer sobre Guillaume de Machaut (1300-1377), para descrever as dimensões e importância de sua obra na história da música; assim, considerando que muito dele já se comentou e se comentará neste espaço dedicado à música e ao conhecimento, peço licença para emoldurar com poética atmosfera esta incomparável gravação. Poética porque menciono aqui o semi-lendário romance entre o compositor e a bela Péronelle. Por volta de 1362, Guillaume, já em idade avançada e enfermo, apaixonou-se por Péronelle d’Armentières, donzela de 19 anos com quem manteve epistolar correspondência; elegendo-a como figura central de sua mais importante obra poética: “Livre dou voir dit”, sob o epíteto de Toute Belle – a toda bela. A conjectura de que a jovem beldade seria apenas uma criação literária por parte de rançosos acadêmicos ao longo dos séculos não vem obscurecer os reflexos dourados dos cabelos da Toute Belle no jardim melódico de Guillaume, nem nos impedir de imaginá-los em meio a um real jardim; ele encanecido, meio vesgo e queixudo – conforme iconografia e descrições antigas, ao lado de sua musa, cintilante como uma gota de orvalho. Mesmo pelo fato de que “Voir Dit” significaria algo como “história verídica”. Esta monumental obra de quase mil versos conta uma história de amor entre o poeta e sua dama através de trechos narrativos, epístolas em prosa e poesias líricas musicadas, onde o amor é destruído pelos boatos e fofocas dos invejosos. Como não lembrar de uma das mais belas joias de Machaut, o virelaiDouce Dame Jolie”, uma das canções mais belas já criadas – curiosamente gravada pelo grupo Legião Urbana, com solo de guitarra; e que traz em seu texto: “Doce e bela dama, por Deus não penseis que alguém terá poder sobre mim senão apenas vós”.

3308wlyUma vez que incensamos o ambiente com estas líricas alusões, falemos do disco. Uma sensual e inebriante coletânea de canções seculares polifônicas. Composta por virelais, lays, ballades, rondeaux, composições sobre gêneros poéticos que no período da Ars Nova (século XIV) figuravam como as chamadas “formas fixas”, devido às estruturações frasais e estróficas definidas que as tipificavam; e sobre as quais se compunham o material melódico. Embora Machaut fosse ’clérigo’ da Catedral de Reims, a ideia que temos do termo difere do sentido em seu tempo, pois que se aplicaria a uma pessoa que fosse graduada nos estudos ministrados pela igreja e não propriamente uma ordenação eclesiástica. A única obra puramente sacra que se conhece de Machaut é a monumental e relevante Missa de Notre Dame, escrita por encomenda para um coroamento. O grosso de sua obra é secular (ou profana, no sentido de não sacra), composta sobre seus textos poéticos de caráter romântico cortês e por vezes moralizantes. A performance por parte do grupo inglês Orlando Consort é magistral, basta se considerar que o disco é cantado à capela, ou seja, sem a participação de instrumentos, seja dobrando, substituindo vozes ou em acompanhamento. Um trabalho de muito difícil realização que este soberbo conjunto de belas vozes leva à perfeição. Uma flor que se destaca nesse jardim polifônico é “Ma fin est mon commencement”, rondeau a três vozes, numa das quais Machaut utilizou a complexa técnica da escrita retrógrada (que Bach elevaria ao ápice mais tarde, especialmente na Oferenda Musical), procedimento no qual uma melodia se contrapõe a si mesma em trajetória inversa, como se diante de um espelho; o que se remete ao sentido do título – “meu fim é meu começo”. Outra peça notável (minha preferida no disco) é a balladeJe ne cuit pas”, a duas vozes. De uma delicadeza de pétala e de estranho e irresistível encanto. Uma das baladas se chama “Une vipere” – “uma víbora”; afinal, mesmo no Éden havia uma serpente. Nos deixemos perder neste sedutor horto de exóticas flores melódicas, tecidas pelo genialíssimo Machaut. No link abaixo, mais e aprofundadas informações sobre o mestre da Ars Nova.

https://pt.wikipedia.org/wiki/Guillaume_de_Machaut

  1. Tant doucement
  2. Comment puet on
  3. De Fortune
  4. Mors sui
  5. Se quanque amours
  6. Je ne cuit pas
  7. Liement me deport
  8. Je puis trop bien
  9. Certes mon oueil
  10. En amer a douce vie
  11. He! Dame de valour
  12. Une Vipere
  13. Ma fin est mon commencement
  14. De toutes flours

Orlando Consort

Alto vocals – Robert Harre-Jones

Baritone vocals – Donald Greig

Tenor vocals – Angus Smith, Charles Daniels (2)

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Michael Haydn (1837-1806): String Quintets

Irmão mais novo de Joseph Haydn, Michael Haydn nasceu na aldeia austríaca de Rohrau, perto da fronteira húngara. O início de sua carreira profissional foi pavimentada pelo irmão mais velho ‘José’, cuja habilidade e timbre vocal lhe haviam rendido uma posição como menino soprano na Catedral de St. Estêvão em Viena – daí a divertida história da fuga do então menino Joseph Haydn ao ouvir rumores de que poderiam transformá-lo em castrato. Segundo testemunhos da época ‘Miguel’ teria sido um estudante mais brilhante do que ‘José’, e quando Joseph cresceu o suficiente para ter problemas com sua voz soprano, foi o canto de Michael que se destacou. Deixando a escola coral, Michael foi nomeado Kapellmeister em Salzburg, onde permaneceu por 43 anos e onde escreveu mais de 360 composições, compreendendo tanto música sacra como instrumental. Na sua permanência em Salzburg, Michael estava familiarizado com a família Mozart, travando longa amizade como Amadeus, em mútua admiração. Em 1768 se casou com a cantora Maria Magdalena Lipp (1745-1827), gerando somente uma filha (Aloisia Josepha, nascida em 31 de janeiro de 1770) mas que morreu pouco antes de seu primeiro aniversário. Embora Lipp fosse por alguma razão detestada pelas mulheres da família Mozart, participou de diversas óperas de Amadeus. Comenta-se ainda que o velho e paternal Leopold Mozart o teria aconselhado a maneirar na manguaça – pois que o mano Haydn seria ‘bom de copo’. Em Salzburg Michael foi professor de Carl Maria von Weber e Anton Diabelli. Michael permaneceu próximo de Joseph toda a sua vida. Joseph considerava a música de seu irmão altamente, a ponto de declarar que as suas obras religiosas eram superiores às suas próprias. Michael Haydn morreu em Salzburg com a idade de 68 anos.

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Michael nunca compilou um catálogo temático das suas obras, nem nunca supervisionou a realização de um. O mais antigo catálogo foi compilado em 1808 por Nikolaus Lang por sua “Biographische Skizze” (Esboço Biográfico). Em 1907 Lothar Perger compilou um catálogo de suas obras orquestrais. E em 1915 Anton Maria Klafsky realizou um trabalho semelhante em relação à música vocal sacra de Michael. Em 1982, Charles H. Sherman, que editou dezenas de muitas das suas sinfonias para Doblinger, publicou um catálogo cronológico que algumas gravadoras têm adotado. Mais tarde, em 1991, Sherman juntou forças com T. Donley Thomas publicando um catálogo cronológico mais preciso. Enfim, algumas das obras de Michael Haydn são referidas pelos números Perger, do catálogo temático das suas obras compilado por Lothar Perger em 1907.

As obras corais sacras de Michael são geralmente consideradas como mais importantes, incluindo o Requiem pela a morte do Arcebispo Siegmund em C menor, que influenciou o Requiem de Mozart.  Também foi um compositor prolífico de música secular, incluindo quarenta sinfonias e partitas para madeiras; diversos concertos e música de câmara, incluindo um quinteto de cordas em C maior, que seria atribuído ao irmão Joseph. Outro caso de controvérsia de identidade póstuma envolve Michael Haydn, uma sinfonia de Mozart: durante muitos anos a obra que hoje conhecemos como a sua sinfonia nº 26 foi considerada como a sinfonia nº 37 K.444 de Mozart. A confusão gerou-se porque se descobriu um autógrafo que continha o movimento inicial da sinfonia feito pela mão de Mozart. Hoje considera-se que Mozart teria composto um novo movimento lento para o início da sinfonia, por razões ainda desconhecidas, mas sabe-se que o resto da obra é de Michael. A obra, que fora amplamente executada como sinfonia de Mozart, foi tocada consideravelmente menos desde esta descoberta em 1907. Sabe-se que foram grandes amigos e decerto companheiros de caneca. Em ocasiões nas quais um deles adoecia, o outro ajudava na consecução dos trabalhos encomendados.

Vários dos trabalhos de Michael Haydn teriam influenciado Mozart. Em três exemplos: o Te Deum, que teria influenciado Wolfgang em seu K. 141; o final da sinfonia 23 que pode ter sido uma fonte das ideias para o final do Quarteto em G, K. 387; e (em forma de fuga e tema de encerramento), o finale da Sinfonia No. 29 (1784) de Michael, em comparação ao monumental final da Sinfonia 41 – Júpiter; ambas em C maior.

Gostaria de destacar neste disco a faixa 9, o Adagio Cantabile do Quinteto em C maior, P. 108. Que seria atribuído ao mano ‘Zezinho’. Se me fosse permitido atribuir este engenhoso, inebriante, gracioso, expressivo e belo movimento a outro compositor eu o atribuiria a Amadeus; também por sua intensa carga discursiva presente no diálogo dos instrumentos, típica de um exímio operista. Ressalto também que este repertório, enquadrado nos limitadores ideais estéticos do classicismo, é muito difícil de se interpretar, sob o risco de resultar numa música enfadonha; no que um velho amigo melômano chamava de um “rococó insuportável”. Felizmente temos o incomparável L’Archibudelli, cujo compromisso com o repertório que escolhe e cuja excelência são absolutos.

Quinteto em Bb maior, P. 105
I Allegro con brio
II Menuett I. Moderato
III Largo
IV Tema. Allegretto Var. I-VI
V Menuetto II. Allegretto
VI Finale. Presto
VII Marcia. Andante Grazioso.

Quinteto em C maior, P. 108
I Allegro
II Adagio Cantabile
III Menuetto. Allegretto
IV Rondó. Allegro molto

Quinteto em G maior, P. 109
I Allegro brilliante
II Adagio afetuoso
III Menuetto. Allegrinho
IV Presto

Ensemble L’Archibudelli
Cello – Anner Bylsma
Violinos – Vera Beths e Lucy Van Dael
Violas – Guus Jeukendrup e Jürgen Kussmaul

Gravação de 1994.

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VIA CRUCIS – L’Arpeggiata – Christina Pluhar (2010)

Eis um disco letal para quem por desventura for alérgico a beleza (e olhe que há quem seja). Este disco é um gravíssimo atentado à feiura. Sob a direção da teoerbista austríaca Christina Pluhar (também alaudista e harpista), o grupo L’Arpeggiata vem realizando gravações de extrema excelência e beleza, com rica instrumentação, sobre um repertório de princípios do barroco, mais temas e estilos tradicionais. Explorando bastante o gênero chaconne (caracterizado pelas variações sobre a repetição de uma breve sequência harmônica, com um baixo ostinato). Aqui o L’Arpeggiata conta com uma verdadeira constelação de artistas, a exemplo do impressionante grupo vocal Barbara Furtuna da Corsega (liderado pelo expressivo cantor Maxime Merlandi); também a soprano Nuria Rial, o consagradíssimo Philippe Jaroussky, o barítono Fulvio Bettini e o tenorino napoletano Vincenzo Capezzuto (este, se não é um anjo, canta como tal. Ouçam para crer – faixa 18 ‘Stù Criatu). Como evidencia o título, é um disco no qual se reuniram peças com uma finalidade conceitual e sacra: VIA CRUCIS – Rappresentazzione della Gloriosa Passione de Cristo, à maneira de um Intermedi sacro renascentista. Peças do século XVII se mesclam a temas da Corsega e do Sul da Itália. Um dos arrebatadores momentos do disco é a faixa 3 – Maria, canção composta sobre uma canção tradicional dos pastores de Carpino, La Carpinese – destaque para o cornetto do virtuosíssimo Doron David Scherwin. Assim como também são impressionantes as outras faixas de canto corso nas quais atua o grupo Barbara Furtuna: Suda Sangre, Stabat Mater e Lamentu di Ghjesu sopra La Follia. O disco se divide em três segmentos: Maria – La Visione (faixas 1 a 5), La Morte de Xsto – O diu, tante suffranze (faixas 6 a 13) e Ci vedrem in paradiso (faixas 14 a 18). Tive a felicidade de encontrar esta beleza na Fnac do Chiado, em Lisboa, numa promoção inacreditável, na qual discos da Harmonia Mundi, por exemplo, variavam entre 2 e 9 euros. Este custou 5! Em nosso desventurado país não custaria menos de 80 contos. Como escreveu Tennessee Williams, “às vezes Deus aparece tão de repente…” rs

  • L’Annociation – H. I. F. Von Biber
  • Ninna nanna alla Napoletana – Ann. – P. Jaroussky
  • Maria (sopra La Carpinese, trad.) – Barbara Furtuna.
  • Hor ch’è tempo di dormire – Tarquinio Merula – Nuria Rial
  • L’Aria – H. I. F. Von Biber
  • Lumi, potete piangere – Giovanni Legrenzi – Nuria Rial, P. Jaroussky
  • Suda Sangre – Trad. corso – Barbara Furtuna
  • Queste pungente spine – Benedetto Ferrari – P. Jaroussky
  • Voglio morire – Luigi Rossi
  • Stabat Mater – Trad. corso – Barbara Furtuna
  • Stabat Mater – Giovanni Felice Sances – Nuria Rial
  • Passacaglia – Maurizio Cazzati
  • Lamentu di Ghjesu (sopra La Follia) – Roccu Mambrini e L’ensemble Tavagna
  • Ciaconna – Tarquinio Merula
  • Laudate Dominum – C. Monteverdi – Nuria Rial
  • Canario – Lorenzo Allegri
  • Ciaccona di Paradiso e dell’Inferno – Ann. – P. Jaroussky, Fulvio Bettini
  • ‘Stù Criatu – Enzo Gragnaniello (n.1954) – Vincenzo Capezzuto

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Christina Pluhar

Christina Pluhar

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.: intermezzo :. Affinity – Toots Thielemans & Bill Evans

Pense num encontro entre monstros. À escolha: ciclopes e dragões, Godzilla e King Kong… pense em monstros muito maiores. Sim, como o pianista americano Bill Evans e o gaitista (harmônica cromática) belga Toots Thielemans. Eis um dos mais belos e intensos discos desses artistas e de todo o Jazz, gravado em 1979. Evans utiliza em algumas faixas, para além do piano acústico, um teclado Fender Rhodes; seria a última vez que ele utilizaria um teclado elétrico em estúdio. Outra peculiaridade desse registro é que nele, pela primeira vez, Evans grava ao lado de Marc Johnson, baixista que o acompanhava desde o ano anterior, 1978, em trio e outras formações, até a morte do pianista no ano seguinte, em 1980. À bateria temos Eliot Zigmund e o disco também conta com a participação do saxofonista Larry Schneider. O resultado dispensa comentários, todavia destaco dentre as preciosas faixas três momentos de altíssima ‘radioatividade’: Days of wine and roses, tema do grande Henry Mancini para um conhecido filme no qual Jack Lemmon entorna todas – Vício Maldito, de 1962. Também Blue in Green, tema atribuído a Miles Davis, porém na verdade de Evans (assim como Nardis). O outro, e para mim o mais espantoso, é o clássico Body and soul. Posso falar apenas por intuição, jamais asseverar, que Toots toca de tal forma nesta faixa que o pianista teria ficado pasmo e pensando “como toca este homem, no que fui me meter!… rs, mas é apenas uma impressão. O disco é sublime. Verdadeiros gênios do Jazz, dois dos maiores músicos de todos os tempos, na mais intensa ‘afinidade’ musical. Durante muito tempo, antes que o milagre da tecnologia utilizada para o bem me trouxesse a oportunidade de consegui-lo, era um disco raríssimo; um músico daqui do meu contexto era o único na cidade que o possuía e não o copiava pra ninguém, o sacana. Isso não o fez tocar melhor rs. Agora aí está esse maravilhoso registro, para todos nós que amamos música da melhor.

Affinity – Toots Thielemans & Bill Evans

  1. “I Do It for Your Love” (Paul simon) – 7:16
  2. “Sno’ Peas” (Phil Markowitz) – 5:51
  3. “This Is All I Ask” (Gordon Jenkins) – 4:14
  4. “Days of wine and roses” (Henry Mancini, Johnny Mercer) – 6:40
  5. “Jesus’ Last Ballad” (Gianni Bedori) – 5:52
  6. “Tomato Kiss” (Larry Schneider) – 5:17
  7. “The Other Side of Midnight (Noelle’s Theme)” (Michel Legrand) – 3:17
  8. “Blue in green” (Bill Evans) – 4:09
  9. “Body and soul” (Edward Heyman, Roberto Sour, Frank Eyton,Johnny Green) – 6:16

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Toots Thielemans reikt Arena Jazz Award uitWellbach

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Franz Liszt (1811-1886): Late Chamber Music – Späte Kammermusik

Lizst Chamber musicEis um raríssimo disco. Não somente por não existir em CD como também pela exímia interpretação de um corpo de músicos de extrema excelência. Também se destaca por trazer uma parte da obra de Liszt pouco cultivada, a sua música de câmara, produzida em sua maior parte no ocaso de sua vida. Vida essa marcada por sucessos, vertiginosas aventuras musicais e românticas; também caracterizada pela grande generosidade com que apadrinhou tantos talentos, alguns dos quais sequer ouviríamos falar se não fosse o seu mecenato e apoio. Grande profeta da música, antecipou com ousadas e desbravadoras criações muito do que viria logo após a sua morte, como o atonalismo, o serialismo e mesmo a essência do que seria o chamado impressionismo de Debussy. Legando à música o que ele mesmo chamou de suas “flechas lançadas para o futuro” e aos pianistas muito trabalho duro de se realizar. A gravação, naturalmente extraída do vinil, talvez não venha a contentar os mais exigentes em matéria de excelência sonora, todavia a qualidade das peças e das interpretações, estou certo, ajudará a abstrair dessa ingrata limitação e nos fará desejar que algum dia este magnífico registro apareça finalmente remasterizado, com toda qualidade sonora que merece. São obras intensamente intimistas, totalmente opostas ao habitual virtuosismo que habitualmente caracteriza tantas peças do velho cigano. O virtuosismo no presente caso é de outra natureza – reside na habilidade do compositor em evocar atmosferas. Impressões sombrias, brumas e recordações de intensos estados de alma; pensamentos e dejavus, alucinações, visões fugidias. Uma melancolia meditativa que não deixa de evocar o Spleen baudelairiano. A faixa dois contém duas obras, a Elégie II e o belíssimo Romance Oubliée para viola e piano, de 1880. As Elégies são transcrições do próprio Liszt, originalmente concebidas para piano solo. A Lúgubre Gondola aqui a temos numa transcrição moderna, da peça originalmente também para piano solo, em duas versões.

Gostaria de dedicar esta postagem ao amigo e grande melômano Newman Sucupira (em memória), que também apreciava muito estas obras e essa gravação. Abaixo, vemos o gênio em seu leito de morte – à espera da Lúgubre Gôndola.

Franz Liszt (1811-1886): Late Chamber Music – Späte Kammermusik

1-      Elégie I – para violoncelo, piano, harpa e harmônio.
2-      La Lugubre gondola – para violoncelo e piano.
3-      Elégie II – para violino e piano e Romance oubliée – para viola e piano.
4-      La Notte – para violino e piano.

Reinbert de Leeuw, piano
Vera Beths, violino e viola
Anner Bijlsma, violoncelo
Gerda Ockers, harpa
Bob Zimmerman, harmônio

Philips, 1984.

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Presunto de Liszt

Presunto de Liszt esperando pela Lúgubre Gôndola

Well Bach

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Musik im Bachhaus: Historische Tasteninstrumente — Eisenach (Christine Schornsheim)

bachhausEste raro disco me foi dado por uma aluna que teve o privilégio de adquiri-lo ao visitar a Bachhaus em Eisenach. A peças são interpretadas nos instrumentos que lá estão expostos e que teriam pertencido ao bom Pai João Sebastião e à sua manada musical. Infelizmente me foi dada uma cópia sem a capa original, com apenas o repertório e a relação dos instrumentos utilizados em cada faixa. A impressão que me vem ao ouvi-lo, talvez devido ao afeto por J. S. Bach, é de um musical aconchego, que penso, talvez vocês também venham a senti-lo; especialmente ouvindo a obra tocado no órgão doméstico, a Partita diverse sopra il Corale O Gott du frommer Gott. Viva o Mestre Maior, que Ele nos abençoe a todos.

Compartilho com todos o meu Salmo Bachiano:

J. S. Bach é meu pastor, nada me faltará. Deitar-me faz em sonoros pastos, guia-me mansamente por pautas tranquilas, afina minha alma, guia-me pelos compassos por amor do seu nome.

Ainda que eu tocasse pelas sombras da mídia não temeria mal algum, seu contraponto e sua harmonia me consolam.

Prepara uma tocata perante mim, unge meus ouvidos com cânons, meu espírito transborda.

Certamente que sua maestria e infinitude me seguirão todos os dias de minha vida, e habitarei em seu polifônico reino de sons por longos dias.

Assim Seja.

  1. J. S. Bach – Partita c-Moll BWV 826 *
  2. Johann Christian Bach – Sonate c-Moll opus 17/2 **
  3. J. S. Bach – Invenção F-Dur BWV 779 ***
  4. J. S. Bach – Invenção h-Moll BWV 786 ***
  5. J. S. Bach – Sinfonie G-Dur BWV 796 ***
  6. J. S. Bach – Menuett F-Dur BWV Anh. 113 ****
  7. J. S. Bach – Menuett G-Durr BWV Anh. 116 ****
  8. J. S. Bach – Partita diverse sopra il Corale O Gott du frommer GottBWV 767 *****
  9. Wilhelm Friedmann Bach – Fuge f-Moll ****
  10. Carl Phillipp Emanuel Bach – Fantasie Es-Dur Helm 348 *

Instrumentos:
Cembalo 1765 *
Clavecin royal (Hammerklavier) 1788 **
Cembalo 1715 ***
Spinett 1765 ****
Hausorgel, um 1750 *****

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J. S. Bach (1685-1750): Obras para Cravo-Alaúde, com Gergely Sárközy

Estas obras, que costumam ser interpretadas ao alaúde ou transcritas para o violão, aqui as ouvimos no curioso e quase esquecido instrumento Lautenclavicymbel, ou Lauteklavier, ou ainda Lute-Harpsichord: o Cravo-Alaúde. Para nós e nossos tempos um exótico instrumento, semelhante a uma grande tartaruga emborcada e dotada de teclado; as cordas de tripa e sonoridade de um alaúde com maior projeção sonora e timbre particular. Embora o mestre Johann Sebastian tivesse em seu círculo de amigos o grande alaudista e compositor Silvius Leopold Weiss e que tenha composto para o seu encantador instrumento, sabe-se também que Bach possuía um Cravo-Alaúde e por ele tinha particular apreço. Embora não tenhamos registros precisos sobre a destinação das suas peças hoje interpretadas ao alaúde, muito possivelmente algumas poderiam ter sido pensadas para aquele originalíssimo cordofone; o que a presente gravação só vem a reforçar, pelo caráter de algumas das obras, a exemplo da Suíte em Dó Menor BWV 997, cujo impetuoso Prelúdio e a extraordinária e rara Fuga Da Capo nos apontariam uma possível concepção para o teclado. Ressaltemos também a impressionante Sarabande desta Suíte, pois sua melodia é similar à do coral que conclui a Paixão Segundo São Mateus, só que uma terça menor abaixo.

Das poucas tentativas de se reconstruir e gravar num Alaúde-Cravo, um dos mais bem sucedidos resultados (para mim o melhor resultado) é o instrumento construído pelo musicista húngaro Gergely Sárközy, baseado em antigas cartas de lutenaria. Seu instrumento produz uma sonoridade bela, rica, encorpada e ao mesmo tempo suave. Quem for purista e tiver conhecido estas obras ao alaúde ou violão em interpretações ‘bem comportadas’, talvez venha a desdenhar, pois Sárközy interpreta com acentuada expressão e improvisa onde encontra espaço. Mas improvisa muito bem e logra convencer (o que nem todo intérprete de música barroca que improvisa consegue, soando às vezes engessado). Sárközy tem bom gosto e sua interpretação emociona. Pelo menos a mim vem emocionando há muito, que conheci a presente gravação do selo Hungaroton nos tempos do vinil (e sob estas pautas muitas garrafas passaram).

Preciso agora dizer que esta é a primeira postagem que faço no PQP Bach, um oasis de cultura e beleza nesses tempos do cólera. Fico enaltecido e grato pelo convite dos amigos integrantes dessa Távola Musical. Espero partilhar muito mais, retribuindo as felicidades que têm nos trazido com tanta generosidade e amor à música. Sendo assim uma primeira postagem, escolhi o nosso bom Pai João Sebastião para começar com sua bêncão.

Bach – Suites for Lute-Harpsichord – Gergely Sarkozy

1 Suite in E minor BWV 996 Praeludio. Passagio – Presto
2 Allemande
3 Courante
4 Sarabande
5 Bourree
6 Gigue

7 Choral Preludes from the Kirnberg Collection BWV 690 (b)
8 BWV 691
9 BWV 690

10 Suite in C minor BWV 997
11 Fuga
12 Sarabande
13 Gigue
14 Double

Gergely Sárközy, cravo-alaúde

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Gergely Sarkozy: um disco absolutamente matador

Gergely Sarkozy: um disco absolutamente matador

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