.: interlúdio :. Brenda Boykin – All the Time in the World

Hoje vou mudar um pouco minhas postagens, e trazer para os senhores algo muito atual, apesar da cantora já ter adentrado em seus 60 e poucos anos de idade. Trata-se da cantora de jazz californiana Brenda Boykin, dona de um belíssimo timbre de voz, com muito suíngue, latin jazz na alma, blues, funk (calma, falo da música tocada nos bairros novaiorquinos) e música eletrônica.  E não podemos esquecer o timaço de músicos que a acompanham, todos músicos de estúdio, porém com muita experiência em um estilo que se convencionou chamar de nu-jazz. E dirigidos pelo incrível Bepo Best, baixista, tecladista, produtor, com um faro incrível para criar verdadeiras obras primas, como a magnífica faixa ‘I´ll Be With You’. O que Brenda Boykin faz com sua voz aqui é algo assombroso.

Esse é outro disco que fará os senhores afastarem os móveis da sala para saírem dançando. Bom gosto, sofisticação, talento, tudo reunido em um baita CD, facilmente classificável como ‘IM-PER-DÍ-VEL !!!

P. S. A lista dos músicos envolvidos é um pouco extensa, e estou com preguiça em digitá-la, então estou deixando para os senhores o booklet para poder tirar estas informações.
P.S. 2 Encontei no site do Mozarteum Brasileiro está pequena biografia de Brenda Boykin. Vale a leitura.

01. Feel Me
02. Mambo Jambo
03. This Maybe Game
04. Don’t Take My Love Away
05. Where Is It Written
06. I’ll Be With You
07. Stone Mad
08. El Ritmo
09. Pa-Pade Swing (Koko Chanel Club Mix)
10. Dancing All Night
11. All the Time in the World
12. La Diva
13. Ninety Nine ‘n a Half
14. U Don’t Love Me (I Don’t Care)
15. And You Know How

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Brenda Boykin – Que voz, senhores !!!

.: interlúdio :. Ella and Louis ∞ Christmas ∞ Ella Fitzgerald & Louis Armstrong

.: interlúdio :. Ella and Louis  ∞  Christmas ∞  Ella Fitzgerald & Louis Armstrong

 

 

Natal! Christmas! Natal!

 

 

 

Eu sei, é um pouco esquizofrênico estas canções falando de trenós, Natais brancos, homens de neve e coisas do gênero. Mas, (what the hell), é Natal!!!

Não temos os aficionados que ao menor possível sinal de neve nas serras gaúchas ou catarinenses desabam para lá em busca da tão sonhada paisagem?

Portanto, vamos de Christmas Album! Este disco pertence a uma inabalável tradição americana. De Elvis Presley, Nat King Cole, Johnny Mathis, Barbra Streisand, Sinatra (é claro!), Celine Dion até Rod Stewart (que é inglês), todos produziram pelo menos um Christmas Album.

Ella Fitzgerald e Louis Armstrong não ficaram de fora desta ilustre lista. E se cada um a seu turno faz grande sucesso, quando se juntam, aí é covardia!

Este “Ella & Louis Christmas” álbum é uma compilação. Não se preocupe por isto, você ouvirá cada um deles no que há de melhor e os dois juntos, algumas vezes, sempre gloriosos.

Temos um desfile de deliciosas canções, algumas nostálgicas, como é próprio da estação, outras humorosas, porque só de seriedade o homem acaba perecendo.

Se você não tiver tempo para todo o álbum, afinal, há que fazer compras de Natal, pagar promessas para ficar fora das listas dos que ganham meias e lenços (uma vez nesta lista, meu caro, you are gone!), ouça essa minha playlist:

∞ Have Yourself a Merry Little Christmas (só para entrar no clima…)

∞ Christmas Song (Ella at her best!)

∞ Let it Snow! Let it Snow! Let it Snow! (Esta eu canto com headphones e sunga…)

∞ White Christmas (onde Louis exibe todo o seu charme e talento)

∞ Baby, It’s Cold Outside (Aqui, Louis faz dueto com Velma Middleton. Espetacular! Delicioso!)

Louis & Velma

∞ I’ve Got My Love to Keep Me Warm (Louis e Ella, numa de suas mais lindas performances.)

∞ Jingle Bells (Como deixar de fora?)

∞ Woul You Like to Take a Walk? (Só para terminar com os dois cantando juntos.)

  1. Have Yourself a Merry Little Christmas (Ella)
  2. Sleigh Ride (Ella)
  3. The Christmas Song (Ella)
  4. Christmas Night in Harlem (Louis)
  5. Let it Snow! Let it Snow! Let it Snow! (Ella)
  6. Frosty The Snowman (Ella)
  7. Whitte Christmas (Louis)
  8. Cool Yule (Louis)
  9. Baby, It’s Cold Outside (Louis and Velma Middleton)
  10. I’ve Got My Love to Keep Me Warm (Louis & Ella)
  11. Santa Claus is Coming to Town (Ella)
  12. ‘Zat You, Santa Claus? (Louis)
  13. Jingle Bells (Ella)
  14. Rudolph The Red-Nosed Reindeer (Ella)
  15. Winter Wonderland (Louis)
  16. The Secret of Christmas (Ella)
  17. Christmas in New Orleans (Louis)
  18. What Are You Doing New Year’s Eve? (Ella)
  19. Would You Like to Take a Walk? (Ella & Louis)
  20. What a Wonderful Worls (Louis)

Louis Armstrong & Ella Fitzgerald

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FLAC | 328 MB

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MP3 | 320 KBPS | 136 MB

Se você fizer uma outra playlist, pode mandar que ouvirei, mesmo que já seja Véspera de Ano Novo!

Aproveite e …

Feliz Natal!

René Denon

.: interlúdio :. Cyminology: Saburi (2011)

.: interlúdio :. Cyminology: Saburi (2011)

Este é um daqueles discos típicos de jazz da ECM / Manfred Eicher — bonito, com som espetacular e contemplativo. Há um amigo que chama este tipo de jazz de “Te vejo lá na esquina em 5 min”. Quem conhece sabe que a ironia é válida, pois estes sons claros, free, seguros e familiares estão conosco há meio século. Aqui há também uma voz feminina. Ela se chama Cymin Samawatie, uma moça de origem iraniana que vive em Berlim. Ao lado de um trio formado pelo pianista Benedikt Jahnel, baixista Ralf Schwarz e baterista Ketan Bhatti, Cymin traz de volta uma clássica configuração de jazz de câmara, sempre muito apreciada no jazz moderno. Saburi, em persa moderno, significa “paciência”). Um disco melodioso, eufônico e muito bom.

Cyminologu: Saburi (2011)

1. Sibaai
2. Saburi
3. Shakibaai
4. Norma
5. As maa
6. Nemibinam
7. Hedije
8. Hawaa

Saburi:
Cymin Samawatie (vocals)
Benedikt Jahnel (piano)
Ralf Schwarz (doublebass)
Ketan Bhatti (drums percussion)

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O Saburi

PQP

A Quieta Arte das Tangentes – Keith Jarrett (1945) – Book of Ways (1987)

Book_of_WaysNossa série sobre clavicórdios traz o mago Keith Jarrett improvisando por um bom tempo num deles. Se houvesse uma delegacia especializada em maus tratos a instrumentos frágeis, talvez pudéssemos denunciar Jarrett – não pelo produto de sua improvisação, que é muito bom, mas pela pouca delicadeza com que, muitas vezes, percute as delicadas tangentes. Os leitores-ouvintes acostumados à sua magia pianística perceberão que boa parte do primeiro volume soa como uma “aclimatação” ao timbre e aos recursos peculiares ao clavicórdio – e que a coisa decola, mesmo, no segundo volume.

BOOK OF WAYS – KEITH JARRETT

DISCO 1

01 – No. 1
02 – No. 2
03 – No. 3
04 – No. 4
05 – No. 5
06 – No. 6
07 – No. 7
08 – No. 8
09 – No. 9
10 – No. 10

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DISCO 2

01 – No. 1
02 – No. 2
03 – No. 3
04 – No. 4
05 – No. 5
06 – No. 6
07 – No. 7
08 – No. 8
09 – No. 9

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Keith Jarrett, clavicórdio

Keith Jarrett num ano ignoto - s julgar pela "vibe",, tenho um *leve* palpite de que nos anos 70
Hey, Keith: sabe aquela velha foto dos anos 70 que não queres mostrar pros netos? GOTCHA.

Vassily Genrikhovich

.: interlúdio :. Miles Davis: Birth of the Cool

.: interlúdio :. Miles Davis: Birth of the Cool

Álbum publicado em 2001 em uma das muitas reedições dos extraordinários trabalhos de Miles Davis. O disco viu a luz pela primeira vez em 1954 com 8 faixas, foi foi relançado em 1957 com 11 e ganhou mais uma em 1971. Os anos 50 trouxeram um novo estilo de jazz, o cool, que separou do bebop em declínio. O nascimento do cool é marcado pela colaboração de Miles Davis e do compositor Gil Evans. As raízes dessa música estão incluídas neste disco gravado em três sessões diferentes entre 1949 e 1950. A peça causou uma profunda impressão entre os críticos e foi um marco e inovador no música jazz. Davis e um grupo de nove músicos sob seu comando foram responsáveis ​​por lançar as bases deste novo conceito.

Miles Davis: Birth of the Cool

1. Move
2. Jeru
3. Moon dreams
4. Venus de Milo
5. Budo
6. Deception
7. Godchild
8. Boplicity
9. Rocker
10. Israel
11. Rouge
12. Darn that dream

Alto Saxophone – Lee Konitz
Baritone Saxophone – Gerry Mulligan
Bass – Al McKibbon, Nelson Boyd
Drums – Kenny Clarke, Max Roach
French Horn – Junior Collins, Sandy Siegelstein
Leader, Trumpet – Miles Davis
Piano – Al Haig, John Lewis
Trombone – J.J. Johnson, Kai Winding
Tuba – John Barber

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Miles Davis nos anos 50

PQP

.: interlúdio :. Branford Marsalis – Trio Jeepy

Fã que sou do clã Marsalis já há bastante tempo, assim que esse LP foi lançado, lá no final dos anos 80, não tive dúvidas em comprá-lo. E o ouvi à exaustão. Passava dias só virando o lado do LP no velho 3×1. Um prazer só. E assim que  foi lançado em CD, já imediatamente o adquiri. E também o ouvi à exaustão. Muito.

Para quem não o conhece, Brandord Marsalis é o irmão saxofonista do genial trompetista Wynton Marsalis, do trombonista Delfayo, que produz esse disco, e filho do lendário pianista de New Orleans, Ellis Marsalis. Branford não se expõe tanto na mídia tanto quanto Wynton, nem tem uma discografia tão extensa quanto o irmão. Mas cada CD seu é uma pequena obra prima, em se tratando de improvisação, qualidade técnica de gravação, e claro, produção. Esses caras se uniram a um grupo de músicos igualmente talentosos e nos brindaram com grandes gravações, principalmente no final dos anos 80 e início dos 90. Depois disso, perdi um pouco o contato com ele.

Essa pequena jóia que vos trago hoje, tem um convidado muito especial, o lendário contrabaixista Milton Hinton, um cara que tocou com todo mundo que você possa imaginar, desde Duke Ellington, Louis Armstrong, Charlie Parker, Ben Webster, Aretha Franklin, só para citar alguns. Desenvolveu uma técnica quase percussiva para tocar o contrabaixo, leiam o explicativo texto do próprio Delfayo que o apresenta no booklet em anexo.

O outro ‘monstro’ do disco é o companheiro de longa data do clã Marsalis, Jeff ‘Tain’ Watts, um dos maiores bateristas de sua geração. Gravou muito com eles, e com muitos outros músicos do mesmo nível.
‘Trio Jeepy” é um dos grandes momentos da carreira de Branford Marsalis, uma verdadeira aula de interpretação, de swing, de improvisação. Podemos sentir em cada nota, em cada solo, o quanto o músico está envolvido, concentrado. Enfim, um dos melhores discos de Jazz de minha modesta discoteca, e um dos melhores que já tive a oportunidade de ouvir.
P.S. É necessário lembrar aqui que Branford Marsalis é o um dos músicos envolvidos naqueles dois ou três primeiros discos de Sting, sim, aquele mesmo do The Police, inclusive naquele que considero um dos melhores discos ao vivo já gravados, ‘Bring on The Night’, do próprio Sting.
Com os senhores, ‘Trio Jeepy” ..

01. Housed from Edward
02. The Nearness of You
03. Three Little Words
04. Makin’ Whoopee
05. UMMG
06. Gutbucket Steepy
07. Doxy
08. Makin’ Whoopee (Reprise)
09. Peace
10. Random Abstract (Tain’s Rampage)

Branford Marsalis – Saxophones
Milton Hinton – Acoustic Bass
Jeff (Tain) Watts – Drums

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.: interlúdio :. William Parker`s In Order to Survive: Shapeshifter

.: interlúdio :. William Parker`s In Order to Survive: Shapeshifter

Eu gostei muito deste disco. É um free jazz cheio de eufonia e belos timbres. Música boa para se caminhar com ela nos fones pelas ruas.  William Parker já apareceu em mais de 150 álbuns e já foi descrito pelo Village Voice de Nova York como “o baixista mais consistentemente brilhante de todos os tempos”. Ele trabalhou com Cecil Taylor, fez parte de vários combos, escreveu 6 livros e incentiva jovens artistas. Este CD é uma gravação ao vivo de 2 grupos de composições, o primeiro set é o conjunto Eternal is The Voice of Love, que consiste em 5 faixas e o segundo set é de 6 faixas, incluindo o dolorosamente belo ‘Newark’ escrito para Grachan Moncur III. Todas as faixas são composições de Parker e a essência de cada uma é diferente, demonstrando sua facilidade de transição de uma mensagem musical para outra. Neste álbum duplo, William Parker, juntamente com Rob Brown no sax alto, Cooper-Moore no piano e Hamid Drake na bateria com vocais adicionais, em duas faixas, de Dave Sewelson, fazem música interessante e vibrante. In Order To Survive é um dos grandes grupos de jazz dos últimos 25 anos e foi o primeiro pequeno grupo de Parker, formado em 1993. Os bateristas mudaram, mas o sax, a bateria e o piano tiveram a longa associação que é evidente nessas gravações.

In order to survive, you’ve gotta keep hope alive!

William Parker: In Order to Survive / Shapeshifter

Eternal is the Voice of Love
i.Entrance To The Tone World
ii. Color Against Autumn Sky
iii. If there is a chance
iv. A Situation
v. Birth Of The Sunset

vi. Demons lining the Hall of Justice
vii. Drum and Bass Interlude
viii. Newark ( For Grachan Moncur)
ix. In Order to Survive
x. Eternity

Personnel:
William Parker: bass, compositions
Rob Brown: alto saxophone
Cooper-Moore: piano
Hamid Drake: drums

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William Parker

PQP

.: interlúdio :. Joni Mitchell: Mingus

.: interlúdio :. Joni Mitchell: Mingus

(PQP garante: este é um dos melhores discos que ele já ouviu).

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Tropeçava em latas de lixo quando encontrei a capa abaixo, e imediatamente me vi cheio de interrogações.

Joni Mitchell? Mingus? Que diabos. Ou, que diabos Mitchell está fazendo com Mingus? Por aí já podem notar minha desconfiança em relação à cantora. Mas eu prefiro ficar surdo a desistir antes de tentar. E lá fui, farejando, descobrir que Joni foi criticadíssima à época do disco, 1979; apontaram-na como decadente, esnobe por tentar dar verve ao pop, tentando pegar uma carona na então recente morte do underdog.

Mas quando se cava mais um pouco, se descobre que Mingus havia chamado Joni para ajudá-lo a musicar o Four Quartets de T. S. Eliot alguns meses antes, o baixista já imobilizado pela doença que o mataria em seguida. E que, fruto disso, cresceu a amizade – e mesmo Joni pôde sair de um bloqueio criativo que a consumia durante longo tempo. Donde o disco-homenagem, que ela não imaginava que seria póstumo. Tanto que Mingus só não chegou a escutar uma das faixas, a primeira, composição totalmente dela – ao invés das outras, versões de Mingus, com letras por Joni escritas, e abençoadas pelo mestre.

Não apenas na aura criada pelo duo; Joni, que não era boba, cercou-se de um pequeno grupo de pilares do jazz para gravar o álbum. Em Mingus, a base é a do Weather Report – confira a nominata logo abaixo. (Ame ou odeie o fusion, todos sabemos dos pedigrees.) Aqui só adianto que é um dos mais brilhantes, e por vezes experimental, trabalhos de Jaco Pastorius. Seu baixo é o condutor dessas faixas de um jazz relaxante, espaçado, cheio de respiros – e sim, sob bela e macia voz, bem colocada, discreta. Os detratores estavam errados. Ou com ciúmes. Ainda: um atrativo a mais são os “raps” que entremeiam as canções – vinhetas com gravações de Mingus em conversas, cenas cotidianas, até um scat em duo com Joni. (O que, inclusive, faz deste um disco curto, de apenas seis músicas.)

Joni Mitchell – Mingus (1979)
Joni Mitchell: guitar, vocals
Jaco Pastorius: bass
Wayne Shorter: soprano saxophone
Herbie Hancock: electric piano
Peter Erskine: drums
Don Alias: congas
Emil Richards: percussion

produzido por Joni Mitchell para a Asylum

01 Happy Birthday 1975 (Rap) 0’57
02 God Must Be A Boogie Man (Mitchell) 4’35
03 Funeral (Rap) 1’07
04 A Chair in the Sky (Mingus) 6’42
05 The Wolf That Lives in Lindsey (Mingus) 6’35
06 I’s a Muggin’ (Rap) 0’07
07 Sweet Sucker Dance (Mingus) 8’04
08 Coin in the Pocket (Rap) 0’11
09 The Dry Cleaner from Des Moines (Mingus) 3’21
10 Lucky (Rap) 0’04
11 Goodbye Pork Pie Hat (Mingus) 5’37

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Joni & Mingus em linda foto
Joni & Mingus em linda foto 2
Vejam só quem está no disco. Erskine, Mitchell, Pastorius e Hancock. Poderia dar errado?

Boa audição!
Blue Dog

.: interlúdio :. Sonny Rollins – Saxophone Colossus

.: interlúdio :.  Sonny Rollins  –  Saxophone Colossus

 

 

C O L O S S A L

 

 

 

Em 1986 os CDs chegaram ao Brasil. Comprar um CD-player não era tarefa fácil, mas consegui o meu, um CCE, lindo! Só um pouco mais tarde vim a entender a sigla: Cuidado Com Ele! Mas, uma vez com o CD-player ligado ao amplificador, cadê os CDs? Uma amiga trouxe dos states (como dizíamos então) unzinho com o Peter Hofmann cantando árias de Wagner. Não era bem a minha praia, mas servia para passar som.

Na loja de departamentos que se chamava Mesbla, no Centro do Rio de Janeiro, consegui meu primeiro CD de Telemann – Wassermusik, com o Musica Antiqua Köln e Reinhard Goebel. Nunca entendi o trema em Köln e o ‘oe’ em Goebel. Vá saber…

Vivíamos assim, à espreita, em busca de CDs. Comprei o CD do Winton Marsallis tocando os concertos de Haynd e Hummel, para trompete. Só o CD na caixa de acrílico, sem o libreto. Deve ter vindo direto do Japão e o livreto seria apenas para ver as figuras. E era assim, se quer, quer, se não quer, tem quem quer!

Foi então que uma (outra) amiga recém retornada de uma estadia em Nova York me emprestou uns dois ou três CDs de Jazz. Calma, os CDs da minha amiga foram devolvidos, eu não sou de ficar com as coisas dos outros. Posteriormente consegui comprar minha própria cópia.

O primeiro que decidi ouvir foi um disco com a capa mais estilosa que já havia visto: a silhueta de um artista tocando sax sobre um fundo azul, com o título em baixo. A palavra SAXOPHONE em azul sobre fundo preto, seguida de COLOSSUS em branco, que a destaca sobremaneira. O nome do artista, SONNY ROLLINS sob o título, com outro tipo, sans-serif, alongadas as letras.

Eu levei um quase susto ao ouvir pela primeira vez a entrada do sax, potente, rasgando sobre o ritmo forte criado pelo piano, bateria e baixo. Não sabia que minhas caixas de som poderiam produzir um som tão espetacular, forte e quente. Desde então passei a colecionar, mesmo que modestamente, alguns bons álbuns de Jazz.

Saxophone Colossus é um álbum icônico, formador e um dos mais influentes da história do Jazz. São apenas cinco faixas, três delas compostas por Sonny Rollins. A St. Thomas, que abre o álbum, tem o ritmo das origens de Sonny, cuja família vêm das Ilhas Virgens. A melodia é daquelas inesquecíveis, que cola, gruda na nossa memória musical. A terceira faixa, Strode Rode faz referência a um clube de Jazz em Chicago, cidade onde Sonny estudou. Também com ritmo rápido, com o som fluente do piano de Tommy Flanagan. Na última faixa, Blue 7, todos os músicos têm a oportunidade de brilhar.

As outras faixas do álbum são uma linda balada (que Tim Maia chamaria mela-cueca), com o belíssimo título You don’t know what love is, de autoria de Don Raye e Gene DePaul e o Moritat, da Three Penny Opera, musical de Weill-Brecht, que foi apropriada pelo Jazz.

Ira Gitler, escreveu as notas que aparecem no verso da capa do LP original, explica o título: O dicionário diz colossal é gigante, enorme, vasto. Quando aplicado ao talento de Sonny Rollins, também significa profundo!

Portanto, sem mais delongas, aqui está:

Saxophone Colossus (1956)

  1. St. Thomas (Rollins)
  2. You Don’t Know What Love Is (de Paul/Raye)
  3. Strode Rode (Rollins)
  4. Moritat (Mack The Knife) (Weill)
  5. Blue 7 (Rollins)

Sonny Rollins, saxofone tenor

Tommy Flanagan, piano

Doug Watkins, baixo

Max Roach, bateria

Gravado por Rudy Van Gelder, em Hackensack, New Jersey, 22 de junho de 1956

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FLAC | 250 MB

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MP3 | 320 KBPS | 94 MB

Mais um trechinho do Ira Gitler: Saxophone Colossus não é simplesmente um álbum clássico porque todo mundo toca tão bem – o suave e fervoroso Flanagan; o sólido, articulado Watkins; Roach, o melodista rítmico da bateria; e a combinação dos temas e seus desenvolvimentos por Rollins. É também um sucesso devido a diversidade do material e da habilidade de Rollins ao realizar cada uma das seleções com autoridade.

Colossal!

René Denon

.:Interlúdio:. Herbie Hancock – New Standards

Renovando um link lá dos primórdios do PQPBach, 2008. Os fãs de Herbie Hancock o conhecem muito bem, quem não conhece, fique a vontade, sinta-se em casa, assim poderão conhecer uma verdadeira lenda do Jazz.

Eis que no último dia do ano resolvi postar um disco de Jazz. Na verdade, serão dois, portanto, acomodem-se, e aqueles que nunca tiveram a oportunidade de ouvir estes dois grandes músicos, eis a grande oportunidade.

Começando pelo começo, temos Herbie Hancock. Já qualifiquei este pianista como genial, e creio que tenha sido sem exageros.  Em ação desde o começo dos anos 60, Hancock é o que podemos chamar de músico completo, já transitou em todos os gêneros, gravou com deus e o diabo na terra do sol, e sem ter medo de errar, cometeu equívocos, mas que não ofuscaram seus grandes momentos que, felizmente, foram em número maior.

Eis o comentário do editorialista do allmusic:

On first glance this record would not seem to have much promise from a jazz standpoint. Herbie Hancock performs a set of tunes which include numbers from the likes of Peter Gabriel, Stevie Wonder, Sade, Paul Simon, Prince, the Beatles (“Norwegian Wood”) and Kurt Cobain. However by adding vamps, reharmonizing the chord structures, sometimes quickly discarding the melodies and utilizing an all-star band, Hancock was able to transform the potentially unrewarding music into creative jazz. Hancock, who sticks to acoustic piano, shows that he is still in prime form, taking quite a few fiery solos. With Michael Brecker on tenor and surprisingly effective soprano, guitarist John Scofield, bassist Dave Holland, drummer Jack DeJohnette and percussionist Don Alias (along with an occasional horn or string section that was dubbed in later), the results are often quite hard-swinging and certainly never predictable. Although it is doubtful that any of these songs will ever become a jazz standard, Herbie Hancock has successfully created a memorable set of “new” music. Well worth investigating.

A lista de convidados é generosa, tendo Michael Brecker, John Scofield, Don Alias, Jack DeJohnette, Dave Holland entre outros, músicos com os quais Hancock já se envolveu em outras gravações, ou seja, todos se conhecem muito bem e sabem do que o outro é capaz.

Em outras palavras, um grande momento do Jazz. Espero que apreciem.

Herbie Hancock – New Standards

1 – New York Minute     (Henley, Kortchmar, Winding)
2 – Mercy Street     Gabriel
3 – Norwegian Wood (This Bird Has Flown) (Lennon, McCartney)
4 – When Can I See You (Edmonds)
5 – You’ve Got It Bad Girl (Wonder, Wright)
6 – Love Is Stronger Than Pride     (Adu,Hale,Matthewman)
7 – Scarborough Fair (Garfunkel, Simon)
8 – Thieves in the Temple (Prince)
9 – All Apologies (Cobain)
10 – Manhattan (Island of Lights and Love) (Hancock)

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.: interlúdio :. Charles Mingus – New Tijuana Moods (1957)

.: interlúdio :. Charles Mingus – New Tijuana Moods (1957)

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Quando comprei este disco, ele já estava no formato de álbum duplo de vinil e se chamava New Tijuana Moods. Tinha um desenho de Charlie Mingus na capa. Não sou da época do Tijuana Moods original, aquele que ostentava a foto de Ysabel Morel.  Cheguei em casa com o álbum duplo e botei no toca-discos. Na segunda faixa eu já sabia que aquele álbum faria parte de minha vida enquanto ela houvesse. Claro que não o ouço com grande frequência — afinal, sou PQP Bach e tenho que ouvir muitos discos para sugerir los mejores para ustedes –, uma vez por ano está bem, até porque conheço cada solo da banda e cada grito do Mingus entusiasmado da época.

As novas faixas que o disco ganhou não são de temas inéditos, mas de takes antes rejeitados. A conclusão a que se chega é a de que a escolha deu-se no par ou impar, pela simples razão de ser tudo perfeito. O septeto de Mingus estava tocando demais — às vezes soando como uma big band, outras vezes camerístico. Como sempre, Mingus é visceral nos temas e interpretações, e radical nas mudanças súbitas de ritmo. Comprovando ser o homem digno, correto e adequado que efetivamente era, ensaiava tudo em mesas de bar, batendo na mesa com Danny Richmond e cantando enquanto bebia. Não há nada a destacar nesta obra-prima, cada detalhe é perfeito. E mais não preciso dizer.

Afinal, trata-se de um dos auges da Dinastia Mingus.

Charles Mingus – New Tijuana Moods (1957)

1. Dizzy Moods
2. Ysabel’s Table Dance
3. Tijuana Gift Shop
4. Los Mariachis
5. Flamingo
6. Dizzy Moods (Alternate Take)
7. Tijuana Gift Shop (Alternate Take)
8. Los Mariachis (Alternate Take)
9. Flamingo (Alternate Take)

Charles Mingus (bass)
Jimmy Knepper (trombone)
Curtis Porter [Shafti Hadi] (alto sax)
Clarence Shaw (trumpet)
Bill Triglia (piano)
Danny Richmond (drums)
Frankie Dunlop (percussion)
Ysabel Morel (castanets)
Lonnie Elder (voices)

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A capa original.

PQP

.: interlúdio :. Oscar Peterson Plays Cole Porter

.: interlúdio :. Oscar Peterson Plays Cole Porter

 

 

Oscar Peterson plays The Cole Porter Song Book

Este disco é um clássico! Oscar Peterson foi um dos maiores pianistas de todos os tempos. Com uma carreira que perdurou por mais de sessenta anos e decolou quando começou a trabalhar com o produtor Norman Granz. Granz havia formado o selo Verve para gravar Ella Fitzgerald e acabou reunindo uma constelação de grandes artistas, entre eles Oscar Peterson. Nesta época, Oscar Peterson era acompanhado por Ray Brown (contrabaixo) e Ed Thigpen (bateria). Essa formação jazzística, um trio, gravou excelentes discos para o selo Verve.

O Oscar Peterson palys the Cole Porter Song Book é um álbum que faz parte de uma série dedicada a grandes nomes da música americana, como George Gershwin e Duke Ellington. As canções, originalmente com letras, escritas para musicais, são apresentadas nesta roupagem jazzística, pelo Oscar Peterson Trio.

Linda e Cole Porter

Cole Porter foi um playboy, no sentido exato da palavra, mas foi também muitas outras coisas. Teve uma vida intensa, mas com muitas, muitas dificuldades também. Nascido em Peru, Indiana, no coração do Midwest (Meio-Oeste americano), não poderia ter vindo de um lugar mais conservador. Logo ele que era, em tudo, diferente. Vale a pena descobrir um pouco mais sobre a vida deste fascinante compositor. Como a literatura acessível é vasta, deixo isso com você. O que importa é que ele foi um compositor como poucos. Criou canções maravilhosas, daquelas que grudam na nossa pele, não saem da nossa cabeça. Suas letras são sobre temas urbanos e são sofisticadas. Mas principalmente, verdadeiros hits!

Oscar e seus parceiros tomam doze delas e as trazem para você. O som do piano, acompanhado pelo baixo, com o ritmo marcado pelos drums, é irresistível. Gosto de todas, mas se me torcerem o braço, digo que Night and Day, I’ve Got You Under My Skin e I Love Paris são as minhas mais queridas.

Oscar, de boas

Oscar Peterson Plays The Cole Porter Song Book

  1. In the Still of The Night
  2. It’s All Right With Me
  3. Love for Sale
  4. Just One of Those Things
  5. I’ve Got You Under My Skin
  6. Every Time We Say Goodbye
  7. Night and Day
  8. Easy to Love
  9. Why Can’t You Behave
  10. I Love Paris
  11. I Concentrate on You
  12. It’s De-Lovely

Oscar Peterson, piano

Ray Brown, contrabaixo

Ed Thigpen, bateria

Produção: Norman Granz

Gravado em 1959

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FLAC | 154 MB

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MP3 | 320 KBPS | 76 MB

Play it again, OP…

A capa deste disco é uma coisa maravilhosa. As capas desta série poderiam ser emolduradas e irem direto para a parede da minha sala. São de Merle Shore e eu não consegui descobrir nada sobre essa pessoa. Se você sabe algo, por favor, diga-me!

René Denon

.: interlúdio :. Charlie Mingus: Mingus Ah Um

.: interlúdio :. Charlie Mingus: Mingus Ah Um

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Este CD é um clássico que completa 60 anos em maio deste ano. Houve edição especial e shows da Mingus Big Band e outros. Charlie Mingus (1922-1979) pode ser definido como um compositor erudito que gosta de jazz. Por incrível que pareça, li esta definição numa dessas comunidades de jazz do Orkut. Ela é exata. Este CD abre com a pauleira de Better Git It In Your Soul e a calma Goodbye Pork Pie Hat (homenagem a Lester Young) e depois temos a ironia de Fables of Faubus — dedicada ao governador racista do Arkansas –, Open Letter To Duke, mais uma das dezenas de homenagens que Mingus fez a Duke Ellington, Bird Calls (para Charlie Parker), etc., mas o que interessa é a qualidade de todas as composições e a incrível forma da banda de Mingus. Este é, certamente, um dos dez discos mais importantes da história do jazz. E tenho dito!

Charlie Mingus – Mingus Ah Um – 320 kbps

1. Better Git It In Your Soul 7:20
2. Goodbye Pork Pie Hat 5:42
3. Boogie Stop Shuffle 4:59
4. Self-Portrait In Three Colors 3:07
5. Open Letter To Duke 5:49
6. Bird Calls 6:17
7. Fables Of Faubus 8:12
8. Pussy Cat Dues 9:12
9. Jelly Roll 6:15
10. Pedal Point Blues 6:28
11. GG Train 4:37
12. Girl Of My Dreams 4:07

Charles Mingus — bass, piano (with Parlan on 10)
John Handy — alto sax (1, 6–7, 9–12), clarinet (8), tenor sax (2)
Booker Ervin — tenor sax
Shafi Hadi — tenor sax (1–4, 7–8, 10), alto sax (5–6, 9, 12)
Willie Dennis — trombone (3–5, 12)
Jimmy Knepper — trombone (1, 7–10)
Horace Parlan — piano
Dannie Richmond — drums

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Clássico
Clássico

PQP

.: interlúdio :. Horace Silver: Song For My Father

.: interlúdio :. Horace Silver: Song For My Father

Song for My Father é um álbum de 1965 do Horace Silver Quintet, lançado no selo Blue Note no mesmo ano. O álbum foi inspirado em uma viagem que Silver fez ao Brasil. A arte da capa apresenta uma fotografia do pai de Silver, John Tavares Silver, a quem a música-título foi dedicada. “Minha mãe era descendente de irlandeses e negros, meu pai de origem portuguesa”, recorda Silver, em suas notas: “Nasceu na ilha do Maio, uma das ilhas de Cabo Verde”. A composição Song for My Father é provavelmente a mais conhecida de Horace Silver (1928-2014). Como descrito nas notas, este álbum apresenta o quinteto em transição, uma vez que apresenta uma mistura de faixas com seu antigo grupo e sua nova formação após a saída de Blue Mitchell. Song for My Father é o auge de uma discografia já repleta de clássicos.

Horace Silver: Song For My Father

1 Song For My Father 7:14
2 The Natives Are Restless Tonight 6:07
3 Calcutta Cutie 8:26
4 Que Pasa? 7:44
5 The Kicker 5:23
Composed By – Joe Henderson
6 Lonely Woman 7:00
7 Sanctimonious Sam 3:51
Composed By – Musa Kaleem
8 Que Pasa? (Trio Version) 5:34
9 Sighin’ And Cryin’ 5:22
10 Silver Treads Among My Soul 3:51

Bass – Gene Taylor, Teddy Smith
Drums – Roger Humphries, Roy Brooks
Piano – Horace Silver
Tenor Saxophone – Joe Henderson, Junior Cook
Trumpet – Blue Mitchell (tracks: 3, 6 to 10), Carmell Jones

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Silver em 1977.

PQP

.: interlúdio :. The Intimate Ella – Ella Fitzgerald & Paul Smith, piano

.: interlúdio :. The Intimate Ella – Ella Fitzgerald & Paul Smith, piano

The Intimate Ella

Em 1960 um álbum de Jazz gravado ao vivo em Berlim ganhou dois prêmios Grammy. Ella Fitzgerald foi a grande vencedora e o álbum Ella in Berlim foi um sucesso fenomenal. O mundo assistia a chamada Guerra Fria na qual as duas grandes potências da época se opunham em várias frentes, inclusive numa disputa tecnológica, chamada Corrida Espacial. Na década que se seguiria o mundo viveira muitas turbulências políticas e também assistiria o início de grandes transformações tecnológicas. Mas, apesar das muitas maldades das quais o mundo sempre foi cheio, vivia-se uma era de ingenuidade.

Ella Fitzgerald e Norman Granz

A gravadora deste álbum, a Verve Records, havia sido fundada em 1956 por Noman Granz para produzir os álbuns de Ella Fitzgerald. Norman Granz foi uma das pessoas mais influentes no Jazz e suas gravadoras sempre promoveram excelentes músicos. Na Verve, além de Ella Fitzgerald, gravavam Nina Simone, Stan Getz, Billie Holliday, Oscar Peterson. Uma verdadeira constelação. Um outro aspecto muito significativo que devemos sublinhar é a postura de Norman Granz contra a segregação racial, sempre dando apoio e tratamento igual aos músicos com os quais era associado.

Paul Smith

Mas em 1960 Ella trabalhou em um filme chamado Let No Man Write My Epitaph, que apesar deste lindo nome, foi um fracasso. Neste filme sobre drogas e corrupção, Ella Fitzgerald aparece cantando e dando a impressão acompanhar-se ao piano, que era tocado na verdade por Cliff Smalls. Norman Granz viu a possibilidade e gravou em estúdio as cancões do filme, agora com Ella acompanhada por Paul Smith, que também tocara no disco que ganhara os prêmios. O disco com o nome Ella Fitzgerald sings songs from the soundtrack of ‘Let no man write my epitaph’ passou desapercebido das gentes. Ella então com 42 anos estava no melhor momento de sua carreira.

O filme completo está no Youtube, mas eu não consegui vê-lo. De qualquer forma, vale procurar uma cena na qual Ricardo (Ilha da Fantasia) Montalban banca o malvado e dá uma prensa na pobrezinha da Ella.

O disco que postamos é o relançamento deste álbum de 1960 feito em 1990 com o bem mais interessante nome The Intimate Ella. A voz da First Lady of song, acompanhada apenas do piano de Paul Smith desfila 13 canções que variam do suave ao ligeiramente melancólico. Minhas preferidas são Black Coffee, que abre o disco, Misty, que também está no Ella in Berlim, e Who’s Sorry Now. Outra deliciosa é One for my baby (one more for the road). Esta expressão, and one more for the road, tipo ‘a saideira’, é muito cool!

Mas a cereja do bolo, na minha opinião, a mais-mais, é a September song. Se você for ouvir uma destas canções apenas, ouça esta. Música de Kurt Weill e letra de Maxwell Anderson, é um primor. Escrita para um musical da Broadway em 1938, ao longo do tempo a canção sofreu algumas pequenas subtrações e é um clássico da música americana. Na peça, Walter Huston fazia o papel de um idoso governador e insistiu para que seu personagem tivesse um solo. Então, em duas horas, Weill e Anderson produziram essa maravilha. Esta canção toca em um tema muito especial. Ela nos lembra que o tempo passa, e que se torna mais e mais precioso na medida que chegamos ao outono da vida. These precious days, I’ll spend with you. Estes preciosos dias, eu passarei com você! Bonito, não? Este verso vale o disco.

The Intimate Ella

1. Black coffee
2. Angel Eyes
3. I cryed for you
4. I can’t give you anything but love, baby
5. Then you’ve never been blue
6. I hadn’t anyone ‘till you
7. My melancholy baby
8. Misty
9. September song
10. One for my baby (and one more for the road)
11. Who’s sorry now
12. I’m getting sentimental over you
13. Reach for tomorrow

Ella Fitzgerald

Paul Smith, piano

Produção de Norman Granz

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FLAC | 214 MB

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MP3 | 320 KBPS | 98,2 MB

And these precious days, I’ll spend with you.

René Denon

.: interlúdio :. Carla Bley Big Band Goes to Church

.: interlúdio :. Carla Bley Big Band Goes to Church

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Este é o sensacional registro da participação de Carla Bley no Umbria Jazz Festival de 1996. Levei alguns dias para conseguir chegar à faixa 2 do CD tal é o entusiasmo que me causa a aula de arranjo que Carla nos demonstra nos 24 minutos do esplêndido blues de abertura: Setting Calvin’s Waltz. O título do CD é uma piada. Sabendo que sua apresentação seria na Igreja de San Francesco Al Prato em Perugia, Bley usou e abusou de sonoridades e timbres pouco usuais que soaram espetacularmente. Também pegou emprestado os gospels Exaltation / Religious Experience / Major de Carl Ruggles. O restante são composições — incluindo Setting Calvin’s Waltz — de Bley. Goes to Church está longe de ser um álbum religioso, é apenas um álbum que se utiliza da especial sonoridade de uma igreja, algo que talvez só pudesse ser fruído adequadamente em Perugia, entre os dias 19 e 21 de julho de 1996.

Carla Bley Big Band Goes to Church

1. Setting Calvin’s Waltz 23:52
2. Exaltation / Religious Experience / Major 9:33
3. One Way 8:29
4. Beads 8:27
5. Permanent Wave 10:07
6. Who Will Rescue You? 7:52

Carla Bley Big Band (17 músicos):
Lew Soloff (trumpet); Guy Barker (trumpet); Claude Deppa (trumpet); Steve Waterman (trumpet); Gary Valente (trombone); Pete Beachill (trombone); Chris Dean (trombone); Richard Henry (bass trombone); Roger Jannotta (soprano and alto saxophones, flute); Wolfgang Puschnig (alto saxophone); Andy Sheppard (tenor saxophone); Jerry Underwood (tenor saxophone); Julian Argüelles (baritone saxophone); Karen Mantler (organ, harmonica); Carla Bley (piano); Steve Swallow (bass); Dennis Mackrel (drums)

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80 anos! Eu te acho linda, Carla
80 anos! Ainda trabalhando muito e com enorme criatividade.

PQP

.:interlúdio:. Tom Jobim: Matita Perê

.:interlúdio:. Tom Jobim: Matita Perê

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Tom inventou Matita Perê e começou a gravá-lo no Rio. Não estava gostando do resultado. Achou que precisava de melhores músicos e maior qualidade de gravação.

(Ouvindo o disco, você logo entende que a exigência era enorme. O álbum alterna canções com música instrumental, indo com naturalidade do popular ao erudito).

Foi para Nova Iorque com os poucos brasucas que se salvaram da experiência carioca, bancou tudo do próprio bolso e fez um dos melhores álbuns de música brasileira de todos os tempos. Estava com 46 anos e tinha todo o prestígio e consideração do mundo.

Os temas escolhidos por Jobim para Matita Perê passam da leveza e doçura, das praias, barquinhos e garotas, para a natureza e lendas do um Brasil profundo, sertanejo. Ele compõe a partir de suas observações e da leitura de autores como Guimarães Rosa e dos poetas Carlos Drummond de Andrade e Mário Palmério.

Para o crítico musical Zuza Homem de Mello, “Matita Perê é um disco que pouco a pouco foi sendo compreendido, entendido e principalmente admirado. É um marco na carreira de Tom Jobim”.

A faixa de abertura traz aquele que se tornaria um dos maiores clássicos do compositor, Águas de março, cujo título foi retirado de poema de Olavo Bilac.

Já a faixa-título, uma suíte, cita o folclore e nasce de suas leituras, em especial do conto Duelo de Guimarães Rosa, que contou com a colaboração de Paulo César Pinheiro na letra.

Paulo César Pinheiro falou sobre a parceria: “O Tom me procurou, porque eu tinha uma música no Festival da Canção chamada Sagarana, parceria com o João de Aquino. Tom ouviu, ficou impressionado e me ligou dizendo que tinha ideias semelhantes àquelas”.

(Quando vocês se depararem com a próxima lista de Melhores Canções Brasileiras de Todos os Tempos, procurem por uma chamada Matita Perê. Se ela não estiver presente, abandonem a lista e falem mal do criador dela).

Matita Perê marca o início da temática ecológica na obra de Tom Jobim, que seguiria com força em discos como Urubu (1975), Terra Brasilis (1980) e Passarim (1987).

Ao mesmo tempo, evidencia-se o Jobim sinfônico, claramente influenciado por Villa Lobos, em faixas como Crônica da casa assassinada, baseada no romance de Lúcio Cardoso, outra suíte com quase 10 minutos de duração, feita para a trilha do filme de Paulo César Sarraceni.

Não deixe de ouvir. É falha grave desconhecer este disco.

Tom Jobim: Matita Perê

1 Águas de Março (Antônio Carlos Jobim) — 3:56
2 Ana Luiza (Antônio Carlos Jobim) — 5:26
3 Matita Perê (Antônio Carlos Jobim, letra de Paulo César Pinheiro) — 7:11
4 Tempo do Mar (Antônio Carlos Jobim) — 5:09
5 The Mantiqueira Range (Paulo Jobim) — 3:31
6 Crônica da Casa Assassinada (Antônio Carlos Jobim) — 9:58
a. “Trem Para Cordisburgo”
b. “Chora Coração” (letra de Vinícius de Moraes)
c. “Jardim Abandonado”
d. “Milagre e Palhaços”
7 Rancho nas Nuvens (Antônio Carlos Jobim) — 4:04
8 Nuvens Douradas (Antônio Carlos Jobim) — 3:16

Antônio Carlos Jobim – piano, violão e vocal
Claus Ogerman – arranjos (exceto faixa 3) e regência
Dori Caymmi – arranjo da faixa 3
João Palma – bateria e percussão
Airto Moreira – bateria e percussão
George Devens – percussão
Harry Lookousky – spalla
Frank Laico – engenharia de áudio
Ray Beckenstein – flautas e madeiras
Phil Bodner – flautas e madeiras
Jerry Dodgion – flautas e madeiras
Don Hammond – flautas e madeiras
Romeo Penque – flautas e madeiras
Urbie Green – trombone
Ron Carter – baixo
Richard Davis – baixo

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O maestro soberano Tom Jobim ao lado de seu herói literário, no lançamento do disco Matita Perê, em 1973

PQP (com Teca Lima)

.: interlúdio :. Coleman Hawkins encontra Ben Webster

.: interlúdio :. Coleman Hawkins encontra Ben Webster

Coleman Hawkins encounters Ben Webster

Eu ouço música (quase) o tempo todo, mas há algumas situações nas quais eu ouço música. Ou seja, a música e eu. Muito bem, lá estava eu num destes momentos, quando a música terminou e o CD-player rodou para o próximo CD e, Deus do Céu, o que foi isso? Uma onda sonora, forte, quente, rascante, invadiu meu espaço. Pois é, este CD da postagem estava esquecida em uma das entradas do CD-player e eu quase não mais me lembrava dele. Eu o havia comprado numa destas liquidações de fecha-loja e estava esperando para aquele dia de expandir os horizontes. Pois então, expandiu mesmo! O CD é monstro! Fui ler algumas coisa e descobri que o álbum é um clássico!

Coleman Hawkins

Produzido por Norman Granz, o disco reúne dois saxofonistas maravilhosos, Coleman Hawkins e Ben Webster, acompanhados por um time que tem Oscar Peterson ao piano. Tá bom ou quer mais? Vejam o que foi dito por Richard Meyer sobre o disco: “Bem possivelmente um dos melhores álbuns de jazz gravado até agora. (…) Este álbum é indispensável para qualquer fã de jazz.” Eu confesso não ter a menor ideia de quem seja Richard Meyer, mas concordo integralmente com ele, pelo menos no que tange a este disco.

O Tony Augarde é um crítico mais conhecido e nos diz: “Coleman Hawkins talvez tenha sido o primeiro músico a fazer o saxofone tenor realmente cantar, e um dos maiores a seguir seus passos foi Bem Webster. Portanto é uma delícia ouví-los juntos neste CD”.

Você pode apostar! Ele diz ainda: “Neste álbum, predomina a delicadeza – pois ambos músicos tornaram-se mais suaves com o passar dos anos. Mesmo assim, seus estilos eram ainda bem distintos para qualquer ouvinte poder distinguir um do outro.”

Ben Webster

Realmente, é um enorme prazer ouvir estes maravilhosos músicos inspirarem um ao outro, assim como todo o resto do time que os acompanhava na ocasião. Foi um dia memorável este 16 de outubro de 1957.

 

 

 

Coleman Hawkins encounters Ben Webster

  1. “Blues for Yolande” (Coleman Hawkins) – 6:44
  2. “It Never Entered My Mind” (Richard Rodgers, Lorenz Hart) – 5:47
  3. “La Rosita” (Paul Dupont, Allan Stuart) – 5:02
  4. “You’d Be So Nice to Come Home To” (Cole Porter) – 4:15
  5. “Prisoner of Love” (Russ Columbo, Clarence Gaskill, Leo Robin) – 4:13
  6. “Tangerine” (Johnny Mercer, Victor Schertzinger) – 5:21
  7. “Shine On, Harvest Moon” (Jack Norworth, Nora Bayes) – 4:49
  • Coleman Hawkins– tenor saxophone
  • Ben Webster– tenor saxophone
  • Oscar Peterson– piano
  • Herb Ellis– guitar
  • Ray Brown– double bass
  • Alvin Stoller– drums

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FLAC | 229 MB

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MP3 | 320 KBPS | 106 MB

Blow it, men!

Não deixe de ouvir esta pérola de disco. Depois, me contem!

René Denon

.: interlúdio :. Charles Mingus: The Clown

.: interlúdio :. Charles Mingus: The Clown

IM-PER-DÍ-VEL !!!

The Clown é um álbum de Charles Mingus gravado e lançado em 1957 na Atlantic Records. É uma espécie de continuação do Pithecanthropus Erectus de 1956. Uma edição de luxo em CD foi lançada em 2000 com duas faixas bônus que estão aqui. Todas as faixas foram gravadas em 12 de março de 1957, exceto The Clown, gravado em 13 de fevereiro do mesmo ano. De acordo com as notas de Nat Hentoff, Mingus explicou por que ele escolheu essas quatro faixas para o álbum: “Eu selecionei essas quatro mais duas outras que eram mais complicadas porque alguns desses caras estavam dizendo que eu não tinha swing. Então… Este álbum também tem o primeiro blues que eu fiz”. Haitian Fight Song e Tonight at Noon estão entra as maiores obras de Mingus. A legenda da foto abaixo pode ser compreendida por quem conhece o histórico do grande Mingus.

Charles Mingus: The Clown

1 “Haitian Fight Song” – 11:57
2 “Blue Cee” – 7:48
3 “Reincarnation of a Lovebird” – 8:31
4 “The Clown” – 12:29
5. “Passions of a Woman Loved” – 9:52
6 “Tonight at Noon” – 5:57

Charles Mingus – bass
Shafi Hadi – alto and tenor saxophone
Jimmy Knepper – trombone
Wade Legge – piano
Dannie Richmond – drums
Jean Shepherd – narration (track 4)

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Mingus descansando após brigar com todos os seus músicos.

PQP

.: interlúdio :. Stan Getz: Big Band Bossa Nova

.: interlúdio :. Stan Getz: Big Band Bossa Nova

Big Band Bossa Nova é um disco de jazz e bossa nova lançado em 1962 pelo saxofonista Stan Getz e a orquestra de Gary McFarland. É o segundo disco de bossa nova lançado pelo saxofonista para a Verve, sendo o primeiro Jazz Samba (1962), com o guitarrista Charlie Byrd.

É disco de gringo cintura dura. Totalmente desajeitado e sem graça pra nós, brasileiros. Mas eu ouvi a merda inteira e tudo o que eu ouço de cabo a rabo posto aqui. A música tem quatro temas de compositores brasileiros e composições originais de McFarland. Os temas de McFarland são tão parecidos com a Bossa Nova quanto a ponte do Guaíba é igual ao Canal do Panamá. A instrumentação escolhida por McFarland evita o tradicional formato de big band de oito metais e cinco saxofones para um conjunto menor, com quatro instrumentos de sopro e trompa, além de três trompetes e dois trombones. Mas ele reforçou o time de percussionistas, claro.

Stan Getz: Big Band Bossa Nova

1 Manha de Carnaval (Morning of the Carnival) (Luiz Bonfá) – 5:48
2 Balanço no Samba (Street Dance) (Gary McFarland) – 2:59
3 Melancólico (Melancholy) (Gary McFarland) – 4:42
4 Entre Amigos (Sympathy Between Friends) (Gary McFarland) – 2:58
5 Chega de Saudade (No More Blues) (Antônio Carlos Jobim, Vinícius de Moraes) – 4:10
6 Noite Triste (Night Sadness) (Gary McFarland) – 4:56
7 Samba de Uma Nota Só (One Note Samba) (Antônio Carlos Jobim, Newton Mendonça) – 3:25
8 Bim Bom (João Gilberto) – 4:31

Stan Getz – tenor saxophone
Doc Severinsen, Bernie Glow or Joe Ferrante and Clark Terry or Nick Travis – trumpet
Ray Alonge – French horn
Bob Brookmeyer or Willie Dennis – trombone
Tony Studd – bass trombone
Gerald Sanfino or Ray Beckenstein – flute
Ed Caine – alto flute
Ray Beckenstein and/or Babe Clark and/or Walt Levinsky – clarinet
Romeo Penque – bass clarinet
Jim Hall – unamplified guitar
Hank Jones – piano
Tommy Williams – bass
Johnny Rae – drums
José Paulo – tambourine
Carmen Costa – cabasa
Gary McFarland – arranger, conductor

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Stan Getz sonhando em acertar o ritmo

PQP

.: interlúdio :. Charlie Haden: The Montreal Tapes VI (com a Liberation Music Orchestra)

.: interlúdio :. Charlie Haden: The Montreal Tapes VI (com a Liberation Music Orchestra)

Aqui, toda a série e mais um baita CD de brinde.

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Quase três décadas separam o disco de estreia da Liberation Music Orchestra, de Charlie Haden, e esse disco da banda é praticamente 100%  diferente. Explico: a superbanda formada por grandes estrelas pouco se reunia, nada ensaiava e mesmo assim Haden fez seu repertório evoluir. Este CD tem duas longas suítes, We Shall Overcome, do disco Dream Keeper, e um coeso La Pasionaria, de Ballad of the Fallen. Com o saxofonista Joe Lovano e os trompetistas Stanton Davis e Tom Harrell interpretando temas melódicos ou notáveis solos, a banda está afiadíssima. É uma festa no palco, com os membros da banda deleitando-se em melodias de raiz folclórica ou excursões cheias de citações à história do jazz. É um raro prazer ouvir essa orquestra e os solos de Haden estão no auge.

Uma maravilha absolutamente recomendada. Sabem que Haden e outros membros da banda certa vez acabaram presos por insistirem em tocar La Pasionaria, SandinoWe Shall Overcome? Onde? Quando? Ah, pesquisem aí no guguel.

Charlie Haden: The Montreal Tapes VI (com a Liberation Music Orchestra)

1 La Pasionara
2 Silence
3 Sandino
4 We Shall Overcome

Charlie Haden (double bass)
Liberation Music Orchestra: Tom Harrell (trumpet); Stanton Davis (trumpet); Ken McIntyre (alto sax); Ernie Watts (tenor sax); Joe Lovano (tenor sax); Ray Anderson (trombone); Sharon Freeman (French horn); Joe Daley (tuba); Mick Goodrick (guitar); Geri Allen (piano); Paul Motian (drums)

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A superbanda de Haden que fecha os Montreal Tapes

PQP

.: interlúdio .: Pat Metheny Group- American Garage

Com certeza esse álbum do Pat Metheny Group é um dos mais belos discos de jazz já gravados. Impecável na sua produção, na qualidade das músicas, no nível altíssimo dos músicos envolvidos … nunca deixo de me emocionar quando o ouço, e já faço isso há mais de trinta anos e cinco anos.

Pat Metheny com este disco inscrevia seu nome no rol dos grandes músicos de Jazz, nos trazendo belíssimas melodias, muito inspiradas, sem precisar espanar sua guitarra, me utilizando da expressão de nosso mentor, PQPBach para reclamar daqueles guitarristas que gostam de demostrar seu virtuosismo tocando mil notas por segundo, nos mostrando uma técnica apuradíssima, com sua excepcional banda, que tinha o seu parceiro de banda pelas próximas duas décadas, o pianista e tecladista Lyle Mays, o baixista Mark Egan e o baterista Dan Gotlieb.

Canções como ‘(Cross The) Heartland’, ‘American Garage’, e a épica ‘Epic’ já se tornaram clássicas, e são obras obrigatórias em seus concertos. Elas nos remetem a uma época que não volta mais, a campos cultivados, a estradas sem fim, lembrando do belo título de uma coletânea do The Allman Brothers Band, ‘The Road Goes on Forever”. Até hoje, Pat Metheny é uma de minhas trilhas sonoras de viagem favoritas.

A capa deste disco também é detalhe a se destacar: aqueles trailers sob um céu azul não trazem uma paz de espírito para os senhores?, nos deixa serenos. Talvez o único defeito deste LP seja sua curta duração: meros trinta e cinco minutos, que você que durem cem minutos. Entendemos que na época os discos não eram muito mais longos que isso, estamos falando de 1979.

Para aqueles que não conhecem Pat Metheny, creio que esta seja a melhor apresentação que se possa fazer.

01 – (Cross The) Heartland
02 – Airstream
03 – The Search
04 – American Garage
05 – The Epic

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.: interludio :. Hiromi & Edmar Castaneda – Live In Montreal (2017)

Já ensaiei uma postagem deste CD anteriormente, mas por algum motivo, acabei desistindo. O que é uma sacanagem para com os senhores: isso aqui é absolutamente sensacional. Dois ‘monstros’ em seus respectivos instrumentos, se desafiando constantemente, mostrando todo o seu virtuosismo e possibilidades infinitas de seus instrumentos.

A pianista japonesa Hiromi é um assombro, nunca deixa de nos surpreender, lembra um pouco Keith Jarrett em seu apogeu nos anos 70, revolucionando o ‘tocar piano’, ficamos nos imaginando de onde vem tanto talento, tanta capacidade de improvisação, tanto virtuosismo.

Edmar Castaneda até então me era um ilustre desconhecido. É colombiano, e o que faz com sua Harpa é assustador também. Assustador no bom sentido, claro. Também tira água da pedra, extraindo de seu instrumento sonoridades mil, explora com maestria todas suas nuances. Por vezes nós é difícil entender como ele consegue fazer isso tudo.

O virtuosismo é o que impera neste ‘IM-PER-DÍ-VEL’ CD. Sim, há momentos de virtuosismo extremo, mas também há momentos de puro encantamento, delírio emocional, sei lá como chamar. Tratam-se de dois músicos no apogeu de sua carreira e técnica mostrando até onde podem ir, e se possível, ir mais além.

Deleitem-se, caros mortais… é para se ouvir diversas vezes para melhor ser apreciado em seus detalhes. Melhor ainda é que foi gravado ao vivo …

Hiromi & Edmar Castaneda – Live In Montreal (2017)

1. A Harp In New York
2. For Jaco
3. Moonlight Sunshine
4. Cantina Band
5. The Elements – Air
6. The Elements – Earth
7. The Elements – Water
8. The Elements – Fire
9. Libertango

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FDP

.: interlúdio :. Charlie Haden: The Montreal Tapes V (com Paul Bley & Paul Motian)

.: interlúdio :. Charlie Haden: The Montreal Tapes V (com Paul Bley & Paul Motian)

Aqui, toda a série e mais um baita CD de brinde.

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Neste quinto disco dos Montreal Tapes de Charlie Haden, ele vem com o pianista — intérprete de longa data de Ornette Coleman — Paul Bley e o baterista free Paul Motian para um set fortemente abastecido por músicas de Ornette. A primeira música, uma mistura de “Turnaround” e “When Will The Blues Leave?” é guiada por Bley — ex de Carla –, que dá o tom com as notas iniciais de “Turnaround”. A coisa se encerra com “Turnaround”, desta vez sob a direção de Charlie Haden, que lidera o trio em uma interpretação mais bluesier do clássico de Ornette Coleman. Cada membro contribui uma balada e eles também tocam “Ida Lupino”, de Carla Bley, música gravada por Paul Bley tantas vezes que sei lá. O Quinteto de Paul Bley gravou um disco ao vivo no Hillcrest Club em 1956 com Bley apoiado pelo quarteto clássico de Ornette Coleman (Ornette, Cherry, Haden, Higgins), tocando algumas músicas de Coleman. Quarenta anos depois, temos uma nova gravação desses “standards” executados para uma audiência muito conhecedora (e grande) de jazz. Excelentes performances, ótimo material.

Charlie Haden: The Montreal Tapes V (com Paul Bley & Paul Motian)

1 “Turnaround/When Will the Blues Leave?” (Ornette Coleman) – 13:17
2 “New Beginning” – 8:47
3 “Cross Road” (Coleman) – 6:40
4 “So Far, So Good” (Paul Bley) – 7:27
5 “Ida Lupino” (Carla Bley) – 11:19
6 “Latin Genetics” (Coleman) – 4:35
7 “Body Beautiful” (Paul Motian) – 8:03
8 “Turnaround” (Coleman) – 7:51

Charlie Haden – bass
Paul Bley – piano
Paul Motian – drums

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Bley, Haden e Motian sob a sombra de Ornette, o gigante

PQP

.: interlúdio :. Bela Fleck & The Marcus Roberts Trio – Across the Imaginary Divide (2012)

.: interlúdio :. Bela Fleck & The Marcus Roberts Trio – Across the Imaginary Divide (2012)

Segundo li, fazia algum tempo que Béla Fleck namorava os caras do Marcus Roberts Trio e vice-versa. Mas, sacumé, a agenda dos dois estava sempre lotada e só recentemente deu para compatibilizar. O resultado foi um excelente trabalho em comum. O estilo ficou mais MRT do que BF. É normal, ao tocar com vários músicos diferentes, Fleck parece mais costumado ao mimetismo, mas jamais pensem num disco pior que o habitual. O CD é absolutamente fantástico! Há ótimos temas, notável tratamento para eles e momentos onde que Béla Fleck parece ter nascido para o Marcus Roberts Trio! Vale a pena ouvir.

Bela Fleck & The Marcus Roberts Trio – Across the Imaginary Divide (2012)

01. Some Roads Lead Home [0:06:16.78]
02. I’m Gonna Tell You This Story One More Time [0:05:41.97]
03. Across the Imaginary Divide [0:04:42.78]
04. Let Me Show You What To Do [0:04:54.94]
05. Petunia [0:05:01.22]
06. Topaika [0:04:33.52]
07. One Blue Truth [0:04:26.72]
08. Let’s Go [0:05:57.98]
09. Kalimba [0:06:22.33]
10. The Sunshine and the Moonlight [0:05:36.96]
11. That Old Thing [0:05:07.81]
12. That Ragtime Feeling [0:04:08.42]

Béla Fleck, banjo

Marcus Roberts Trio:
Marcus Roberts, Piano
Jason Marsalis, Drums
Rodney Jordan, Bass

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Bela Fleck e o Marcus Roberts Trio

PQP