Romanian Contemporary Music (Țăranu, Bentoiu, Niculescu) [Olympia]

A 2ª Sinfonia do Niculescu, nome do qual já falei um pouco em post anterior, constrói-se numa dicotomia fluência-ruptura. Numa primeira parte, a fluência nunca domina, o tom escuro e violento sobressai (ainda que com uma certa dose de sensualidade). Na segunda, por mais que o compositor pareça criar empecilhos, a fluência é irresistível, numa doçura crescente, aos poucos se definindo. Mais do que em sua terceira sinfonia, que é uma obra de certa maneira mais suja, mais plural, Niculescu parece aqui buscar a mais absoluta purificação expressiva nessa tentativa de depurar a peça de tudo que fuja a dicotomia.

A 5ª Sinfonia de Pascal Bentoiu, compositor nascido em 1927 (mesmo ano em que nasceu Niculescu) e ainda vivo, é uma síntese de vanguarda e tradição. O compositor, ao contrários dos outros grandes nomes de sua geração, sempre foi reticente com arroubos de vanguardismo e só aos poucos foi caminhando em direção a uma música abertamente experimental, já na década de 70, com peças como esta quinta sinfonia. Contudo, o experimentalismo neste caso é totalmente conciliado com uma melodia delicada que vai se ramificando e se transformando com um objetivo sempre expressivo, sempre humanista, nunca simplesmente técnico.

Ao contrário das duas outras peças, a 2ª Sinfonia de Cornel Țăranu é obra de um experimentalismo um pouco mais áspero. Mas ainda assim não perde de vista a questão da expressão. Transcrevo os comentários de um outro grande compositor romeno, Mihai Moldovan, sobre a peça:

A 2ª Sinfonia (“Aulódica”) fecha e abre ao mesmo tempo um novo ciclo estilístico, no qual – ao eliminar tudo que é supérfluo – a música atinge os picos da expressão. Reescutando a “doina” em sua forma primária, não alterada pelo tempo e pelo espaço, reescutando-a do interior, purificando-a até atingir a complexidade por uma economia notável de meios, o compositor realiza uma sinfonia de uma impressionante expressividade, página de referência da música romena contemporânea”.

Cornel Țăranu (1934- )

01 Sinfonia nº2 “Aulodica”

Orquestra Sinfônica de Cluj-Napoca
Emil Simon
, regente

Pascal Bentoiu (1927- )

02 Sinfonia nº5, op. 26

Orquestra da Rádio e Televisão Romena
Paul Popescu
, regente

Stefan Niculescu (1927-2008)

03 Sinfonia nº2 “Opus Dacicum”

Orquestra Filarmônica de Timisoara “Banatul”
Remus Georgescu
, regente

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE

Democrart, de Adriana Varejão

Democrart, de Adriana Varejão

itadakimasu

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Caio Prado (1991) : VARIÁVEL ELOQUENTE (2015) : amostras de uma novíssima canção brasileira (popular?)

CAIO PRADODia desses um amigo mandou um clip de áudio para ilustrar um ponto em uma conversa de whatsapp. De imediato fui surpreendido pela entrada de um quarteto de cordas, quando o tal amigo não é conhecedor de “clássico”. Em seguida entrou o que de início julguei uma voz feminina grave, que pela tessitura, timbre e modo de enunciar as palavras e frases me lembrou nitidamente Nana Caymmi, apenas que (me permitam) com a afinação aperfeiçoada.

Mas as palavras pareciam de um universo estranho ao repertório daquela notável cantora. Não houve, inclusive, como não pensar numa referência religiosa ao ouvir as palavras “meu bem sofre de maldade, faz o mal querendo sempre o bem” (São Paulo aos Romanos: “o bem que quero não faço, mas o mal que não quero, esse faço”) – mas anos-luz mais refinada que o usual na música de uso religioso produzida hoje em dia no país (a qual não passa de paródia alcohol-free de música inventada originalmente para outros fins…) – e refinada não pela complexidade ou abundância de elementos, mas, de um modo talvez zen, justamente pela economia de meios, despojamento mesmo, deixando o essencial da música e texto ousadamente a nu – no que poderia ter revelado precariedade mas, pelo menos no meu sentir, evidenciou foi elegância artística e sensibilidade intelectual.

Perguntei ao meu amigo quem seria responsável por esse instigante objeto, e foi aí que ele me apresentou Caio Prado: jovem negro crescido nos subúrbios do Rio, com passagem pela Escola Villa-Lobos e por pelo menos duas vezes “massacrado” em concursos de tevê por júris absolutamente incapazes de perceber o refinamento que já estava presente em suas tentativas de apresentação, mesmo se de fato ainda inseguras e imaturas – mas hoje já com realizações consistentes e um círculo de admiradores considerável, mesmo se mais em qualidade que em quantidade.

Não me parece inadequado ver Caio Prado como parte da onda criativa de renovação cultural que flui a partir das periferias urbanas brasileiras desde meados da década de 1990 – quando, pela primeira vez na história do país, massas de jovens das “massas” reunidas nessas periferias pela frenética urbanização das décadas anteriores adentraram o Ensino Médio e começaram mesmo a ir além.

Mas Caio é geralmente listado em uma onda mais específica que vem surgindo dentro da primeira desde 2014 ou pouco antes: uma onda de músicos performáticos que se dedicam todos a “tensionar os papéis de gênero” e outras questões de diversidade sexual de modo direto, não apenas alusivo como havia feito um Ney Matogrosso – onda que inclui nomes como Liniker, o grupo As Bahias e a Cozinha Mineira, ou o rapper Rico Dalasam. Seria um erro pensar na produção desse pessoal como uma arte de interesse restrito a um gueto, pois, curiosamente, suas produções estão de fato entre o que tem sido feito de melhor e mais renovador na chamada MPB na presente década. E, dentro disso, minha impressão é que Caio faz o trabalho artisticamente mais depurado, mais capaz de sobreviver como arte perene, independente das circunstâncias e modas estilísticas de uma época. Essa a razão da pergunta “popular?” no título da postagem. (Clique aqui para um artigo de 2016 que aborda onze dos artistas ou grupos mais representativos dessa onda).

Só mais um detalhe, antes de deixar vocês com a palavra (em trecho de entrevista), imagem (na palhinha em vídeo) e música de Caio Prado: em suas entrevistas, Caio costuma mencionar vários nomes consagrados da MPB entre suas influências – entre eles, sempre o de… Nana Caymmi. Parece que o ouvido do velho monge aqui não falhou…

Caio Prado: trecho de entrevista a Fabiane Pereira
http://www.ubc.org.br/publicacoes/noticias/4400

– Seu primeiro disco traz 10 faixas autorais. O que o inspira a compor?
– A boa poesia me instiga. E o verso musicado é o que me desperta à criação. O amor, paixões e relações do ser humano foram as minhas primeiras inspirações. Minha primeira música, aos 10 anos, é “Meus Sonhos e Fantasias” e carrega toda a inocência e as idealizações de um apaixonado. Sou amante das palavras e me interesso pela sonoridade ímpar de cada uma delas. Vejo música quando reconheço uma palavra e um verso, gosto tanto da poesia lírica quanto do coloquialismo das ruas. De um pisciano utópico a um existencialista social, me vi influenciado pela filosofia e sociologia, e hoje minha música passa por questões mais complexas de observação social. Entendo que a música está a serviço da cultura e comunicação de um povo, por isso me interesso em ressaltar temas como superação, autoconhecimento e sempre potência ativa. Tudo vejo como arte e tudo vejo como política.

Palhinha:

CAIO PRADO : CD “VARIÁVEL ELOQUENTE” (2015)
Caio Prado: textos, melodias e voz
Produção musical: Clemente Magalhães e Maycon Ananias
Arranjos para quarteto de cordas: Maycon Ananias

01 Prelúdio
02 Maldade do meu bem
03 Lamento
04 Se um dia
05 Cantiga do início
06 Meu perdão
07 Anomia
08 Não recomendado
09 Roteirista
10 Variável eloquente

.  .  .  .  .  .  .  BAIXE AQUI – download here

Ranulfus

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Alfred Schnittke (1934-1998) — Arvo Pärt (1935): Voices of Nature

  • Repost de 21 de Abril de 2016

Voices of Nature é um álbum com obras para vozes tanto de Pärt quanto de Schnittke.

O destaque aqui fica com o belíssimo e profundo Concerto para Coro de Schnittke. Se vocês ouviram o álbum do Kronos Quartet com obras de Schnittke, vocês notarão que o segundo movimento do concerto é o belíssimo Collected Songs Where Every Verse Is Filled With Grief.

Além disso, temos algumas obras pequenas dos dois compositores as quais não são tão valiosas, embora também belas.

E para os conservadores, não se preocupem, Schnittke no concerto deste álbum não utiliza de seu famoso poliestilismo.

Voices of Nature

Alfred Schnittke (1934-1998):

Concert for Choir
01 I
02 II
03 III
04 IV

05 Voices of Nature for ten women’s voices and vibraphone

Arvo Pärt (1935):

06 Dopo la vittoria (Piccola Cantata)

07 Bogoróditse Djévo

08 ‘I am the True Vine’

Swedish Radio Choir
Tõnu Kaljuste, conductor

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Lindo casal: Pärt pensando no coito, Schnittke pensando no amor.

Pärt pensando no coito, Schnittke pensando no amor.

Luke

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.: Interlúdio :. BY THE THROAT

  • Repost de 17 de Abril de 2016

Muitas obras musicais são caixinhas de surpresa de sentimentos: felicidade, melancolia, nostalgia, tristeza, raiva, euforia, entre outros. A maioria se situa entre a felicidade, que geralmente (mas nem sempre) está atrelada aos tons maiores (ré maior, fá maior, etc.) e a tristeza (ré menor, dó menor, etc.).

Se navegamos pelas músicas do período clássico e romântico, é muito fácil identificar os sentimentos da música em algum lugar entre esses dois polos, felicidade e tristeza. Na virada para o século XX, isso fica mais difícil entre os românticos tardios. No início do século XX, os compositores modernos nos deleitam com novos sentimentos até então pouco explorados, o suspense na Sagração de Stravinsky, e não bem um sentimento, mas imagens nostálgicas, nas obras de Debussy.

Mas o que até então eu nunca tinha experimentado, embora trilhas sonoras de filmes já tenham chegado perto, é terror. Terror no sentido mais puro da palavra, terror de verdade, da morte, da dor, uma mistura de medo e desespero em algo muito pior. Isso puramente a partir da música, não da mistura de sensações que os filmes nos trazem.

BY THE THROAT, lançado em 2009 pelo compositor e produtor musical Ben Frost, que apesar de ser australiano vive na Islândia, é uma experiência musical ímpar. Este álbum une a beleza de uma melodia levemente nostálgica com o terror de um ambiente criado pela música.

Um internauta desreveu soberbamente essa experiência auditiva:

“(…)And with this latest [album], the chills rise up my spine and hold me, in perpetual, electric shock. The cover art alone puts into my mind the images of my final moments, lying naked on the snow, steam rising from the breath of a hungry wolf, his teeth sunk into my throat. And the track titles do not let up. Through The Glass Of The Roof, Through The Roof Of Your Mouth, Through The Mouth Of Your Eye. And the music? Dark grinding metallic strings scratched through distorted pads, deep breaths, growls, and choking melodies. The intensity of the bass and guitar riffs create instant goose bumps, tickling the inside of my ears, and clawing at my chest. White knuckled at the seat, I think I accidentally scratched a healing scab off of my back and now I’m bleeding through this white collar shirt, the tie restricting my cries. Let me out! I’ve heard some dark and terrifying ambiance in my lifetime, but Frost’s onslaught is incredible(…)”

Recomendo que os senhores ouçam sozinhos, em casa e principalmente, no escuro. Como diz no final de seu comentário o ouvinte que citei acima, após terminar, vocês vão desejar voltar à sentir a angústia da melodia do piano, e o terror de toda essa experiência.

Ben Frost (1980): BY THE THROAT

01 Killshot
02 The Carpathians
03 Ó God Protect Me
04 Híbakúsja
05 Untitled Transient
06 Peter Venkman Part I
07 Peter Venkman Part II
08 Leo Needs A New Pair Of Shoes
09 Through The Glass Of The Roof
10 Through The Roof Of Your Mouth
11 Through The Mouth Of Your Eye

Sam Amidon, Featured Artist
Amiina Cello; Featured Artist, Viola, Violin
Paul Corley; Engineer, Percussion, Prepared Piano, Programming
Russell Fawcus, Strings
Jeremy Gara, Percussion
Borgar Magnason, Bass (Upright)
Nico Muhly; Harpsichord, Prepared Piano

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Ben Frost congelado.

Ben Frost congelado.

Luke

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Peter Sculthorpe (1929-2014): From Ubirr — P. Q. Phan (1962): Tragedy at the Opera — Kevin Volans (1949): White Man Sleeps — Kronos Quartet 25 anos [10/10]

cover (2)

  • Repost de 11 de Fevereiro de 2016

Desde o quinto álbum dessa coleção não temos decepções, e aqui, mantemos o nível e fechamos com chave de ouro.

Peter Sculthorpe, nascido na Tasmania, surpreende na criatividade dos quartetos — onde ele brinca com os timbres — e na musicalidade de From Ubirr, onde ele mistura uma melodia evidentemente ocidental com o instrumento didjeridu (didgeridoo em inglês), que é usado principalmente pelos aborígenes australianos. Segundo a wikipedia, esse sempre foi seu objetivo, unir a música australiana com a tradição da música ocidental. Portanto, podemos dizer que ele é um modernista contemporâneo da Austrália.

Já o P. Q. Phan — que nada tem a ver com o P. Q. P. — saiu da sua terra natal, o Vietnam, para ir aos EUA estudar música, e aqui ouvimos o que ele aprendeu. Sua música possui elementos facilmente confundíveis entre oriental, chinês ou japonês, mas é vietcongue. Meus vizinhos não gostaram muito do caos da sua música tipicamente contemporânea que eu não tive reservas em deixar o rádio tocar, mas eu adorei.

Depois de passar pela Austrália e pela Ásia, terminamos nossa longa viagem na África, com Kevin Volans. O dito cujo é branco e passou boa parte da vida fora da África do Sul, onde nasceu, mas certamente soube utilizar bastante da cultura africana de seu país para fazer sua música. White Man Sleeps utiliza o sistema tonal da cultura africana, ou seja, os intervalos entre as notas são diferentes, portanto podemos ouvir sons que geralmente não ouviríamos num instrumento com a tonalidade ocidental tradicional. São diferentes danças onde podemos sentir um pouco do ritmo africano ao mesmo tempo em que as melodias são mais europeias.

É isso ai amiguinhos, terminamos aqui essa coleção, espero que tenham gostado.

25 Years of the Kronos Quartet [BOX SET 10/10]


Peter Sculthorpe (1929-2014):

Jabiru Dreaming, Quartet No. 11
01 I. Deciso
02 II. Amoroso

Quartet No. 8
03 I. Con dolore
04 II. Risoluto; calmo
05 III. Con dolore
06 IV. Con precisione
07 V. Con dolore

08 From Ubirr*

P. Q. Phan (1962):

09 Tragedy at the Opera (from Memoirs of a Lost Soul)

Kevin Volans (1949):

White Man Sleeps, Quartet No. 1:
10 First Dance
11 Second Dance
12 Third Dance
13 Fourth Dance
14 Fifth Dance

Kronos Quartet:
David Harrington, violin
John Sherba, violin
Hank Dutt, viola
Joan Jeanrenaud, cello
Michael Brosnan & Mark Nolan, didgeridoos*

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O quarteto original do Kronos vestidos tipicamente como moradores da costa leste dos EUA nos anos 80/90.

O quarteto original do Kronos vestidos tipicamente como moradores da costa leste dos EUA nos anos 80/90.

Luke

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Terry Riley (1935): Cadenza On The Night Plain — Alfred Schnittke (1934-1998): Quartetos 2 e 4 — Kronos Quartet 25 anos [8 e 9/10]

cover (2)

  • Repost de 4 de Fevereiro de 2016

Temos aqui hoje o estadunidense Terry Riley e o russo Alfred Schnittke. Não, calma, não estamos na guerra fria.

Cadenza On The Night Plain é ótima. Podemos perceber facilmente a influência indiana na música de Riley, embora isso as vezes se restrinja às pequenas dissonâncias resultantes das diferenças de escalas entre as notas do sistema tonal indiano. G music dá uma pausa trazendo elementos do Jazz num formato tipicamente ocidental. A melodia é deliciosa e repete com pequenas variações. É o minimalismo de Riley.

cover (2)

Já em Schnittke temos muitas vísceras. O criador do poliestilismo não perdoa. O que é poliestilismo? Eu explico pra vocês. Poliestilismo é a técnica que numa única obra mescla diferentes estilos de composição, como por exemplo, barroco e romântico, ou barroco e dodecafonismo, ou clássico, romântico e minimalista todos juntos, entre outras combinações possíveis. Talvez alguma mente perspicaz pergunte: Ok, mas qual a diferença disso do collage? Bem, o collage utiliza trechos inteiros de músicas já prontas de diferentes compositores de diferentes épocas, o que pode tornar a harmonia bastante precária. É possível criar uma obra inteira sem fazer nada se o compositor for demasiadamente picareta. Já no poliestilismo o compositor precisa compor novas coisas em cada estilo e harmonizá-las numa música só, o que dá mais liberdade para criação e torna mais fácil criar uma harmonia, mas ao mesmo tempo demanda um conhecimento enorme das diferentes técnicas. Em poucas notas o compositor pode atravessar séculos inteiros.

Embora aqui, amigos, vocês sentirão pouco dessa técnica de Schnittke, já que o formato de quarteto é muito mais rígido em sua estrutura. Se quiserem perceber mais o poliestilismo, recomendo os concertos grossos.

Semana que vem trarei o último álbum da coleção com Peter Sculthorpe, P. Q. Phan e Kevin Volans. Alguém conhece esses caras?

25 Years of the Kronos Quartet [BOX SET 8 and 9/10]

Disc 8

Terry Riley (1935):

Cadenza On The Night Plain
01 Introduction
02 Cadenza: Violin
03 Where Was Wisdom When We Went West?
04 Cadenza: Viola
05 March of the Old Timers Reefer Division
06 Cadenza: Violin II
07 Tuning to Rolling Thunder
08 The Night Cry of Black Buffalo Woman
09 Cadenza: Cello
10 Gathering of the Spiral Clan
11 Captain Jack Has the Last Word

12 G Song

Salome Dances for Peace – excerpts
13 III. The Gift: Echoes of Primordial Time
14 III. The Gift: Mongolian Winds
15 V; Good Medicine: Good Medicine Dance

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Disc 9

Alfred Schnittke (1934-1998):

Quartet No. 2
01 I. Moderato
02 II. Agitato
03 III. Mesto
04 IV. Moderato

Quartet No. 4
05 I. Lento
06 II. Allegro
07 III. Lento
08 IV. Vivace
09 V. Lento

10 Collected Songs Where Every Verse Is Filled With Grief

Kronos Quartet:
David Harrington, violin
John Sherba, violin
Hank Dutt, viola
Joan Jeanrenaud, cello

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Kronos Quartet fazendo música do jeito techno-hippie de Terry Riley.

Kronos Quartet fazendo música do jeito techno-hippie de Terry Riley.

Luke

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Henryk Górecki (1904-1991): Quarteto No. 1 e 2 — Steve Reich (1936): Different Trains — George Crumb (1929): Black Angels — Kronos Quartet 25 anos [6 e 7/10]

cover (2)

  • Repost de 28 de Janeiro de 2016

PQP sobre este post: IM-PER-DÍ-VEIS !!!

Górecki, Reich e Crumb, o que esses três têm em comum além da contemporaneidade de suas músicas? Nada que eu saiba amiguinhos, a pergunta foi só pra instigar curiosidade mesmo.

Górecki usa elementos minimalistas nesses dois quartetos seus, mas não sei se falta um pouco mais de vísceras que já havia ouvido em outras composições suas ou se o Kronos Quartet “falha na missão”.front

Reich é mais interessante, em sua música ele usa o elementos repetitivo e que vai se desenvolvendo aos poucos, embora aqui seja muito mais perceptível do que Music for 18 musicians por exemplo. Ele meio que brinca fazendo um contraponto minimalista e a música muda indo de uma repetição de tema à outro. E cada vez que um ou outro tema volta, ele volta com um elemento diferente. É genial. Ele adiciona umas vozes de radio também, puxando um elemento da eletroacústica, mas faz isso querendo anunciar o espírito de cada fase da música, por exemplo, New York é melancólica, Los Angeles é agitada, e quando volta à repetição New York to Los Angeles, que é meio que uma mistura, ele coloca uns sons de locomotiva. Uma brincadeira interessante. Com certeza uma música cheia de ideias que também é cheia de musicalidade.

Crumb chega pra não deixar pedra sobre pedra. Sua música é coisa que pirados como eu adoram. Ele faz inúmeras brincadeiras com elementos “não musicais”: a batida na madeira, um rangido, um suspiro, uma interjeição, etc. Mas não pense que isso tudo é sem coordenação como uma porcaria pós-moderna qualquer, na verdade ele consegue coordenar tudo isso muito bem, criando uma harmonia surpreendente. Dos três “porquinhos” aqui, ele é o mais criativo. Recomendo ouvir com o som bem alto e com muita atenção, pois a música dele está salpicada de detalhes quase inaudíveis.

Semana que vem trarei Terry Riley o oitavo disco da coleção juntamente com o nono, que trás obras de Alfred Schnittke.

25 Years of the Kronos Quartet [BOX SET 6 and 7/10]

Disc 6

Henryk Górecki (1904-1991):

Quasi una Fantasia, Quartet No. 2, Op. 64
01 I. Largo
02 II. Deciso – Energico (Marcatissimo sempre)
03 III. Arioso: Adagio cantabile
04 IV. Allegro (Sempre con grande passione e molto marcato)

05 Already It Is Dusk, Quartet No. 1, Op. 62

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Disc 7

Steve Reich (1936):

Different Trains
01 America – Before The War
02 Europe – During The War
03 After The War

George Crumb (1929):

Black Angels
04 I. Departure
05 II. Absence
06 III. Return

Kronos Quartet:
David Harrington, violin
John Sherba, violin
Hank Dutt, viola
Joan Jeanrenaud, cello

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Steve Reich e o quarteto fantástico. [Kronos Quartet photographed at San Francisco, CA February 23, 2011©Jay Blakesberg]

Steve Reich e o quarteto fantástico. [Kronos Quartet photographed at San Francisco, CA February 23, 2011©Jay Blakesberg]

Luke

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Osvaldo Golijov (1960): The dreams and Prayers of Isaac the Blind – Sofia Gubaidulina (1931): Quartet No. 4 – Franghiz Ali-Zadeh (1947): Mugam Sayagi – Kronos Quartet: 25 anos [5/10]

cover (2)

  • Repost de 21 de Janeiro de 2016

Até agora esse é o melhor álbum da coleção. Três compositores bem exóticos, Osvaldo Golijov da Argentina, Sofia Gubaidulina da Rússia e Franghiz Ali-Zadeh, compositora nascida no Azerbaijão.

A obra que mais gostei foi a de Golijov. Coincidentemente estava ouvindo um CD do Piazzola antes de ouvi-lo. Não se enganem, a música deles nada se assemelham.

A música de Golijov, talvez por sua família ser emigrada da Romênia e serem judeus, possui uma forte identidade oriental, mais exatamente árabe/hebraica. Claro, essa foi a primeira e única música que ouvi dele, talvez ele não siga essa tendência em outras obras, mas o que podemos sentir aqui é intensamente prazeroso de tão exótico.

Depois temos Sofia Gubaidulina, num quarteto arrasador que de forma muito interessante, usa gravações do próprio quarteto executante durante a execução. É quase um trio de quartetos feito pelo mesmo quarteto. Duas “execuções”, não da mesma música, mas de outras partes da música são gravadas, enquanto a terceira é executada ao vivo. É claro que aqui não vai fazer diferença, já que ouviremos tudo gravado. De qualquer forma, o Kronos Quartet, como lhes é de costume, executa essa dificílima obra com maestria.

Por fim temos a compositora Franghiz Ali-Zadeh, com a obra Mugam Sayagi. “No estilo de mugam” (tradução literal de mugam sayagi) é uma tentativa bem sucedida da compositora de trazer elementos da cultura musical de seu país e ao mesmo tempo fazer música avant-garde.

Sobre este álbum eu resumiria dizendo que é o tipo de música que dá vontade de sair distribuindo por aí para mostrar como que a música contemporânea é boa e consegue ser muito mais interessante que alguns clássicos.

Semana que vem trarei o sexto álbum da coleção com Henryk Górecki, e o sétimo álbum com Steve Reich e George Crumb.

25 Years of the Kronos Quartet [BOX SET 5/10]

Osvaldo Golijov (1960):

The dreams and Prayers of Isaac the Blind
01 Prelude
02 I. Agitato – Con fuoco – Maestoso – Senza misura, oscilante
03 II. Teneramente – Ruvido – Presto
04 III. Calmo, sospeso – Allego pesante
05. Postlude: Lento, liberamente

Sofia Gubaidulina (1931):

06 Quartet No. 4

Franghiz Ali-Zadeh (1947):

07 Mugam Sayagi

Kronos Quartet:
David Harrington, violin
John Sherba, violin
Hank Dutt, viola
Joan Jeanrenaud, cello

David Krakauer, clarinet, bass clarinet, basset horn

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

Kronos Quartet no barzinho tomando uma água pra comemorar a entrada de Sunny Yang como nova violoncelista do time em 2013.

Kronos Quartet no barzinho tomando uma água pra comemorar a entrada de Sunny Yang como nova violoncelista do time em 2013.

Luke

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Morton Feldman (1926-1987): Piano and string quartet – Philip Glass (1937): Quartetos 2, 3, 4 e 5 – Kronos Quartet: 25 anos [3 e 4/10]

  • Repost de 14 de Janeiro de 2016

Hoje temos aqui dois compositores estadunidenses, Morton Feldman e Philip Glass, que na coleção de 10 CDs dos 25 anos do Kronos Quartet ganharam um CD inteiro cada um.

Morton Feldman eu conheço pouco e acredito que o post que o PQP fez com essa mesma gravação já tenha dito bastante sobre a obra Piano and String Quartet.

cover (2)
Já de Philip Glass eu diria que sua música é mais empolgante. A música de Feldman, por estar recheada de ideias, lhe falta espírito (no sentido sentimental do termo). Não é uma música que conquista facilmente, é boa para fazer pensar, mas não tanto para sentir. Já em Philip Glass podemos apreciar os acordes repetitivos e pouco criativos, embora cativantes.

Uns dizem que Glass teve um bom debut mas que aos poucos foi caindo de nível, talvez por suas numerosas colaborações com artistas populares. Mas se até Pavarotti deu dessas, porque Glass seria apedrejado por isso? E por que isso seria condenável? Nunca cheguei a conhecer sua música em profundidade. Além dos quartetos presentes aqui – os quais apreciei bastante, principalmente o 3 e o 5 – já ouvi a ópera Akhnaten e o segundo concerto para violino, e todas essas obras eu gostei. Glass não se diz um minimalista, mas sem medo podemos dizer que sua música possui elementos da mesma. Atualmente ele se considera um neoclássico, e pode até ser, mas não seria um neoclassico ao nível do que foi Stravinsky em sua segunda fase por exemplo. O que podemos dizer com certeza é que dos compositores contemporâneos, por seus erros ou falhas, ele influenciou muita gente, e consegue atrair muita gente a procurar por mais música contemporânea também.

Na próxima semana trarei o quinto álbum da coleção com Osvaldo Golijov, Sofia Gubaidulina e Franghiz Ali-Zadeh.

25 Years of the Kronos Quartet [BOX SET: disc 3 and 4/10]

CD 3

Morton Feldman (1926-1987): 

01 Piano and String Quartet

Kronos Quartet
Aki Takahashi, piano

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

CD 4

Philip Glass (1937):14

Quartet No. 4
01 I
02 II
03 III

Mishima Quartet, Quartet No. 3
04 1. 1957 – Award Montage
05 2. November 25 – Ichigaya
06 3. 1934 – Grandmother and Kimitake
07 4. 1962 – Body Building
08 5. Blood Oath
09 6. Mishima Closing

Company, Quartet No. 2
10 I
11 II
12 III
13 IV

Quartet No. 5
14 I
15 II
16 III
17 IV
18 V

Kronos Quartet:
David Harrington, violin
John Sherba, violin
Hank Dutt, viola
Joan Jeanrenaud, cello
Aki Takahashi, piano

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Terceira formação do Kronos Quartet. John Sherba (violino), Jeffrey Zeigler (cello), David Harrington (violino), Hank Dutt (viola)

Terceira formação do Kronos Quartet a partir de 2005. Com Jeffrey Zeigler no violoncelo.

Luke

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Kenneth Benshoof (1933): Traveling Music – Astor Piazzola (1921-1992): Five Tango Sensations – Kronos Quartet: 25 anos [2/10]

front

  • Repost de 7 de Janeiro de 2016

Esse é o primeiro post que faço aqui no blog com um compositor que já morreu [há algum tempo]: Astor Piazzolla. Nem por isso sua música deixa de ser contemporânea. Sua música traz as raízes argentinas e latino-americanas para os tempos modernos, fazendo isso quase sempre de forma empolgante, já que usa bastante os ritmos do tango.

Os membros do Kronos Quartet não são latino-americanos, talvez por isso as Five Tango Sensations não tenham conseguido me convencer a sentir as sensações que descrevem. É apreciável, mas não sinto nenhuma empolgação que eu acho que deveria ter sentido ao ouvir uma música de um latino-americano, como eu geralmente sinto, por exemplo, aqui, ou aqui. Achei que isso não aconteceria, já que é Piazzola quem está tocando o bandoneon. Como nunca tinha ouvido essa obra anteriormente, posso estar errado e essas músicas serem assim mesmo, mais comedidas do que extravagantes. Talvez a culpa seja das minhas expectativas.

Four, for tango é bom, o quarteto trabalha muito bem com as cordas e mostra sua técnica já tão louvada, mas, como disse anteriormente, tem pouco de um espírito latino-americano. Mas tudo bem.

São duas estreias aqui, a primeira é minha, postando algo de um compositor que já viajou para o reino de Hades, e a segunda é a de Ken Benshoof aqui no blog. Compositor estadunidense, ele não tem nem uma página na Wikipedia, então pode-se dizer que é um compositor bem underground. Suas músicas são sombrias e introspectivas, bem diferente do John Adams que postei semana passada, por exemplo.

Semana que vem trarei o terceiro e o quarto álbum da coleção, Morton Feldman e Philip Glass, respectivamente. Dois minimalistas estadunidenses.

25 Years of the Kronos Quartet [BOX SET 2/10]

Kenneth Benshoof (1933):

Traveling Music
01 Gentle, easy
02 Moderate
03 Driving

04 Song of Twenty Shadows

Astor Piazzolla (1921-1992):

Five Tango Sensations*
05 Asleep
06 Loving
07 Anxiety
08 Despertar
09 Fear

10 Four, for Tango

Kronos Quartet:
David Harrington, violin
John Sherba, violin
Hank Dutt, viola
Joan Jeanrenaud, cello
Astor Piazzolla, bandoneón*

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

A partir de 1999, essa foi a segunda formação do Kronos Quartet. Com Jennifer Culp.

A partir de 1999, essa foi a segunda formação do Kronos Quartet. Com Jennifer Culp no violoncelo.

Luke

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John Adams (1947): John’s Book of Alleged Dances – Arvo Pärt (1935): Missa Syllabica – Kronos Quartet: 25 anos [1/10]

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  • Repost de 31 de Dezembro de 2015

Eu não sei se eu já deixei isso explícito, ou se vocês já perceberam, mas de todas as fases da música erudita, a música contemporânea é a que mais me fascina. E é aquela a qual vou me dedicar a polinizar neste blog, principalmente.

Claro – vocês como ouvintes devem saber – a música contemporânea pode ser dita como a mais difícil de ser ouvida. Mas, mesmo sendo difícil de ser ouvida, quando conseguimos ela é deliciosamente apaixonante, mais até do que o romantismo é capaz. Apaixonante não em um sentido romântico, mas num sentido envolvente e libertador. Por exemplo, quando eu só ouvia música popular, mesmo variando estilos (rock, reggae, pop, MPB, etc.) eu sentia uma limitação que não conseguia resolver. Quando descobri que música clássica não era tão difícil de apreciar mesmo com a duração enorme de algumas de suas obras ou pela complexidade a que eu não estava acostumado, fiquei tremendamente apaixonado. E ainda estou. Mas claro, assim como nem só do popular vive um homem, nem só de barroco, clássico e romântico se pode viver também. Assim fui conhecendo alguns compositores contemporâneos que num primeiro contato eu “vomitei”. Mas ao conhecer as obras certas e dando mais algumas chances eu aprendi a gostar daquele prato tão diferente ao meu paladar. Claro que ainda estou preso nas estruturas tradicionais; os compositores contemporâneos que mais gosto ainda usam melodia, harmonia e outras características de forma não tão radical como por exemplo, os serialistas integrais, que eu odeio. Mudanças radicais não costumam funcionar bem. Como bem disse Tancredi em Il Gattopardo: “as coisas devem mudar para que continuem as mesmas”.

É difícil definir o que é contemporâneo. Alguns dão o início lá em Stravinsky como primeiro compositor a se libertar inteiramente da sombra de Beethoven, colocando Arnold Schönberg e Claude Debussy como compositores de transição dessa sombra que cobre todo o século XIX. Enquanto outros só pensam em música contemporânea na música minimalista que surge nos anos 80 e outros movimentos que vêm depois do serialismo integral e das experiências pós-modernas dos anos 70 e 80. É difícil fazer essa definição, e não vou me arriscar aqui.

O Kronos Quartet, grupo formado há mais de vinte e cinco quarenta anos, são especialistas em música contemporânea. Claro que eles se embrenharam no repertório clássico também, mas o foco deles desde o início foi tocar a música produzida nos dias de hoje. E considero esse trabalho, que eles fazem tão bem, muito importante para a perpetuação e desenvolvimento da música como arte no mundo atual. Eu, como bom amante da música contemporânea que sou, não poderia deixar de postar essa coleção e honrar a esse grupo.

Neste álbum, o primeiro dessa coleção do aniversário de 25 anos completado em 1998 – (iihhh, já tem um tempinho ein tio?) – temos a melhor interpretação da Missa Syllabica de Arvo Pärt que já ouvi, juntamente com a pior de Psalom. E temos deliciosas obras recheadas de jams e ritmos dançantes do compositor estadunidense John Adams em John’s Book of Alleged Dances.

Semana que vem teremos Ken Benshoof (quem é esse cara?) e Astor Piazzolla no segundo volume da coleção.

Como hoje é véspera de ano novo, sugiro uma resolução para vocês: ouvir mais música erudita contemporânea em 2016.

25 Years of the Kronos Quartet [BOX SET 1/10]

John Adams (1947):

John’s Book of Alleged Dances:

01 Judah to Ocean
02 Toot Nipple
03 Dogjam
04 Pavane: She’s So Fine
05 Rag the Bone
06 Habanera
07 Stubble Crotchet
08 Hammer & Chisel
09 Alligator Escalator
10 Standchen: The Little Serenade
11 Judah to Ocean (Reprise)

Arvo Pärt (1935):

12 Fratres

13 Psalom

14 Summa

Missa Syllabica*:

15 Kyrie
16 Gloria
17 Credo
18 Sanctus
19 Agnus Dei
20 Ite, Missa Est

Kronos Quartet:
David Harrington, violin
John Sherba, violin
Hank Dutt, viola
Joan Jeanrenaud, cello

Ellen Hargis, soprano*
Suzanne Elder, alto*
Neal Rogers, tenor*
Paul Hillier, baritone*

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

Os "fofuxos" em 1998.

Os “fofuxos” do Kronos Quartet (David Harrington, John Sherba, Joan Jeanrenaud e Hank Dutt), em 1998.

Luke

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Stefan Niculescu (1927-2008) / Myriam Marbé (1931-1997) / Anatol Vieru (1926-1998): The Romanian Saxophone

IM-PER-DÍ-VEL !!!

Este álbum foi um marco para mim. Já andava um pouco cansado do tom escuro, áspero, da música contemporânea, o que me levava a colocar todo tipo de compositor de vanguarda no mesmo balaio, e igualmente decepcionado com a sensação de que compositores que buscavam abandonar ou suavizar o experimentalismo com uma linguagem mais comunicativa acabavam fazendo concessões desnecessárias e diluindo a força da música, como se comunicabilidade só fosse possível com um passo para trás. Neste momento me deparei com este álbum de música romena, da qual já havia ouvido falar algo bem por cima, mas que conhecia mal (basicamente Enescu e Doina Rotaru, uma compositora que, aliás, pretendo postar aqui mais tarde). De repente me deparo com o apaixonante lirismo da Sinfonia nº3 de Ştefan Niculescu, um lirismo extremo — não aquele lirismo extremamente contido num Mi-Parti do Lutoslawski, por exemplo, mas um lirismo escancarado e desavergonhado — e nada convencional, que parecia reposicionar várias técnicas contemporâneas que associava a escuridão numa expressão totalmente outra. Era, como no caso Matisse, como se o preto deixasse de significar coisas sombrias para ser só mais uma cor. Buscando mais informações sobre Niculescu, descobri a variedade expressiva de suas obras e mesmo comentários como o de Ligeti, que dizia ser Niculescu um dos grandes mestres de nosso tempo. Pena que comentários assim não possam garantir divulgação!

Embora um pouco menos (dada a epifania causada pela sinfonia de Niculescu), os outros dois compositores presentes neste álbum, Myriam Marbé e Anatol Vieru, também me chamaram a atenção e me instigaram a correr atrás de mais música romena, pesquisa que acabou sendo de mais e mais descobertas.

Finalmente, note-se que as três obras foram dedicadas ao grande saxofonista romeno Daniel Kientzy, raro nome a tocar (bem) a família toda de saxofones e que aqui sola em todas as peças. Além dessas três, muitos outros compositores (sobretudo romenos) a ele dedicaram obras, com um resultado empolgante para o repertório de sax (que aos poucos espero postar aqui).

****

Daniel Kientzy – The Romanian Saxophone: Obras de Niculescu, Marbé e Vieru

Ştefan Niculescu (1927-2008)
01 Concertante Symphony nº3 “Cantos”, para saxofone e orquestra

Daniel Kientzy, saxofone
Romanian Radio Symphony Orchestra
Iosif Conta, regente

Myriam Marbé (1931-1997)
02 Concerto for Daniel Kientzy and Saxophones

Daniel Kientzy, saxofone
Ploiesti Philharmonic Orchestra
Horia Andreescu, regente

Anatol Vieru (1926-1998)
03 Narration II, para saxofone e orquestra

Daniel Kientzy, saxofone
Timisoara Philharmonic Orchestra
Remus Georgescu

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE

Stefan Niculescu: brilhante representante de um repertório quase desconhecido

Stefan Niculescu: brilhante representante de um repertório quase desconhecido

itadakimasu

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Wendy Carlos (1939): música para The Clockwork Orange (versão completa)

Wendy Carlos's Clockwork Orange - vinil coverDizem que a primeira engenhoca eletrônica produtora de sons para fins musicais a usar o nome “sintetizador” foi a criada pela RCA em 1957 – mas foi Robert Moog, em 1964, quem criou o primeiro sintetizador utilizável de modo relativamente prático. E a primeira pessoa a gravar um disco de sucesso executado inteiramente com o Moog foi Wendy Carlos, com seu Switched-on Bach, em 1968.

Foi um trabalho de estúdio exaustivo: embora sintetizasse timbres nunca antes imaginados, o aparelho o fazia para uma nota de cada vez. Quer dizer: Wendy gravou voz por voz, separadamente, suas espantosas interpretações de Bach.

O outro pioneiro no uso do Moog foi o tecladista Keith Emerson, que se foi agora em 2016: em 1970 a banda Emerson, Lake and Palmer começou a levar o Moog para o palco, e em 1973 estrearia o Moog polifônico em Brain Salad Surgery.

Ao mesmo tempo (1970), Wendy propunha a Stanley Kubrick o uso de sua composição original Timesteps na trilha do filme A Laranja Mecânica, e saía feliz da vida com a encomenda de produzir toda a trilha do filme, inclusive recriações eletrônicas de Beethoven, Rossini e Purcell.

Não foi pequena, então, a decepção de Wendy em 1971: Kubrick havia usado no filme apenas fragmentos do seu trabalho, junto com versões orquestrais convencionais das obras de Beethoven e Rossini – e o LP oficial da trilha também continha só esses fragmentos.

P da vida – se me permitem -, em 1972 Wendy lançou outro disco, com a íntegra da sua produção destinada ao filme – ou quase a íntegra: as faixas 08 e 09 que vocês ouvirão só foram lançadas em 2000, na versão em CD.

Mais uma vez pioneira, o que Wendy introduziu desta vez foi o vocorder – simulador eletrônico de sons vocais – e o fez em nada menos que diversos solos e trechos corais da Nona de Beethoven (faixa 02), além de citações do hino gregoriano Dies Irae e de Singin’ in the Rain em sua própria composição Country Lane (faixa 10 – minha preferida).

Nos anos 70 este disco esteve entre os mais queridos do monge Ranulfus – mas só hoje, em 2016, graças ao trabalho de garimpagem de seu amigo Daniel the Prophet, o monge veio a ouvir as faixas 08 e 09. Notou sem surpresa que a última (Biblical Daydreams) parece construída a partir de hinos protestantes estadunidenses, mas na anterior (Orange Minuet) teve uma surpresa curiosa: o monge tem certeza de ter ouvido na obra do brasileiro Elomar Figueira de Melo a melodia usada na parte central do tal minueto! Terá Wendy ouvido Elomar, ou terão os dois se baseado em alguma fonte anterior, quer no próprio Nordeste brasileiro, quer no campo ibérico-provençal?

Termino confessando que muitas vezes pensei que o trabalho de Wendy Carlos ficaria pra trás como uma curiosidade datada – mas passado quase meio século a impressão se inverte: começo a pensar que a criatividade, sensibilidade e ousadia dessa mulher poderão ficar na história como emblemáticas do último terço do século XX – na história tanto da música quanto geral, pela ousadia, paralela à musical, de ter-se assumido como a mulher que desde a primeira infância sentia ser, mesmo pondo em risco a fama mundial já conquistada sob o nome masculino com que havia sido registrada ao nascer.

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WENDY CARLOS’S CLOCKWORK ORANGE (1972)
Gravações de estúdio de Wendy Carlos com o sintetizador Moog (1972)
Versão em CD lançada em 2000

  • 01 Timesteps – 13:47 (W.Carlos – na integra)
  • 02 March from A Clockwork Orange
    (Beethoven: Nona Sinfonia: Quarto Movimento, condensado) – 7:02
  • 03 Title Music from A Clockwork Orange
    (da Music for the Funeral of Queen Mary, de Purcell) – 2:23
  • 04 La Gazza Ladra ouverture (Rossini, condensado) – 6:00
  • 05 Theme from A Clockwork Orange
    (‘Beethoviana’, variação sobre 03) – 1:48
  • 06 Nona Sinfonia: Segundo Movimento: Scherzo (Beethoven) – 4:52
  • 07 William Tell ouverture (Rossini, condensado) – 1:18
  • 08 Orange Minuet (W.Carlos) – 2:35
  • 09 Biblical Daydreams (W.Carlos) – 2:06
  • 10 Country Lane (W.Carlos – versão aperfeiçoada) – 4:56
    (citações: Dies Irae; Singing in the Rain)

.  .  .  .  .  .  .  BAIXE AQUI – download here

Ranulfus (com a colaboração de Daniel the Prophet)

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Christopher Rouse (1949): Symphony No. 2 / Flute Concerto / Phaethon

Christopher Rouse é um compositor que tem o que dizer e diz com controle absoluto das cores orquestrais. Os dois discos que o PQP divulga — o de ontem e o de hoje — representam o núcleo principal de sua obra e de seu estilo. A Sinfonia No.2, depois de ter superado seu receio de escrever adágios, volta a sua maneira mais agitada de escrever. Obra muito empolgante, sensacional. O concerto para flauta é que me deixou ressabiado, abre com uma melodia pouco inspirada e melosa. Não fui com a cara dela.

Christopher Rouse (1949): Symphony No. 2 / Flute Concerto / Phaethon

1. Symphony No. 2: 1. Allegro
2. Symphony No. 2: 2. Adagio (In memoriam Stephen Albert)
3. Symphony No. 2: 3. Allegro
4. Flute Concerto: 1. Ànhran
5. Flute Concerto: 2. Alla marcia
6. Flute Concerto: 3. Elegia
7. Flute Concerto: 4. Scherzo
8. Flute Concerto: 5. Ànhran
9. Phaethon, for orchestra with augmented percussion

Performed by Houston Symphony Orchestra
Flute Carol Wincenc
Conducted by Christoph Eschenbach

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE

Rouse: de mau só tem a cara. Baita compositor!

Rouse: de mau só tem a cara. Baita compositor!

CDF

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Christopher Rouse (1949): Iscariot / Clarinet Concerto / Symphony No. 1

Christopher Rouse não pode ser chamado de jovem compositor (nasceu em 1949 em Baltimore), mas foi nesta última década que sua música acabou ganhando maior prestígio. Claro que seu nome ainda é bem conhecido apenas nos Estados Unidos, mas talvez isso esteja mudando. Suas gravações, defendidas por músicos de primeira categoria, vem conquistando os ouvintes e críticos do mundo. Prêmios não faltam no seu currículo. Sua linha de composição é muito independente, apesar de notar a presença de Lutoslawski constantemente e, algumas vezes, um cheiro adocicado (no caso do concerto para flauta).

Aqui temos Iscariot (1989), título derivado do muy amigo de Jesus, Judas Iscariot. Diz o compositor que é sua obra mais autobiográfica (o que será que ele fez?). Uma obra comovente e intrigante, e no finzinho uma citação de Bach. Depois vem a peça que muito me cativou – o Concerto para Clarinete (2000). É a sensação de improviso numa obra formal. Tudo ocorre num único movimento. Deve ter se inspirado no concerto de Copland. No fim encontramos sua Sinfonia No.1 – que pode ser chamado de sinfonia adagio. Christopher Rouse é amante do Rock, escreveu até uma obra dedicada ao baterista do Led Zeppelin, aquele que morreu de pileque. E boa parte das peças anteriores à Sinfonia Nº 1 continham boa dose de rispidez, ritmos desvairados, percussivos… Diz ele que a Sinfonia Nº 1 foi o momento de ir com calma e andar em caminhos menos tortuosos. Por isso a obra toda é um grande adágio. Porém a obra está longe da monotonia, nos deixa com olhos atentos.

Christopher Rouse (1949): Iscariot / Clarinet Concerto / Symphony No. 1

1. – Iscariot
2. – Clarinet Concerto
3. – Symphony No. 1

Martin Frost (Clarinet)
Royal Stockholm Philharmonic Orchestra
Alan Gilbert (Conductor)

BAIXE  AQUI — DOWNLOAD HERE

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CDF

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Gilberto Mendes (1922-2016): Alegres Trópicos

SeloDigital-GilbertoMendes-capa-2Gilberto Mendes se foi deste mundo para o reino de Hades no última dia primeiro. Apesar de com certeza ser uma grande perda, não devemos ficar lamentando sua morte, mas sim, dentro do possível, comemorar sua vida. A morte sempre vem, e quando vem, devemos aprender a aceitá-la, e mais que isso, honrá-la.

Quero honrar sua vida e obra discutindo um pouco de duas obras muito divertidas e interessantes de sua carreira: Beba Coca Cola e Santos Football Music.

A primeira foi baseada no pequeno texto do poeta Décio Pgnatari:

Beba Coca Cola (1957)

Beba Coca Cola (1957)

O texto por si só já é interessante. Simples, fazendo uma utilização das artes visuais, lembra até de outros artistas que também fazem uso das artes visuais com poemas como Arnaldo Antunes. Na música Gilberto Mendes continua a brincadeira do poema e coloca até um arroto na música:

 

Em Santos Futebol Music, entram vários elementos, desde os aspectos técnicos da música pura até aspectos outros como a aleatoriedade. Aqui, aleatoriedade não só da execução de um instrumento, mas também da interação com o próprio público que assiste.

Não tem como não rir vendo isso. Rir não de zombaria, mas de satisfação, de alegria, de diversão. Segundo Cacá Machado, Gilberto Mendes se via bastante em Villa-Lobos, não pelo aspecto nacionalista da música de Villa, mas sim pelo caráter inovador e único. Talvez o maior feito de Gilberto Mendes tenha sido criar um caráter único com sua música que acabou abarcando também aspectos da cultura brasileira, como o futebol. Caráter esse que, chamado de Música Teatro, conseguiu trazer um aspecto mais interativo da música com o público.

Estive ouvindo o álbum que a Fundação OSESP disponibilizou em comemoração dos 90 anos da vida do compositor para download gratuito, o link está na imagem do álbum acima. “Alegres Trópicos”, parece ser uma clara referência a “Tristes Trópicos” de Claude Lévi-Strauss, antropólogo francês que fez muitas pesquisas aqui no Brasil e ajudou a fundar a Universidade de São Paulo. Se ouvimos e vemos as obras de Gilberto Mendes, acabamos por concordar com o nome de sua obra, nossos trópicos são alegres, e cheios de esperança. E isso também graças aos artistas como ele.

Fico imaginado o tipo de brincalhão que deveria ser Gilberto Mendes, com certeza seria um enorme prazer tomar umas cervejas com ele num bar na praia de Santos ou então assistir um jogo de Futebol entre Corinthians e Santos. (Ou por que não as duas coisas juntas?)

Que seja bem recebido nos Campos Elísios.

gilbertomendes

Gilberto Mendes

Luke

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Madrigal ARS VIVA (1971): 1ªs gravações de Gilberto Mendes (1922-2016) e Willy Corrêa de Oliveira (1936) + Idade Média e Renascença

Gilberto Mendes 13/10/1922 a 01/01/2016Publicado originalmente em 11.07.2010. Revalidado in memoriam Gilberto Mendes.

Santos se diferencia das outras cidades importantes do estado de São Paulo por ser mais antiga e durante uns três séculos mais importante que a capital. A distância entre as duas é de apenas 75 Km, mas talvez o desnível abrupto de 700 metros tenha ajudado a preservar na cidade-porto uma identidade cultural própria, até um sotaque e caráter de povo diferente. Em alguns momentos isso se refletiu não só no futebol mas também numa vida musical digna de nota –

capa-peq… sobretudo nas décadas de 1960 e 70, com os compositores Gilberto Mendes (Santos, 1922), Willy Corrêa de Oliveira (Recife, 1936), e em parte também Almeida Prado (Santos, 1943) fazendo da cidade uma referência mundial com os Festivais de Música Nova.

Esses festivais ainda acontecem, mas infelizmente, é preciso dizer, não com a mesma vitalidade e impacto de antes. Como outras cidades do mesmo porte, Santos parece ter a sina de ser berço de gente que vai brilhar em outros lugares. De todo aquele movimento, só Gilberto Mendes permanece lá [escrito em 2010], ao que parece ainda insuperado em irreverência e espírito jovem – aos 88 anos!

Outro dos protagonistas que deve ter feito muita falta ao movimento foi o regente Klaus-Dieter Wolff – este por sua morte prematura. Klaus nasceu em 1926 em Frankfurt mas viveu no Brasil desde os 10 anos. Em 1951 fundou o Conjunto Coral de Câmara de São Paulo; em 1961 o Madrigal Ars Viva de Santos. Em 1968 colaborou com Roberto Schnorrenberg – três anos mais jovem e que em 1964 fundara o Collegium Musicum de São Paulo – na primeira realização brasileira das Vésperas de Monteverdi. Em 1971 gravou este disco, pioneiro em muitos sentidos – mas já em 1974 veio a falecer, com meros 48 anos. (Clique AQUI para mais informações sobre a formação e atuação dos dois).

Tanto Klaus quanto Roberto trabalhavam com o ideal declarado de ampliar o repertório conhecido no Brasil, e ao que parece foi esse ideal que presidiu a escolha das peças deste disco, que contém alguns verdadeiros standards do repertório medieval (como Alle psallite cum luya) e renascentista (como Mille regretz de vous abandonner – “mil mágoas por vos deixar” -, canção que inspirou muitíssimos instrumentistas e outros compositores ao longo dos séculos seguintes), ou então exemplos de compositores de primeira grandeza desses 4 séculos (Machault, Josquin des Près, Lassus, Jannequin).

Nem sempre acho felizes as opções do regente Wolff: ainda é compreensível que Alle psallite apareça tão lenta, pois se trata de um canto de cortejo, de procissão, mas um Rodrigo Martínez assim tão duro e quadrado? (Em breve posto o de Roberto de Regina, e vocês terão oportunidade de ver quase que o exagero oposto).

Mas nas peças mais introvertidas Klaus me parece conseguir uma combinação belíssima de concentração, intensidade e delicadeza (Ave Maria, Todos duermen corazón, Pámpano verde, Mille regretz, etc). É pena que os meus meios técnicos atuais não dêem conta de eliminar 100% do ruído que aparece nas frases finais de Mille regretz, um dos momentos mais delicados do disco.

As três peças ‘de vanguarda’ são de 1962, 66 e 69, todas inspiradas em poemas concretos (de Décio Pignatari e de José Lino Grünewald). Beba Coca-Cola é hoje uma peça consagrada, com muitas gravações no Brasil e no exterior – mas esta foi a primeira.

Na contracapa e no encarte há ricos textos informativos de Gilberto Mendes, e também os textos de todas as peças (muitas vezes naquelas esdrúxulas misturas lingüísticas características do renascimento) – e então acho que já posso entregar a bola a vocês!

Madrigal Ars Viva (Santos, SP)
Regência: Klaus-Dieter Wolff
(1926-1974)
Gravação: 1971 (independente)

A01  Alle psalite cum luya – anônimo séc.13
A02 Nel mezzo a sei paone – madrigal de Johannes/Giovanni de Florentia, séc.14
A03 Lasse! Comment oublieray / Se j’aim mon loyal ami / Pour quoy me bat mes maris
– motete (3 textos simultâneos) de Guillaume de Machault, séc.14
A04  Alma Redemptoris Mater – Johannes Ockeghem, séc.15
A05  Ave Maria – ‘carol’ anônimo, séc.15
A06 Nowell sing we – ‘carol’ anônimo, séc.15
A07  Todos duermen, corazón – Baena, séc.15-16
A08 Rodrigo Martínez – anônimo, séc.15-16
A09 Pámpano verde – Francisco de Torre, séc.15-16
A10 Mille regretz de vous abandonner – Josquin des Prez/Près, séc.15

B01 Bonjour, mon coeur – Roland de Lassus (1532-1594)
B02 Les cris de Paris – Clement Jannequin, séc.16
B03 Um movimento vivo (1962) – Willy Corrêa de Oliveira (*1936)
B04 Beba Coca-Cola (1966) – Gilberto Mendes (*1922)
B05 Vai e Vem (1969) – Gilberto Mendes

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Ranulfus

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.: interlúdio? :. Chico Mello (1957): Do lado da voz (2000)

Chico Mello - Do Lado da Voz (capa)Começo por advertir: este é um trabalho feito de sutilezas. Se você colocar como fundo pra ir fazer outra coisa ao longe, é possível que não veja nele interesse nenhum.

Chico Mello e o Monge Ranulfus nasceram no mesmo ano e na mesma cidade. Mais: quando adolescentes, estudaram na mesma classe de Solfejo e Ditado Musical de dona Beatriz Schütz, na Escola de Música e Belas Artes do Paraná. Na ocasião, os dois mostravam interesse em incluir a MPB dentro do horizonte da formação academicista e eurocêntrica ministrada naquela escola, bem como nos experimentos do então nascente minimalismo.

Mas as semelhanças param por aí: logo Ranulfus percebeu que apenas seus nervos sensores tinham paixão e avidez por música, não os motores: por maior apreciador que fosse, jamais se tornaria um realizador efetivo de música, com aquela naturalidade de quem mija, que é a do verdadeiro artista em qualquer área (imagem com que Monteiro Lobato falou a Érico Veríssimo do ato de escrever). Chico tem essa naturalidade.

A vida levou Ranulfus por outros rumos, nunca mais viu Chico pessoalmente, apenas aqui e ali topou com composições suas – o suficiente para notar que suas construções em linguagens contemporâneas não são meramente cerebrais, e sim sempre vivificadas por esse sopro natural, que desde certa altura do século XX parecia haver se refugiado exclusivamente na música chamada “popular”.

Chico estudou composição com Penalva e Koellreuter, mudou-se pra Berlim, fez carreira artística e docente lá e cá. Em 2010 gravou os 3 CDs Vinte Anos entre Janelas, com uma espécie de sinopse dos seus caminhos de 1987 a 2007. O segundo deles, para dar ideia, se chama Mal-entendidos multiculturais, e contém as seguintes duas peças: Todo canto – para soprano, piano, canto indiano e tabla/pakhawa – e Hui Liu ou la vraie musique para músicos chineses e euroamericanos (!) (Mais sobre esses CDs aqui).

Já neste Ao lado da voz, Chico traz seu experimentalismo sonoro para conversar especificamente com uma das suas próprias fontes: a canção dita popular brasileira. Fá-lo com uma voz totalmente cool, como quem quer deixar claro (suponho) que a linha vocal e as palavras não têm primazia, não são “acompanhadas”, e sim parte igualitária no jogo de construções, desconstruções e reconstruções.

Faz pensar em alguma experiência anterior na nossa música? Acho que mais pelo não que pelo sim: no geral soa mais enxuto, mais parcimonioso que o também sutil mas quase-romântico Wisnik. Passa longe das intenções pop de Arrigo Barnabé. Talvez um pouco mais perto do Itamar Assumpção inicial, desde que expurgado do deboche. Minha impressão, enfim, é que ninguém passou tão perto do mesmo espírito quanto Caetano Veloso em Jóia (mas não em Araçá Azul). Minha impressão!

Uma faixa de amostra? Eu diria que a 3, com fragmentos sampleados de Nélson Gonçalves: acho que em nenhuma outra a vanguarda e a tradição se engalfinham tão profundamente. Já das originais do Chico, acho duro o páreo entre a 5 e a 9 – e já falei demais!

FAIXAS
01 Achado (Chico Mello, Carlos Careqa)
02 Cara da barriga (Chico Mello)
03 Pensando em ti (Herivelto Martins, David Nasser)
04 Mentir (Noel Rosa)
05 Chorando em 2001 (Chico Mello, Carlos Careqa)
06 Já cansei de pedir (Noel Rosa)
07 Carolina (Chico Buarque)
08 Eu te amo (Chico Buarque, Tom Jobim)
09 Valsa dourada (Chico Mello)
10 Rosa (Pixinguinha)
11 Paramá (Chico Mello, Walney Costa)

Chico Mello – vocals, guitars, piano, percussion
Ségio M Albach – clarinets
Uli Bartel – violin
Helinho Brandão – bass
Guilherme Castro – electric bass
Ahmed Chouraqui – percussion
Armando Chu – percussion
José Dias de Moraes Neto – clarinets
Wolfgang Galler – synthesizer, bass, percussion
Michael Hauser – bass
Lothar Henzel – bandoneón
Levent – darabuka
Burkhard Schlothauer – violins, bass
Mix: Chico Mello, Burkhard Schlothauer, Thilo Grahman, Ahmed Chouraqui, Gerhard Grell

. . . . . . . BAIXE AQUI – download here

Ranulfus

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Música Contemporânea – parte 1: Olga Neuwirth (Lost Highway, Vampyrotheone…)

É difícil ter noção das coisas quando estamos no meio de um redemoinho. E falar de música contemporânea é pior que isso. Nossa música, muitas vezes, não é necessariamente “moderna”, temos hoje ótimos compositores que pararam em Sibelius. Tem até quem ache Boulez um charlatão ou aqueles que nunca tiveram qualquer afeição com a música de Schoenberg (John Adams, por exemplo). As correntes musicais estão tão fragmentadas que um só compositor pode representar todo um modelo. Alfred Schnittke passou por uma puta crise no início dos anos 1970. O que fazer quando todas as portas já tinham sido abertas? A sua sinfonia n.1 foi mais ou menos a representação dessa situação. O poliestilismo que, fundamentalmente, faz uso de todas as correntes já existentes foi sua única saída. Mas como não cair numa obra que soe como retalhos de outros compositores? Na verdade, não podemos afirmar que este fenômeno é apenas da nossa época: ouvimos Buxtehude na obra de Bach, Haydn na obra de Beethoven, Schumann na obra de Brahms, Wagner em Schoenberg…mas esses compositores tinham um modelo que podiam explorar ou destruir. Hoje não há. Desta maneira, toda música escrita hoje é simplesmente pessoal e dificilmente será taxada de subversiva ou formadora de paradigma daqui pra frente. Depois dos 4´33´´ de Cage, só enfiando os dedos na tomada.

Nesta série vou lançar uma variedade de compositores relativamente jovens que vem se destacando nas salas de concertos e em outros meios. Todos compositores super competentes e que precisam ser conhecidos. Creio que todos eles já superaram esse peso do passado ou mesmo nunca tiveram. Ainda bem, pois tenho ouvido ótima música nesses últimos meses.

A primeira da lista é uma compositora – Olga Neuwirth. Nascida em 1968 na Áustria, Olga é uma mulher bastante competente e muito elogiada, vem fazendo concertos ao redor do mundo e, recentemente, algumas de suas obras vem sendo gravadas. Não diria que é discípula de Boulez, mas é quase isso. No entanto sua influências estão muito próximas também do cinema e da pintura. Escreveu uma semi-ópera baseada no filme de David Lynch – Lost Highway, uma de suas obras mais executadas e discutidas. Esta gravação que disponibilizo foi digerida num mês inteiro, mas as recompensas são enormes. Não vejo a hora de ver isso em vídeo.

Olga é formada também em música eletro-acústica. É criadora de uma espectro sonoro invejável e muitas vezes surpreendente. Sua música é muito visual (não é uma visão bonita de se ver). O segundo disco que trago pra vocês tem a parte instrumental de uma outra ópera – Bählamms Fest. Olga trabalha aqui com a ideia do medo, não necessariamente de algo, mas do medo do próprio medo. É preciso cuidado para ouvir isso aqui, mas não interpretem mal no início, a música te envolve até para mundos mais sutis e ternos. Olga Neuwirth já não é mais uma promessa.

Trago também um filme experimental de Viking Eggeling de 1924 com trilha sonora escrita pela Olga. Muito bacana.

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Faixas (Lost Highway):

Disco 1
1. Lost Highway, opera: Begin
2. Lost Highway, opera: Intro
3. Lost Highway, opera: Scene 1 [Part 1]
4. Lost Highway, opera: Scene 1 [Part 2]
5. Lost Highway, opera: Scene 2 [Part 1]
6. Lost Highway, opera: Scene 2 [Part 2]
7. Lost Highway, opera: Scene 2 [Part 3]
8. Lost Highway, opera: Scene 3 [Part 1]
9. Lost Highway, opera: Scene 3 [Part 2]
10. Lost Highway, opera: Scene 3 [Part 3]
11. Lost Highway, opera: Scene 4
12. Lost Highway, opera: Scene 5 [Part 1]
13. Lost Highway, opera: Scene 5 [Part 2]
14. Lost Highway, opera: Scene 5 [Part 3]
15. Lost Highway, opera: Scene 5 [Part 4]
16. Lost Highway, opera: Scene 5 [Part 5]
17. Lost Highway, opera: Scene 6 [Part 1]

Disco 2
1. Lost Highway, opera: Scene 6 [Part 2]
2. Lost Highway, opera: Scene 6 [Part 3]
3. Lost Highway, opera: Scene 6 [Part 4]
4. Lost Highway, opera: Scene 6 [Part 5]
5. Lost Highway, opera: Scene 7 [Part 1]
6. Lost Highway, opera: Scene 7 [Part 2]
7. Lost Highway, opera: Scene 8 [Part 1]
8. Lost Highway, opera: Scene 8 [Part 2]
9. Lost Highway, opera: Scene 9 [Part 1]
10. Lost Highway, opera: Scene 9 [Part 2]
11. Lost Highway, opera: Scene 9 [Part 3]
12. Lost Highway, opera: Scene 10 [Part 2]
13. Lost Highway, opera: Scene 11 [Part 1]
14. Lost Highway, opera: Scene 11 [Part 2]
15. Lost Highway, opera: Scene 11 [Part 3]
16. Lost Highway, opera: Scene 12

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Vampyrotheone/Hooloomooloo/Instrumental-Inseln (1 CD)

BAIXE AQUI — DOWNLOAD HERE

Olga

A austríaca Olga Neuwirth (1968).

cdf

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Erkki-Sven Tüür (1959): Symphony Nº 4 (Magma)

Sobre a polêmica, erudito e popular, que também lembra um pouco a relação ateu e teísta, não há muito que dizer, é mesmo um assunto interminável e muito controverso. Mas é inegável a coexistência entre aquele que afirma e o que nega. Por isso, nos assuntos musicais, só conheço Música e musiquinha; e nos assuntos religiosos, sou pós-teísta, aquele que não vê relevância no assunto. Mas é óbvio que certas “categorias” de músicos vivem na sombra dos grandes mestres, transformando belezas e inovações em clichês, e raramente fogem do meu padrão de musiquinha.

Sou extremamente crítico com relação às “misturas”. Não pela tentativa de encontrar uma linguagem inusitada, mas utilizar esse fato, o de misturar rock e clássico ou rock e jazz, como o principal elemento da obra musical; o que é um absurdo. No recife, o fator mais importante é misturar, mesmo que o resultado, na maioria das vezes, seja de uma mediocridade só. Temos um pianista famoso por aqui, que usa como logotipo – “quem disse que o erudito e o popular não podem se casar?” Claro que pode. Quem é um apaixonado por Villa, sabe que essa mistura funciona muito bem. Mas no caso particular do referido pianista, vejo apenas uma sombra distante de “erudito” (aliás, termo pedante que só existe no Brasil. Certo é música clássica ou Música, como costumo chamar).

Trago para vocês uma interessante tentativa. A sinfonia n.4, Magma, de 2002 escrita pelo compositor nascido na Estônia – Erkki-Sven Tüür (quem se habilita a pronunciá-lo?) . O cara tinha uma banda de rock, no fim dos anos de 1970, chamada “In Spe”, que já misturava elementos da música barroca. Na sinfonia ou sinfonia concertante para percussão é visível a forte influência do Rock e Jazz. Eu acho que ele foi bem sucedido, a peça é envolvente; apesar de certas passagens pouco inspiradas, levando minha concentração a se perder. Mas dessa nossa geração de “misturas”, poucos tem a competência de Tüür.

P.S.:A percussionista Evelyn Glennie é absolutamente incrível, e acreditem, a moça é surda.

Erkki-Sven Tüür (1959): Symphony Nº 4 (Magma)

Faixas:

1. – Igavik (Eternity) for male choir & orchestra (in memoriam Lennart Meri, 2006)
2. – Inquiétude du fini for chamber choir & orchestra (dedicated to Arvo Pärt, 1992)
3. – Symphony No.4 Magma for solo percussion & symphony orchestra (dedicated to Evelyn Glennie, 2002)
4. – The Path and the Traces for strings (2005)

Estonian National Symphony Orchestra
Conducted by Paavo Järvi

BAIXE AQUI – DOWNLOAD HERE

Tüür

Tüür

CDF

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