Andrès Segovia (1893-1987) – Fantasía para un Gentilhombre, Concierto del Sur, Concerto nº6

01 03

FDP voltou de viagem inspirado. E resolveu atender ao pedido de um leitor/ouvinte, que preferiu não se identificar, e postar um CD tendo o violão como instrumento solista.

O missivista desta postagem reconhece que foi um violonista medíocre em seus tempos de adolescente, mas logo reconheceu a falta de talento para o tal do instrumento. Aprendeu alguns acordes, alegrou alguns amigos tocando canções de Chico Buarque e Caetano Veloso, arriscou alguns passos no mundo do rock´n´roll, mas sua falta de talento era por demais patente, e decidiu doar o instrumento para um sobrinho, que talvez pudesse fazer melhor uso dele…

Mas a paixão pelo instrumento continuou. E quando teve acesso ao mundo do violão enquanto instrumento solista frente a uma orquestra sinfônica, ficou estarrecido com as possibilidades múltipla do mesmo. Claro que se apaixonou pelo Concierto de Aranjuez, de Joaquim Rodrigo, e pelas peças para alaúde adaptadas para o violão, e tendo intérpretes absolutamente maravilhosos, como Andrès Segovia, Narciso Yepes, John Williams, Julian Bream, os irmãos Romero, Paco de Lucia entre outros.

Mas nesta postagem FDP fará diferente. Até agora foi dado destaque ao compositor, apesar de termos todo o cuidado ao escolhermos os intérpretes. Dessa vez se dará destaque ao intérprete. E que intérprete…

“El señor don Andrés Torres Segovia, marqués de Salobreña¨, mais conhecido como Andrès Segovia, nasceu em 1893 e faleceu, quase centenário, em 1987. É considerado o introdutor do violão nas salas de concerto, que freqüentou durante toda sua vida. Também ajudou no desenvolvimento do instrumento, para melhorar sua acústica nas salas de concerto. Transcreveu inúmeras peças de Bach, Bocherini, entre outros, e ajudou a divulgar pelo mundo inteiro a riquíssima música espanhola. Villa-Lobos compôs seus Doze Estudos para Violão em sua homenagem.

Mas o CD a ser postado faz parte de uma pequena série que a cultuada gravadora Deutsche Grammophon lançou em homenagem ao Mestre, com o simples nome de “Segovia Collection”, composta de cinco cds, onde se destacam compositores espanhóis.

A primeira obra é a maravilhosa “Fantasia para um Gentilhombre”, composta por encomenda a Joaquim Rodrigo. Dividida em quatro movimentos, são variações sobre um tema, onde a força da música espanhola, com forte influência da música flamenca, se destaca. Possuo outras gravações desta obra, inclusive com o genial Narciso Yepes, mas nas mãos mágicas de Segovia ela se transforma na verdadeira e legítima representação da alma espanhola. Ouçam com atenção principalmente o primeiro movimento. É de arrepiar.

Após o belíssimo “Concierto del Sur”, de Manoel Ponce, Segovia envereda no barroco, através da música de Luigi Bocherini, tocando o Concerto para violoncelo nº 6, por ele adaptado para violão.

Nestas obras, poderemos admirar a versatilidade de Segovia, e sua técnica absolutamente perfeita. Com certeza, o que vocês poderão admirar não será apenas um dos maiores violonistas do século XX, mas sim um dos maiores músicos do século.

Joaquin Rodrigo – Fantasía para un gentilhombre.
1. Villano y ricercar
2.Españoleta y fanfare de la caballería de Nápoles
3.Danza de las hachas
4.Canario

Manuel Ponce – Concierto del Sur
5. Allegro moderato
6.Andante
7. Allegro moderato e festivo

Luigi Bocherini – Concerto para violoncelo nº6
8 – Allegro non tanto
9 – Andante cantabile
10 – Allegreto – più mosso

Andrès Segovia – Violão
Simphony of the Air
Enrique Jorda – Diretor

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Johannes Brahms (1833-1897) – Ein Deustches Requiem, op. 45

Eis que FDP Bach se viu em cruel dúvida nos últimos dias: qual seria a próxima postagem, após aqueles maravilhosos trios de Mozart?

Pensou em muita coisa, fuçou toda a sua discografia, e nada dava aquele “tchan”. Beethovens, Mozarts, Schuberts, Schumanns, Bachs, é claro, mas acabou optando por Brahms e Vivaldi, postado abaixo. Não preciso falar da paixão que nutrem os irmãos PQP e FDP pela obra desse gênio alemão. Temos postado muita coisa dele. Mas não resistimos a compartilhar nossas emoções com os caros leitores/ouvintes do blog.

Pois bem, a obra escolhida de Brahms foi simplesmente “Ein Deutsches Requiem”. Escolhi esta peça pois o final de semana se aproxima, e todos terão tempo de aprecia-la com atenção. Não é uma obra fácil, ao contrário, é extremamente complexa, e considerada sua maior e mais ousada obra. Composta para grande orquestra, coro misto e dois solistas, barítono e soprano, mostra uma faceta um tanto quanto diferente de Brahms, mas coerente com seus ideais estético-musicais. Cito um pequeno trecho do filósofo alemão Ernst Bloch, colhido da biografia de Brahms escrita por Malcolm McDonald:

“à música do Requiem não falta contenção e o que lhe equivale em Brahms: uma preciosa profundidade que evita a apoteose (…) Esta música nos está dizendo que existe um broto – não mais porém não menos – que poderia florescer em alegria perpétua e que sobreviverá às trevas, que na realidade ele aprisiona dentro de si (…) Nas trevas desta música estão cintilando aqueles tesouros que estão livres da ferrugem e das traças. Referimo-nos àqueles tesouros permanentes em que a vontade e o objetivo, a esperança e sua satisfação, a virtude e a felicidade possam ser unidos, em um mundo sem decepção e de supremo bem – o réquiem circunda a região secreta do supremo bem”.

Após essa belíssima descrição, que mais podemos dizer? Ah, sim, talvez uma idéia geral da obra.

Possivelmente foi escrita entre 1865-1866, logo após a morte da mãe do compositor. Com certeza ela já vinha sendo pensada já a alguns anos. Está intimamente enraizada na Bíblia Luterana, ao contrário de outros Requiems, baseados na liturgia romana. O texto foi retirado de diversas passagens do Antigo e do Novo Testamento, e para McDonald, “se dirige essencialmente aos sentimentos dos desolados pela perda de uma pessoa querida, em uma meditação consoladora sobre o destino comum dos mortos e dos vivos. (…) Não é o primeiro Réquiem em alemão (…) mas foi o primeiro em que um compositor escolhera e moldara seu texto, para ressonâncias essencialmente pessoais, a fim de falar a um público contemporâneo numa linguagem compartilhada, transcendendo as coerções do ritual: um sermão profético a partir da experiência particular e com aplicação universal”.

A obra é dividida em sete partes:

1 – Chor: Selig sind, die da Lied tragen

2 – Chor: Denn alles Fleisch, es ist wie Grãs

3 – Solo (Bariton) und Chor: Herr, lehre doch mich

4 – Chor: Wie liebich sind Deine Wohnungen

5 – Solo (Sopran) und Chor: Ihr habt nun Traurigkeit

6 – Solo (Bariton) und Chor: Denn wir haben hie keine bleibende Statt

7 – Chor: Selig sind die Toten, die in dem Herrn sterben

A gravação é a premiada e elogiadíssima versão de Sir John Eliot Gardiner. Maiores detalhes abaixo:

Ein Deutsches Requiem

Artists

Rodney Gilfry (Baritone)

Charlotte Margiono (Soprano)

Monteverdi Choir e Orchestre Révolutionnaire et Romantique

Conducted by: Sir John Eliot Gardiner

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Antonio Vivaldi – (1678-1741) -Antonio Vivaldi – Cantate Concerti & Magnificat

Prezados, como estarei viajando no final de semana, minha contribuição para o blog está sendo postada h0je, quinta feira. E começarei com Vivaldi. Mas não se trata de qualquer Vivaldi, e sim de um Vivaldi interpretado por nossa musa inspiradora, com sua voz angelical, Emma Kirkby. Já postei duas outras obras com esta maravilhosa soprano inglesa, especialista no repertório renascentista e barroco.
Neste CD Kirkby interpreta Motetos e a Magnificat do padre ruivo. Peças maravilhosas, sensíveis e que mostram o domínio que a sardenta Kirby tem de sua voz.
Falar de Vivaldi é chover no molhado. Nunca conheci alguém que dissesse não gostar de sua música. Espero que gostem tanto quanto eu gostei.

01 – Motet, RV627 – 1. In turbata mare irato
02 – 2. Splende serena, o lux amata
03 – 3. Resplende, bella divina stella
04 – 4. Alleluia
05 – Concerto madrigalesco in d, RV129 – 1. Adagio – Allegro
06 – 2. Adagio
07 – 3. Allegro
08 – Concerto in g, RV157 – 1. Allegro
09 – 2. Largo
10 – 3. Allegro
11 – Concerto alla rustica in G, RV151 – 1. Presto
12 – 2. Adagio
13 – 3. Allegro
14 – Motet, RV680 – 1. Lungi dal vago volto
15 – 2. Augelletti, voi col canto
16 – 3. Allegrezza, mio core
17 – 4. Mi stringerai si, si
18 – 1. Magnificat anima mea Dominum
19 – 2. Et exsultavit spiritus meus in Deo
20 – 3. Et misericordia eius a progenie
21 – 4. Fecit potentiam in brachio suo
22 – 5. Esurientes implevit bonis
23 – 6. Suscepit Israel puerum suum
24 – 7. Sicut locutus est ad patres
25 – 8. Gloria Patri, et Filio, et Spiritui Sancto

Tafelmusik Baroque Orchestra Conducted by Jeanne Lamon
Emma Kirkby – soprano

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W. A. Mozart (1756-1791) – Concertos para Piano Nº 22 e 25

Concerto para piano e orquestra n. 22 em Mi bemol maior, KV. 482

1. Allegro
2. Andante
3. Allegro (Rondó)

Concerto para piano e orquestra n. 25 em Dó Maior, KV. 503

1. Allegro maestoso
2. Andante
3. Allegretto

Academy of St. Martin in the Fields
Alfred Brendel, Piano
Sir Neville Marriner, regência

BAIXE AQUI (DOWNLOAD) – Link gentilmente cedido pela Comunidade “Intérpretes Clássicos“.

Nota do Editor (curtinha)

O crescimento da visitação a nosso blog é algo importante para nós, porém o mais notável é o grau de informação de quem vem aqui. São pessoas que sabem o que desejam ouvir. Analisando o número de downloads de cada arquivo, só podemos concluir que não estamos tratando com leigos… Há arquivos que são baixados cinco vezes mais do que outros e os mais ouvidos são sempre aqueles que poderíamos colocar nas abaláveis posições de “indiscutíveis” e “polêmicos”.

Quando fundei o P.Q.P. pensei em postar sem estresse aquilo que estava ouvindo no momento, sem obedecer a critérios ou a sistematizações, sempre escrevendo posts que não me custassem mais do que 15 minutos de trabalho. Foi isto o que propus a F.D.P Bach e a Clara Schumann quando os convidei.

Não vou mudar nada, mas, pessoalmente, tratarei de usar alguns posts para colocar compositores que foram inadvertidamente ignorados por nós. Há outros, mas refiro-me principalmente a Beethoven. Vou terminar a postagem das Cantatas Profanas de Bach e dos Concertos para Piano de Mozart e depois entrarei nas últimas sonatas para piano – do Op. 101 em diante – e nos últimos quartetos – a partir do Razumovsky, OK? (se alguém quiser também o Op. 18, peça!). Também virá uma integral das Bachianas Brasileiras de Villa-Lobos.

Isto não muda em absoluto o plano inicial, mas traz um pouco mais de música fundamental para cá.

E chega de conversa.

P.Q.P. Bach

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) – Sonatas

Esta extraordinária seleção de sonatas do mano C.P.E. Bach já o mostra décadas a frente do barroco. É um clássico crasso. Se pensarmos que foram escritas entre 10 e 17 anosdepois da morte de nosso pai, concluiremos que C.P.E. fundou o estilo de Haydn. Para que não haja dúvidas, experimente comparar as sonatas deste CD com as desta postagem de Clara Schumann.

É música de primeiríssima linha que conta com a compreensiva interpretação do pianista de sobrenome famoso. Confesso que o desconhecia até comprar o CD há duas semanas. Sugiro a você fazer o mesmo.

P.Q.P. Bach.

BACH, C.P.E.: Keyboard Sonatas
Carl Philipp Emanuel Bach

Keyboard Sonata in G major, Wq. 65/22, H. 56
1. I. Allegro 03:16
2. II. Andante 02:33
3. III. Allegro 01:00

Keyboard Sonata in A major, Wq. 65/37, H. 174
4. I. Allegro 03:57
5. II. Andante ma non troppo 03:09
6. III. Allegro di molto 03:12

Keyboard Sonata in A major, Wq. 70/1, H. 133
7. I. Allegro 06:30
8. II. Andante con tenerezza 05:34
9. III. Allegretto 02:43

Keyboard Sonata in B flat major, Wq. 62/16, H. 116
10. I. Allegro 02:52
11. II. Andante 02:20
12. III. Allegretto 02:07

Keyboard Sonata in E minor, Wq. 65/30, H. 106
13. I. Allegretto 04:34
14. II. Andante 01:25
15. III. Allegretto 01:55

Keyboard Sonata in G major, Wq. 65/48, H. 280
16. I. Andantino 05:23
17. II. Adagio e sostenuto 02:08
18. III. Allegro 03:15

19. Rondo in E flat major, Wq. 61/1, H. 288 04:33

François Chaplin, piano

Total Playing Time: 01:02:26

BAIXE AQUI (Download)

J.S. Bach (1685-1750) – Cantatas Profanas (7 de 8 CDs)

A Cantata BWV 212 é a famosa Cantata dos Camponeses. A orquestra, em autêntica forma camponesa, acompanha na maioria das árias apenas com violino, viola e contrabaixo. Igualmente econômico é o naipe vocal: um soprano e um baixo. É música despretensiosa e adequada para um enredo bem humorado e cativante, mostrando muito claramente a versatilidade de meu pai. Os críticos da época – às vezes hostis aos monumentos intrincados – não conseguiram encontrar defeitos nesta pequena obra de árias curtas. A abertura é uma mistura de fragmentos de danças do folclore popular.

A Cantata BWV 213 é a perfeição em forma de Cantata. Ela é bem conhecida pois, no seguinte ao de sua composição, em 1734, foi utilizada por inteiro no Oratório de Natal, apenas com alterações no texto. Trata-se de música absolutamente superior e nem vou perder meu tempo descrevendo-a. Ouçam!

P.Q.P. Bach.

Mer Hahn en neue Oberkeet, BWV 212 “Peasant Cantata” – Cantata dos Camponeses

Composer Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Conductor Helmuth Rilling
Performer Christine Schafer (Soprano)
Thomas Quasthoff (Bass)
Jean-Claude Gerard (Flute)
Francis Goutou (Cello)
Harro Bertz (Double Bass)
Boris Kleiner (Harpsichord)
Jan Karas (French Horn)
Genre Baroque Period / Cantata
Date Written 1742
Ensemble Gachinger Kantorei Stuttgart
Period Baroque
Language German
Country Leipzig, Germany
Recording Studio

1. No. 1 (Ouverture) – Christine Schafer
2. No. 2 Aria: Mer Hahn En Neue Oberkeet – Christine Schafer
3. No. 3 Recitativo: Nu, Mieke, Gib Dein Guschel Immer Her – Christine Schafer
4. No. 4 Aria: Ach, Es Schmeckt Doch Gar Zu Gut – Christine Schafer
5. No. 5 Recitativo: Der Herr Ist Gut – Christine Schafer
6. No. 6 Aria: Ach, Herr Schosser, Geht Nicht Gar Zu Schlimm – Christine Schafer
7. No. 7 Recitativo: Es Bleibt Dabei – Christine Schafer
8. No. 8 Aria: Unser Trefflicher, Lieber Kammerherr – Christine Schafer
9. No. 9 Recitativo: Er Hilft Uns Allen, Alt Und Jung – Christine Schafer
10. No. 10 Aria: Das Ist Galant – Christine Schafer
11. No. 11 Recitativo: Und Unsre Gnadge Frau – Christine Schafer
12. No. 12 Aria: Funfzig Taler Bares Geld – Christine Schafer
13. No. 13 Recitativo: Im Ernst Ein Wort – Christine Schafer
14. No. 14 Aria: Klein-Zschocher Musse – Christine Schafer
15. No. 15 Recitativo: Das Ist Zu Klug Vor Dich – Christine Schafer
16. No. 16 Aria: Es Nehme Zehntausend Dukaten – Christine Schafer
17. No. 17 Recitativo: Das Klingt Zu Liederlich – Christine Schafer
18. No. 18 Aria: Gib, Schone, Viel Sohne – Christine Schafer
19. No. 19 Recitativo: Du Hast Wohl Recht – Christine Schafer
20. No. 20 Aria: Dein Wachstum Sei Feste Und Lache Vor Lust – Christine Schafer
21. No. 21 Recitativo: Und Damit Sei Es Auch Genung – Christine Schafer
22. No. 22 Aria: Und Dass Ihrs Alle Wisst – Christine Schafer
23. No. 23 Recitativo: Mein Schatz! Erraten – Christine Schafer
24. No. 24 Chor: Wir Gehn Nun, Wo Der Tudelsack – Christine Schafer

Hercules auf dem Scheidewege, BWV 213 – Hércules na Encruzilhada

Composer Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Conductor Helmuth Rilling
Performer Sibylla Rubens (Soprano – Wollust)
Ingeborg Danz (Alto – Herkules)
Constanze Schumacher (Alto – Echo)
Marcus Ullman (Tenor – Tugend)
Andreas [baritone] Schmidt (Baritone – Mercury)
Genre Baroque Period / Cantata
Date Written by 1733
Ensemble Gachinger Kantorei Stuttgart
Period Baroque
Language German
Country Leipzig, Germany
Recording Studio

25. No. 1 Chorus: Lasst Uns Sorgen, Lasst Uns Wachen – Ingo Goritzki
26. No. 2 Recitativo: Und Wo? Wo Ist Die Rechte Bahn – Ingo Goritzki
27. No. 3 Aria: Schlafe, Mein Liebster – Ingo Goritzki
28. No. 4 Recitativo: Auf! Folge Meiner Bahn – Ingo Goritzki
29. No. 5 Aria: Treues Echo Dieser Orten – Ingo Goritzki
30. No. 6 Recitativo: Mein Hoffnungsvoller Held – Ingo Goritzki
31. No. 7 Aria: Auf Meinen Flugeln Sollst Du Schweben – Ingo Goritzki
32. No. 8 Recitativo: Die Weiche Wollust Locket Zwar – Ingo Goritzki
33. No. 9 Aria: Ich Will Dich Nicht Horen – Ingo Goritzki
34. No. 10 Recitativo: Geliebte Tugend, Du Allein – Ingo Goritzki
35. No. 11 Aria Duetto: Ich Bin Deine – Ingo Goritzki
36. No. 12 Recitativo Accompagnato: Schaut, Gotter, Dieses Ist Ein Bild – Ingo Goritzki
37. No. 13 Chorus: Lust Der Volker, Lust Der Deinen – Ingo Goritzki

BAIXE AQUI (DOWNLOAD)

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) – Piano Trios

Diretamente do acervo de nosso amigo Helio Tavares, eis que finalmente consigo os Trios de Mozart, na interpretação sempre correta e sensível do Beaux Arts Trio. Era um sonho de consumo antigo, que se realizou, com a gentileza de Hélio em disponibilizar de seu acervo. E que acervo… neste mesmo lote, eis que também consigo os trios de Beethoven… é emoção demais para o coração do pobre FDP. Mas esses Beethoven vão esperar um pouco… E para aqueles que diziam que havia pouco Mozart no blog, eis que senti-me sensibilizado com as solicitações, e resolvi abrir meu acervo particular do mestre de Salzburg. Minhas próximas postagens serão mozartianas.

CD 1
Piano Trio (Divertimento) In B Flat Major, KV 254
1 – Allegro Assai
2. Adagio
3. Rondeaux (Tempo Di Menuetto)

Piano Trio In G Major, KV 496
1. Allegro
2. Andante
3. Allegretto (Thema Mit Variationen)

CD 2

Piano Trio In B Flat Major, KV 502
1. Allegro
2. Larghetto
3. Allegretto

Piano Trio In E Major, KV 542
1. Allegro
2. Andante Grazioso
3. Allegro

CD 3

Piano Trio In C Major, KV 548
1. Allegro
2. Andante Cantabile
3. Allegro

Piano Trio In G Major, KV 564
1. Allegro
2. Andante (Thema Mit Variationen)
3. Allegretto

Piano Trio In D Minor, KV 442
1. Allegro
2. Tempo Di Minuetto
3. Allegro

A interpretação está a cargo do Beaux Arts Trio (alguém já deve estar se perguntando por que diabos que os irmãos PQP e FDP têm tanta predileção por este trio? Ouçam e procurem as respostas na qualidade destas interpretações).

Piano: Menahem Pressler
Violin: Isidore Cohen
Cello: Bernard Greenhouse

Quem tocou junto por mais de três décadas deve ter algo a acrescentar, não acham?

CD 1 – BAIXE AQUI
cd 2 – BAIXE AQUI
CD 3 – BAIXE AQUI

Georg Friedrich Händel (1685-1759) – O Triunfo do Tempo e do Desengano

Já tínhamos postado esta notável obra de Händel, mas não apenas aquela versão era insatisfatória como não havia divisão por faixas nos arquivos. Estes aqui, retirados da discoteca de P.Q.P. Bach, estão perfeitamente organizados, dentro de nosso habitual padrão…

O anúncio da estréia dizia:

IL TRIONFO DEL TEMPO E DEL DISINGANNO
Oratorio in 3 parti
Libretto di Benedetto Pamphili
Musica di Georg Friedrich Händel

Roma, Collegio Clementino, giugno 1707

PERSONAGGI VOCI:
BELLEZZA Soprano (Beauty)
PIACERE Soprano (Pleasure)
DISINGANNO Alto (Disillusion)
TEMPO Tenor (Time)

Direttore: Arcangelo Corelli

Com este nome, poderia ser um oratório existencialista com o tempo e o desengano (ou verdade, ou desilusão) triunfando sobre a beleza e o prazer. Mas não, é um belíssimo oratório de Händel, muito pouco divulgado. O compositor, aos 22 anos, estava na Itália quando escreveu este que foi o primeiro de seus muitos oratórios.

Curiosamente, foi também o último, pois ele o reescreveu, traduzindo-o para o inglês com o nome de The Triumph of Time and Truth. No texto do oratório as personagens Beleza, Prazer, Desengano (ou Verdade) e Tempo discutem. É um tema bastante comum no repertório cheio de alegorias do barroco.

HANDEL: O Triunfo do Tempo e do Desengano

George Frideric Handel
Il Trionfo del Tempo e del Disinganno (The Triumph of Time and Truth)
Peer Abilgaard, alto
Nicholas Hariades, alto
Claron McFadden, soprano
Elisabeth Scholl, soprano
Performed by:Junge Kantorei
Frankfurt Baroque Orchestra
Conducted by:Joachim Carlos Martini

CD 1:

1. Part l: Sonata dell’Overtura, HWV 46a (Allegro) – Adagio – (Allegro); Sinfonia, HWV 46b – Allegro – Adagio 07:11
2. Part l: Solo al godere aspria il nostro cor (Chorus and Soloists) 03:01
3. Part l: Recitative: Qual veggo il mio sembiante (Bellezza) 00:22
4. Part l: Aria: Fido specchio, in te vagheggio (Bellezza) 05:06
5. Part l: Recitative: Io che sono il Piacere (Piacere, Bellezza) 00:33
6. Part l: Aria: Fosco genio, e nero duolo (Piacere) 04:58
7. Part l: Recitative: Ed io, che ‘l Tempo sono (Tempo, Disinganno) 00:28
8. Part l: Aria: Se la bellezza (Disignanno) 03:54
9. Part l: Recitative: Dunque si prendan l’armi (Piacere, Bellezza, Tempo, Disinganno) 00:24
10. Part l: Aria: Una schiera di piaceri (Bellezza) 05:39
11. Part l: Recitative: I Colossi del Sole (Tempo) 00:18
12. Part l: Aria: Urne voi, che racchiudete (Tempo) 03:06
13. Part l: Son large de dolor (Coro del Tempo) 01:43
14. Part l: Recitative: Sono troppo crudi i tuoi consigli (Piacere) 00:18
15. Part l: Duet: Il voler nel fior degli’anni (Bellezza, Piacere) 06:01
16. Part l: Recitative: Della vita morale (Disinganno, Bellezza) 00:39
17. Part l: Aria: Un piensiero nemico di pace (Bellezza) 02:30
18. Part l: Recitative: Folle, tu nieghi ‘l tempo, ed in quest’ora (Disinganno, Piacere, Bellezza) 01:07
19. Part l: Aria: Nasce l’Uomo, ma nasce Bambino (Tempo) 01:52
20. Part l: L’Uomo sempre se stesso distrugge (Choro) 01:38

BAIXE AQUI O CD 1 (DOWNLOAD)

CD 2:

1. Interlude: Concerto for Organ, Violin, Cello and Instruments (Andante allegro) 03:02
2. Interlude: Viver, nor amar (Bellezza, Piacere, Tempo, Disinganno, Coro) 04:59
3. Interlude: Sinfonia: Allegro 01:06
4. Part ll: Recitative: Questa e la Reggio mia (Piacere) 01:38
5. Part ll: Sonatina for Solo Violin – Allegro – Presto 00:57
6. Part ll: Sonatina for Carillon (Adagio – Andante) 01:09
7. Part ll: Recitative: Taci: qual suono ascolto? (Bellezza) 00:07
8. Part ll: Aria: Un leggiadro Giovinetto (Piacere) 07:14
9. Part ll: Recitative: Ha nella destra l’ali (Bellezza) 00:18
10. Part ll: Aria: Venga il Tempo, e con l’ali funeste (Bellezza) 03:22
11. Part ll: O Tempo, padre del dolor (Coro) 02:00
12. Part ll: Ritornello (Allegro, ma non troppo) 00:47
13. Part ll: Aria: Crede l’uon ch’egli riposi (Disinganno) 06:06
14. Part ll: Recitative: Tu credi che sia lunge (Tempo, Bellezza) 01:12
15. Part ll: Aria: Folle, dunque tu sola presumi (Tempo) 04:57
16. Part ll: Recitative: La Reggia del piacer vedesti? (Disinganno, Tempo) 00:22
17. Part ll: Quartetetto: Se non sei piu ministro di pene (Bellezza, Piacere, Disinganno, Tempo) 02:55
18. Part ll: Recitative: Se del falso piacere (Tempo) 01:12
19. Part ll: AriaChiudi, chiudi i vaghi rai (Piacere) 03:16
20. Part ll: Recitative: In tre parti divise (Tempo) 01:03
21. Part ll: Aria: Io sperai troval nel vero (Bellezza) 05:30
22. Part ll: Recitative: Tu vivi invan dolente (Piacere) 00:18
23. Part ll: Aria: Tu giurasti di mai no lasciarmi (Piacere) 03:47
24. Part ll: Recitative: Sguardo, che infermo ai rai del Sol si volge (Tempo) 00:26
25. Part ll: Aria:Io vorrei due cori in Seno (Bellezza) 01:49
26. Part ll: Recitative: Io giurerei, che tu chiudesti il lumi (Disinganno, Bellezza) 00:41
27. Part ll: Aria: Piu non cura (Disinganno) 03:18
28. Part ll: Recitative: E un’ ostinato errore (Tempo) 00:27
29. Part ll: Aria: E ben folle quel Nocchier (Tempo) 03:45
30. Part ll: Recitative: Dicesti il vero, e (benche tardi) intesti (Bellezza) 00:31
31. Part ll: Quartetetto: Voglio Tempo per risolvere (Bellezza, Tempo, Disinganno, Piacere) 01:52
32. Part ll: Pria che sii converta in Polve (Coro) 02:10

BAIXE AQUI O CD 2 (DOWNLOAD)

CD 3:

1. Part lll: Sinfonia: Andante, Da Capo. 01:38
2. Part lll: Recitative: Presso la Reggia ove ‘l Piacere risiede (Bellezza, Disinganno) 01:34
3. Part lll: Aria: Lascia la Spina (Piacere) 01:50
4. Part lll: Sarabande – Improvisation for Two Harpsichords (Almira, Hamburg 1704, HWV 1/4) 04:06
5. Part lll: Aria – Sarabande (II Trionfo del Tempo e del Disinganno, Rome 1707, HWV 46a/23), (Piacere) 06:56
6. Part lll: Recitative: Con troppo chiare note (Bellezza, Disinganno) 00:43
7. Part lll: Aria: Voglio cangiar desio (Bellezza) 04:27
8. Part lll: Recitative: Or che tiene la destra (Bellezza, Piacere, Disinganno) 00:30
9. Part lll: Aria: Chi gia fu del giondo Crine (Disinganno) 02:46
10. Part lll: Recitative: Ma che beggio? Che miro? (Bellezza) 00:55
11. Part lll: Aria: Ricco pino (Bellezza) 04:20
12. Part lll: Accompanied Recitative: Si, bella penitenza (Bellezza) 01:23
13. Part lll: Aria: Il bel pianto dell’Aurora (Tempo) 05:51
14. Part lll: Recitative: Piacer, che meco gia vivesti, il vero (Bellezza) 00:43
15. Part lll: Aria: Come Nembo che fugge col vento (Piacere) 05:23
16. Part lll: Accompanied Recitative: Or se la Verita del Sole Eterno (Bellezza) 00:39
17. Part lll: Aria: Quel del Ciel Ministro Eletto (Bellezza) 05:34
18. Part lll: Organ Concerto, Op. 4, No. 4, HWV 292: Allegro – Adagio 05:14
19. Part lll: Alleluia (Coro) 01:58

BAIXE AQUI O CD 3 (DOWNLOAD)

Total Playing Time: 02:59:34

Olivier Messiaen (1908-1992) – Quarteto para o Fim dos Tempos

Dedico este post a um cristão meu amigo.

Já que Clara Schumann e Rameau estão vivendo uma febre de música francesa, aproveito para falar sobre o fim do mundo.

Brincadeira, claro. Publico a seguir uma das maiores e mais importantes obras de nosso tempo. E francesa. Deixo o comentário desta gravação – realizada em 1979 na presença de Messiaen e distribuída com sua autorização – a cargo do crítico português Paulo Carvalho. Encontrei-a aqui.

O Quarteto para o Fim dos Tempos, de Olivier Messiaen, é daquelas obras que, uma vez escutadas, se impõem ao ouvinte (auditor, no original): quem a escuta não esquece a experiência e, se é melómano, a ela voltará muitas vezes — algumas certamente para se interrogar sobre o que procura de facto na Música. Porque se está aqui na presença de uma música da estirpe do Requiem de Mozart-Süssmayr, do Quarteto de Cordas n.º 8 de Chostakovitch, do Andante tranquillo da Música para Cordas, Percussão & Celesta de Bartók; uma música que celebra o homem e que o condena, que na sua consumação o enaltece e que na tragicidade pungente que lhe é intrínseca decreta a necessidade da sua ultrapassagem; uma música sumamente humana, mas para lá de todos os equívocos do humanismo. E, se isto parece um exagero aplicado a um mero produto artístico, então que se ouça até ao fim — mas mesmo até ao fim — o último andamento do Quarteto, intitulado Louange à l’Immortalité de Jésus. Mas não será preciso esperar por tanto: ao quinto andamento, uma espécie de versão desta loa, já o fôlego terá falhado.

Composta sob o signo da convulsão e do colapso, entre o Verão de 1940 e o início de 1941, aquando da prisão do autor, então membro das forças armadas francesas, pelas forças alemãs, no campo de detenção de Görlitz, na Silésia — a obra propõe-se ser uma meditação sobre o Apocalipse de João, mais exactamente sobre a passagem: “Eu vi um anjo pleno de força, descendo do céu, revestido de uma nuvem, tendo sobre a cabeça um arco-íris. O seu rosto era como o sol, seus pés como colunas de fogo. Pousou o seu pé direito sobre o mar e o seu pé esquerdo sobre a terra, e, mantendo-se sobre o mar e sobre a terra, elevou a mão para o Céu e jurou por Aquele que vive pelos séculos dos séculos, dizendo: não haverá mais Tempo: mas no dia da trombeta do sétimo anjo, o mistério de Deus se consumará.” (Ap.10, 1-ss.)

São conhecidas as motivações místicas de Messiaen, mas estas, não sendo secundárias para a compreensão de uma música frequentemente difícil para o auditor de obras menos exigentes, não devem impedir — bem pelo contrário — de fazermos desta sua obra leituras mais mundanas; não nos devem distrair, por exemplo, de realçar a diversidade de efeitos “físicos” que uma tal música é susceptível de provocar no auditor: desde o enlevo lírico ao alvoroço convulsivo ou à perturbação angustiante, desde a meditação à dança (de ritmos não habituais, bem entendido), desde a melancolia ao êxtase.

A obra foi concebida em oito partes ou andamentos, símbolo da eternidade ou da cesura do tempo. A inusitada composição instrumental do quarteto (violino, violoncelo, clarinete e piano) ter-se-á devido não tanto a um desejo do autor quanto a uma adequação à circunstância de serem os instrumentos que existiam ao seu dispor no campo de detenção. Não seriam, ao que parece, instrumentos de grande qualidade — o que não impediu que o compositor, mais tarde, se tivesse referido à primeira audição, ocorrida ainda no campo, nestes termos: “nunca eu fui escutado com tanta atenção e compreensão”.

1. Liturgie de cristal (3’01)

O clarinete, logo suportado por salpicos assimétricos de acordes no piano, abre o andamento com uma melodia quase bucólica no que é seguido por outra de natureza idêntica ao violino, enquanto o violoncelo num registo agudo vai distendendo lânguidas notas que dão ao todo uma cor diluída, um ambiente. O diálogo entre clarinete e violino (dir-se-ia entre dois pássaros) vai decorrendo ao sabor de um sem-tempo plácido, crescendo pouco a pouco em intensidade, mas sem nunca chegar a um paroxismo. A peça não termina propriamente: como que se extingue num sopro. O que não é de todo arbitrário, pois esta é baseada numa estrutura lógica e complexa (de “cristal”) que, se consumada, demoraria cerca de duas horas a tornar ao ponto de partida. Uma clara interrogação sobre a experiência moderna do tempo útil.

2. Vocalise, pour l’Ange qui annonce la fin du temps (5’06)

O piano irrompe enérgica e abruptamente com aglomerados de notas (clusters), pontuado ou interrompido ora pelo clarinete, ora pelos dois instrumentos de corda. A tensão aumenta sobretudo entre as cordas e o piano, mas resolve-se dali a pouco numa conclusão do piano, primeiro subtil e graciosa, depois peremptória, sublinhada pelo clarinete. Eis a introdução para o vocalizo que se seguirá após uma curta pausa e que estará a cargo do violino e do violoncelo, tocando à distância de oitavas longas e suaves notas, iluminadas pelos pingos de água do arco-íris ao piano. A atmosfera criada é misteriosa e leve, quase insustentável, ficando deliciosamente insuportável à medida que os segundos se escoam. Para tal contribuem as notas insistentes e cadenciadas do piano. A música torna-se então esparsa, soluçante, conhecendo pausas, silêncios que se vão introduzindo, fracturando um discurso que inicialmente, apesar de incomum, se previa lógico. Até que o silêncio se instala — para pouco depois ser invadido por um quase tutti que remata o andamento com violência.

3. Âbime des oiseaux (7’31)

E é chegada a vez de um completamente imprevisto — tratando-se a obra de um quarteto — solo de clarinete. Um longo solo de clarinete de mais de sete minutos, alternando entre dois estados: um, de longas notas, maximamente em registo grave, representando o abismo, a negação, as experiências humanas da angústia, da opressão e da morte; outro, de notas breves, saltitantes, soltas e agudas, anunciando a alegria e a participação do homem na experiência da eternidade. Seja ela o que for. Acresce dizer que Messiaen era um ornitólogo amador e que neste quarteto, como em muitas das suas obras, incorpora o profundo conhecimento que tinha do canto dos pássaros. Aliás, chega a dedicar obras inteiras a esse canto, como é o caso do monumental Catalogue des Oiseaux (1956-57).

4. Intermède (1’46)

Fazendo uso de uma imagética cara à linguagem apocalíptica, este andamento poderia perfeitamente ter recebido o nome de “racapitulação e anúncio”, porque é precisamente disso que se trata, uma recapitulação fragmentária de temas dos andamentos precedentes e anúncio embrionário de outros temas nos andamentos que se seguirão. Além disso, é um scherzo composto ele mesmo por sete movimentos (bastante coloridos pela alternância entre a agitação e a graciosidade). “Sete é o número perfeito, a criação de 6 dias santificada pelo sabbat divino; o 7 deste repouso prolonga-se na eternidade e torna-se o 8 da luz indefectível, da inalterável paz”, diz Messiean. Curioso é que neste andamento germinal, musicalmente genésico, o compositor não usa o seu instrumento, o piano, imobilizando-se, por assim dizer, na escuta — ou na contemplação.

5. Louange à l’Eternité de Jésus (8’36)

Quem quiser saber o que é a utilização do silêncio em
música, deve ouvir o segundo andamento da obra, mas quem quiser compreender como é possível que uma música caminhe para o seu silêncio deverá escutar este movimento (dueto de piano e violoncelo) e o oitavo (dueto de piano e violino). Até ao fim: isto é, muito para lá do eco do último acorde dado ao piano, muito para lá da extensíssima nota deixada a soar pelo violino, como que alheando-se do próprio instrumento. Aconselhável é que se suspenda por algum tempo a audição (quanto, o auditor saberá) para não sofrer o violento sobressalto da peça que se segue. A indicação para os músicos “infinitamente lento, extático” é suficientemente sugestiva do que aí se ouve, mas infinitamente insuficiente para descrevê-lo. De resto, descrever tal música seria quase obsceno: no fim, há só paz e respiração. A respiração pacificada de quem escuta. E quantas peças em toda a História da Música facultam tal experiência?

6. Danse de la fureur, pour les sept trompettes (6’45)

Seguindo as indicações de dinâmica, um decidido e vigoroso tutti em uníssono, quase orquestral na cor, ocupa a primeira parte desta “dança”. Uma “música de pedra”, como a descreve o próprio Messiaen, chamando ainda a atenção que o uníssono funciona aqui como sugestão do conjunto de trombetas. As frases melódicas começam por ser curtas, desenvolvendo-se imperceptivelmente para outras mais extensas, mas sempre angulosas, de dinâmica contrastante, marcadas por um ritmo poderoso, quase frenético, que adiante se adoça numa espécie de eco ou comentário. Por pouco tempo. O tutti regressa em toda a sua força, repetindo o tema da dança do furor — até que sobrevém a bonança através de um tema que aqui e ali evoca sonoridades e escalas orientais. O andamento prossegue com uma agitação de sacudidelas e contrastes ainda mais violentos que de início, plena de aceleramentos, abrandamentos bruscos, pausas, tendo o piano por protagonista das fracções mais lentas e os restantes instrumentos das mais rápidas. Após uma breve citação do tema “da bonança”, o andamento acaba categórico como um axioma.

7. Fouillis d’arcs-en-ciel, pour l’Ange qui annonce la fin du temps (7’35)

Este andamento evoca bem toda a cor do seu título. Inicia, no entanto, com um tema pleno de melancolia (como exige um “anúncio do fim dos tempos”), uma retoma do tema do vocalizo do segundo andamento sob a forma de variação. Para o “efeito melancólico” contribui grandemente a instrumentação (o dueto do piano com o violoncelo em movimento lento, “sonhador”, conforme indicação do compositor). Este tema (ou variações do mesmo) alternará, ao longo do andamento, com momentos de vivacidade, representantes do vórtice de cores do arco-íris que no relato bíblico encima a cabeça do anjo. Nestes momentos intervêm os restantes instrumentos, quer com subtis mudanças de intensidade, quer com bruscas contravoltas nos tempos musicais.

8. Louange à l’Immortalité de Jésus (8’14)

Similar ao quinto andamento na estrutura e no tipo de instrumentos utilizados: o piano e as cordas em dueto, neste caso o violino. Celebra-se aqui a ressurreição de Cristo, como vencedor do tempo.

Uma última nota. O título da obra, bem como a tradução que lhe dei de início, carecem de uma explicação mais aprofundada. O original, Quatuor pour la Fin du Temps, exigiria que se traduzisse “para o fim do tempo”, tal como no inglês se traduz “for the end of time” e no alemão “auf das Ende der Zeit”. Contudo, o tempo a que aqui se alude é, como se disse, o tempo do Apocalipse (apocalipse significa revelação), tempo que em português recebe, geralmente, a designação de “fim dos tempos” — tal como se utiliza “plenitude dos tempos” para designar o tempo propício, kairologico, da encarnação do Verbo. “Os tempos”, no plural, é uma expressão feliz, na medida em que dá conta de uma continuidade, de uma infinidade de momentos históricos que se sucederam, séculos, que sequencial e geneticamente estiveram ligados — tal como na música os compassos, ou a métrica regular. O título aponta para o fim de ambos: fim da História (não esqueçamos que se estava em plena Segunda Grande Guerra e que o mundo estava prestes a conhecer a dupla infâmia dos campos de concentração nazis e das Bombas Atómicas), fim da História do homem tal como o conhecêramos até então, e fim da música metrificada, da música “a tempo”. De facto, não é insignificante ou abstrusa esta referência ao tempo da e na música. A música ocidental conhecida começa praticamente com o Canto Gregoriano, um canto que, quando passou a escrita, não compreendia a divisão de compasso. Porque a interpretação, não era ainda interpretação, mas acto (de louvor e adoração, levado a cabo por monges); não era ainda leitura de uma pauta, mas percurso simultaneamente íntimo e plural, ad libitum, ao sabor da memória e do presente nu do canto. Digamos que a gramática musical não pretendia ainda abranger (pode-se dizer: medir) o pulsar da música, o tempo sem tempo do acto musical. Ao levar ao extremo a métrica irregular, prescindindo na prática da barra de compasso, Messiaen retoma esta tradição perdida, apelando para o eterno presente do som (o tempo kairologico, por oposição ao tempo cronológico do metrónomo), da vibração sonora ela mesma e da sua cor — ele que confessava padecer de sinestesia, pelo que via música nas cores e cores na música. Um dado importante para compreender toda a simbólica da obra…

Quatuor pour la Fin du Temps, de Olivier Messiaen

1. Liturgie De Cristal
2. Vocalise Pour L’ange Qui Annonce La Fin Du Temps
3. Abîme Des Oiseaux
4. Intermède
5. Louange à L’éternité De Jésus
6. Danse De La Fureur Pour Les Sept Trompettes
7. Fouillis D’arc-en-ciel Pour L’ange Qui Annonce La Fin Du Temps
8. Louange De L’immortalité De Jésus

Claude Desurmont (clarinete),
Luben Yordanoff (violino),
Albert Tetard (violoncelo),
Daniel Barenboim (piano).

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P.Q.P. Bach.

Johannes Brahms (1833-1897) – Complete Chamber Music (CD 3 de 11) Sonatas para Violino e Piano nº 1 em G maior, nº 2 em A maior e nº3 em D menor

Pois bem, eis então terceiro cd da Obra Integral de Câmara de Johannes Brahms. Demorou, mas veio. Nesse cd, temos as sonatas para violino e piano. E que podemos comentar sobre elas, além de dizer que são maravilhosas, de uma profundidade que atinge nossas almas, mas sem sobressaltos, e sim muita emotividade, paixão e energia, sem porém resvalar em superficialidades?
Tenho 4 versões destas obras: Shlomo Mintz, Anne-Shophie Mutter, Viktoria Mullova, e esta aqui, com Arthur Grumiaux e Gyorgy Sebok. Quatro versões totalmente diferentes umas das outras, mas todas conseguindo capturar a essência das obras. Um andamento de um pode diferir do andamento do outro, mas todas elas são fiéis ao espírito brahmsiano. Excelentes músicos. Daria um pouco mais de destaque para a versão da então jovem Anne Sophie Mutter, acompanhada pelo excelente Alexis Weissenberg. Se alguém quiser, posso postá-la aqui.
Mas darei a preferência à dupla Grumiaux/Sebok por ter sido a escolhida para integrar a série da Philips da obra integral de Câmera de Brahms.
Sugiro que, ao ouvirem estas obras, se preparem espiritualmente. Esqueçam os problemas e as preocupações, sentem em seu melhor sofá, relaxem, e aproveitem. Isso é Brahms em sua mais pura essência.

Sonata No. 1 in G major, Op. 78
I. Vivace ma non troppo
II. Adagio
III. Allegro molto moderato

Sonata No. 2 in A major, Op. 100
I. Allegro amabile
II. Andante tranquillo – Vivace – Andante – Vivace di piu –
III. Allegretto grazioso. Quasi andante

Sonata No. 3 in D minor, Op.108
I. Allegro
II. Adagio
III. Un poco presto e can sentimento
IV. Presto agitato

Arthur Grumiaux – violino
Gyorgy Sebok – piano

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Johannes Brahms (1833-1897) – Quarteto para Piano Op. 26

Completando os Quartetos para Piano de Brahms, apresentamos agora o de Nº2, Op. 26, com o Beaux Arts Trio.

Para que os outros Quartetos para Piano – Op. 25 (Nº1) e Op. 60 (Nº2) – sejam encontrados por vocês, basta clicar sobre o “Label” Brahms ao lado.

Os Quartetos para Piano de Brahms são obras fundamentais do repertório de câmara do compositor.

1. Piano quartet in a, op.26 : allegro non troppo
2. Piano quartet in a, op.26 : poco adagio
3. Piano quartet in a, op.26 : scherzo. poco allegro
4. Piano quartet in a, op.26 : finale. allegro

Beaux Arts Trio, com Walter Trampler (viola).

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Sergei Rachmaninov (1873-1943) – Concertos para piano nº 3, em D menor op 30, Concerto para piano nº 4 G minor op. 40

Pois bem,

Concluindo então a integral dos concertos para piano e orquestra de Rachmaninov, agora com famosíssimo concerto de nº 3, talvez o mais conhecido de todos, e o, para mim até então desconhecido, de nº 4. A interpretação sempre à cargo de Zoltán Kocsis e acompanhado pela Orquestra Sinfônica de San Francisco dirigida por Edo de Waart.

Concerto para piano nº 3, em D menor op 30

I. Allegro ma non tanto
II. Intermezzo (Adagio)
III. Finale (Alla breve)

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Concerto para piano nº 4 G minor op. 40

I. Allegro vivace (Alla breve)
II. Largo
III. Allegro vivace

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San Francisco Symphony Orchestra
Edo de Waart – Director
Zoltán Kocsis – piano

Jean-Baptiste Lully (1632 – 1687) – Lully-Molière / Les Comedies-Ballets

Há um problema com a música francesa, quem ignora? Até seu maior barroco, Jean-Baptiste Lully, nasceu Giovanni Battista Lulli, na bela Florença. Lully tornou-se francês, tendo passado a maior parte de sua vida trabalhando na corte de Luís XIV. Seu estilo de composição foi imitadíssimo na Europa. Mas, afora as brincadeiras com os franceses, Lully foi grande.

Inventou muitas coisas. Em 1671, passou a ocupar o posto de compositor oficial do rei. Três anos depois tornou-se mestre de música da família real. Criou o gênero sinfonie para preceder as óperas – até hoje é assim -, modificou o estilo das danças na ópera francesa introduzindo o minueto e danças mais rápidas. Elaborou a suíte, e organizou o grupo 24 Violons du Roi – primeiro conjunto especialmente criado para fins de concertos regulares para animar os balés da corte. Luis XIV gostava de se exibir dançando, Lully então desenvolveu a importância cênica da ópera, levando as bailarinas para o palco.

A seguir, apresentamos algumas peças que Lully criou para peças de Molière.

1. L’Amour Medecin: Ov: Chaconne/Le Recit De La Musique, Le Ballet Et La Comedie (Ritournelle Pour…
2. Les Plaisirs De L’ile Enchantee: Deuxieme Journee – La Princesse D’Elide: Premier Intermede: Le…
3. George Dandin – Le Grand Divertissement Royal De Versailles: Air Pour Les Bergers Joue…
4. Monsieur De Pourceaugnac – Le Divertissement De Chambord: Act I, Scene XI: Entre Des Matassins…
6. Le Bourgeois Gentilhomme: La Ceremonie Des Turcs: Marche/Chor Des Turcs/Le Muphti/2e Air/3e Air…
7. Les Amants Magnifiques: Ov/Pastorale: Prologue/La Nymphe De Tempe/Scene I Tircis/Scene II Lycaste…

Isabelle POULENARD, soprano
Agnès MELLON, soprano
Gilles RAGON, ténor
Michel VERSCHAEVE, baryton
Bernard DELETRE, basse
Michel LAPLENIE, ténor
Philippe CANTOR, basse

LES MUSICIENS DU LOUVRE
Marc MINKOWSKI

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Jean Sibelius (1865–1957) – Sinfonias Nos. 2 & 7

Atendendo a pedidos, postamos a Sinfonia Nº 2 de Sibelius. Dentre as sinfonias do finlandês, a segunda sinfonia não é uma das preferências de P.Q.P. Bach, que prefere as de Nº 4, 5 e 7. Para sua alegria, há um CD da Naxos onde a segunda vem acompanhada da maravilhosa sétima, apesar de que a gravação que mora nos ouvidos de PQP é uma antiga, a cargo do grande Evgueni Alexandrovitch Mravinski (1903-1988), junto à Filamônica de Leningrado, na qual o trombonista dá um show de competência. Aliás, acho que nesta gravação o engenheiro de som achatou o trombonista, que executa o principal tema desta vertiginosa sinfonia em um movimento.

O registro de Leaper não é nada ruim – longe disso! – e, como só tenho a gravação de Mravinski em glorioso vinil (que cuido com todo o carinho), fiquemos com ela.

Symphony No. 2 in D major, Op. 43
Performed by:Slovak Philharmonic Orchestra
Conducted by:Adrian Leaper

I. Allegretto – Poco allegro – Tranquillo, ma poco a poco revvivando il tempo al allegro 10:05
II. Tempo andante, ma rubato – Andante sostenuto 13:50
III. Vivacissimo – Lento e suave – Largamente 6:00
IV. Finale: (Allegro moderato) 13:21

Symphony No. 7 in C major, Op. 105
Performed by:Slovak Philharmonic Orchestra
Conducted by:Adrian Leaper

V. Symphony No. 7 in C major, Op. 105 20:25

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Sergei Rachmaninov (1873-1943) – Concerto para piano nº 1, em F Sustenido Maior, op. 1 – Rapsódia sobre um tema de Paganini, op. 43

Caríssimos,

Postagens anteriores já definiram meus sentimentos em relação de Rachmaninov, portanto, não entrarei em maiores detalhes a respeito. Graças a este recurso maravilhoso que é a internet, pude ter acesso a obras que sempre me chamaram a atenção, como é o caso de seus concertos para piano. A alguns anos atrás tive a felicidade de encontrar esta integral destes concertos, nas mãos deste grande pianista húngaro, que faz jus à fama dos grandes pianistas e compositores húngaros, Zóltan Kocsis. Admiro muito sua técnica e seu apurado estilo. Supera as dificuldades técnicas dos concertos com grande competência, e mostra um Rachmaninov que sempre quis ouvir: sem muitas firulas, nem acrobacias técnicas, e sem aquele romantismo exacerbado. Romântico tardio, sim, mas sem exageros. Ele é acompanhado pela San Francisco Symphony Orchestra, dirigida por outro europeu, desta vez holandês, Edo De Waart.
Comecemos pelo começo, como diria o outro: O Concerto de nº1. Ah, de “brinde” segue em anexo a Rapsódia sobre um tema de Paganini, op. 43.

Concert for piano e orchestra in F Sharp Minor, op. 1

I. Vivace
II. Andante
III. Allegro Vivace

Rhapsody on a Theme by Paganini op. 43

Zóltan Kocsis – piano
Edo de Waart – Director
San Francisco Symphony Orchestra

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W. A. Mozart (1756-1791) – Concertos para Piano Nº 19 e 20

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)

Concerto para piano e orquestra n. 19 em Fá maior, KV. 459

1. Allegro vivace
2. Allegretto
3. Allegro assai

Concerto para piano e orquestra n. 20 em Ré Menor, KV. 466

1. Allegro
2. Romance
3. Rondo (Allegro Assai)

Academy of St. Martin in the Fields
Alfred Brendel, Piano
Sir Neville Marriner, regência

BAIXE AQUI (DOWNLOAD) – Link gentilmente cedido pela Comunidade “Intérpretes Clássicos“.

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) – Prussian & Württemberg Sonatas

Uma amostra do que podia meu irmão C.P.E.! Ele foi o segundo filho dos 22 que meu pai teve – incluo na lista eu e F.D.P. – e não se enganem, foi grandíssimo compositor. Era filho de Maria Barbara. Seria muito mais famoso se não houvesse papai. É considerado o fundador e precursor do estilo clássico na música erudita.

Não é pouca coisa. Se a sonoridade de sua música ainda soa barroca, os temas curtos e afirmativos são já de feições inquestionavelmente beethovenianas. Durante a segunda metade do Século XVIII, a reputação de C. P. E. Bach permaneceu muito alta. Wolfgang Amadeus Mozart disse a seu respeito, “Ele é o pai, nós somos os filhos”. A maior parte dos exercícios de Haydn derivaram-se de estudos de sua obra. Ludwig van Beethoven expressou também a maior admiração e respeito. Esta posição deve-se principalmente graças as suas sonatas para cravo, que marcam uma época importante na história da forma musical.

Mas o que ficou, para nossa época, foram suas sinfonias e obras para mais de um instrumento. São obras mais eufônicas e gentis. Curiosamente, as sonatas que tanto ensinaram e Beethoven, Haydn e Mozart foram varridas do repertório. São obras difíceis, às vezes ásperas, e, sempre que as ouvi, comecei a admirá-las no segundo CD e a me entusiasmar no somente no terceiro. Há que se acostumar com o experimentalista Carl Philipp Emanuel. Obviamente, ele permaneceu muito longe de meu pai como compositor e criador, mas também é evidente que não merece o esquecimento.

Recuperamos aqui, neste esplêndido álbum triplo de Bob van Asperen, as tais sonatas. É um CD bastante difícil de se encontrar. Logo, eu e F.D.P. iremos postar músicas de mais fácil digestão, escritas por nosso mano.

Composer: Bach, Carl Philipp Emanuel
Length: 175:41
Period: Classical Era
Packaging: 3 CD Set
Genre: Piano Sonata

C. P. E. Bach: Prussian and Württemberg Sonatas 70:44

01 CPE Bach: Prussian Sonata #1-1 04:32
02 CPE Bach: Prussian Sonata #1-2 02:55
03 CPE Bach: Prussian Sonata #1-3 02:36
04 CPE Bach: Prussian Sonata #2-1 05:39
05 CPE Bach: Prussian Sonata #2-2 03:37
06 CPE Bach: Prussian Sonata #2-3 03:32
07 CPE Bach: Prussian Sonata #3-1 04:50
08 CPE Bach: Prussian Sonata #3-2 03:37
09 CPE Bach: Prussian Sonata #3-3 03:04
10 CPE Bach: Prussian Sonata #4-1 06:06
11 CPE Bach: Prussian Sonata #4-2 04:21
12 CPE Bach: Prussian Sonata #4-3 02:55
13 CPE Bach: Prussian Sonata #5-1 02:42
14 CPE Bach: Prussian Sonata #5-2 05:01
15 CPE Bach: Prussian Sonata #5-3 03:15
16 CPE Bach: Prussian Sonata #6-1 04:27
17 CPE Bach: Prussian Sonata #6-2 03:37
18 CPE Bach: Prussian Sonata #6-3 03:58

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CPE Bach Prussian and Württemberg Sonatas 56:10

01 CPE Bach: Württemberg Sonata #1-1 05:23
02 CPE Bach: Württemberg Sonata #1-2 03:59
03 CPE Bach: Württemberg Sonata #1-3 05:33
04 CPE Bach: Württemberg Sonata #2-1 05:04
05 CPE Bach: Württemberg Sonata #2-2 04:19
06 CPE Bach: Württemberg Sonata #2-3 04:08
07 CPE Bach: Württemberg Sonata #3-1 04:33
08 CPE Bach: Württemberg Sonata #3-2 04:47
09 CPE Bach: Württemberg Sonata #3-3 03:33
10 CPE Bach: Württemberg Sonata #4-1 06:03
11 CPE Bach: Württemberg Sonata #4-2 04:05
12 CPE Bach: Württemberg Sonata #4-3 04:43

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CPE Bach – Prussian and Württemberg Sonatas 48:47

01 CPE Bach: Württemberg Sonata #5-1 05:23
02 CPE Bach: Württemberg Sonata #5-2 04:24
03 CPE Bach: Württemberg Sonata #5-3 03:51
04 CPE Bach: Württemberg Sonata #6-1 05:44
05 CPE Bach: Württemberg Sonata #6-2 04:45
06 CPE Bach: Württemberg Sonata #6-3 04:59
07 CPE Bach: Württemberg Sonata #7-1 07:46
08 CPE Bach: Württemberg Sonata #7-2 06:31
09 CPE Bach: Württemberg Sonata #7-3 05:24

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Bob van Asperen, Harpsichord

Pyotr Il’yich Tchaikovsky (1840-1893) Violin Concerto in D major, Op. 35

Finalizando o duelo Heifetz/Oystrakh vai aí minha gravação favorita do Concerto para violino de Tchaikovsky, por sinal, um de meus favoritos. Para muitos, esta gravação, realizada ainda nos anos 50, sinto não poder precisar a data, é uma das melhores deste concerto único.
Creio que a primeira vez que o ouvi, fui numa viagem para Balneário Camboriú, quando eu tinha uns 10 anos de idade. Entre minha cidade e aquele balneário tem uma belíssima serra, a Serra de Dna Francisca. Eu costumava descer a serra com um tio, apaixonado por música clássica. Certa vez, no meio da serra, ele encostou o carro, e ficamos ouvindo este Concerto de violino de Tchaikovsky e apreciando a paisagem… até hoje, 30 anos depois, sempre que passo por lá, procuro associar a paisagem à esta magnífica obra. Só me lembro que esta gravação que ele tinha em fita cassete era da Deutsche Grammophon, mas não lembro que era o solista nem a orquestra. Ainda não prestava atenção nessas informações.
Enfim, grande obra, grande solista, excelente orquestra em seu apogeu com um de seus principais regentes… tudo isso somado só pode dar um resultado: excelente audição para todos…
Espero que apreciem como eu apreciei e ainda hoje aprecio…

Violin Concerto in D major, Op. 35

1. Allegro Moderato
2. Canzonetta
3. Allegro Vivacissimo

Jascha Heifetz – violino
Fritz Reiner – Diretor
Chicago Symphny Orchestra

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Gustav Mahler (1860-1911) – A Canção da Terra (Das Lied von der Erde)

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É a maior obra-prima de Mahler. A Canção da Terra (1908) é uma cantata sinfônica sobre textos de Li T’ai Po e outros poetas chineses, na tradução alemã de Hans Bethge. O melhor Mahler parece condensado nesta música que mistura o clássico com as predileções de Mahler pela música popular e folclórica. Sua permanente angústia religiosa e as dúvidas do intelectual se manifestam nesta música pessoalíssima e perfeita, que termina com uma comovente canção de despedida.

Não é, decididamente, uma obra para intérpretes amadores. A maior gravação é, na minha opinião, a de Leonard Bernstein com Dietrich Fischer-Dieskau, mas esta sempre esqueço em casa… A que apresento aqui, de Michael Halasz, não faz feio.

A seguir, coloco um excelente texto de Isabel Assis Pacheco sobre a obra (retirado daqui)

Das Lied von der Erde (“A Canção da Terra”) (c. 1h. e 10 min.)

Artista intransigente, Mahler levou à obsessão o desejo de perfeição. Homem atribulado e desiludido, fugiu do mundo, da civilização e mergulhou no seio da natureza, em busca de conforto. São suas estas palavras: “Um grande exemplo para todas as pessoas criativas é Jacob, que se bate com Deus até que Ele o abençoe. Deus tão pouco quer conceder-me a Sua bênção. Somente através das terríveis batalhas que tenho de travar para criar a minha música recebo finalmente a Sua bênção”.

O complexo universo mahleriano, muitas vezes caótico, sofredor, povoado de sinais de morte, mas também pleno de realidades belas, não é senão uma projecção da própria vida humana.
Com uma produção quase exclusivamente constituída por sinfonias e ciclos de canções, Mahler descobre o seu horizonte criativo. O compositor opera nestes dois domínios musicais uma síntese genial e grandiosa: por um lado confere ao Lied uma dimensão sinfónica e, por outro lado, insere o Lied em várias das suas sinfonias. A fusão destas duas formas musicais atinge a culminância em obras como a 8ª Sinfonia e a sua derradeira obra Das Lied von der Erde (“A Canção da Terra”), classificada como “sinfonia com voz”.

No final de 1907, três duros golpes do destino marcaram profundamente Mahler: a morte da sua filha mais velha, a demissão de director da Ópera de Viena e o diagnóstico de uma grave doença cardíaca. Por essa altura, o seu amigo Theodor Pollak ofereceu-lhe uma colectânea de 83 poemas Die chinesische Flöte (“A Flauta Chinesa”) que Hans Bethge tinha adaptado das traduções inglesa, francesa e alemã dos originais chineses. Pollak expressara a ideia de que esses poemas poderiam ser musicados e Mahler identificou-se de imediato com o espírito dos poemas, concebendo a adaptação de alguns deles. A razão da escolha de seis poemas, de rara beleza, da autoria de Li–Tai–Po, Tchang–Tsi, Mong–Kao–Yen e Wang–Wei deveu-se aos temas apresentados. Poemas voltados para a terra, para a natureza e para a solidão do homem no seio desses elementos, foram a fonte criativa de um documento pessoal e profundamente comovente que abre o último período criador de Mahler — Das Lied von der Erde “uma sinfonia para tenor, contralto (ou barítono) e orquestra”. Bruno Walter classificou esta obra como “apaixonada, amarga e ao mesmo tempo, misericordiosa; o canto da separação e do desvanecimento”.

Obra onde se encontra a fusão perfeita do Lied e da sinfonia, A Canção da Terra está impregnada de tristeza e nostalgia indefiníveis, mas também da celebração da natureza. Mahler conseguiu evidenciar nesta obra todos os aspectos do seu génio.
Nela encontramos tanto a ambivalência de sentimentos, entre o êxtase, o prazer e a premonição da morte, que caracteriza o próprio compositor, como também todo o clima outonal do romantismo tardio. Terminada no Verão de 1908, a obra só viria a ser estreada seis meses após a morte do compositor, a 20 de Novembro de 1911, em Munique, sob a direcção Bruno Walter. Constituída por seis andamentos, a obra inicia-se com um Allegro pesante em Lá menor. Das Trinklied von Jammer der Erde (“Canção de Beber da Tristeza da Terra”), do poeta chinês Li–Tai–Po, advoga o vinho como o melhor remédio para os males humanos. Diante do absurdo da vida, a embriaguez é a única saída para a dor e para a revolta. Cada estrofe da canção termina com o terrível refrão: Dunkel ist das Leben, ist der Tod (“Sombria é a vida, é a morte”). Usando genialmente todos os recursos orquestrais a fim de aumentar a tensão, Mahler cobre toda a gama de emoções.

O segundo andamento indicado Etwas schleichend (um pouco arrastado) é na tonalidade de Ré menor. A imagem poética desta segunda canção, Der Einsame im Herbst, (“O Solitário no Outono”) cantada neste caso pelo barítono, é a tristeza do homem que chora sozinho com as suas recordações e para quem “o outono se prolonga demasiado no seu coração”. Mahler sublinha o verso Mein Herz ist müde (“O meu coração está cansado”). O andamento termina melancolicamente com uma coda orquestral de extraordinária beleza. De índole totalmente diversa é Von der Jugend (“Da Juventude”). Com poema de Li–Tai–Po, este Lied é tratado em forma de miniatura e descreve uma cena chinesa.

Deparamo-nos com um pequeno “pavilhão de porcelana verde”, uma “pequena ponte de jade” que se reflectem no espelho do lago. A frágil superfície encantada é traduzida por delicadas sonoridades que nos transmitem um efeito de fria emoção.

Um procedimento análogo caracteriza o quarto andamento: Von der Schönheit (“Da Beleza”). Indicado como comodo, dolcissimo, esta canção descreve, num estilo gracioso, jovens raparigas a colherem flores de lótus na margem de um rio.

Porém, o andamento anima-se cada vez mais quando em ritmo de marcha (o mais vivo e agitado de toda a obra) jovens cavaleiros montados em corcéis de fogo, perturbam a nostalgia da cena. No final do poema reencontramos a atmosfera inicial. Tratado como uma canção de embalar de grande beleza tímbrica, o poema termina sobre um murmúrio das flautas e violoncelos:

In dem Funkeln ihrer großen Augen,
In dem Dunkel ihres heißen Blicks
Schwingt klagend noch die Erregung Ihres Herzens nach.

“No brilho dos seus olhos,
no calor do seu olhar sombrio,
ainda traem a emoção dos seus corações.”

Esta atmosfera é quebrada pelo quinto andamento, Der Trunkene im Frühling (“O Bêbado na Primavera”). Em forma de scherzo em Lá Maior, é um novo hino aos prazeres da bebida. O despreocupado e jovial Allegro inicial muda poeticamente quando um pássaro (tema brilhante para o piccolo) desperta o ébrio e o informa que a primavera chegou durante a noite. O ébrio protesta e diz que não acredita ter nada a ver com a primavera ou o canto dos pássaros:

Und wenn ich mich mehr singen kann,
So schlaf’ ich wieder ein,
Was geht mich denn der Frühling an!?
Lasst mich betrunken sein!

“E se não posso mais cantar,
então durmo de novo,
que me importa a primavera?
Deixai-me com a minha embriaguez!”

O último Lied, de longe o mais importante, tanto pela duração como pela beleza, é Der Abschied (“A Despedida”) e resulta da conjugação de dois poemas com afinidades temáticas, de Mong–Kao–Yen e Wang–Wei e ainda de alguns versos do próprio compositor que funcionam, neste caso, como coda.

No primeiro, o poeta espera o seu amigo para com ele contemplar o esplendor do crepúsculo. Mahler inicia o andamento com um interlúdio orquestral em forma de marcha fúnebre, criando assim um ambiente fascinante, entoado em uníssono pelos violoncelos, contrabaixos, violas, harpas e contrafagote. Quando a voz entra, sustentada pelos violoncelos, o efeito é de uma alma perdida, impressão intensificada pela transferência do lamento do oboé para a flauta. O poema descreve o entardecer:

Die Sonne scheidet hinter dem Gebirge,
In alle Täler steig der Abend nieder
Mit seinen Schatten, die voll Kühlung sind…

“O sol desaparece por trás das montanhas.
O anoitecer e as suas sombras frescas
surgem nos vales…”

Um tremolo de dois clarinetes termina esta variação que se cinge aos três primeiros versos. A segunda variação constitui um momento muito comovente da obra. Numa melodia ascendente inesquecível, o barítono descreve a Lua “como um barco de prata sobre o mar azul do céu”. O Fá agudo na primeira sílaba de Silberbarke (barco de prata), é como que o culminar de um desejo que depois se recolhe sobre si próprio. A cantilena da voz prossegue, sublinhada pelos clarinetes e pela harpa que precedem o reaparecimento do gruppetto. As texturas orquestrais simplificam-se para criar um ritmo ondulante em quartas na harpa, secundada pelo bandolim quando o poema nos fala do canto do regato e da respiração da terra. A ideia de nostalgia e a beleza da terra é retomada num novo tema com o verso: Alle Sehnsucht will nun träumen (“Todo o desejo se transforma em sonho”). Trata-se da melodia da canção, Ich bin der Welt abhanden gekommen (“Afastei-me do Mundo”) utilizada por Mahler no famoso Adagietto da sua 5ª sinfonia.

O clímax central da primeira parte é a candente irrupção do êxtase. O tema do desejo reaparece depois do grito Lebewohl (“Adeus”). O tema de Ich bin der Welt subjacente, é agora tratado pentatonicamente ao começar o verso:

O Schönheit! O ewigen Liebens–, Lebens–trunk‘ne Welt!

“Ó beleza! Ó mundo ébrio de amor e vida eternos!”

Um longo interlúdio orquestral entre os dois poemas, construído a partir de motivos já ouvidos, torna-se o prenunciador de futuras catástrofes. Soberanamente orquestrado, o ritmo de marcha fúnebre prossegue, lúgubre e insistente, enquanto a voz descreve a chegada do amigo e a sua despedida:

Du, mein Freund,
mir war auf dieser Welt das Glück nicht hold!

“Meu amigo,
a felicidade não me foi propícia neste mundo!”

Neste verso, a música dolente, modula para o modo Maior. No momento em que o poeta refere que procura repouso para o seu solitário coração, Mahler cita Um Mitternacht (“À meia–noite”). O tema do “desejo” volta a ouvir-se nos versos:

Still ist mein Herz und harret seiner Stunde!

“ O meu coração está tranquilo e aguarda a sua hora!”

Começa assim a maravilhosa e insólita coda em dó Maior, com versos da autoria do próprio Mahler :

Die liebe Erde allüberall
blüht auf im Lenz und grünt aufs neu!
Allüberall und ewig Blauen licht die Fernen!
Ewig… ewig…

“Em toda a parte a amada terra
Floresce na primavera e torna a verdejar!
Por toda a parte e eternamente resplandece um azul luminoso!
Eternamente…eternamente…”

Quando a voz entoa as últimas palavras Ewig… ewig, a música parece dissolver-se imperceptivelmente num pianíssimo, sustentado pelas cordas e com arpejos da harpa e da celesta. A música dá lugar ao silêncio e a emoção é levada à sua plenitude.

Isabel Assis Pacheco

Divirtam-se,

PQP Bach.

1. Das Trinklied vom Jammer der Erde 08:02 (Canção para Beber à Tristeza da Terra)
2. Der Einsame im Herbst 09:02 (O Solitário no Outono)
3. Von der Jugend 03:09 (Da Juventude)
4. Von der Schonheit 06:36 (Da Beleza)
5. Der Trunkene im Fruhling 04:26 (O Bêbado de Primavera).
6. Der Abschied 27:19 (A Despedida)

Ruxandra Donose, mezzo-soprano
Thomas Harper, tenor
Performed by: Ireland National Symphony Orchestra
Conducted by: Michael Halasz

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Sergei Rachmaninov (1873 – 1943) – Sinfonia nº2

Pois bem, como prometido, eis outra sinfonia de Rachmaninoff, desta vez a de nº2. Entre as 3, por enquanto é minha favorita. Seu adagio é belíssimo, suave, sem muitas pirotecnias, e Lorin Maazel segura bem as pontas, não caindo nas armadilhas açucaradas que ela pode ter em alguns momentos. Interpretação segura, com uma orquestra que dispensa comentários. Espero que apreciem, como eu apreciei…

Symphony no.2 in E minor op.27

1. Largo – Allegro moderato
2. Allegro molto
3. Adagio
4. Allegro vivace

Berliner Philarmoniker
Lorin Maazel – Director

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J.S. Bach (1685-1750) – Cantatas Profanas (6 de 8 CDs) – As Mulheres e o Café

Schlendrian é um pai grosseiro e está preocupadíssimo porque sua filha Lieschen entregou-se à nova mania de tomar café. Todas as tentativas de desviá-la de tão detestável hábito com promessas ou ameaças foram infrutíferas, até que, para dissuadi-la, oferece-lhe um marido. Lieschen aceita a idéia com entusiasmo e o pai parte apressadamente para conseguir-lhe um. Esta é a idéia principal da Cantata do Café (Schweigt stille, plaudert nicht, BWV 211), obra cômica de J. S. Bach, uma mini-ópera, que foi apresentada entre 1732 e 1735 na Kaffeehaus de Zimmermann, em Leipzig. A primeira Kaffeehaus da cidade foi aberta em 1694 — o café chegara à Alemanha em 1670 — e em 1735 a burguesia podia escolher entre oito privilegiadas casas.

A Kaffeekantate, BWV 211, foi encomendada a Bach por Zimmermann e é, em parte, uma ode ao produto e, de outra parte, uma punhalada no movimento existente na Alemanha para impedir seu consumo pelas mulheres. Acreditava-se que o “negro veneno” pudesse causar descontrole e esterilidade ao sexo frágil, mas Bach, em troca do pagamento de Zimmermann, ignorou estes terríveis perigos. Senão, talvez não musicasse uma ária que diz: “Ah, como é doce o seu sabor. / Delicioso como milhares de beijos, / mais doce que um moscatel. / Eu preciso de café.”; e nem nos brindaria com estas delicadezas…: “Paizinho, não sejas tão mau. / Se eu não beber meu café / as minhas curvas vão secar / as minhas pernas vão murchar / ninguém comigo irá casar”.

Bach aprendera muito bem, em sua vida familiar, que influenciar os jovens não era assim tão fácil. Portanto, adicionou um recitativo no qual os planos de Lieschen são revelados: o homem que quiser casar com ela terá de consentir numa cláusula: o contrato matrimonial certamente preverá que a mulher possa tomar café sempre que lhe apetecer.

No final, há um breve coro de três cantores, onde o café e a evolução são admitidos como coisas inevitáveis. Esta Cantata — ao lado de outras poucas obras vocais profanas — é uma evidente exceção na obra de Bach. O compositor, que possui a injusta fama de sério, aceitou o convite de Zimmermann para compor uma propaganda de seu Café e, como quase sempre fazia, produziu uma obra-prima, uma pequena comédia que funciona tanto no palco quanto nas salas de concertos. O efeito da primeira apresentação deve ter sido consideravelmente ampliado pelo fato de que às mulheres não era permitido cantar em cafés e o papel de Lieschen foi, provavelmente, interpretado por um cantor em falsete. Bach, com o auxílio do poeta Picander, construiu dois personagens muito humanos e verossímeis: um pai resmungão e rústico e uma filha obstinada e cheia de caprichos. O compositor parece estar à vontade ao traçar a caricatura do pai com o baixo pesado, os ritmos acentuados e a prescrição con pompa, enquanto os violinos rosnam para indicar seu temperamento irascível. Quando ele ameaça privar Lieschen de sua saia-balão de última moda, Bach indica seu tremendo diâmetro de forma escandalosa. A ária de Lieschen em louvor ao café é convencional, tão convencional que parece que o compositor quer insinuar que ela futilmente adotara tal hábito apenas para seguir a moda. Entretanto, seu entusiasmo por um possível marido não é simulado… A alegria expressa na melodia em ritmo de dança popular é contagiosa. Para os puristas, o divino e sacro Bach chega a ser grosseiro: afinal, quando Lieschen diz que quer um amante fogoso e robusto, os violinos e as violas silenciam, como para deixar bem clara aos ouvintes esta afirmativa sem rodeios. O Café Zimmermann deve ter vindo abaixo…

Bibliografia: leituras de textos de discos e CDs, de livros que não lembro mais e de Karl Geiringer, principalmente.

Cantata No. 210, “O holder Tag, erwünschte Zeit,” BWV 210 (BC G44)
Composed by Johann Sebastian Bach
with Sibylla Rubens,
Stuttgart Bach Collegium
Conducted by Helmuth Rilling

1. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: O holder Tag, erwunschte Zeit
2. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: Spielet, ihr beseelten Lieder
3. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: Doch, haltet ein, ihr muntern Saiten
4. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: Ruhet hie, matte Tone
5. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: So glaubt man denn, daB die Musik verfuhre
6. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: Schweigt, ihr Floten, schweigt, ihr Tone
7. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: Was Luft? was Grab?
8. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: GroBer Gonner, dein Vergnugen
9. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: Hochteurer Mann, so fahre ferner fort
10. ‘O holder Tag, erwunschte Zeit’ BWV 210: Seid begluckt, edle beide

Cantata No. 211, “Schweigt stille, plaudert nicht,” (Coffee Cantata), BWV 211 (BC G48)
Composed by Johann Sebastian Bach
with Sibylla Rubens, Thomas Quasthoff, James [tenor] Taylor,
Stuttgart Bach Collegium
Conducted by Helmuth Rilling

11. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Schweigt stille, plaudert nicht
12. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Hat man nicht mit seinen Kindern
13. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Du boses Kind, du loses Madchen
14. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Ei, wie schmeckt der Coffee suBe
15. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Wenn du mir nicht den Coffee laBt
16. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Madchen, die von harten Sinnen
17. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Nun folge, was dein Vater spricht
18. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Heute noch, lieber Vater, tut es doch
19. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Nun geht und sucht der alte Schlendrian
20. ‘Schweigt stille, plaudert nicht’ BWV 211: Die Katze laBt das Mausen nicht

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